Gestoras Culturales VI MMM

    Gestoras culturales, protagonistas de MMM

    Aquí encontraréis a  las gestoras culturales que participarán en esta edición.

    Mujeres que cada día apuestan por dar lugar y valor a las artistas con las que trabajan. Por un lado nos encontramos con comisarias, galeristas, directoras de museo o de iniciativas relacionadas con cuestiones de género. Todas ponen su inteligencia y buen hacer al servicio del arte, como mujeres y como profesionales, por eso es imprescindible poner de relieve el trabajo de todas ellas.

    Las participantes hablarán DE. Es decir, presentarán a artistas-mujeres, desde su perspectiva como profesional del arte y como mujeres, nos hablarán de la artista y de su obra mediante un pequeño texto curatorial que nos permitirá conocer a la artista desde su mirada.  

    Algunas de ellas presentarán los proyectos que han llevado a cabo recientemente en nuestros «Proyectos Invitados».

    Por otro lado, esas otras gestoras culturales sin cuya participación este proyecto no habría nacido son las blogueras, periodistas y comunicadoras especializadas en arte. De nuevo estarán presentes algunas de las que han confiado en MMM desde la I edición a las que se han ido sumando muchas otras que tanto están aportando.

    Como sucedió en los años anteriores, blogueras, periodistas y comunicadoras hablaran CON artistas-mujeres de sus obras, de sus inquietudes y de cómo enfrentan su posición de artistas-mujeres. Nos mostrarán su lado más personal, así como su posición como artistas y como mujeres frente al feminismo y la discriminación.  

     
    Adriana Pazos Ottón

    Todas mis actividades están relacionadas con el arte en sus distintas facetas, el día a día trascurre entre el trabajo como gestora cultural, la docencia y creación de proyectos en didáctica y mediación artística, y mi faceta más ligada al arte como artista visual, en la que trabajo con vídeo, performance y fotografía investigando y creando espectáculos escénicos inmersivos en los que se relaciona el cuerpo físico con el cuerpo digital.

    Bellas Artes, Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo. Licenciada en Historia del Arte, Universidad de Santiago de Compostela. Estudios de Educación e Innovación en arte y cultura digital, UOC. Estudios de Vídeo, Fotografía y Live Video aplicado a Artes Escénicas. Técnicas artísticas aplicadas al trabajo de grupo y como vehículo aplicadas a la didáctica y la creatividad.

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    Alicia Elizabeth Dalterio

    Docente, Periodista en divulgación científica y salud, panelista y escritora en Congresos, artista plástica. Investigo a través de las artes, ejes temáticos asociados a la conciencia, el bienestar, la educación, la espiritualidad, la ecología y el futuro, hacia un mundo mejor. Publico noticias positivas e inspiradoras. Entrevisto a artistas que, de algún modo, han transformado su vida y la de otros con su hacer, su mirada y su acción. He trabajado como docente de niños, adolescentes y adultos, en hospitales y laboratorios de alta complejidad en inmunología y detección de enfermedades oncológicas, HIV y otras autoinmunes. Viajé investigando y dando talleres, en un abanico de temáticas de salud , artísticas y terapéuticas hacia el bienestar, que incluyen el sonido como herramienta armónica, los antiguos pueblos originarios, los aborígenes locales, lamas y monjes tibetanos, con los que asimismo he colaborado solidariamente. Creo que hay que aprovechar el tiempo histórico compartido que se nos ha dado, que ser puente desinteresado, sin apegos, permite seguir creciendo y fluyendo empáticamente hacia correctas relaciones. Los antiguos pueblos originarios americanos se referían a » caminar en la belleza» cuando nuestra presencia y modo de estar en la tierra, sereno y consciente, estaban conectados con todo lo que tiene vida. Compartimos un único hogar, la naturaleza en su expresión es la mayor artista. Es hora de estar atentos, de ver claro, de unir sin separatismo lo que hacemos y de notar lo que no hacemos. Las penas de las mujeres y niños son los de la tierra y viceversa. Podemos colaborar en restaurar ese equilibrio para beneficio de todos, desde nuestro lugar.

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    Almeris Herrera Martínez

    Nacida en el año 1966, en La Habana Cuba.Graduada de Historia del Arte en La Universidad de La Habana, Cuba, 1990. Al graduarme estuve trabajando en diferentes instituciones culturales en La Habana, entre las que figuran Galería Diago, La Casona, donde estuve dirigiendo su actividad dedicada a comisariar promocionar y comercializar el Arte Naif y el Grabado Cubano Contemporáneo. He sido seleccionada para integrar el Directorio de Mujeres Afrocubanas que han jugado importante papel en la Historia Cultural de su país y se puede consultar en www.directoriodeafrocubanas. com. Diferentes publicaciones avalan su trabajo como curadora.

    Ana Robledillo

    Ana Robledillo Cebrián (Madrid, 1976) es doctoranda en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid bajo el título “Espacio y la Huella. La ciudad y el artista como generador de lugares”. Ha disfrutado de distintas becas doctorales en México, Italia y Argentina. Licenciada en Bellas Artes por la UCM; Máster en Gestión Cultural y Diseño de Exposiciones por la Universidad Europea y Postgrado en Comunicación Institucional por la Universidad Austral (Buenos Aires, Argentina).

    Comisaria y gestora cultural independiente, ha sido entre el 2004 y el 2005 directora artística de la galería KA de Madrid y entre 2013-2016 directora artística de la galería Paula Alonso de Madrid donde ha recibido el Premio OFF de PHotoEspaña a la mejor exposición y el Premio Jugada a 3 Bandas. Al mismo tiempo, ha creado y coordinado el Festival de Viodecreación Vidas Cruzadas. Hasta la fecha ha comisariado diferentes exposiciones entre ellas: Yo, XXXX, puta, en invierno, de madrugada, en la Casa de Campo, 2005; Del pecado a la disolución de la culpa. (¿Dibujos contra el silencio y la simulación?), 2005; Judas. Linarejos Moreno, 2004; Carlos Rodríguez-Méndez. Como Romper Uma Palavra E Passar, 2015; Chema López. Ejecución En Efigie, 2015; Paula Rubio Infante. Ríen Los Dioses, 2014; El Tiempo Suspendido. PhotoEspaña. Álvaro Deprit, Jesús Madriñán, Tomás Miñambres, Jordi Ruiz Cirera y Marta Soul, 2013.
    Recientemente ha trabajado como coordinadora de actividades culturales y expositivas en CentroCentro (Ayuntamiento de Madrid).
    Durante todos estos años se ha desarrollado en paralelo en el mundo de la creación, el diseño, la comunicación y la gestión de proyectos culturales, de innovación y de transformación de la cultura de empresa.
    Actualmente es editora en La Maleza Editorial. Escritos de arte contemporáneo.

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    Andrea Martín

    Andrea Martín (Palencia, 1988) es gestora cultural, comunicadora audiovisual y especialista en políticas de igualdad y estudios de género; Licenciada en Comunicación Audiovisual, Máster en Gestión Cultural y Postgrado de Estudios de Género de la Universidad de Valladolid. En continuo aprendizaje y formación, tiene experiencia en gestión cultural, comunicación, cooperación cultural, distribución, ilustración, fotografía y vídeo. Ha trabajado en producción y gestión de invitados de L ́Alternativa Festival de Cinema Independent de Barcelona; en producción, programación y jurado de selección de festivales de cine (MCIP_Muestra de Cine Internacional de Palencia); Gestora Cultural en la Embajada de España y Centro Cultural de España – Casa del Soldado (Panamá); producción-realización de vídeo e imagen en UnveilArts (Londres); comunicación y selección proyectos en Fabriques de Creació Fabra i Coats; distribución en Artes Escénicas; Gestora cultural en el Ayuntamiento de Ampudia; forma parte de Gesculcyl-Asociación de Profesionales de la Gestión Cultural de Castilla y León.

    Actualmente centrada en la vinculación entre el mundo del arte, el género y el feminismo; curso de Creación Ciberfeminista en Ágora Espacio de Formación Feminista; creadora y coordinadora de Las que Habitan, plataforma para la visibilización, conocimiento y reconocimiento de las mujeres que habitan la cultura de Castilla y León; comisariado y coordinación del proyecto Versionadas (proyecto de creación contemporánea que tiene como objetivo la reinterpretación y reflexión de la violencia de género en el cine); facilitadora del taller MIRADAS, un taller de creación artística a través de la memoria de las mujeres de la ciudad de Palencia; coordinadora del proyecto LA NARRACIÓN DE LA MEMORIA, un proyecto participativo que busca escuchar, conocer y (re)interpretar el espacio público y la ciudad a partir de las vivencias, fotografías y memoria de las mujeres que habitan Palencia.
    Andrea desarrolla sus proyectos profesionales y personales entendiendo la cultura y el arte como motor de reflexión y transformación social.

    Anna Roig

    De Barcelona. Vive y trabaja en Madrid. Es Diplomada en Cinematografía y Artes Audiovisuales en la especialidad de Dirección de Cine y en la actualidad realiza el Ciclo Superior en Artes Plásticas y Diseño en Gráfica Impresa en la Escuela de Artediez. Desarrolla su pasión por la comunicación y la edición de contenidos colaborando con distintos medios online (entre los que se encuentran Anormalmag, Salitre Revista Cultural, Cóctel Demente o Arte a un click) y, desde febrero de 2017, con la gestión de su blog godArt Lab.

    Es co-fundadora de Nada / Lab, colectivo artístico que apoya y da visibilidad a artistas emergentes mediante publicaciones y exposiciones, cincuenta por ciento de Le mot le plus doux, colectivo artístico cuya obra se basa en la imagen y la palabra y co-creadora de La Aduana de Rousseau, exposiciones de arte efímeras realizadas con el objetivo de eliminar las barreras entre arte, artistas y amantes del arte.

    En la actualidad se encuentra inmersa en su proyecto más querido y especial: Mujeres que cortan y pegan, comunidad internacional de mujeres que se expresan mediante el collage cuyo principal objetivo es darles visibilidad y poner en valor esta técnica artística. En paralelo, desarrolla distintos proyectos artísticos con diferentes artistas.

    Se define como observadora y arqueóloga de cosas bellas. Le apasiona el collage manual y lo trabaja bajo el pseudónimo de annitaklimt.

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    Antonella Montinaro

    Antonella Montinaro es Directora de Exposiciones de GACMA, comisaria de exposiciones y crítica de arte.
    Licenciada en Disciplinas del arte de la música y del espectáculo (especialidad cine) y en Historia del Arte, lleva más de quince años comisariando exposiciones de arte contemporáneo a nivel internacional. Ha compartido su experiencia profesional en distintas ocasiones, entre ellas masters y conferencias universitarias. Su labor en el ámbito de la gestión cultural también se vincula con la crítica musical y cinematográfica para diferentes revistas especializadas.
    Destacamos entre los proyectos desarrollados a lo largo de su trayectoria profesional, distintas exposiciones entre ellas «Japan Now!», «De Picasso a Obey», «Superflat New Pop Culture», «Gesto de la naturaleza de Miquel Barceló», «Action Reaction, el universo creativo de David Lynch», la dirección artística de Upho Festival, el proyecto #Under35 , la colaboración con Genalguacil Pueblo Museo, la coordinación de WAU Festival y la colaboración con el departamento de cultura de Fundación ONCE durante sus Bienales de Arte contemporáneo y en la gestión de sus colecciones, programando más de 35 exposiciones itinerantes en los últimos 10 años.

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    Audrey García

    Licenciada en Historia del Arte, Filología Francesa y con un Master en Comunicación, se especializa en comunicación corporativa y cultural. Ha trabajado en varias agencias de comunicación como responsable RRPP, así como en galerías de arte y museos.

    Desde hace 10 años, se dedica al mundo asociativo, colaborando con varias ONG’s y entidades. Es vegana, antiespecista y antinatalista.

    En Igualdad Animal (Fundación dedicada a los Derechos Animales) ha sido responsable durante más de 4 años de la prensa y portavoz para Francia, en paralelo con la coordinación de las traducciones (hasta en 8 idiomas diferentes). Es responsable de comunicación y redes sociales para varios proyectos culturales, especialmente en el sector del arte urbano.

    Bárbara Velasco Ghisleri

    Investigadora, antropóloga, artista, fotógrafa, gestora y docente.

    Doctora en Sociología y Antropología, por la facultad de Ciencias Políticas (Universidad Complutense de Madrid), y experta en Performance Femenina contemporánea.
    Comprometida en el estudio, práctica y visibilización de la figura de la mujer desde el plano cultural y el académico. Compatibiliza su profesión como fotógrafa profesional, docente e investigadora, con la gestión de iniciatias culturales mediante colaboraciones en gestión cultural a través de proyectos expositivos como A Table, en Ginebra, Suiza, desde el 2016.

    Como investigadora académica, se centra en la realización de artículos de investigación centrados en el estudio de la mujer dentro del campo de la Antropología Cultural y el Arte. A la par, desarrolla una carrera como artista multidisciplinar (2013-2019), dentrando su obra en el estudio de la mujer y habiendo expuesto en diferentes espacios y ferias a lo largo del territorio español y suizo (Usine Kugler, Mondo Galería, Museo de Arte Moderno de Zagreb, LaColect, Franqueados o Museo de Cacabelos, entre otros) y habiendo recibido así mismo diversas becas de producción (Atelier Genevoise de Gravure Contemporaine, Espacio Oculto, etc.).

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    Beatriz Pereira Mateos

    Actualmente se encuentra finalizando sus estudios en Historia del Arte y Patrimonio Histórico-Artístico en la Universidad de Extremadura. Ha trabajado y colaborado en instituciones como el Centro de Artes Visuales de la Fundación Helga de Alvear (Cáceres), con experiencia en labores de gestión cultural y didáctica sobre artes plásticas; también gestiona proyectos artísticos como “Ayuda al mundo – Ayuda al artista” de Andrés Talavero, beneficiario de las Ayudas a Artistas Visuales 2018 por la Junta de Extremadura y, beneficiaro de esta misma beca en 2019: “Fractal” del artista emergente Ángel Acosta. Beatriz Pereira participa también en la web Arte Actual Extremadura de Montaña Hurtado, donde realiza entrevistas a artistas visuales extremeños; es autora en Woman Art House, una iniciativa que reivindica el papel de las mujeres artistas contemporáneas y donde ha presentado recientemente a la ilustradora placentina Gels Caletrío; también ha realizado texto para el proyecto expositivo de la artista Lara Ruiz. Sus tareas de investigación actualmente se centran en el arte contemporáneo y las últimas tendencias del arte español y, más concretamente, extremeño. En las redes sociales, lleva a cabo una intensa tarea de difusión y promoción de eventos culturales, exposiciones y artistas visuales contemporáneos.

    Carmen Dalmau Bejarano


    Carmen Dalmau Bejarano (Madrid,1960) Licenciada en Historia del arte e Historia moderna y contemporánea. Directora Sala EFTI, especializada en fotografía actual. Profesora de Historia del arte y estética en el Master de fotografía EFTI. Comisaria independiente de exposiciones. Crítica de arte. Autora del blog de fotografía  antevuestrosojos.. Colaboradora de la revista de fotografía Clavoardiendo.
    Fotografía: © Roberto Villalón.

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    Carolina Durán Parias

    Nació en Bogotá el 25 de Septiembre de 1982.
    Es Maestra en Artes Plásticas y Visuales de la Facultad de Artes ASAB, de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas y Especialista en Gestión Cultural de la Universidad Nacional de Colombia. Así mismo ha realizado estudios asociados a la práctica artística desde el mercadeo y la gestión cultural, enfocados a la formación , promoción y difusión de las artes en Colombia.
    Su obra plástica se caracteriza por el cuestionamiento a diferentes problemáticas de orden social, en relación con lo territorial, religioso, político y animal a través de recursos simbólicos, estrategias técnicas y elementos estéticos derivados del kitsch. Dicha obra ha sido expuesta a nivel colectivo en Colombia, Francia, Estados Unidos y Japón, así como en varias exposiciones de carácter individual realizadas en la ciudad de Bogotá.

    Cuenta con amplia experiencia docente, además de haber dirigido y desarrollado proyectos artísticos, educativos y de emprendimiento desde la gestión cultural.

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    Clara Fuster Pastor

    Realizó los estudios de Historia del Arte en la Universidad de Salamanca, y posteriormente cursó el máster en Conservación y Exhibición de Arte Contemporáneo en la Universidad del País Vasco. Como comisaria, está claramente ligada a las exposiciones de temática social, sobre todo en el aspecto feminista y del colectivo LGTB.

    Esto lo reflejan sus exposiciones, como pueden ser la muestra colectiva Políticamente (in)correcto, centrada en el arte que utiliza el cuerpo como un arma de lucha política, tratando temas de importancia social como lo son las mujeres o el colectivo LGTB. Se pretendía así buscar la visibilidad de estos colectivos, realizar un reconocimiento y buscar la empatía hacia estos grupos sociales que en muchas ocasiones son, desgraciadamente, marginados.

    Otro ejemplo es Mameha, exposición individual del artista Álvaro Bochert, donde se hablaba del vínculo del artista con el Japón tradicional y actual, y de su conexión con el universo femenino.

    Como la comisaria de Noelia Muriana, está realizando actualmente con ella dos proyectos expositivos, En pie de lucha volumen I y En pie de lucha volumen II. En el primero, se da visibilidad a la lucha colectiva de las mujeres y a los cuidados íntimos y mutuos a partir de las obras de la artista. En el segundo, se utiliza una frase de Simone de Beauvoir, «No se nace mujer, se llega a serlo», para conectar todas las obras de la muestra y mostrar las múltiples facetas de la artista. Se pretende así mismo realizar En pie de lucha volumen III que aúne las ideas de los dos primeros proyectos.

    Actualmente también se encuentra trabajando con la artista Ritha Thende Migomba en otro proyecto expositivo sobre el estigma de las enfermedades mentales en la gente joven. Este proyecto se encuentra en una fase de construcción temprana.

    Claudia Mandel Katz

    Argentina naturalizada costarricense.
    Docente universitaria, investigadora en temas de arte, género y feminismos.
    Fundadora y directora del Museo de las Mujeres de Costa Rica, desde 2009. Miembro de la Junta Directiva de IAWM (International Association of Women’s Museums), periodo 2016-2020.

    Doctora en Historia VII Promoción con énfasis en “Poder, Ambiente y Desigualdades en Centroamérica” por la Universidad de Costa Rica, abril 2016. Graduación de Honor SEP. Doctora en Estudios de la Sociedad y la Cultura por la Universidad de Costa Rica, abril 2011. Graduación de Honor SEP. Magíster Artium por la Universidad de Costa Rica, abril 2006. Graduación de Honor SEP. Licenciada en Historia del Arte por la Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires, 2001.
    Profesora Nacional de Dibujo y Pintura por la Academia Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, Argentina, 1985.

    Autora de los libros: Estéticas del borde: Prácticas artísticas y violencia contras las mujeres en Latinoamérica. Mapa del cuerpo femenino. Una lectura deconstructiva de creadoras visuales en Costa Rica.

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    Claudia Mera

    Claudia Mera y C. Lenkiewicz y Sat Dyal Kaur son la misma persona.

    Claudia Mera tiene una Maestría en Crítica y Difusión de las Artes del Departamento de Crítica de la Universidad Nacional de Artes de Buenos Aires (UNA) y otra en Comunicación con énfasis en cultura por la Universidad Católica del Uruguay.

    Participa de la Fundación de Arte Contemporáneo desde 2007.

    Integra el colectivo La obra ya empezó con Fabricio Guaragna y Sergio Muñoz, y juntos hicieron TRANS: Juanito Profundo & La vagina de Laura Ingalls en el Espacio de Arte Contemporáneo en noviembre de 2013.
    http://laobrayaempezo.blogspot.com.uy

    Junto a C. Lenkiewicz formó parte de la muestra ARTE DEGENERADO ACTO I que se presentó en la Colección Engelman Ost en 2015 y ACTO II en Casa Brandon de Buenos Aires en 2016.
    http://proyectoartedegenerado.blogspot.com.uy

    Produjo Los Monólogos de la Vagina desde 2007 hasta 2018 para Vday.org

    Participó de MMM presentando a la artista Alejandra González en la convocatoria 2019.

    Escribió HUMEDADES, una novela publicada por Editorial Estuario.
    http://estuarioeditora.com/libros/humedades/

    Escritora, artista visual y productora de teatro, investiga acerca de la identidad y los procesos de creación de las obras contemporáneas transdisciplinarias, y lo registra en su proyecto/plataforma WANDERLAND www.wanderland.com.uy

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    Colectiva COCO

    COCO es una colectiva constituida a fines de 2016 por Catalina Bunge, Natalia de León, Lucía Ehrlich y María Mascaró. Actualmente la conforman María, Catalina y Natalia; mujeres latinoamericanas proponiendo re-activar diálogos dentro del campo del arte contemporáneo todavía regido por el patriarcado de las antiguas capitales artísticas. Entendemos al arte como herramienta de comprensión y potencia para el cambio.

    Nos proponemos producir acciones concretas que motiven a una reflexión profunda sobre los temas que nos ocupan; (1) el género como una herramienta de opresión y control de identidades diferentes a la del hombre y sus consecuencias concretas, la violencia de género, la desigualdad de oportunidades, etc.; y (2) la construcción de la identidad en la posmodernidad.

    Reflexionamos sobre el arte uruguayo y sus artistas, sus problemáticas reales, sus historias y sus posible devenir; para dialogar en los desafíos que enfrenta el arte internacional a través de la obra de lxs artistas uruguayxs.

    Investigamos, producimos, gestionamos y participamos en el campo del arte y sus cruces con los diferentes sectores de la sociedad.

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    Colectiva La Emancipada

    La colectiva de arte La Emancipada irrumpe en las dinámicas tradicionales y hegemónicas del arte local en el año 2009, en la ciudad de Quito, está conformada por las artistas Ibeth Lara Pazmiño, Tania Lombeida Miño y Pamela Pazmiño Vernaza, quienes han venido creando proyectos visuales de reflexión crítica y autocrítica en torno a las cuestiones del arte y feminismos. Desde el 2012 hasta la actualidad, gestionan la plataforma expositiva Arte Mujeres Ecuador (AME).
    Sobre las fundadoras:
    Ibeth Lara Pazmiño: Licenciada en Artes plàsticas (UCE), Diseño Gràfco (SECAP), Master en Ciencias de la Educación (PUCE). Actualmente cursa el Máster en Museología y Gestión de Museos (IBEROMUS). Ejerció la docencia de artes visuales en la secciòn primaria y secundaria, actualmente labora en el área de Museología Educativa del Museo Interactivo de Ciencia en Quito. Ha participado en varias exposiciones colectivas la más reciente “Mujeres Difíciles” enero 2019 M S Arte Galería, Quito.
    Tania Lombeida Miño: Máster en Creación Artística: Realismos y Tratamiento de Entornos, Universidad de Barcelona, Lcda. en Artes Plásticas, Universidad Central del Ecuador y Lcda. en Restauración y Museología, Universidad Tecnológica Equinoccial. En el 2013 fue acreedora de una Beca de formación académica de la Secretaría de Educación Superior, Ciencia, Tecnología e Innovación del Ecuador. Ha ganado varios Fondos Concursables del Ministerio de Cultura y Patrimonio para Proyectos Artísticos. Se ha desempeñado como consultora de arte y Jurado Externo de las Convocatorias Públicas 2019 del IFAIC. Actualmente dirige el proyecto ARCHIVAS & DOCUMENTAS Mujeres, Arte & Visualidades Ecuador. Ha expuesto a nivel nacional e internacional (Alemania, Venezuela, Inglaterra y España).
    Pamela Pazmiño Vernaza: Licenciada en Artes Plásticas, mención en Pintura y Grabado de la UCE. Estudió una Tecnología en Diseño Gráfico y Multimedia en el IAVQ. Máster en Investigación en Prácticas Artísticas y Visuales en la UCLM. Actualmente, cursa el Doctorado en Artes, Humanidades y Educación en la UCLM y la fase de investigación del Máster en Investigación de la Educación en la UASB. En 2014 fue acreedora del Premio Fondo SECU a la creación artística. Y en 2015 fue finalista del Premio Brasil de Arte Contemporáneo Emergente, en el Centro de Arte Contemporáneo de Quito. Ha realizado exposiciones individuales entre las que se destaca: “Amorfosis” (2014), “El Bello Sexo” (2017), así como numerosas exposiciones colectivas, siendo la más reciente la muestra: “Sin ir más allá” en el Centro Cultural Urbano Cumandá en Quito.

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    Colectivo SHE – Se habla español

    SHE – Se habla español es un colectivo curatorial establecido en el 2017 por Noelia Lecue Francia, María Alejandra Sáenz García, Andrea Valencia Aranda y Natalia Viera Salgado en Nueva York. Como hispanohablantes y curadoras, el colectivo trabaja en proyectos artísticos interdisciplinarios que buscan expandir los límites del lenguaje y explorar la migración, la identidad, los derechos humanos y la memoria.

    La misión de Se habla español es desarrollar, a través del esfuerzo colectivo y perspectivas diversas, investigaciones artísticas y curatoriales que se reflejan en exposiciones, publicaciones, charlas y talleres. Nuestro objetivo es que la investigación del colectivo responda a la realidad contemporánea mediante la creación de plataformas para reflexión y la producción artística. Bio de sus componentes.

    Cristina García-Camino Mateos

    Nace en 1969 en Salamanca, donde estudia Bellas Artes y se especializa en diseño y audiovisuales. Se ha especializado en Fotografía con numerosos cursos, entre ellos: Cursos de “Laboratorio Superior” impartido por Manuel Serra en Visor, Valencia, Curso de “Goma Bicromatada” impartido por Cristina Zélich en Salamanca. ”Morfología e Identificación en la copia del S.XIX” impartido por Angel Fuentes de Cía en Zaragoza, “El cuerpo”, Rafael Navarro, Explorafoto, Salamanca. Ha trabajado como fotógrafa en la Filmoteca de Castilla y León hasta 2005, en labores de Conservación, catalogación de las colecciones de la fototeca y reproducción y publicación de sus archivos. Ha impartido la clase “Fotografía pública, fotografía privada” e “Historia de la Fotografía” en la Facultad de Comunicación audiovisual de la Universidad de Salamanca. Ha trabajado en la Exposición “Fotografía y Sociedad en la España de Franco” (Las Fuentes de la memoria III) de la Universidad de Salamanca. Trabajó también en la Documentación de la colección del fotógrafo M.Laguillo en Barcelona. En la Galería Alonso de Barcelona. En la actualidad es Representante de artistas en labores de comisariado. Y trabaja desde el 2018 hasta la actualidad en el DA2 en el servicio educativo del Museo con labores pedagógicas, realizando talleres y de mediadora cultural. Es colaboradora en la revista «Arte a un Click».

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    Dora Román

    Madrid. En 2014, fecha en la que terminó su licenciatura en Bellas Artes, se trasladó a El Escorial, lugar donde vive y trabaja actualmente.  Realizó primero estudios de Geografía e Historia y posteriormente un DEA en Historia del Arte, y  decidida a hacer de su pasión una profesión, dedica su tiempo a la tarea artística y a labores de gestión cultural, formando parte de las  asociaciones Imagina Escorial, X el Arte,  MAV Mujeres en las Artes Visuales,  perteneciendo a su grupo de comunicación y Blanco, Negro y Magenta, de la que es presidenta. Colabora igualmente con las revistas digitales Tap Magazine y M-Arte y Cultura Visual. 
    Las últimas exposiciones individuales en las que ha participado son: ‘Últimas Miradas (de Gerda Taro)’’, Fundación Aisge, Madrid; Sala Alfonso X el Sabio, Guadarrama; Sala Lorenzo Vaquero, Getafe y Museo MAC Florencio de la Fuente de Huete (Cuenca) y ‘Yo (no) pedí ser princesa’ Escuela Julián Besteiro, Madrid.
    Entre las colectivas, en 2019: ‘Una de cada tres’, Casa de Cultura Mieres (Asturias); ‘Se m’ha oblidat que t’he oblidat’,  Col·legi Major Rector Peset-Universidad Valencia; ‘We Are People & Jendeak gara’ Museo Oiasso, Irún (Guipúzcoa) y CollageMe,  Loompa Studio, Madrid. En  2018:  ‘Mujeres Encarceladas, entre otras muchas’, Universidad Politécnica (Valencia), Imagina Escorial Cambio Climático, Sala de Exposiciones San Lorenzo de El Escorial (Madrid), The Lunch, Galería Abierto Theredoom (Madrid). En 2017: Art Fair Málaga – Palacio de Exposiciones y Congresos (Málaga), Layer_Text Project,  Facultad de Bellas Artes, Quinta del Sordo y Centro Cultural Pilar Miró (Madrid). En 2016: Ventanas al Arte (San Lorenzo y El Escorial); Proyecto Imagina Escorial,  Galería Edurne (El Escorial), Sobredosis, Espacio Despliegue (Madrid) y I Jornadas El cuerpo como medida, Universidad Rey Juan Carlos, Campus Fuenlabrada (Madrid).

    Elena Bangueses

    Es Historiadora del Arte por la Universidade de Santiago y tiene un Máster en Gestión Cultural por la City University of London. También ha cursado estudios en la Universidad de Roma, La Sapienza. Elena ha trabajado durante siete años como gerente en la Saatchi Gallery de Londres, desarrollando numerosos proyectos expositivos y de venta de arte en dicha institución.

    Durante su carrera profesional ha ido complementando su labor en la Saatchi con numerosos proyectos como comisaria y gestora cultural independiente, organizando diversas exposiciones y proyectos en España y el Reino Unido, entre los que destacan: “In&Out Board Project, an artistic process on a neighborhood” (Le Sorelle River Barge, Londres), “O Froito prohibido, María Xosé Dominguez” (Auditorio de Cangas do Morrazo), “Abstracción Irreversible, Nuria Lago” (Apo’strophe Arte, Vigo), “Cromostesia, Ana Fervenza” (Apo’strophe Arte, Vigo), “Espazo de Arte Contemporánea, Culturgal 2018” (comisaria invitada por Apo’strophe Arte), “Polo Vigo” (3 Bienal de Arte de Gaia, Vilanova de Gaia, Portugal), “In no meaningful way, Thomas Apostolou” (AC Palacio del Carmen, Santiago de Compostela y Apo’strophe Arte, Vigo).

    Como experta en arte contemporáneo y gestión de arte, participa con regularidad como conferenciante invitada en la City University of London, Universidad de Santiago de Compostela y Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, Universidad de Vigo.

    También ha participado como jurado en certámenes de arte como “Plastika” en 2017, 2018 y 2019, así como en los “Premios Culturales 2018 Deputación de A Coruña”.

    Elena también cuenta con experiencia en prensa y radio, trabajó para Alter Musica Radio y ALIA Magazine en París, una organización especializada en eventos culturales en la ciudad de París. Como colaboradora para Radio Voz con el programa cultural “Cien Campanas”, siendo componente del colectivo Sabor a Menta, obtuvo en 2007 el Primer Premio de periodismo “Compostela Monumental – La Caixa”.

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    Emma Trinidad

    Write | Curate | Love Art | Herstory of Art. Licenciada en Historia del Arte y Máster en Museología por la Universidad Complutense de Madrid. Especializada en arte contemporáneo, con vocación por la investigación y la comunicación, centra su interés en las prácticas artísticas contemporáneas.
    Ha trabajado en los departamentos de Colecciones del Museo Reina Sofía y del Museo de Bellas Artes de Bilbao, en el ámbito del estudio de las colecciones, su catalogación, difusión y estrategias de exposición. Como redactora y crítica de arte contemporáneo ha colaborado de manera habitual en PAC Plataforma de Arte Contemporáneo y otros medios especializados.
    Comprometida con las prácticas artísticas feministas participa desde 2016 en Mujeres Mirando Mujeres. También es autora y curadora de contenidos del blog Contemporaneidades donde reúne la mayor parte de sus publicaciones, artículos, entrevistas y ensayos críticos sobre las prácticas artísticas contemporáneas y sobre la teoría y práctica del comisariado. En 2017 inicia junto a Sara Torres el proyecto Woman Art House, un espacio en el que hacer una Historia del Arte en femenino.
    Como proyectos de comisariado participa en la exposición y publicación comisariada por el DIDDCC, «Colección XIV: Pública» en el CA2M. En 2019 ha sido comisaria de la exposición «Relato abierto. Miradas contemporáneas al arte del pasado en las Colecciones del CA2M», para la RedItiner de la Comunidad de Madrid.

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    Esther González Gea

    Historiadora del Arte por la Universitat de València con Máster en Historia del Arte y Cultura Visual de la misma Universidad. En la actualidad forma parte del Programa de doctorado de la Universitat de Valéncia con el tema central de la fotografía post mortem y su pervivencia. De forma transversal trabaja la fotografía vernácula vinculada a aspectos de género, su relación con la maternidad y la mortalidad, y consideraciones populares de la misma.

    Dentro de su actividad profesional como estudiante organiza junto al SEDI y la Universitat de València dentro del programa Parlem d’art varios encuentros, entre ellos, “Fotografía: los límites del medio”; dos años después, “La moda que constriñe”; y en la IV convocatoria presenta “El deseo femenino a escena”.

    Entre el 2016-2017 participa en la creación del último Fake de Joan Fontcuberta en torno a la invención de un fotógrafo, Ximo Berenguer y organiza el Workshop liderado por la artista contemporánea María Cañas para el Departamento de Historia del Arte de la Universitat de València. Asimismo ha participado en congresos nacionales e internacionales como I Congreso Internacional de Fotografía celebrado en la Universidad Politécnica de Valencia, o más recientemente en el I Congreso Internacional sobre masculinidades e Igualdad en la Universidad Miguel Hernández, además de publicar sus investigaciones en revistas de carácter académico.

    Dentro de la asociación Pangaea de jóvenes investigadores de la Universitat de València colabora en la organización del Festival per la Igualtat centrado en cuestiones de género y arte. A finales del 2017 recibe el Premio de Investigación José María Moreno Royo por su trabajo «Sine Manu Facta. Fotografía post mortem en los fondos Gadea». Durante su trayectoria como doctoranda ha sido invitada a impartir clases específicas o charlas sobre sus líneas de investigación centradas en la fotografía, la maternidad y la muerte, siempre desde una perspectiva de género.

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    Eva Tamargo

    Eva Tamargo CEO y Fundadora de El Club de las Mujeres (in)Visibles, una plataforma que fomenta la igualdad a través del arte, que visibiliza a mujeres artistas y que actúa como nexo de unión entre la artista, el público y el sector profesional artístico. El Club sirve como artefacto para reivindicar el espacio que merece la mujer dentro del arte y la cultura además de dar visibilidad al trabajo de sus integrantes. Es un enlace, un escaparate, una guía y un punto de partida.

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    Gema Albornoz Ramírez

    Licenciada en Filología Inglesa por la Universidad de Córdoba. Ha colaborado, entre otras, con las revistas Prisma a la vista y con la comunidad poética La poesía no muerde. Escribe en su blog Emociones encadenadas. Algunos de sus poemas han sido publicados en las revistas culturales Ariadna-rc (El laberinto, octubre 2016, número 73 y número 78, XX Aniversario Ariadna RC.com) y LE MIAU NOIR(El lector, 8 febrero 2017); la revista literaria digital El coloquio de los perros, en la revista MITAD DOBLE de Málaga (número 21, otoño 2017; número 22, otoño 2018) , en DIGO.PALABRA.TXT, en el NÚMERO 2 de la revista de poesía crítica Bohemia, en la sección No es país para viejóvenes, de la revista La Galla Ciencia y en el número 12 de La Fanzine. Así como en la antología, editada por Liberoamérica, Liberoamericanas. 140 poetas contemporáneas. Ha participado en El arte de la palabra, la exposición de Guardianas del Hogar del Festival EUTOPÍA (Córdoba) y en varias ocasiones del “Quejío” cordobés, en Grito de Mujer Festival Internacional de Poesía y Arte. Su primera incursión en el teatro ha sido como guionista y codirectora, en homenaje a Las Sinsombrero, con el teatro Las mujeres del 27. Colabora en Salto al reverso, Mundiario, en Luz Cultural Magazine y en Liberoamérica. Directora de la sección La mirada de Helios en Odisea Cultural. Actualmente, es corresponsal de Diario Córdoba.

    Ha obtenido el XII Premio «Saigón» de Poesía (2018) de la Asociación Cultural Naufragio.

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    Gema LLamazares

    Gema Llamazares (Santander, 1955). Licenciada en Historia del Arte en 1977 por la Universidad de Oviedo, es directora y propietaria de la galería Gema Llamazares en Gijón, miembro del Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo de España, y miembro de IAC (Instituto de Arte Contemporáneo)

    En 2018, Gema Llamazares fue una de las candidatas finalista para el premio a la mejor galerista que otorga MAV, la asociación de mujeres en las artes visuales, y en 2019 ha participado como jurado de la 30 Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias.

    En 2017 recibe el Premio AFAS a la Autónoma del Año en conmemoración del Día de la Mujer Trabajadora premiando así su trayectoria profesional como mujer y como difusora del arte contemporáneo, ese mismo año recibe también la Medalla de Oro Foro Europeo Cum Laude, una iniciativa compartida por destacadas personalidades de la sociedad civil cuyo objetivo es crear un ámbito adecuado para el intercambio y la divulgación de ideas entre distintos líderes de la vida empresarial, cultural y política.

    Entre 1995 y 2008 ocupa diversos cargos institucionales como miembro de la Junta Rectora de la Fundación Municipal de Cultura y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón, de la Comisión asesora del Museo Barjola de Gijón o de la Sala Borrón (dependiente de la Dirección Regional de Juventud de la Consejería de Cultura y Educación del Principado de Asturias) así como miembro de la Junta de Gobierno del Patronato del Museo de Bellas Artes de Asturias, por designación de la Junta General del Principado, en el 2008 es nombrada por votación miembro de la Comisión Permanente del Museo de Bellas Artes de Asturias.

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    Guiomar Sánchez Pallarès

    Tarragona, 1989. Historia del arte, Universidad Rovira i Virgili, Tarragona (2007-2012), Master en Gestión del Patrimonio Cultural y Museología, Universidad Barcelona (2012-2014), Curso de comisariado, Universidad Rovira i Virgili (2015-2016). Prácticas curriculares en el Museo de Arte Moderno de la Diputación de Tarragona (2010) y en la Fundación Vilacasas de Barcelona (2014). Actualmente trabajo en la Catedral de Tarragona en el área de gestión turística.

    Porfesionalmente he escrito crítica cultural desde 2013, momento en el que creé un blog junto con otros compañeros de la carrera: Cultius Culturals. También para otros medios digitales como Núvol, Culturamas, Emblecat, Projecte ella, Ab Origine, etc. Participé en la redacción y locución de una parte de la instalación Pantone -500 +2007 de la artista Cristina Lucas para ‘All about color’, una exposición dentro del ciclo ‘Trets enmig del concert’ comisariada por Cèlia del Diego en el Arts Santa Mónica de Barcelona en 2015. En 2014 creé, junto a unos compañeros, la asociación cultural BAQRA, desde donde hacemos exposiciones –sobre todo de carácter humanitario y social- y actividades culturales.
    Con la asociación hemos realizado #MurSàhara. Una terra sense arrels en 2015 y AQUELLES. Bombes sobre Kobane en 2016, a través de las que se han realizado actividades paralelas como ponencias y hemos gestionado la itinerancia por diversos centros cívicos y espacios culturales. Actualmente también gestiono las actividades culturales y sala de exposición de la Acadèmia Acròstic, en Tarragona.

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    Inma Haro

    Creadora multidisciplinar y arteducadora Utilizo la creatividad como punto de partida tanto en terreno plástico como de investigación del movimiento. En mis propuestas imprimo la mirada de género, hablo del cuerpo como sujeto y busco el sentido crítico del arte como estímulo y transformación a través de una óptica educativa.

    Trabajo de forma individual bajo el nombre de missharo. Creo en las sinergias con otras personas como un detonante para el cambio y la reflexión a través de las múltiples versiones del proceso artístico.

    El colectivo MUART.GU ha unido sus voces para gritar la falta de mujeres en los museos y en otros contextos artísticos. Desde los orígenes del arte las mujeres han sido invisibles como autoras, siendo relegadas a espacios donde no quedaban representadas o la autoría de sus creaciones era asumida por artistas varones. Es por eso que el colectivo quiso hacer esta donación en un espacio tan simbólico como las escaleras del Museo Provincial (Palacio del Intantado) de la ciudad de Guadalajara, como un lugar que representa el esfuerzo de las mujeres a lo largo de la historia para ocupar los lugares que les corresponden dentro de espacios de representación artística. Está hecha con la esperanza de una visibilidad igualitaria y una presencia paritaria de mujeres y hombres dentro del mundo del arte.

    Inma Prieto

    Es comisaria independiente, escritora y profesora de arte contemporáneo y nuevos medios en la EU-Eram de la Universitat de Girona. Como comisaria ha desarrollado proyectos de exposición en el ámbito internacional y nacional como TEMP Art Space (Nueva York), Palazzo Ca’Tron (Venecia), Muca (Roma Ciudad de México DF), Biennal del Istmo Centreamericano (Guatemala) y en el MNAC Museu Nacional d’Art de Catalunya, Fundació Miró, Fàbrica de Creació Fabra i Coats, La Virreina Centre de la Imatge, Fundació Vilacasas, Arts Santa Mònica, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, TEA Tenerife Espacio de las Artes, Artium Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Bòlit Centre d’Art Contemporani de Girona, entre otros.

    Colabora en diferentes catálogos, libros de investigación y escribe con regularidad en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia y en las plataformas digitales A*Desk y Campo de Relámpagos. Ha sido manager del grupo de investigación europeo ELAA (European Live Art Archive 2008-2012), formado por la Universitat de Girona, la Universidad de Oxford y la residencia de artistas Glaugair de Berlin.

    Desde 2019, es directora de  Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma. Por otra parte, también colabora con otros grupos de investigación internacional como Émergence del arte vidéo en Europe (1960-1980), formado por la Université Paris 8. Su práctica profesional se desarrolla a partir de un diálogo entre comisariado, investigación y escritura. El año 2017 realizó su primer documental ‘Eco de Primera Mort’ y en 2018 le otorgaron el Premio Internacional a la crítica de Arte GAC.

    Isabel Lázaro

    Isabel Lazaro, Historiadora del Arte y Gestora Cultural, fundó en 2012 Art Deal project galería y librería de Barcelona que inicia nueva etapa en el espacio Alalimón, en Montjuïc desde junio de 2019. Actualmente uno de sus principales proyectos, además de la programación de su sala es la activación del circuito fotográfico en Barcelona mediante la creación y dirección del festival Art Photo Bcn que prepara su séptima edición en 2020.

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    Karen Rosentreter Villarroel

    Karen Rosentreter Villarroel es historiadora y artista visual chilena originaria de Valparaíso. Entre 2010 y 2016, formó parte del grupo de estudios literarios “Casa Azul”, con el cual publicó diversos poemas y pinturas en revistas y libros de difusión latinoamericana. Además, realizó dos postítulos, en arte terapia e historia del arte, respectivamente.
    Actualmente reside en Barcelona, donde acaba de terminar un máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte en la Universidad de Barcelona.
    Ha realizado y participado de diferentes muestras y proyectos artísticos de carácter social y comunitario, entre los que destacan Ús Barcelona, Pintabarri y Barcelona Dibuja.
    Una de sus principales líneas de investigación tiene relación con el arte textil femenino y el reconocimiento de los artistas latinoamericanos. En su proyecto final de máster, titulado “Proceso y ámbito de reconocimiento de artistas latinoamericanos del siglo XX. Estudio de casos”, dedicó especial atención a aquellos aspectos relacionados con el origen y la brecha de género entre los artistas de la muestra. Continuando con esta investigación, generó una serie de relatos de la vida y obra de mujeres artistas que llevan por nombre “Historias de mujeres que desafiaron el viento”. Esta recopilación de cuentos feministas, adaptados para infantes y adultos, pretende reivindicar el rol de la mujer en el arte, con especial atención a aquellas artistas provenientes de las periferias.
    En su búsqueda por reivindicar el arte textil como herramienta de lucha social y empoderamiento femenino, ha presentado su investigación sobre las arpilleras chilenas en diversos colectivos textiles de España. Actualmente se desempeña como dinamizadora social y codirige el grupo de arpilleras de Poble-Sec, en Barcelona.
    Fue la creadora y gestora de la manifestación textil mundial “Mil agujas por la Dignidad”, realizada el 7 de diciembre de 2019 en 71 ciudades de 21 países del mundo.

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    Laura Pinillos Villanueva

    Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense. Cursó un Máster en Conservación y Exhibición de Arte Contemporáneo en la Universidad del País Vasco. Trabaja en el campo del comisariado y la gestión cultural. Ha recibido una beca de colaboración como asistente en el Peggy Guggenheim Collection de Venecia (Dic’18 – Feb’19). Colabora periódicamente en el proyecto Woman Art House en el que tanto en Twitter como en diferentes plataformas se difunde la obra de artistas contemporáneas. Desde 2016 ha codirigido las 3 ediciones realizadas del festival de arte Cohete Toledo en dicha ciudad, orientado a la visibilización de proyectos artísticos en el espacio urbano. En 2019 co-comisarió para Isabel Flores el proyecto «Ad Infinitum» de la Junta de Extremadura, y en 2018 el proyecto expositivo “Head, Hand and Heart” para el festival Mulafest, dentro del programa “En Femenino”. En 2015 realizó labores de asistencia en la investigación y producción del proyecto “321 maneras de decir 3,2,1” de la artista Elssie Ansareo para el Azkuna Zentroa de Bilbao.

    Entre sus publicaciones se encuentran La multiplicidad de las formas para el catálogo de la exposición “Artistas Descrito” (Oct’18); colaboró en el libro colectivo El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella, homenaje al escultor Alberto Sánchez (2017); y La utilización de un medio subversivo por parte de la institución: el libro de artista y Seth Siegelaub publicado en la revista “SOBRE: prácticas artísticas y políticas de la edición” de la Universidad de Granada.

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    Lina María Aramendez Gallego


    1986. Colombia. Licenciada en español e inglés y magister en Estudios de la Cultura con mención en Literatura Hispanoamericana. Me interesa profundizar y hacer búsquedas en propuestas artísticas y literarias que interpelen y hagan detener mis miradas sobre el mundo y el ser mujer para preguntarme cómo hacer posible desde el lenguaje y el cuerpo otro mundo


    Lucía Carballeda


    Licenciada en Historia del Arte por la Universidad De Santiago de Compostela, está especializada en arte contemporáneo. Completa su formación con un Máster en Edición Periodística y un Posgrado en Gestión y Dirección de Industrias Culturales.
    En cuanto a su experiencia profesional ha sido colaboradora de la Fundación Granell, escrito en revistas especializadas y trabajado como responsable de diferentes entidades culturales. En este sentido destacan algunos de sus trabajos más recientes como codirectora de la galería Federica No Era Tonta, en Santiago de Compostela, o su colaboración con La Fábrica en Madrid. De la mano de esta entidad ha participado en Photoespaña 2019 y en exposiciones como «Carlos Saura, fotógrafo», en el círculo de Bellas Artes o «El sueño de la razón», en el Centro Fernán Gómez. En la actualidad es responsable de la sede de la galería Delimbo en Madrid, que tiene en Sevilla su base principal.

    Luisa Pita

    Desde la pequeña galería que lleva su nombre en el casco histórico de Santiago de Compostela ha logrado en pocos años posicionarse con solidez en el circuito artístico. La cercanía y la capacidad comunicadora de Luisa Pita representan el propio espíritu de la galería, que trata de ofrecer un oferta artística muy perfilada.

    Su programa incluye artistas emergentes y consolidados, con una clara voluntad de acompañarlos a largo plazo, apoyándolos para que puedan desarrollar sus proyectos.

    La gestión cultural, asesoramiento en adquisición de obra a jóvenes coleccionistas y comisariado, forman parte del día a día en la actividad que se desenvuelve en torno a su espacio expositivo.

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    Maria Emilia Sardelich

    Doctora en Educación, por la Universidade Federal da Bahia (UFBA), Brasil. Profesora de la Universidade Federal da Paraíba (UFPB), Programa de Postgrado en Artes Visuales. Línea de Investigación: Cultura Visual y Educación para las Relaciones Étnico-Raciales, con el objetivo de problematizar la performatividad de los actos visuales como actuaciones reiteradas que promueven, legitiman y sancionan normas relacionadas con la raza, clase social, género y diferencia cultural. Tengo un interés especial en trabajar con la formación de maestras, pues en Brasil son esas mujeres las que acercan niñas y niños a las prácticas artísticas en el contexto escolar. Pienso que las maestras tienen la potencia para agrietar la mirada colonial. En colaboración con las estudiantes de la Licenciatura en Pedagogía desarrollamos un Proyecto de Comisariado Compartido, una práctica colectiva, entre discentes y docentes, provocadora de sentidos y sus efectos, para desacostumbrar nociones estereotipadas de una pedagogía de la hegemonía, destinada a la subordinación de grandes estratos sociales. Esa práctica busca subvertir los roles de legitimación de la producción artística al reconocer esta función a las estudiantes que, en general, consumen compulsivamente imágenes, entre muchos otros artefactos culturales en los espacios de hipermovilidad en que viven, pero no se permiten a emitir un juicio sobre lo que ven. El foco del Proyecto de Comisariado Compartido es la producción artística de mujeres que son doblemente segregadas por el sistema del arte de Brasil, sea por el género, raza o clase. Pienso que conocer esa producción artística abre un espacio en la formación de maestras para la reflexion sobre el arte desvinculado de una noción de actividad libre, autónoma, de un individuo superdotado, impulsado por sus sentimientos, independiente del manifiesto juego de las variables, género, raza y clase.

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    María Encarnación Lago González

    Barcelona, 22 de julio de 1962. Es una gestora cultural y comisaria de exposiciones española. En la actualidad es gerente de la Rede Museística Provincial de Lugo. Seguidora de la corriente Nova Museoloxía, basada en valores sociales y comunitarios en sus proyectos destaca el trabajo colaborativo e inclusivo. Técnica Superior de Cooperación Internacional por el Instituto Europeo de Empresa – UNESCO (2009-2010). Trabaja en el Museo Provincial de Lugo desde 1991. En este centro fue responsable del Departamento de Didáctica (1996-1999), Coordinadora de Asuntos Generales (1999-2000) y Gerente del Museo Provincial y del Museo-Fortaleza San Paio de Narla (2000-2006).3 Con motivo de la constitución de la Red Museística Provincial en junio de 2006 fue nombrada gerente de la misma, cargo que desempeña en la actualidad.
    Es también docente del curso Experto Universitario en gestión cultural Universidad de Santiago y forma parte del Comité Consultivo Facultad de Humanidades de Lugo USC.
    Ha sido ponente en diversos foros nacionales e internacionales sobre didáctica y gestión de museos, capacidades diferentes, diálogo intercultural, responsabilidad social, género e igualdad, redes y conexiones de museos y el enfoque del software libre aplicado a la museología. Es también coordinadora de más de setenta publicaciones (guías, catálogos de colecciones y exposiciones temporales…) editadas por los museos dependientes de la Diputación Provincial de Lugo y ha coordinado congresos sobre arte y educación.7 En todas ellas ha participado también como autora de textos introductorios y artículos. Es responsable de la coordinación de distintos proyectos y montajes museográficos: Museo San Paio de Narla (2005) Museo Pazo de Tor (2006-2016), Museo Provincial do Mar (2008).

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    María Ortega

    Gestión y dirección de exposiciones y encuentros culturales. (Arte Textil, Grabado, Escultura, Fotografía y Video arte).

    Directora General para Europa de la Organización Internacional World Textile Art (WTA), Directora General de la VIII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo WTA Ciudad Sostenible, Madrid 2019; fundadora de la asociación ID arte, socia de la MAV y AVAM.

    Sus obras han sido expuestas en países como Estados Unidos, Italia, Francia, Alemania, China, Polonia, Letonia, Lituania, Costa Rica, Argentina, México, Uruguay y Turquía, Bratislava y España. Participando en numerosas Bienales, Ferias y Exposiciones a nivel nacionales e internacionales como IV, V,VI y VII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo WTA; 5th y 6th Riga International Textile & Fiber Art Triennial; Contextile Biennial; 8th, 9th y 10th International Fiber Art Exhibition «From Lausanne to Beijing»; MINIARTEXTIL CosmosEros e Invito a la tavola; International Antalya Fashion & Textil Design Biennial; International Istanbul Textil Design-Art Symposium; 1ª Encuentro de la Red Textilia, Costa Rica; 18th international exhibition of textile miniatures; XI, XVI, XVII Estampa Feria del Grabado; Festival Miradas de Mujer, Krunst in mi 50 años; 1ª, 2ª y 3º Feria del libro de artista, Masquelibros; Asia-Europe III; DIALOGOS I, España; “Travesías Textiles”. Siendo ganadora del 2º Premio de la V Bienal Internacional de Arte Textil WTA, Buenos Aires, Argentina entre otros concursos.

    Actualmente se dedica a la gestión culturaL, comisariado y jurado de exposiciones dirigiendo las siguientes exposiciones FIBER FUTURES: Pioneros del Arte Textil Japonés, “The Nature Spirit” Arte Textil Contemporáneo Japonés, “Arte Contemporáneo Japonés, Miniaturas”, comisariando las exposiciones Rostros del Olvido, VIII Centenario e la USAL; Doble ancho, tejiendo con arte; Punto quebrado, las huellas del éxodo; Hilo a Hilo, Arte Textil Contemporáneo español; FIBERSPAIN; FIBRAS 08 y 09, Arte Textil Contemporáneo; y siendo jurado en la VII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo WTA (Convocatoria a diseñadores) Uruguay, Miniartextil Fronteras, Italia, “New Beat” Concurso Internacional, Hong Kong. 9th International Fiber Art Exhibition «From Lausanne to Beijing», China.“Art al Vent XI”, España.

    Paralelamente a las exposiciones organiza los siguientes Encuentros Culturales como Programa Cultural “The Nature Spirit”: “Encuentro con Japón” y talleres infantiles, Programa Cultural “FIBER FUTURES”: “Descubre Japón” y talleres infantiles y Programa Cultural “Punto quebrado, las huellas del éxodo.

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    Maia Creus Castellana

    Doctora en Historia del Arte por la Facultad de Geografía e Historia, Universidad de Barcelona. Premio ACCA de la Critica de Arte 2018 en RECERCA: Fina Miralles. Paraules fèrtils 1972-2017. Forma parte del grupo de investigación: Visionary Women Research Group Independent study group focused on visionary European women born before 1950. https://www.instagram.com/visionarywomen.art/ Ha impartido docencia en Historia del arte en la Universidad Autónoma de Barcelona, la Universidad de Barcelona, ESDi-Universidad Ramon Llull y Colegio Oficial de Doctores y Licenciados en Filosofía, Letras y Ciencias de Catalunya. Investigadora cultural, actualmente centra sus estudios en el movimiento feminista y, especialmente, en la creación de las mujeres en el ámbito de las artes y las letras. Es miembro de la Associació de Crítics d’Art de Catalunya. Des de 2004 dirige la línea de investigación: Culturas de Archivo. Nuevas narraciones sobre Arte Contemporáneo (Fundació Ars y Museu d’Art de Sabadell). Como a comisaria independiente, entre otras, ha realizado exposiciones de reescritura histórica: Esteve Valls Baqué, 2005 (Fundació Ars i Museu d’Art de Sabadell); Sala Tres en la ruta de l’art Conceptual a Catalunya, 2007 (Fundació Ars, Museu d’Art y Acadèmia de Belles Arts, Sabadell); Joan Salvat Papasseït poetaavantguardistacatal, 2010 (Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona). Exposiciones de carácter interdisciplinario: Transposicions. Disseny fora de camp, 2015 (Fundació 1859 Caixa Sabadell); Vestir i desvestir Cossos. Fenomenologies d’Aparició, 2016 (Centre d’Art La Panera, Lleida y Museo Can Marfany, Mataró). Exposiciones y publicaciones de rescate y relectura feminista: Edición i exposición: Fina Miralles. Paraules fèrtils (1972-2017), 2018 (Fundació Ars i Museu d’Art de Sabadell). Denys Blacker. Mapes efímers. Complicitats i sincronies, 2018 (Bòlit, Centre d’Art Contemporani de Girona i Casa de la Paraula, Santa Coloma de Farnés)

    Marina Avia Estrada

    1991. Graduada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid (2013, UAM), realicé el Máster de Arte Contemporáneo y Cultura Visual de la UAM, la UCM y el Museo Reina Sofía (2014-2015), actualmente curso el MA in Modern and Contemporary Art: Critical and Curatorial Studies (MODA) en Columbia University (Nueva York) gracias a una beca Fulbright. He colaborado con diversas instituciones culturales, entre otras, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la Fundación 25M, la Galería Maisterravalbuena, el CA2M, la Agencia Española de Cooperación y Desarrollo (AECID) y la Subdirección General de Promoción de Bellas Artes (espacio Tabacalera). Más allá de la gestión cultural, me atrae la crítica de arte y la escritura y me gusta mantener el contacto directo con los artistas. En mis ratos libres trato de sacar tiempo para escribir artículos, entrevistas y comentarios. Colaboro con la revista Exit Express y otros medios online.

    Mercedes Palaín

    Formada en comunicación y redacción publicitaria. Fue Premio Extraordinario Monoteatro Sin Palabras 2009 y Mención de Honor de la Cátedra Cineo 2010, 15 años trabajando en publicidad la avalan como profesional. En 2014 decide darse un tiempo para dedicarse a una de sus pasiones, la escritura, enfocándola desde el punto de vista de la comunicación digital. Se prepara concienzudamente para su nueva etapa como administradora de RRSS y Comunnity Manager. Tras tres años como Community Manager y Social Media Strategits en la plataforma de arte contemporáneo Arte a un Click y en el proyecto de arte y género Mujeres Mirando Mujeres, a principios de 2018 decide iniciar un nuevo camino en el mundo de las ondas en Radio Topo donde toma las riendas del programa de arte y feminismo «El Chamizo». A finales de 2018 funda y dirige desde entonces su propio espacio, «The Dinner Party», programa de arte y feminismo en formato podcast.

    Mila Abadía

    Derecho. Universidad de Zaragoza. Formada en Diseño y gestión de exposiciones. Técnico en marketing de contenidos. Content Marketing y Blogging por la Universidad Europea Miguel de Cervantes.

    En 2013 crea, junto a Jose Luis Calleja, Arte a un Click, plataforma de arte contemporáneo que dirige desde entonces. Con su visión pretende llegar a un público interesado e inquieto.

    Ha participado como media partner en más de 60 ferias, festivales y eventos de arte, actividad que sigue desarrollando.

    Ha comisariado distintos proyectos expositivos en ferias de arte, «Natura» en jäälphoto (2015), «E-volución Re-volución»  en ArtNitCampos (2015), «Sentires oblicuos» en MARTE Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellón (2015), «Sensaciones Sanadas» en Room Art Fair (2016) «Esencias reveladas» en Art & Breakfast (2016), «Encuentros» en Art Photo Bcn (2016), Mujeres Mirando Mujeres en Cultur3 Club (2016).

    En 2015 funda Mujeres Mirando Mujeres, iniciativa de arte, género y feminismo que dirige y que en 2020 ha celebrado su VI edición. Como parte del equipo ha comisariado las exposiciones El poder de la presencia (Est_Art, Madrid 2018) y II El poder de la presencia. Eliminando los límites autoimpuestos. (Sala Pazo de San Marcos. Diputación de Lugo, 2019).

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    Miriam Callejo

    Licenciada en Historia (UC) e Historia del Arte (UMA) y Máster en Patrimonio Histórico y Territorial (UC). Ha estudiado y trabajado en Málaga, Malta, Irlanda y Portugal antes de regresar a su Santander natal. Actualmente su área de estudio, además del arte contemporáneo, se centra en el aprendizaje de la lengua japonesa y su Historia e Historia del Arte. Profesionalmente, ha formado parte del equipo organizador de Estudio Abierto (Málaga, 2012), coordinado Wallpeople en Santander y dirigido Tangram Project.

    También ha colaborado con galerías de arte en Málaga, coordinado para Artesantander 2014 la mesa
    redonda #blogsxarte y conferenciante sobre arte japonés femenino en Librería Gil.

    Ha publicado artículos y reseñas en diversos medios digitales y en papel, así como textos para catálogos. Actualmente trabaja en la galería Juan Silió, continúa realizando colaboraciones en medios y plataformas especializadas, y es investigadora y responsable de contenidos y comunicación de Mangekyo Studios. Es autora del blog Ret(r)azos.

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    Natalia Alonso Arduengo

    Vive en Gijón y trabaja entre su ciudad de residencia y Madrid. Es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo.
    Su formación se orienta al arte contemporáneo desarrollando su actividad profesional en estrecha vinculación con el ámbito de las galerías. Ha sido becaria de ATM Contemporary (Gijón) y trabajado tres temporadas en Espacio Líquido (Gijón). Posteriormente, entró a formar parte del staff de Galería Van Dyck (Gijón) y ha sido asistente de dirección en Aurora Vigil-Escalera Galería de Arte (Gijón). Ha realizado textos críticos y conferencias para otras galerías como Bea Villamarin (Gijón), Gema Llamazares (Gijón), Javier Silva (Valladolid) y Galería Lucía Dueñas (Oviedo).
    Realiza proyectos de gestión cultural y comisariado de exposiciones. Entre sus muestras destacan las curadas en la Sala 1 del CCAI de Gijón: Homo Faber. Soledad en la ciudad genérica con los artistas César Lacalle y Federico Granell, La fuga de Perséfone de Cristina Ferrández y El síndrome de Norma Desmond de Cristina Toledo. También las exposiciones colectivas El rincón feliz y Vínculos y percepciones: Codificando el mundo de Jimena (Colección Pablo de Castro), ambas en el Museo Barjola. Sus últimos proyectos comisariados han sido las monográficas Breza, breza de Breza Cecchini Ríu y Vuelve conmigo a Italia de Federico Granell en la galería Gema Llamazares.
    En la actualidad está al frente de Bcollector, una asociación que busca la puesta en valor del coleccionismo privado y escribe en varias revistas y portales culturales web (Mincho Illustration and Graphic Arts Magazine, El Cuaderno, LaEscena, blogURBS de Estudios Urbanos y Ciencias Sociales…). Asimismo, forma parte del equipo de coordinación de “AlNorte, Semana de Arte Contemporáneo de Asturias” dirigida por Ángel Antonio Rodríguez y, como freelance, trabaja para el portal de arte contemporáneo iberoamericano Arteinformado.

    Nekane Aramburu

    Gestora cultural, museóloga y curadora vasca. Directora de proyectos de cultura contemporánea, centros de arte y museos, desde los que desarrolla estrategias de dinamización de colecciones, mecenazgo y nuevos modelos de educación/mediación. Bajo su dirección destacan en los últimos años instituciones como Espacio Ciudad (Vitoria-Gasteiz) o el museo Es Baluard (Palma de Mallorca). Conoce en profundidad la cultura Latinoamericana, habiendo impartido desde 2003 por todo el continente talleres y clínicas para artistas y curadores. Ha activado investigaciones y programas enfocados a prácticas transmediales y ecosistemas culturales desde una perspectiva glocal y un decidido compromiso con el devenir de la sociedad contemporánea apostando por el trabajo en red.

    Licenciada en Historia del Arte y máster en Museología con una amplia trayectoria internacional vinculada a la creación contemporánea, especializada en el análisis y construcción de políticas culturales y producción visual.

    Desde sus inicios en paralelo a trabajar en la gestión museística e institucional ha estado interesada en la cultura como laboratorio de exploración, comprensión y mediación de los contextos y el patrimonio material e inmaterial, a partir de proyectos tentaculares entre espacios no convencionales y el museo.

    Experta en dinamizar colecciones de arte, entiende la construcción del pasado y el futuro desde líneas transversales y de mediación con los contextos.

    Especializada en la evolución de los colectivos y espacios independientes, museología o historia del video arte. Como comisaria ha trabajado tanto en retrospectivas como exposiciones de investigación y temáticas. Editora y autora de mas de sesenta libros, ha sido asesora de diversas instituciones y entidades, y jurado en eventos internacionales.

    Nora Navarro

    Las Palmas de Gran Canaria, España, 1989. Es periodista cultural especializada en reportajes, entrevistas y reseñas críticas en las áreas de literatura, arte, teatro, cine y música. Desde hace siete años trabaja como redactora fija en la sección de cultura, así como en los suplementos de cultura y de ocio, del periódico La Provincia/Diario de Las Palmas (Editorial Prensa Ibérica). Colaboradora en las revistas de arte de Latinoamérica ArtNexus y el suplemento Papel Literario (del diario El Nacional de Venezuela). Coordinadora y conductora del ciclo ‘+ que musas’ en la Casa-Museo León y Castillo (Telde, Gran Canaria) por la visibilidad de las mujeres canarias en el arte y la cultura. En cuanto a formación: doble licenciatura en Periodismo y Comunicación Audiovisual por la Universidad Carlos III de Madrid. Posgrado en Literatura Comparada y Digital por la Universidad de Barcelona. Curso de experto en Arte Moderno & Ideas impartido por el MoMa (Museum of Modern Art) de Nueva York. Además, es integrante del colectivo Vivas. Asociación Canaria de Mujeres de la Comunicación.

    Patricia Acal

    Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Sevilla. Master en Gestión Cultural por el Instituto Universitario Ortega y Gasset ( Universidad Complutense de Madrid ) Inicia su trayectoria profesional en el Departamento de Artes Plásticas del Círculo de Bellas Artes de Madrid y en IngeniaQed, Grupo Globomedia. Será responsable de la dirección artística y la coordinación de proyectos en varias empresas del sector cultural.
    Desempeña el cargo de co-directora en la Galería de arte Mada Primavesi de Madrid durante seis años.
    Realiza proyectos de comisariado y representación artística a través de diversas colaboraciones con galerías privadas e instituciones en España y el extranjero.
    En 2012 inaugura en Madrid la Galería Patricia Acal con sede también en Sevilla desde diciembre de 2014

    Bajo un criterio de selección de artistas totalmente independiente, dedicada principalmente a la nueva figuración contemporánea nacional e internacional, presta una especial atención a la pintura italiana. 

    Durante los últimos años ha centrado su labor de comisariado en EE.UU. e Italia compaginando estos proyectos internacionales con su labor como consultora y directora del departamento de Arte Contemporáneo de Isbilya Subastas. 

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    Paula Cabaleiro

    Comisaria y gestora cultural. Licenciada en Bellas Artes por la UVigo (2009), con un máster en Arte, Museología y Crítica Contemporáneas por la USC (2010) y máster en Educación por la UVigo (2010), actualmente trabaja entre Galicia y Cuenca. Es comisaria del programa «Mulleres en Acción: Violencia Zero» de Diputación de Pontevedra desde 2015 (5 ediciones) y directora de exposiciones del MAC Florencio de la Fuente (Huete, Cuenca).
    Entre sus últimos comisariados, destacan las presentes “In Landscape Mode” de Christian Villamide (sept 2019-febrero 2020, CGAC) y “Deposita aquí tus miedos” de Alicia Framis (sept 2019-enero 2020, Cidade da Cultura de Galicia) y las recientes “Nación S.A.” de Iago Eireos (agosto, 2019, Sala Exposiciones Diputación de Lugo), “I Residencia Artística” (julio, 2019, MAC Florencio de la Fuente, Huete, Cuenca), “Boscosa” de Cristina Gardumi y «Icon. Mutant identities» de Lara Bobbio (abril-maio 2019, MAC Florencio de la Fuente, Huete, Cuenca, en colaboración con Associazione Culturale Radar), “Son aquela! (espazo de desarraigamento” de Paula Noya (Sala Alterarte, UVigo, 2018), «Metría2» de Rubén Fernández Castón (MAC Florencio de la Fuente, Huete-Cuenca 2017), «Nación S.A.» Centro Marcos Valcarcel de Diputación de Ourense, 2017), «Pegadas na Terra» (Culturgal 2016, Pontevedra), «Compañías Convenientes» (Fundación Camilo José Cela, 2016 y Afundación Santiago 2016-2017), «Experimenta 10+1» (Centro Marcos Valcarcel de Deputación de Ourense, 2016), «Somos Espazo» (Culturgal 2015, Pontevedra), «Do papel ao xesto» (Culturgal 2014, Pontevedra), “Mulleres en acción: violencia zero” (2016, Museo de Pontevedra y Casa das Artes de Vigo) y la muestra multisede «En (re)torno ao paisaxe» (Museo de Pontevedra e Iglesia de la USC en Santiago de Compostela).
    Desde 2014, forma parte del equipo organizativo de la feria Culturgal (Pontevedra), siendo comisaria del Espazo de Arte y desde 2019, es miembro de la sección de artes plásticas del Consello da Cultura Galega. Coordinadora y comisaria de programas artísticos en espacio público como “Somos rúa, facemos arte” del Ayuntamiento de Carballo (2019, 2018, 2017), #CreaVigo del Ayuntamiento de Vigo (2018 y 2019), del programa “Do camiño vivido” de Diputación da Coruña (2018 e 2019) y del “Huete Photowalk” (2016, 2017, 2018, 2019) en el Museo de Fotografía de la Fundación Antonio Pérez, con Diputación de Cuenca. En 2019, pone en marcha el Programa de Residencias Artísticas MAC Florencio de la Fuente, financiado por Diputación de Cuenca. Fue codirectora de la feria de arte contemporáneo Cuarto Público (Santiago de Compostela, 2013-2016), coordinadora del programa de residencias artísticas «Estudio Aberto» de Rede Museística de Lugo y Diputación de Lugo (2013-2015), directora en Galicia del Festival estatal Miradas de Mujeres 2014. Ha intervenido como ponente en numerosas jornadas y congresos en espacios y museo como MediaLab Prado, Universidad Complutense de Madrid, Museu Romántico de Porto, Museo Reina Sofía de Madrid, Centro Ágora de Coruña, Fundación G. Torrente Ballester de Compostela, UVigo, USC, Consello da Cultura Galega, etc.
    Participa en proyectos de acción social implicados con el tejido asociativo y con personas con capacidades diferentes, destacando «Nos+otras en Red» en Museo Thyssen-Bornemizsa de Madrid, entre 2015 y 2017, culminando con la exposición «El espacio de la memoria» (febrero 2017, Museo Thyssen-Bornemizsa).

    Paulina León Crespo

    Artista, curadora y docente universitaria. Su producción en el campo del arte tiene como línea transversal de reflexión y acción las teorías de género y de la diversidad funcional. Ha sido acreedora de varios reconocimientos como el Premio Paris (Quito 2000), Premio DAAD (Berlín 2004), beca NaFöG (Berlín 2007), beca DAAD (Barcelona 2008), residencia Casa de Velázquez (Madrid 2009), beca del Consejo Nacional de Cine de Ecuador (2012), beca Nuevo Mariano Aguilera (Quito 2012), Fondos Concursables del Ministerio de Cultura (2010, 2016), Mención de Honor al Premio «Manuela Sáenz» de investigación científica en temas de género (Quito, 2017), entre otros. Actualmente realiza su doctorado en Investigación Artística en la Universidad Castilla de la Mancha (España) y es coordinadora del espacio Arte Actual FLACSO (Quito).

    Rhea y Zahira Dehn Tutosaus

    Son autoras independientes, ambas licenciadas en Historia del Arte, habiendo cursado los estudios en la Johann Wolfgang Goethe Universität Frankfurt am Main y la Universitat de Barcelona.

    Juntas fundaron el proyecto benéfico Art goes Charity, el cual fue una plataforma para artistas jóvenes y poco conocidos, exponiendo obras que posteriormente se subastaron, apoyando con los fondos recaudados al hospicio Bärenherz en Wiesbaden.

    Especializadas en los discursos poscoloniales en relación a los espacios fronterizos de España y África y México y Estados Unidos (Zahira Dehn) y discursos de alteridad y la discursivización de las mujeres musulmanas a través del velo (Rhea Dehn), las autoras se centran ahora, como colectivo, en el potencial subversivo del arte para abordar cuestiones sociales. El colectivo es concebido como una plataforma de investigación y acción constituida en torno al interés en cuestionar mecanismos de poder establecidos y en los efectos materiales que estos evocan en la realidad. De este modo el enfoque en el arte contemporáneo se complementa con la reflexión de posiciones postcoloniales, postmigratorias y feministas. Así, no sólo se obtendrán nuevas formas de conocimiento y narrativas de las obras actuales, sino que también se potenciará una lectura alternativa de las posiciones históricas.

    A través del proyecto cultural las autoras aspiran a investigar los discursos sociales que determinan a las mujeres y a sus cuerpos, poniendo un especial interés en moda, arte y medios de comunicación. Así se remite a obras que tematizan a la corporeidad de las mujeres, cómo las mujeres se relacionan con esta sensación corporal y con la ropa que llevan. Se trata de analizar posiciones artísticas que tematizan la discursivización y a su vez el empoderamiento de las mujeres respecto a sus cuerpos y sus habilidades de liberarse de los estereotipos establecidos.

    Rosa María Olmos Criado / Fundación Merayo

    Rosa María Olmos es Lda. en Geografía e Historia, UCM (1982); Doctora en Historia del Arte, ULE (2009). Tesis doctoral publicada en la Red.
    Sus itinerarios profesionales han discurrido por la docencia y la catalogación de bienes patrimoniales (Dirección General de Bellas Artes).
    En la actualidad su actividad se centra en el comisariado independiente de exposiciones, la escritura y la investigación artística.
    Publicaciones sobre: Etnología y Folklore, monografías de artistas, artículos en revistas especializadas, textos críticos para catálogos y prensa escrita.
    Mantiene asidua participación en congresos y conferencia sobre temas de arte leonés.
    Es Miembro de la Asociación de Críticos de Arte de Castilla y León (ACYLCA) y responsable de arte y exposiciones de la Fundación Merayo.

    El Proyecto Ariadna: NIDOS lo presentan conjuntamente la Fundación Merayo y Rosa María Olmos.

    La Fundación Merayo, fue creada y está dirigida por Ángela Merayo, ella misma artista plástica y promotora vinculada a propuestas culturales contemporáneas. Dicha Fundación es una institución privada, sin ánimo de lucro, que programa y produce un amplio espectro de actividades culturales y artísticas dirigidas a un público tanto especializado y profesional, como al público en general. Asentada en el mundo rural, pero volcada también al mundo urbano, desde 2014 sus salas y espacios exteriores se transforman con la llegada de obras de arte contemporáneo, núcleo central de sus programaciones: escultura, pintura, grabado, fotografía, videoarte e instalaciones artísticas son visitadas asiduamente.
    Esta Fundación presta atención a artistas emergentes y nombres consolidados de nivel nacional e internacional, y ofrece presentaciones de libros, lecturas poéticas, piezas teatrales, talleres, y ciclos de conferencias sobre temas de interés general, entre las que no falta la divulgación científica, y pone a disposición de los artistas espacios para la creación y el estudio

    Sara Pérez Bello

    Sara Pérez Bello, es directora y gestora de Apo’strophe.arte en Vigo. Comisariando prácticamente todos los proyectos allí expuestos, además de organizar los eventos, conferencias, mesas redondas, conciertos, firmas de libros….

    Directora y coordinadora de los espacios de Apo’strophe:
    • “Espacio Cero” para proyectos de instalativos,
    • “L21” para proyectos fotográficos,
    • “MercaArte” ferias de arte y proyectos expositivos.
    • “Espazo Anexo” pequeñas exposiciones.

    El Certamen de Arte PLASTIKA. En los tres últimos años lo ha organizado, siendo la creadora, directora gestora y comisaria de la exposición resultante de la selección del jurado del Certamen Internacional de Arte PLASTIKA.

    Diplomada en magisterio en la especialidad de Ciencias Humanas (Historia del Arte y Geografía), Especialista en Pedagogía Terapéutica.
    El contacto directo y constante con el mundo artístico le lleva a realizar diversos cursos:
    Curso de tasación y catalogacíón de obras de arte en la UNED
    Cursos de gestión y comisariado en la UNED y en Taller Abierto, Pontevedra.
    Además de la asistencia a congresos, conferencias, mesas redondas…

    La docencia y la inclusión siempre han formado parte de su trabajo, ya sea en centros educativos o en talleres específicos, a través de los cuales puede desarrollar sus inquietudes artísticas y pedagógicas desde hace más de 25 años.

    Sara Torres Sifón

    Cádiz, 1983. Editora de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, crítica de arte y comisaria de exposiciones. Es licenciada en Historia del Arte, especializada en Museografía y montaje de exposiciones por la Universidad Complutense de Madrid.

    En el año 2010 empieza su relación con la revista digital PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, colaborando primero como crítica de arte y redactora de contenidos; a lo que se sumaría, desde el año 2013, su trabajo como editora y coordinadora de programación de la publicación. Además, participa activamente en todas las labores de gestión cultural en las que se embarca la plataforma.

    Su trabajo está comprometido con el feminismo y la difusión del trabajo de las mujeres en el ámbito cultural. Entre sus proyectos destaca Woman Art House, iniciativa de la que es cofundadora y que tiene como objetivo divulgar el trabajo de mujeres artistas contemporáneas desde las redes sociales.

    Igualmente, desde su iniciativa CONTEMPORARY ART BY WOMEN realiza visionados del trabajo de mujeres artistas jóvenes y favorece la difusión de su trabajo.

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    Silvia Tena

    Doctora en Historia del Arte. Comisaria independiente en Cuerpo, Materia y Art Brut en la obra de Fernando Peiró Coronado (Mucbe Mayo-Agosto, 2019), Alción, poéticas en torno al yo (Ajuntament de Borriana), Proliferaciones de Cristina Almodóvar (Abierto Valencia, 2018), Jaume Rocamora. Geometrías visuales (Diputación de Tarragona, 2018); Mar Vicente. Sights (The Solo Project. Contemporay Art Fair, Basel, 2016); Pepe Beas Deshielo y Mandorla, 2013); José Córdoba, 2007 y ROOM-ART. Al voltant del Paper, 2012.
    En la actualidad es Jefe del Departament de Gestión de Colecciones del Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). Ha trabajado para instituciones como el MACBA, MNCARS e IVAM. Docente en las universidades Pompeu Fabra y Universidad de Valencia. Autora de diversas monografías sobre arte: Rossana Zaera. L’emoció representada, 2013; Cienfuegos y Asociados: de la imagen al producto (co-autora con Wenceslao Rambla. Libro galardonado con el Premio “Certificate of Typographic Excellence”. Type Directors Club, Nova York, 2006); Forma i construcció en la plàstica de Jaume Rocamora, 2006. Así como artículos y catálogos varios. Su investigación se centra en arte y artistas de las décadas 50 a 90. Está preparando una monografía inédita sobre el informalismo pictórico valenciano bajo el franquismo y su comisariado en la muestra Proliferaciones para SET Espai d’Art acaba de ser galardonado con el premio Caixa Popular a la mejor exposición de Abierto Valencia, 2018.

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    Sofía Martínez Hernández

    1987, Murcia. Ha comisariado más de 100 exposiciones con más de 800 artistas en Galerías de Arte y salas expositivas de Murcia, Madrid, y Málaga. Ha sido seleccionada con Galería Léucade en las dos ediciones a las que se ha presentado de la Feria internacional Art Madrid. Dirige Galería Léucade (desde 2013) además de Galería El Punto Rojo (desde 2018). Creó en 2018 Keyhole Art Fair, la I Feria Internacional de Arte que se celebraba en Murcia; feria itinerante que cada edición se celebra en una ciudad distinta, la segunda edición la organizó en Málaga. Dirigió y coordinó las dos ediciones de la feria con unos 90 artistas seleccionados en las dos ediciones. Ha creado y organizado unos 150 eventos que incluyen -entre otras actividades culturales- conciertos, teatro, workshops, espectáculos de danza con bailarines del Ballet Nacional de España..; asimismo ha coordinado eventos en el Centre Pompidou de Málaga y en la Casa Natal de Picasso. Ha participado en mesas redondas y conferencias en diversos centros e instituciones como el Museo Ramón Gaya. Ha impartido un seminario en el Máster de Gestión Cultural de la Universidad de Murcia. Ha ejercido como jurado de concursos de pintura y fotografía. Escribe críticas de Arte desde 2010 que han sido publicadas en revistas, periódicos y diversos catálogos de artistas, además de haber editado sus propios catálogos. Los eventos que ha organizado, exposiciones que ha comisariado, y ferias de arte en las que ha participado y que ha gestionado han aparecido en prensa digital o escrita incluyendo periódicos nacionales e internacionales en más de 300 menciones.

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    Tamara Avidad

    Gestora Cultural diplomada en Empresas y Actividades Turísticas con un máster en Gestión Cultural por la UIC. Es productora y project manager en la actualidad del colectivo Karmala Cultura y codirectora del Festival La Voz de La Mujer con sede en La Palma. Dedica su vida a la gestión de proyectos en materia de género, interculturalidad y arte. Su pasión por la cultura le lleva al estudio del rol de la mujer en diferentes culturas del mundo, de ahí que crea y codirige el Festival La Voz de La Mujer que se celebra en la isla de La Palma, Canarias. Un encuentro anual de mujeres artistas y activistas de los cinco continentes que recoge cine, literatura, periodismo, música, ilustración, teatro, activismo y fotografía.

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    Teresa Miquel Sellés

    Licenciada en Historia, Máster en Gestión Cultural y en Musicoterapia, con formación superior en social media y marketing. Forma parte del equipo de Art-Xipèlag, Observatori de la Cultura de les Illes Balears. Ha colaborado como responsable de Redes Sociales con Nau Côclea, Centre de Creació Contemporània (Camallera-Girona), con la Orquestra del Caos (Barcelona), con Eima Creació (Danza contemporánea, Mallorca) y en los I Encuentros Literarios del Mediterráneo Albert Camus. Actualmente también es profesora de música en Esporles (Mallorca) y musicoterapeuta en la unidad de cuidados paliativos del Hospital Joan March (Mallorca).
    Su proyecto EntrevistArte, en el que realizaba entrevistas a mujeres relacionadas con la cultura, fue seleccionado y presentado en el Museo Arqueológico de Cacabelos (León), dentro del Festival Miradas de Mujeres.

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    Vanessa H. Sánchez

    Licenciada en Historia del Arte y Máster en Análisis y Gestión de Arte Actual, compagina la dirección de la Galería silvestre, galería especializada en pintura contemporánea con sedes en Madrid y Tarragona con la docencia como profesora de Teoría del Arte Contemporáneo y Historia del Arte y con la crianza de tres hijos.

    Programadora, gestora cultural, regidora de espectáculos, dirección de teatro, comisária, artista …siempre se ha definido como una buscavidas cultural. Vive y trabaja entre Tarragona y Madrid.

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    Vanesa Vicencio Dubost

    Licenciada en Curaduría e Historia de las Artes (UMSA) y Diplomada en Museología y Marketing de Museos e Instituciones Culturales (UMSA) cuento además con los títulos de Guía Nacional de Turismo (La Suisse) y Técnica en Historia de las Artes (UMSA).

    Trabajo en la OEI, oficina Buenos Aires, en la curaduría y gestión del Espacio Cultural OEI, un nuevo lugar para la difusión del arte y la cultura. Soy parte del staff de guías de Fundación Malba y Gallery; me desempeñé en la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes, investigando y desarrollando tours por la colección permanente y las exposiciones temporales, en vínculo con otras entidades.

    Cursé prácticas profesionales de investigación y curaduría en Fundación Espigas y en la Universidad del Museo Social. Participé del grupo de investigación «Fotografía y pensamiento artístico contemporáneo en la Argentina. La reapropiación de la fotografía de archivo en la producción artística actual” radicado en UMSA.Formé parte grupo de prácticas en visitas guiadas en el Museo de Calcos y Escultura Comparada Ernesto de la Cárcova durante el 2015.

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    Verónica Álvarez

    Creativa, organizadora y emprendedora de proyectos sobre arte y cultura, artesana de la empresa y gran comunicadora, he desarrollado durante 30 años numerosas propuestas innovadoras dentro de estos sectores. Investigadora, conferenciante y facilitadora sobre proyectos de Arte y Naturaleza.
    La creatividad como fórmula de desarrollo laboral. Impulsar y mover propuestas emergentes no sectorizadas, si no en relación unas con otras. Dinamización de la industria cultural en el sur de España, donde las directrices gubernamentales sólo se dirigen hacía una única dirección. La iniciativa privada al servicio del trabajo en equipo y en red. Trabajo desde dos activismos reales, el feminismo y la ecología, para llegar a un verdadero desarrollo sostenible, CONSCIENCIA ECOFEMINISTA y SOCIAL DESDE EL MEDIO RURAL Y NATURAL. Propuesta anual del Certamen-Encuentro ARTE, MUJER y NATURALEZA. La sexta- VI convocatoria en Marzo 2020.
    Desde hace 10 años, dirijo y gestiono el centro VALDELARTE. Espacio multidisciplinar, y trasversal para la difusión del conocimiento específico sobre el binomio arte-naturaleza, entorno, territorio, paisaje, a través de intervenciones o instalaciones de artistas nacionales y trasnacionales, que retoman el compromiso consciente con nuestra madre tierra, donde se ha creado un recorrido o Art-Trail, para estudiar y visitar las 60 intervenciones específicas realizadas de Land-Art / Earth-Work. Trabajamos en relación con el pensamiento actual, la antropología, etnografía, etnobotánica, memoria del lugar, de la mano de disciplinas como la pintura, la fotografía, la escultura, video, literatura, arquitectura, el patrimonio y las ciencias medioambientales.
    Desarrollo paralelamente proyectos individuales como exposiciones, y propuestas de diferentes artistas en la comunidad autónoma andaluza, así como a nivel nacional e internacional. Últimos trabajos en colaboración con Irlanda, Portugal e Italia, así como directora de los espacios expositivos “ESSENTIA-Aracena” (2017-2019) y – CONTAINER-ART” (Sevilla capital 2016-2018).

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    Ylonka Nacidit-Perdomo

    Escritora, investigadora Senior de género, gestora, editora y diplomática. Nacidit-Perdomo es la autora de la contra-historia en la cual se basó el primer documental desde la perspectiva de género producido en el país en el 2008, Las Sufragistas, que narra la hazaña más importante de la mujer dominicana en el siglo XX, después de la formación de la República en 1844. En el 2004 fue co-productora de la primera adaptación llevada al cine de una obra literaria de una mujer en la República Dominicana, Frente al Mar, basada en un relato del mismo nombre de la escritora Hilma Contreras (2010-2006), de quien Nacidit-Perdomo es la albacea literaria.

    Su área de especialización es «Textos de autoras dominicanas del siglo XIX» y «Poetisas nativas del barroco español de la Isla de Santo Domingo», entre ellas: Leonor de Ovando y Josefina de Leyba y Mosquera. Del siglo XVII ha estudiado los textos de Faustina Pantaleón [testamentos, codicilios, cartas de libertad y escrituras de ventas], así como «Autoras decimonónicas fuera del canon»

    Desde 1996 al 2001 ocupó la posición de Directora del Centro de Investigaciones Literarias de la Biblioteca Nacional.

    Editó en 1999 los catálogos bibliográficos «Juan Bosch, catálogo de libros» y «Catálogo de Escritoras», en ocasión del homenaje a Carmen Natalia y «Libros Raros de la República de Haití y la Isla de Santo Domingo: Siglos XVIII, XIX y mediados del XX», ediciones príncipes para coleccionistas.

    Su bibliografía literaria comprende los poemarios Contacto de una mirada (Editora Búho, 1989), Arrebatos (Módulo Publicidad, 1993), Luna Barroca (CCLEH, 1996), Papeles de la noche (Cocolo Editorial, 1998), Octubre (Editora Búho, 1998), Triángulo en trébol (CCLEH, 1999), Hacia el Sur (Editora Búho, 2001), Contemplación (CCLEH, 2006) La sombra del Amor(CCLEH, antología poética personal, 2006), Dentro del Bosque (Editora Búho, 2014) y Carta al Silencio (Editora Búho, 2018).

    Yunuen Díaz

    Es escritora, artista visual y provocadora cultural. Directora de La Rueca Producciones: gestión de proyectos de arte. Obtuvo el Premio Bellas Artes de Crónica Literaria Carlos Montemayor en 2019, el Premio Nacional de Ensayo Joven José Vasconcelos de Tierra Adentro en 2015. Actualmente es becaria de Posdoctorado en Literatura Comparada en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Ha colaborado en revistas como Tierra Adentro, Letras Libres, Km 0, entre otras. Ha organizado exposiciones y eventos como En peligro de extinción en el Centro de Investigación y Conservación de la Biodiversidad (2018), Nasty Women México (2017) en el Museo Memoria y Tolerancia, La Casa de María Hernández (2018) en el Instituto Mexicano para la Justicia, Proyecto Post-doméstico en el Centro Cultural de España en México (2016), Enchúlame la Prenda en la Casa del Lago (2016). Ha dado lecturas en espacios como Ex Teresa Arte Actual, el Palacio de Bellas Artes, Centro de las Artes de Tlaxcala, FIL Minería, FIL Guadalajara, Centro Cultural de España en México, entre otros.