Naia del Castillo y la búsqueda de lo singular en lo banal y de lo perverso en lo cotidiano

Cristina Fernández Crespo MIRANDO A Naia del Castillo

Naia del Castillo (Bilbao, 1975) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en la especialidad de escultura y Máster por Chelsea College of Art & Design en Londres. Actualmente es Doctoranda en el Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco. Ha residido y trabajado en Bilbao, Rotterdam, Londres, Barcelona, París, Roma, Nueva York, Hong Kong y Madrid, gracias a la ayuda de diversas becas como ISCP, Internacional Studio and Curatorial Program en Nueva York (2009) o Cité Internationale des Arts en París (2004).

Seducer, 2002 | Through the Looking Glass 2010

Naia, recientemente (del 23 octubre de 2015 al 17 de enero de 2016) la Sala Rekalde de Bilbao organizó una exposición retrospectiva sobre tu trayectoria artística en los últimos quince años, centrándose especialmente en tus nuevos trabajos. Esta muestra puede ser un buen punto de partida para hablar sobre tu ‘corpus’ artístico y conocer qué cambios has experimentado en el campo personal y profesional en este periodo.

Esta exposición reunió más de 40 piezas entre esculturas, fotografías e instalaciones. Fue una muestra muy completa que constituyó una revisión de mi trabajo. Se trataba de un recorrido no cronológico que intentaba repasar mi práctica artística y los principios que la articulan.

Un aspecto que se repite en mi obra es que parto siempre de lo cercano, observando lo singular en lo banal y lo perverso en lo cotidiano. Intento aludir a la ambigüedad entre el sujeto pasivo y el sujeto activo y sugiero que las acciones humanas están determinadas por las “cosas”, del mismo modo que estas están influidas por las condiciones humanas. En mi trabajo también reivindico el carácter subjetivo e íntimo de los materiales y las técnicas que lo integran, y desarrollo esta reflexión a través de la combinación del objeto escultórico, la acción performativa y su representación. De esta forma, construyo unas obras en las que existe una unión indisoluble entre la forma y el significado.

Creo que un aspecto que ha ido variando con el tiempo es que ahora, quizá, utilizo más libremente esa combinación de elementos que he mencionado. Estoy también más centrada en el aspecto procesual y plástico de la obra, que es lo que la configura en su forma y en su concepto.

Contestando a tu pregunta sobre mi campo personal, he de decir, que mi vida y mi obra siempre van unidas. Me licencié en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en la especialidad de escultura y luego hice un Master en Chelsea College of Art & Design en Londres. Esto fue en el año 2000. Aquí empecé realicé mi serie Atrapados y empecé a exponer y a trabajar como artista. Actualmente soy Doctoranda en el Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco. Todos estos años he residido y trabajado en Bilbao, Rotterdam, Londres, Barcelona, París, Roma, Nueva York, Hong Kong y Madrid, gracias a la ayuda de diversas becas como ISCP, Internacional Studio and Curatorial Program en Nueva York (2009) o Cité Internationale des Arts en París (2004).He realizado exposiciones individuales y colectivas en el ámbito nacional e internacional, en Estados Unidos, Latinoamérica, Europa y Asia. Entre las últimas se encuentran Flujos, (Fundación BilbaoArte, Bilbao, 2014), Altered Perceptions en Ilivetomorrow gallery (Hong Kong, 2011), Time After Diamonds (DeSantos Gallery, Houston, 2009), El Reino del Silencio. Escultura española 2000-2010 (Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, Segovia, 2009), Nuevas Historias. A New View of Spanish Photography and Video Art, (exposición itinerante, 2008, Museo de Arte Contemporáneo Kulturhuset, Estocolmo; National Museum Photography Den Sorte Diamant, Royal Library, Copenhage; Kuntsi Museum, Finlandia y Sternesen Museum, Noruega).

Me gusta muchísimo trabajar en residencias de artistas porque convives directamente y a tiempo completo con tu obra, con tus compañeros y sus obras, lo que enriquece muchísimo. A mi me llena, me coloca en el presente de la creación y hace que me cuestioné mi trabajo y que le plantee nuevas vías…

New Territories, 2010 | The two sisters, 2005

En este recorrido vemos una constante referencia a temas sobre la mujer, el cuerpo, lo privado, lo cotidiano y la naturaleza pero, a grandes rasgos, ¿has percibido que durante los últimos 15 años los temas y preocupaciones de tu trabajo han variado o hay alguna constante?

Y respecto a las técnicas y los materiales: ¿has investigado e introducido algunos nuevos?, ¿cómo es ese proceso de selección, investigación y ejecución? ¿Cómo decides qué proceso es el adecuado para cada pieza?

El cuerpo, el objeto y sus imágenes transmiten informaciones sociales, políticas y de género. En Atrapados, y en Desplazamientos son los muebles quienes condicionan desde su funcionabilidad o desde su adorno. En el primer caso planteo una interdependencia entre los muebles y el cuerpo femenino y en el segundo, la relación que como ciudadanos entablamos con la naturaleza y cómo la alteramos para convertirla en elemento de representación y la reducimos en una imagen construida culturalmente.

El humor y el guiño son también una constante que utilizo, por ejemplo en Seducción, para subvertir las reglas del juego, al presentar en una atmosfera algodonosa y rosa la escenificación estereotipada de la seducción sobre una alfombra de pelo blanco.

Sobre la seducción es una serie en donde hablo del juego circular y ambivalente de la seducción y de su construcción en base a rituales y estrategias. En la seducción me intereso por el uso del cuerpo que deja de ser un cuerpo real para convertirse en una imagen, una apariencia o un artificio. Con obras como Seductor o S.T. –Seducción, busco crear una contradicción de actitudes y géneros invitando al espectador a preguntarse por sus propios arquetipos.

Las series Ofrendas y Posesiones y las piezas que pertenecen a Doce Artistas en el Prado, un grupo de fotografías y objetos/esculturas que plantean una estética más oscura y barroca plantean la presencia y la ausencia femenina, encubriendo y enmascarando un cuerpo transformado en joya o cubierto de orificios y grandes ubres. El cuerpo es la estructura de la obra que funciona como soporte así como el activador que las porta, las ocupa o las utiliza.

En los últimos trabajos abandono el orden en el que utilizaba los mencionados “acción, fotografía y escultura” y centromi atención en el medio utilizado, el papel fotográfico o la tela. En la serie Flujos el cuerpo solo se muestra como una imagen para aludir a la caducidad del medio fotográfico, a la vez que la caducidad del propio sujeto, con el propósito de los límites del medio fotográfico y el uso de la imagen en los procesos de identificación del sujeto contemporáneo.

En la última serie titulada Nido de Abeja la figura humana desaparece de la obra. Planteo que observemos la entidad del cuerpo escultórico de una tela que ha sido fruncida y bordada tras un laborioso proceso manual llamado Nido de abeja. En este caso lo que me interesa es que la tela puede construirse, contenerse, doblarse, estirarse, curvarse, expandirse. No hay diferencia en el proceso del tejer y en su diseño por lo que es el proceso lo que crea el producto.

Untitled – About Seduction, 2002 | Domestic Space – Chair, 2000

Algunos de tus proyectos, como en «Desplazamientos»(2010) o en «Sobre la seducción» (2002), antes de la producción material, exigen un gran trabajo de planteamiento, observación y génesis. ¿Cómo encuentras esos temas para comenzar una investigación artística? ¿Los vas buscando o surgen de una suerte de encuentros fortuitos y causales?

Todos mis proyectos exigen un gran trabajo de planteamiento, observación y génesis. Aunque al ver mi obra en conjunto haya un hilo conductor muy potente, para mí cada serie nueva es como empezar de cero. Cada serie implica el aprendizaje con una técnica nueva o de un nuevo medio de expresión. Mi forma de trabajar es la de encontrar trabajando. Hay un primer paso en el proceso que es la experimentación que para mí es indispensable. Yo busco la obra, que puede materializarse en escultura o en imagen. Busco materiales, busco procesos. Cada serie conlleva una forma nueva de intervenir la pieza. La serie Atrapados empezó con la intención de realizar objetos que se mostrarán al público a través de acciones en directo. Por casualidad surgió la fotografía de esta acción y me interesó más que la propia acción en vivo. Aquí empecé con la fotografía. Durante todos estos años, he ido aprendiendo muchísimo, pero siempre tengo la sensación de no saber porque cada serie plantea nuevos retos que tienes que dominar. La serie desplazamientos, en vez de empezar por la parte escultórica, empezó por fotografías de mi entorno. Estas imágenes fueron trasladadas, gracias a las nuevas técnicas de impresión, a materiales que yo podía modificar y así construir piezas escultóricas. Para Ofrendas y Posesiones tuve que trabajar con joyeros ya que toda la serie surge desde los colores de los materiales preciosos, el rojo del rubí, el verde esmeralda, etc. y desde piezas de joyería como una venda de plata o u árbol de sortijas. Flujos surge del interés de un material y un procedimiento, la fotografía y sus recursos como medio, como son su fragilidad, su capacidad de duplicación y su pretensión de verosimilitud.

Junto con la fase de experimentación, va otra de investigación, a través de lecturas sobre el tema que me interesa, visitar expos…y conjuntamente voy realizando piezas que poco a poco van tomando forma.

En una ocasión* dijiste que el arte «es aquello que intenta mostrar lo que no se puede ver». Resulta especialmente interesante ver cómo esta afirmación se relaciona con tus trabajos fotográficos, con una técnica asociada a la fiel reproducción de lo real-visible, donde precisamente dejas ver lo que queda oculto. ¿Siempre has trabajado con fotografía como parte de tu proceso artístico? ¿En qué momento introduces esta técnica para «retorcer» su sentido?

Naia del Castillo: Ya he comentado que fue en el año 2000 donde apareció la escultura en mi lenguaje expresivo. Mi principal interés en la creación desde la escultura, desde el material, desde la forma. Aunque simpre me ha interesado mucho la forma relacionada al sujeto. Es una forma a escala al cuerpo, por tamaño y por uso. Esto ha sido algo que ha estado siempre presente. La fotografía apareció como el medio para visibilizar esa relación. Desde entonces me ha acompañado, pero yo he intentado que fuera de una manera para sugerir, no para mostrar. En algunas piezas, más que nada al principio, la escultura y la fotografía creaban una instalación indisoluble. Las dos piezas hablan de una aquí y ahora, de un instante eterno. Las dos piezas sugieren mil lecturas de la pieza. Luego la fotografía creo el material. Al imprimir sobre tela, yo daba forma a esa superficie capturada. La intención era la de romper el plano y “cobijarnos” en la imagen. Luego la imagen se convirtió en forma y en significado. En flujos, la destrucción de la imagen y sus múltiples copias configuran la creación de una objeto fotográfico que trata sobre si mismo, sobre la imagen y sus recursos.

Ahora mismo estoy hacienda fotografías de gran formato de pequeños trozos de tela que están fruncidos y bordados. A través de sumergirme con la cámara en estos trocitos, se abre ante mi un mundo oculto a primara vista. Un mundo de una gran belleza constructiva, estructural y serial que esconde variaciones que la hacen única.

También es muy interesante la función activa que tu trabajo ofrece al espectador, que se relaciona con tus obras e interactúa con ellas en el espacio. Algunas obras hablan de lo cotidiano y de cómo creamos un hábitat, un espacio construido culturalmente. ¿Crees que los espectadores se encuentran cómodos en el espacio expositivo o todavía hay mucha extrañeza, distancia y reparo ante el hecho artístico?

Los espectadores interactúan con mi obra desde un plano conceptual. Es posible que las mujeres encuentren más lazos con mi trabajo por los elementos y procesos con los que yo trabajo.

El hecho artístico es un lenguaje muy amplio que hay que ir conociendo, cuanto más vea un espectador menos incomodo se encontrará.

Flujos 1, 2013 | Entre flores y medusas XXIV, 2010

Cambiando de tercio, en un plano donde se tocan lo personal y lo profesional (si es que no lo hacen en todos), desde tu situación como mujer y artista, ¿has percibido durante los últimos 15 años que las artistas está ganando presencia y reconocimiento en los circuitos artísticos?¿Te has sentido en alguna ocasión en desigualdad de oportunidades -en cualquier ámbito- por tu condición de mujer?

La verdad es que no me he sentido nunca en desigualdad de oportunidades dentro de mi creación artística. Yo siento las desigualdades entre hombres y mujeres en todos los aspectos de la vida, en las relaciones, en los comportamientos, en las identidades, expectativas, etc. Los espacios y sus usos se construyen en esas diferencias y sobre eso también trata mi obra.

Dentro del mundo del arte también las hay, aunque yo no me he sentido nunca en desigualdad.

¿Crees que las instituciones y el sistema artístico español están abriendo realmente sus puertas al trabajo realizado por mujeres o su reconocimiento se suele comprimir en las programaciones del mes de marzo? ¿Confías en que esta tendencia de buenos resultados de inclusión en un futuro cercano?

Los sistemas en general son muy voraces. Predomina la tendencia y la novedad. Aunque si que es verdad que cada vez se van viendo, principalmente desde la institución, exposiciones muy interesantes de artistas mujeres con una obra magnifica.

Para conocer tu situación, ¿nos podrías contar si tienes algún proyecto expositivo en marcha?

Ahora mismo, como he ido comentando en la entrevista estoy preparado una serie de fotografias de gran formato para una exposicion antes del verano.

Sé que tu trabajo ha estado presente en varias ediciones de ARCO. Por último, ¿podremos ver tus piezas en alguna de las muchas ferias que tendrán lugar durante la Semana del Arte española?

Si, este año del 24 al 28 de febrero, la Fundación Amigos del Museo del Prado, ha organizado para 35 Edición de ARCOmadrid una colección de obra gráfica y fotográfica llamada: Doce artistas en el Museo del Prado. En esta colección, que se expuso en el Museo del Prado en 2007, cuenta con la presencia de: Isabel Baquedano, Carmen Calvo, Naia del Castillo, Cristina García Rodero, Cristina Iglesias, Carmen Laffón, Ouka Leele, Eva Lootz, Blanca Muñoz, Isabel Quintanilla, Soledad Sevilla y Susana Solano.

También expondré dos obras de mi nueva serie en las jornadas Puertas Abiertas de la Casa de Velázquez en Madrid, donde he pasado los últimos tres meses del 2015 con una beca de investigación y creación artística.