martes, junio 25, 2024

    ARTISTAS X MMM

    Las artistas, las grandes protagonistas de MMM

    Desde el primer momento quisimos que la selección de artistas y disciplinas fuera exclusivamente de las participantes. Así, todas ellas, blogueras, comunicadoras, periodistas, gestoras de espacios de arte, comisarias, museólogas, teóricas, historiadoras, coleccionistas, críticas, galeristas…han llevado a cabo su elección de forma completamente libre. 

    El resultado es, año tras año, la prueba de que no nos equivocamos en el planteamiento.

    En esta X edición contamos con 30 artistas, comprometidas y empoderadas. A las que se suman las integrantes de los proyectos invitados a las que desde aquí también damos la bienvenida.

    Anastasia Egorova

    Anastasia Egorova nació en Astrakhan, URSS 1981. Todo comenzó durante una visita escolar a una fábrica de ladrillos local cuando tenía unos 8 años. Ese lugar y ese barro le cautivaron. Desde entonces tuvo el conocimiento interior de que debía explorar la arcilla. Aunque no empezó a aprender cerámica hasta que se mudó a la isla mediterránea de Mallorca en 2005. En 2007 comenzó a explorar su lenguaje creativo a través de la fotografía, la cerámica y la joyería. Entre 2007 y 2018 estudió cerámica durante varios años en la escuela de cerámica de Pòrtol, la fundación Pilar y Joan Miró de Palma, la escuela de cerámica Ramon Fort de Llers y construyendo al mismo tiempo su taller de cerámica.

    Después de varios años de formación en técnicas cerámicas tradicionales, su trabajo tomó rumbo hacia la escultura cerámica y la cerámica conceptual.Originario del antiguo lecho del mar Caspio y del delta del río Volga, naturalmente rico en arcilla y vida, trabajando con arcilla y aprendiendo sobre cerámica en el Mediterráneo durante más de una década, desarrolló un gran interés en observar el paralelismo entre la condición humana y la arcilla. Para ella era intrigante y emocionante, especialmente en nuestra vida moderna, que da giros inesperados a diario y cómo la humanidad responde con una autoexploración continua y una autoconciencia cambiante.

    En 2018 tuvó su primera exposición individual del proyecto de cerámica conceptual y fotografía «Surrender» en s’Escorxador, Marratxí, Mallorca. Posteriormente expusó en Nueva York (2019 Here now space), en Nitx de l’art de Felanitx(2020) Mallorca, en el festival IncArt de Inca (2021, 2022) Mallorca, en Kulturfinca Son Bauló (2021-2022) Mallorca y en Casa de Cultura de Felanitx, Mallorca (2022).

    Actualmente trabaja en su estudio situado en la isla de Mallorca, España.

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    Beldan Sezen

    Beldan Sezen (1967, Alemania) es artista, escritora y máster en Ciencias Políticas.

    Ella es turca por origen étnico, alemana de nacimiento y residente tanto en los Países Bajos como en los Estados Unidos, todo lo cual le permite observar la sociedad de forma multiangular. En 2015, la Astraea Lesbian Foundation for Justice le otorgó un Fondo Global para las Artes por explorar cuestiones de supervivencia, libertad y posibilidades con respecto a los cuerpos Queer, lo que resultó en su proyecto de arte de guerrilla BUTCH IT UP! en Estambul, Turquía. En 2018, la ciudad de Ámsterdam le otorgó una subvención de desarrollo para explorar conceptos de libros de artista como una instalación en espacios arquitectónicos. Sezen recibió el premio Herzog August Bibliothek Artist’s Book Prize 2022 por explorar cuestiones de confinamiento interior, basado en la obra del filósofo negro alemán Anton W. Amo en 1734. Sezen ha sido artista residente en Djerassi Resident. Programa de Artistas y Residencia de la Liga de Artistas en Vytlacil, Nueva York. Sus libros se recopilan de forma privada e institucional, incluidas tres bibliotecas nacionales: la Biblioteca del Congreso de EE. UU., Deutsche Nationalbibliothek y KB nationale bibliotheek van Nederland. La Bayerische Staatsbibliothek, la Herzog August Bibliothek y la Universidad de Delaware son los principales coleccionistas de su obra. Como curadora de libros de artistas, forma parte de Booklyn Artists Alliance. Es cofundadora de Cypher, una revista de cómics digitales que acerca al público a las vidas radicales y el peligroso trabajo de los defensores de los derechos humanos en todo el mundo.

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    Carol Galiñanes

    «La mezcla y la experimentación son una constante en mis proyectos, que son el resultado del empleo de diferentes técnicas, materiales y soportes y de la fusión de disciplinas como la fotografía, el diseño o la instalación. Toda esta interdisciplinaridad la desarrollo a partir de la base conceptual que se ha convertido en el eje de la mayoría de mis piezas: la fragilidad. Trabajo en la mayoría de ocasiones de manera autobiográfica a través del autorretrato, fotografías de archivo familiar y mi propia vulnerabilidad”.

    Carol Galiñanes es artista visual, diseñadora gráfica y fotógrafa. En 2018 finalizó los Estudios Superiores de Fotografía en PIC.A PHOTOESPAÑA y se ha formado con artistas como Sofía Moro, Jorge Fuembuena, Juan Valbuena o Eduardo Nave. Actualmente estudia Narrativa y Fotolibro y fotografía de autor con Elisa Miralles y Técnicas Experimentales de Laboratorio en La Casa Encendida de Madrid.

    Es Diplomada en Diseño gráfico en la Escuela Superior de Diseño de Madrid y estudió His- toria del Arte en la UAM y el Máster Universitario en Investigación y Creación de la facultad de BBAA en la Universidad Complutense (Madrid). Desde 2023 forma parte de la galería NFT “Contemporáneas “ del colectivo @comoserfotografa.

    Actualmente está exponiendo en PHOTOESPAÑA 2023, y ha participado en PHOTOFORUM FEST BCN, Matadero de Madrid, la Casa Encendida, Libros Mutantes, Museo del Romanticismo, Centro de Arte Dos de Mayo o Miloska Center de Washington.

    Este año ha quedado finalista en la categoría de libro autoeditado de los Premios IPA, y ha sido seleccionada para DESCUBRIMIENTOS PHOTOESPAÑA 2022 y 2024. En 2021 recibió un Premio LUX (Asociación de Fotógrafos Profesionales de España)y en 2023 y 2019 quedó fina- lista en el Seminario de Albarracín. También ha participado en festivales de fotografía como Les Rencontres d ́Arles, Festival Ojos Rojos o Encuentros fotográficos de Gijón.

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    Dácil Roca Vera

    Dácil Roca Vera es una destacada ilustradora e investigadora de Tenerife. Desde 2014 ha dibujado para editoriales, publicidad y, principalmente, para producciones animadas transmitidas en Disney Channel, Netflix y Clan TV. Es la ilustradora de El Libro Secreto de las Mujeres Canarias editado por la Factoría Cultural Alegando. Además, también profesora universitaria en el Grado y Máster de Diseño de la Universitat Oberta de Catalunya.

    Su compromiso en materia de género se refleja en su investigación, recientemente publicada en la prestigiosa revista científica «Con A de Animación». Además pertenece a la actual junta directiva de MIA, Mujeres en la Industria de la Animación, abogando por las mujeres iberoamericanas del sector. Su obra personal ha sido destacada en festivales internacionales como Monstra Festival y Traversées Urbaines, y en diversas publicaciones y exposiciones realizadas por la Fundación cine+cómics, entre las que se incluyen «Proyecto El volcán», «Ilustradoras & Ilustradas» y «Los Autores del Salón»

    Daniela Castillo

    Artista textil y gestora. Su trabajo medita sobre los vínculos emocionales y la forja de una identidad en el marco social y geográfico, una exploración en las conexiones y afectos. Una reflexión acerca de la existencia humana.

    En 2019 recibió el Premio del público en Salón nacional de Bordado Buenos Aires. Seleccionada del Festival FAUNA, Universidad Nacional de las Artes en Buenos Aires. En 2020 participó en la Exposición de Arte Textil, Puntadas Revoltosas, Museo de las Mujeres, Costa Rica. Seleccionada en el XVI Salón de arte Textil, Museo de Arte Popular José Hernández. 2021 recibió el fondo ventanilla abierta del Fondo Nacional de las Artes y el Patrimonio de Chile en 2021 y 2022. Invitada a Bada 2022 y 2023. En 2022 creó la exposición colectiva Dislocar la Herida en el Centro Cultural La Perrera Arte. Mención de Honor en 27ª Salón de Arte Textil, Museo Sívori, Mención de Honor en arte textil del 110ª Salón Nacional de Artes. En 2023 colaboró con la Universidad de Humbolt de Berlín en la exposición Materiales en Expansión en el Museo Sívori, participó en la exposición colectiva La Lumbre Koiné en Habitación 19, Buenos Aires. La Ruina como Inicio de la Residencia Epecuén, Lago Epecuén.

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    Dúo Amazonas

    Dúo Amazonas es un colectivo de muralismo formado en 2017 por Lina Castellanos (Colombia) y Nati Andreoli (Argentina). Nos conocimos pintando en el taller del muralista Lean Frizzera en el año 2016 en Buenos Aires. Y siguiendo la curiosidad de pintar en el espacio público, decidimos hacerlo colectivamente.

    Nuestro primer mural lo realizamos en 2017, en Buenos Aires, y así continuamos experimentando con algunos muros en esta misma ciudad. Nos reencontramos dos años después en Madrid, esta vez desde el lugar de migrantes latinoamericanas, lugar que empezó a tener un impacto directo con nuestro trabajo y lo que queremos comunicar como muralistas.

    Trabajando desde Madrid, empezamos a desarrollar un camino tanto pictórico como conceptual que nos acercó mucho más a nuestras búsquedas como artistas. Entendimos la importancia de pintar en conjunto como un ejercicio de diálogo y encuentro. Entendimos el mural como un lugar de reflexión para nosotras como mujeres artistas y como intercambio activo con el espacio público y sus habitantes. Nos interesa promover el enriquecimiento del trabajo en comunidad y realizarlo a través de la herramienta que nos mueve, la pintura.

    De esta manera desde el 2023 empezamos a desarrollar el proyecto Espacio Amazonas, un espacio que propone el encuentro de diferentes disciplinas artísticas y la investigación con fines participativos y comunitarios. Es un espacio para la creación, aprendizaje y exhibición de propuestas diversas, inclusivas y revolucionarias.

    Elena González Torres ^klamca^

    «María Carmen García ^klamca^ es el alter ego de la creadora visual, diseñadora, fotógrafa, arquitecta y madre, Elena González Torres. Durante su formación en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid, es becada tres años consecutivos para participar en las residencias artísticas de verano dirigidas por Pedro Burgaleta e Irene Marcos. Tras ser destacada con Matrícula de Honor en la asignatura de Elementos de Composición, recibe la beca Erasmus para realizar los estudios en la Ecole de Architecture Paris Val-de-Marne. En 2010 realiza el Máster de Gestión del Patrimonio Histórico-Cultural en la Complutense de Madrid. Posteriormente estudia fotografía en la escuela Lens y en la ya desaparecida Blank Paper con Fosi Vegue. Actualmente compagina su actividad como foto fija para Cine y Televisión con el diseño de páginas web, la docencia y las colaboraciones como escritora y fotógrafa para la revista online de arte contemporáneo Ah! Magazine. Bajo el seudónimo de ^klamca^ trabaja la posfotografía y el vídeo con una fuerte carga de denuncia y crítica social. Mediante la manipulación digital de imágenes apropiadas crea un universo particular donde habita este alter ego histriónico. En agosto 2019, fue seleccionada para participar en las Residencias Artísticas del Konvent, en Barcelona. Ha participado en las exposiciones colectivas ‘Sobredosis 2018’, comisariada por Adriana Bergues y Laura Tabarés, y en el proyecto ‘Feminismo y Feminidad, una reflexión visual’ muestra que ha sido programada en el 15è Fòrum Fotogràfic Can Basté, Barcelona. El 13 de Junio de 2018 formó parte de un grupo de 17 mujeres artistas que realizaron la acción para reactivar la Galería Mari Boom en el pasaje del Retiro, como homenaje a Patricia Gadea. 9 piezas de #borradas formó parte de la exposición “Feminismo Mágico, una conexión con el pasado” de la RED ITINER de la Comunidad de Madrid, junto a las artistas Paula Noya, María Gimeno, María María Acha-Kustcher, Marina Vargas, Aurora Duque y la propia Diana Larrea. Durante 2021 el proyecto “Borradas, historia de la fotografía” ha sido parcialmente expuesta en la red Espacios de Igualdad del Ayuntamiento de Madrid. El pasado año 2022 el proyecto adquiere otra dimensión gracias al programa de comisariado del Gobierno de Cantabria donde puedo completar el proyecto de “Borradas, historia de la fotografía” hasta alcanzar las dimensiones actuales.»

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    Ellie Omiya

    Ellie Omiya nació en 1975, en Osaka. Se graduó de la Universidad de Tokio, en la Facultad de Ciencias Farmacéuticas. Tras trabajar en una agencia de publicidad, alcanzó popularidad por sus ensayos sobre la vida diaria. Además de su carrera como escritora, trabajó en la radio, como presentadora de programas de televisión, guionista y directora. En 2012, empezó a realizar exposiciones interactivas, en las que las obras se completan con la participación del público.

    Ellie Omiya ha realizado exposiciones como «Sincerely Yours» (Towada Art Center, Aomori), «This is forest speaking» (Kanaz Forest of Creation, Fukui), «Ceremony of Love» (Nakanoshima Design Museum, Osaka), «A Wonderful Forest» (TICOLAT TAMURA, Hong Kong), «Lounding Around» (Boulakia Gallerie, Londres) y en París y Milán, colaborando con Art Basel.

    Además, actuó en directo para la Montblanc International Awards Ceremony en el Museo Nacional de Tokyo y en Towada Art Center y ha realizado instalaciones como Dogo Onsenart en Dogo Yunomachi y en Inujima, en colaboración con la fundación Benesse. Su primer trabajo de realidad virtual Frequency ha sido estrenado en el festival La Biennale de Venecia.

    En el trabajo de Ellie Omiya es como si la energía de la vida desborde desde el lienzo y llene el espacio. Los paisajes son los protagonistas de su obra, la cual a menudo realiza en directo junto a música en vivo. Omiya considera que sus pinturas son como historias, que se desarrollan constantemente. Su trabajo es una representación directa de sus sentimientos y ha sido expuesto alrededor del mundo.

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    Francesca dalla Benetta

    Su trabajo se caracteriza por el empleo de anatomías y formas mixtas. Rostros y cuerpos humanos se combinan con diferentes texturas, pieles y elementos, dando lugar a seres híbridos.

    A través de su estética, ubicada en un equilibrio entre lo clásico y lo surrealista, la artista estudia los temas de transformación, sentido de pertenencia y autopercepción, la capacidad de adaptación, los estereotipos y la categorización. Busca la línea sutil que separa la identidad personal de las convenciones sociales, la cordura de la locura, estudiando las diferencias entre percepción y realidad.

    Las figuras de Francesca son una mirada hacia el interior y al descontrol, son una forma de contener lo incontenible. Las historias de cada personaje, aisladas en una dimensión íntima e irreal, son reflexiones sobre la identidad de los inadaptados y las muchas facetas del ser.

    Como artista, su tarea más importante es comunicar y estimular una manera distinta de sentir y pensar. Francesca recurre principalmente a la escultura porque es una afirmación de solidez en contraposición con la volatilidad de los pensamientos y emociones. Consolida y cristaliza estos pensamientos y emociones en imágenes permanentes y duraderas, siendo la escultura la herramienta perfecta para dejar de dudar de la realidad y de uno mismo.

    ESTUDIOS
    (2003) University degree in Fine Arts and Art History. Academia di Brera, Milano, Italia.
    Final Graduation: 110/110 cum Laude.
    Thesis Hypothesis about the Hybridation and Cyborg as contemporary monster.
    (2004) Special Effect Course, Cinelife, Milano.
    (2005) 6-months apprenticeship in Special Make Up Effect Studio Rocchetti & Sodano, Roma, Italia.

    EXHIBICIONES INDIVIDUALES MÁS RECIENTES
    – Identidades, Museo de Arte Contemporáneo San Luis Potosí, México, 2023.
    – Utopie, Galería Oscar Román, Ciudad de México, 2022.
    – Químicas Ácidas, Galería Aguafuerte, Ciudad de México, 2022.

    Otras actividades artísticas
    (2012- actualidad) Docente de cursos y clases de escultura.
    (2009-2017) Docente de Caracterización y Efectos especiales para cine en IDIP (Instituto de Diseño de Imagen Profesional), Ciudad de México.
    (2003-2013) Escultora, caracterizadora y diseñadora de maquillaje de efectos especiales en Italia y México, en diferentes películas (Apocalipto, Black Dalia, Somos lo que hay, Bajo la sal, Potosí, Chalan, Buitres, Vampiros y Hombre Lobos, Cefalopodo, Navidad Sa, Cinco días sin Nora, La bestia nel cuore, The king in yellow, etc.)

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    Isabel Martí Clara

    (18/02/1960, Albalat dels Sorells, Valencia), es una artista amateur y componente del equipo Martillopis.

    Ha participado en exposiciones colectivas en Arco, Madrid, Art Libris Barcelona, CC de México y es participante del grupo LAPASSA con la que ha realizados acciones en festivales como Intramurs, Ciutat Vella Oberta, y en espacios culturales como Las Naves, C.C.Carme, y la Nau de Valencia. Ha participado en exposiciones universitarias tanto en Valencia, Altea como en Teruel.

    Su producción artística discurre a lo largo de los años en diferentes etapas.

    Isabel Martí, con sus tintas y pigmentos recrea ese otro mundo, un mundo posible lleno de empatía, de feminismo, de “nosotros”. Su pintura nace del trabajo constante y silencioso
    A nivel técnico, trabaja la pintura a partir de tierras y pigmentos. Estos y sus devaneos provocados por las aguadas múltiples son el rizoma de su proyecto. Un proyecto intimista, donde el cromatismo y las texturas se unen para formar un solo cuerpo, una luz, una mirada.

    Si bien la pintura fue la pionera y todavía convive con ella, el reciclaje y la costura forman parte de su elenco artístico.

    Fuera de horario, da título a su último trabajo con las telas. Telas recicladas que ha ido recogiendo de sus vecinas. Telas gastadas de tanto lavar, telas llenas de sueños posibles, algunos truncados, los más, alegres.

    Últimamente el artista combina la costura con la restauración de objetos. Uno de estos trabajos es la obra “Queremos pan y también Rosas”, en homenaje al poema feminista que Helen Todd. Una máquina de coser que ella nos presenta vuelta del revés, patas arriba, para reivindicar que, sin ellas, nada funciona.

    En definitiva, el trabajo de Isabel Martí, reclama espacio para las mujeres. Un reconocimiento a todo aquello que ellas, desde su posición de compañeras, de madre, de hija o de cualquier decisión que ellas hayan querido desarrollar.

    Johanna Speidel

    Johanna Speidel es una artista y gestora de origen alemán que vive en Madrid desde 1987. Licenciada en Bellas Artes y Filología Alemana por la Universidad de Karlsruhe, trabaja fundamentalmente la fotografía digital, el video-arte y las instalaciones multimedia.
    https://vimeo.com/user26343810

    Como presidenta de la A.C. La Ternura (1995-2007) promueve junto a Luis Elorriga, un trato e intercambio horizontal entre las artistas con propuestas de instalaciones en vías públicas.
    Desde 2017 es miembro del colectivo de mujeres artistas METANOIA.

    He recibido la Ayuda a la producción de VEGAP en 2021, el Premio de Adquisición de la XVI Bienal de Cervera (Portugal) en 2010 y finalista en I Premio de Grabado de la Fundación Deutsche Stiftung; ha expuesto en el MUSAC (León), Museum der Unerhörten Dinge (Berlín), en el Círculo de Bellas Artes (Madrid), La Casa Encendida (Madrid), Centro de Arte la Regenta (Las Palmas de Gran Canaria), Magyar Fotográfiai Múzeum (Kecskemét, Hungría), Bund Bildender Künstler – BBK (Bremen, Alemania), entre otros. Ha participado también en las ferias ARCO y Estampa,Tránsito, Art Milán, Berliner Liste y Bienal Milenio.

    Entre los proyectos organizados por Johanna Speidel cabe destacar el ciclo Do it yourself en 2009, 2010, 2012 y 2014 por el que han pasado mas de sesenta artistas y del cual se han editado tres DVDs recopilatorios; los Encuentros entre artistas en el Estudio Soñar de los años 1995, 1997, 1999, 2000 y 2007 en Velez de Benaudalla (Granada), la exposición “Eva: Desde Marilyn a Madonna” organizada en 2004 en la Galería Por Amor á Arte de Oporto (Portugal) y en 2005 en el Centro Municipal de Artes de Alcorcón (Madrid); así el Videoproyecto de entrevistas a mujeres artistas The Window entre los años 2011 y 2021.

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    Juul Kraijer

    Juul Kraijer es una artista nacida en Assen (Países Bajos) en 1970. Se licencia en Bellas Artes en la academia de Bellas Artes de Rotterdam en 1994 y comienza a formarse por diferentes países llegando incluso a la India siendo becada en numerosas ocasiones con los Fondos BKVB y los Fondos Mondriaan. Desde 1998 gana una serie de premios entre los que destacan el premio Charlotte Köhler en 1998, el premio Philip Morris Kunst en 2004 y varios premios fotográficos Lensculture Award entre 2018 y 2022.

    En 1995 realiza su primera exposición en Arnhem (Países Bajos) y entre 1996 y el año 2001 se podrá ver su obra varias veces en la galería Akinci (tanto en la propia galería como en diferentes ferias de arte) y en el Museo Stedelijk, ambos en la ciudad de Amsterdam. Los siguientes veinte años pudimos ver su obra en el Museo Cobra de Arte Moderno (Amstelveen), la Galería Monica de Cardenas (Milán), la Galería Vadehra (Nueva Delhi) y la Galería Les Filles du Calvaire (París) entre muchas otras instituciones.

    Su obra ha formado parte de exposiciones individuales en la Galería Helga de Alvear (Madrid), el MoMA (Nueva York), la Sakshi Gallery (Mumbai), el Museo ICO (Madrid), el Museo Kunst Palace (Düsseldorf), el Kunsthal de Rotterdam, el Instituto de Arte de San Diego y cientos de centros artísticos por todo el mundo, llegando a exponer en Finlandia, Australia, Alemania, España, Nueva York, Singapur etc.

    Su obra forma parte de las colecciones del MoMA (Nueva York), el Museo de Arte Contemporáneo KIASMA (Helsinki), la Fundación Louis Vuitton (París), el Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear (Cáceres), el Centraal Museum (Utrecht) y muchas más instituciones, galerías y colecciones privadas por todo el mundo.

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    Laura Larocca

    Con una metodología pseudocientífica, Laura Larocca busca conocer el territorio del que, de modo ambivalente, se siente parte por elección personal, pero en el que también es una forastera.
    Explora, recorre y observa el entorno costero de Formentera, en las Islas Baleares (España) donde vive, para desarrollar el Proyecto Absorción.

    Comenzada en el año 2020, esta investigación no está desarticulada de series anteriores como “Consume” o “Hallazgo natural”, en las que la artista ya visibilizaba a través de sus proyectos, la situación de emergencia ambiental actual utilizando indicadores objetivos, extraídos del mundo científico pero verificables físicamente en el entorno que ella misma habita.

    Las esponjas marinas son bioindicadores muy sensibles al estrés térmico. Incorporan en su esqueleto información del entorno en el que vivieron durante su crecimiento -por cierto, muy lento- y ello permite obtener una cartografía bastante precisa, para reconstruir el clima del pasado y compararlo con el actual. Atenta a esta situación, Laura Larocca, con asesoría científica, recolecta los esqueletos de las esponjas marinas que aparecen, cada vez con mayor abundancia, para analizar la acumulación de materiales, la frecuencia de los hallazgos, la influencia del clima o de la marea, entre otros factores.

    Con autorización de la Conselleria de Medio Ambiente del Govern Balear, en esta obra cuestiona la presencia masiva de los restos de una especie animal, perteneciente a la clase Porífero de la familia Spongiide, denominada esponja marina común, que es una especificidad del territorio.

    Lila Jamieson

    (Torreón, Coah. Mx – 1979)

    Artista visual, investigadora y docente México-norteamericana. Actualmente es doctoranda en Historia del Arte en el Colegio de Morelos y Maestra en Artes por la UAEM en México.

    Ha presentado más de una decena de exposiciones individuales y más de ochenta colectivas en México y fuera del país como EUA, Venezuela y España. Su obra ha sido seleccionada en bienales de pintura, artes visuales y festivales internacionales de videoarte como el Festival Internacional de videoartistas Chinas-mexicanas (2023) y Festival Internacional de videoarte NODO CCS, Venezuela (2022, 2018 y 2015) Bienal Nacional de pintura Joaquín Clausell, Campeche (2015). Bienal nacional de pintura de Gómez Palacio (2014). Bienal Nacional Artes Visuales Yucatán (2013). Bienal Nacional de Artes Visuales Arte emergente en Monterrey, Nuevo León (2010).

    Ha sido reconocida con estímulos de producción pictórica PECDA Coahuila en el área de Creadores con Trayectoria en Artes Visuales, Pintura en 2018 y 2014, becas de producción artística en pintura PRODEP desde el 2013 al 2017, Beca de estudios de posgrado CONACyT en 2011 y una beca Santander Iberoamérica Jóvenes para realizar una Residencia Artística en la Universidad de Barcelona, España 2015. Ganadora de menciones honorificas académicas y de producción, su trabajo de investigación y producción artística ha sido publicado en diferentes revistas y galerías multimedia donde busca una reflexión crítica y filosófica sobre la representación de las mujeres y sus identidades a través de la pintura, instalación y multimedia.

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    Luciana Pinchiero

    Nacida en Rosario, Luciana Pinchiero comenzó sus estudios en la Universidad Nacional de las Artes (Buenos Aires, Argentina) y recibió su titulo de grado en Artes Visuales en Otis School of Art and Design (Los Angeles) y su Maestría en Artes Visuales en la universidad de Parsons The New School (New York). Su trabajo ha sido exhibido en museos y galerías de arte en Brooklyn, New York City, Los Angeles, Francia e Islandia. En 2017 recibió la beca de residencia en la escuela de arte LungA en Seyðisfjörður, Islandia. En 2019, Luciana participó del programa AIM (Artistas en el Mercado) del Bronx Museum of the Arts, exhibiendo su proyecto “Fembow” en la 5ta Bienal del Museo del Bronx en 2021-22. Su trabajo ha sido exhibido en la feria Spring Break Artshow en 2022 y en Enero 2024 inaugurará su muestra individual en la galería Praxis de New York. Actualmente trabaja y vive en Brooklyn, NY.

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    Mabel Poblet

    Graduada del Instituto Superior de Arte (2012) y de la Academia de Bellas Artes San Alejandro (2008). Ha realizado múltiples exposiciones personales en Cuba y el extranjero como por ejemplo: Where Oceans Meet. Chanel Nexus Hall. Tokio, Japón (2023); Cuando le hablo al otro le convoco. Galeria Odalys. Madrid España; Flashback, Galería Arte-Morfosis, Zurich, Switzerland (2018); Patria, 12 Bienal de La Habana, Galería Villa Manuela, La Habana, Cuba, (2015). También ha mostrado su obra en espacios como la 57 Bienal de Venecia, la Galería Nuno Sacramento (Portugal), The Cuban Art Space. Center for Cuban Studies (New York, USA); Galerie Isabelle Lesmeister. (Regensburg, Alemania); Anderson Gallery (Lowak, USA), Onda Gallery (Oregon, USA), Galería Habana (La Habana, Cuba). Ha participado en diversas ferias internacionales como Feria Artmonaco 12, Feria Art Madrid (España), ArtBo (Colombia), Feria JustMad3 (Madrid, España), feria ArtMoscow (Rusia).

    Ha recibido diversos premios y reconocimientos a su trabajo como: Residencia de Artistas Djerassi, Woodside, California, Estados Unidos; Reconocimiento de «Una Trayectoria Sobresaliente» por la Embajada de Mexico, La Habana; Residencia en los Estudios de Artes de Cayo Hueso. Estados Unidos; Premio Noemi. Fundación Brownstone. París, Francia; Beca de Creación Habana Cultura. Havana Club. La Habana, Cuba; Mención Especial del Jurado Premio Maretti Editore III Edición.
    Su obra se encuentra en colecciones públicas como: Studios of Key West. Florida USA; Steven Tanger Center, North Carolina USA; Museum Chrysler, Norfolk, Virginia, Unites States; Museum of Latin American Art (MOLAA); University Laguna College of Art and Design; Djerassi Resident Artist, Woodside, California, United States; Contemporary Art Museum of Tampa. Tampa, USA; CIFO. Cisneros Fontanals Art Foundation, USA; Fundación Gilbert Brownstone, Francia; Foundation Ministry of Nomadas, United Kingdom; Donald Rubin Collection, USA.

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    Marie-Isabelle Poirier Troyano

    La artista franco-andaluza Marie-Isabelle Poirier Troyano (Antequera, 1970), residente en Genalguacil, despliega por primera vez y de forma individual toda la potencia estética de su trabajo en una exposición que reúne algunas de sus obras iniciales con su más reciente producción. El textil, entendido en su más amplia diversidad formal, es el medio a través del cual la creadora experimenta con total libertad y sigue su instinto allá donde la guíe. Así sucedió con el shibori, procedimiento japonés milenario que aprendió de manera autodidacta y consiste en reservar algunas áreas de la tela para evitar que se tiña. El resultado son composiciones de color azul o negro que varían de diseño dependiendo del tipo de reserva aplicada (cosido, doblado, retorcido, atado). Aunque existe cierto control, la obra final siempre está sujeta a un grado de imprevisibilidad muy valorado por la artista, cuyo principal motor creativo es la sorpresa provista por su intuición y las leyes de la naturaleza.

    Con los años, Poirier Troyano ha adquirido un dominio de las variantes de shibori, desarrollando incluso una propia llamada “reverse” donde, en lugar de añadir color, lo elimina utilizando lejía. A nivel estético y conceptual sustituye la idea de mancha por la de huella: aquella que permanece a pesar de la erosión y nos remite al pasado. Son telas llenas de sutileza y pericia, pero también de una oscuridad latente relacionada con el dolor de la pérdida en la biografía de la autora.

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    Mariela Soldano

    Mariela Soldano es una artista argentina que reside actualmente en Uruguay. Formada en el mundo de la comunicación y diseño, cuenta con una Maestría en Diseño de Experiencias culturales de la Universidad de Valencia.

    Sus obras se vinculan de manera rizómatica con la vida y con la muerte, y en ellos la vibración es una presencia que se repite. Ocurre tanto en la selección de color de sus pinturas como en las esculturas de la música, instalaciones y videos que dialogan con la tecnología y la naturaleza.

    Ella misma se define como camaleónica para elegir sus lenguajes de expresión, y la deconstrucción es una operación recurrente en un proceso creativo en el que los objetos encontrados son disparadores frecuentes de inspiración.

    Para Mariela Soldano, el arte entendido como lenguaje, supone la posibilidad de comunicarse con el mundo, y de este deseo de intercambio de sinergias y de acercamiento a otros artistas, alimentado durante muchos años, ha nacido en Punta del Este (Uruguay) el espacio Puertas Adentro. Fundación que ha sido posible terminada la crianza de sus hijos, liberada ya de muchas responsabilidades. Puertas Adentro es una propuesta híbrida, que permite satisfacer la necesidad artística de muchas mujeres que no pueden realizar libremente una residencia por estar sujetas a su rol en la familia. En la presente edición son cinco las participantes que tendrán que desplazarse muy pocos días y realizarán el resto de la residencia de forma virtual.

    Como artista, recientemente ha sido seleccionada en Joya Air, con un trabajo que investiga el concepto de fascia como trama viviente en contraposición a la piel, los huesos y la cáscara que muere. En la pieza de videoarte, se construye en el hecho de poner en evidencia el momentos de calma e intimidad que nos conecta con nosotros mismos, en la mañana antes de que suenen y prendan las pantallas de los móviles.

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    Mariña Regueiro

    Me he criado entre mujeres. Nacida en Santiago de Compostela mi vida ha discurrido entre Madrid desde los 4 años y la provincia de A Coruña desde los 28. Mis padres me dejaron con 10 meses en casa de mi abuela materna y sus tres hijas, todas licenciadas. Mi vida profesional ha discurrido entre círculos de mujeres con los que comparto mis inquietudes intelectuales, espirituales y textiles. A través del el encaje me relaciono con el mundo.

    Mi carácter fantasioso me llevó a fundar en 1984 una Escuela de Encajes en un pueblo marinero de Galicia.

    ¿Quién va a querer ir a tu escuela? Me preguntaban las encajeras profesionales… Mujeres como yo, les contestaba.

    Y así fue. Los hombres y mujeres que se acercaron a mis cursos de verano lo hicieron desde la inquietud de aprender una técnica textil fascinante que nos une con hilos invisibles con todos los países de Europa.

    Con la incorporación de la mujer al mercado laboral el encaje va desapareciendo lentamente en todos los países desarrollados y se renueva el interés para conservarlo vivo. Doy charlas, expongo y enseño encajes españoles en Europa, Australia, Canadá y Estados Unidos. En el colegio Muradam Farm School de Tiruvannamalai,Tamil Nadu, India hicimos un proyecto con los alumnos de la escuela para cubrir una marquesina de un parque público usando como hilos,tiras de 9 metros de saris de segunda mano. Publico un libro de poemas caligráficos con sus traducciones al japonés, francés e inglés que se ilustran con encajes contemporáneos.

    Me dedico a la investigación y publico sobre encajes españoles desconocidos para el publico y creo grupos de estudio en diferentes regiones españolas para estudiar encajes del pasado con la intención de usar ese legado como vehículo para el encaje contemporáneo. Mi experiencia en la Escuela Superior de Diseño (ESD) de Madrid en los años 2016, 2017 y 2018 me confirma que los jóvenes pueden crear diseños muy interesante con técnicas encajeras contemporáneas, técnicas que no se imparten a pesar de estar en sus planes de estudios.

    Hago de comisaria de exposiciones de encaje contemporáneo en “Encaje a lo grande” Pontevedra, 2016; “Haikus y Encajes”, La Font den Carrós, Valencia, 2017; “El Encaje de Candida” Casino de la Exposición, Sevilla , 2019; ”Vente al Museo, Tronco” Museo do Encaixe, Camariñas, A Coruña , 2021; “Encaje Algoritmico” Museo do Encaixe, Camariñas, A Coruña, 2022; “Pop Up Lace” Museo Costa da Morte, Corme, A Coruña, 2022; ”Encajes,Troncos y Haikus” Sala Padre Vallet, Pozuelo de Alarcón, Madrid, 2023; “Fiestras, Finestras, Leihoak, Ventanas” Sala de exposiciones de arturoalvarez.art, Vedra, A Coruña 2023.

    Cada vez que tomo un bolillo en la mano siento que pertenezco un linaje que me conecta con una legión de mujeres que han venido tejiendo en silencio sus encajes en los últimos 500 años. Este legado sólo puede continuar como un vehículo más hacia la creación de Arte Contemporáneo.Ya lo dijo Chris Dekron,»El futuro del arte es textil».

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    Meritxell Ahicart

    Meritxell Ahicart estudió Bellas Artes y el Máster en Fotografía Arte y Técnica en la Universidad Politécnica de Valencia.

    En todas sus obras investiga en libertad creativa con las múltiples cualidades expresivas del medio fotográfico, convirtiendo la fotografía en un canal de búsqueda sobre los códigos sociales, políticos, ideológicos y culturales de la realidad que la rodea.

    Entiende la fotografía como imágenes mentales, prolongación de su cuerpo, con un lenguaje hibrido, expandido, performativo y con múltiples capas de significantes, que trascienden las técnicas y son capaces de generar reflexión y pensamiento.

    Ya sea a través de la serialidad documental en su proyecto Villas para la Memoria, en el libro de artista Specimen o en las secuencias de video de Super-Clean Bottles Remix transforma su entorno cotidiano mediante usos artísticos que provocan una mirada inteligente a quien se sumerge en su estética creativa.

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    Naiara Valdano

    Naiara Valdano nació en 1985 en Madrid dentro de una familia multicultural. La curiosidad y las ganas de aprender han formado parte de su vida desde su infancia, lo que le ha llevado a tener una formación amplia y multidisciplinar: licenciada en Historia del Arte en 2008 por la Universidad Complutense de Madrid, master en Art Business en 2010 por Sotheby´s Institute of Art (Londres) y master en Marketing Digital en 2010 por ICEMD.

    Siempre ha tenido un sueño claro: el deseo de contar historias, dando visibilidad a aquellas escondidas, relegadas u olvidadas por la historia. Y ha podido hacerlo desde distintas perspectivas: como gestora cultural, como comisaria, como especialista en comunicación online … y finalmente como artista.

    En los últimos 15 años ha desarrollado su faceta más creativa, experimentando con técnicas diversas como el dibujo, la pintura o la fotografía. Pero la técnica con la que más se ha sentido a gusto ha sido el collage, realizado piezas de forma analógica con tijera y papel. Con sus trabajos, deconstruye la realidad que la rodea y crea mundos nuevos en el que dar voz a sus deseos, sueños e inquietudes. En sus obras destaca principalmente el uso de la figura femenina, que trabaja con dos objetivos en mente: por un lado, dar visibilidad al mundo de las mujeres (tan borrado de los libros de historia); y, por otro lado, hacer una crítica a las problemáticas que las afectan.

    Noa y Lara Castro Lema

    (1998, Ferrol) se graduaron en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, tienen un máster en Producción e Investigación en Arte por la Universidad de Granada y actualmente se encuentran en Basilea con la beca de la Fundación María José Jove para cursar el máster en Bellas Artes del Art Institute FHNW.

    Desde antes de graduarse, ya comenzaron a destacar, principalmente en el ámbito audiovisual. Programadoras del Festival de Arte Audiovisual Contemporáneo Intersección, comenzaron a destacar con sus creaciones en Chanfaina Lab y Sinais. Forman parte del colectivo Grupo Subterráneo. A mayores de sus exposiciones, premios y participación en iniciativas, han sido juezas de festivales de cine y comisarias de exposiciones.

    Su arte, principalmente, es audiovisual y de performance, en ocasiones juntando ambas disciplinas en la misma pieza.

    Noa y Lara, como tándem artístico, sitúan sus películas en Galicia, con personajes familiares, y traen al presente el recuerdo, la memoria y los sueños, que se entrelazan y se muestran a través de una estructura fragmentada, inusual, inesperada, como la de los sueños. Los movimientos de los personajes son ambiguos, entre lo coreografiado y lo espontáneo, en muchas ocasiones prescinden del rostro, tienen una fuerte carga íntima y el sonido lo consideran una obra a parte.
    Aunque tienen piezas creadas de forma individual, acostumbran a trabajar juntas, cooperando, tomando decisiones conjuntas. Son conscientes de qué temas les interesan y quieren arrojar una luz sobre ellos, sin dejar de explorarlos desde una visión onírica y cruda al mismo tiempo.
    Creen que la proyección no actúa simplemente como marco, sino como espacio expositivo en el que se puede mostrar ciertas acciones que no se podrían concebir en el espacio real.

    nucbeade

    nucbeade es un colectivo formado por las artistas Quiela Nuc (1990) y Andrea Beade (1988). A través del medio audiovisual, la instalación y la performance, nucbeade construye y rescata relatos fuera de la historiografía hegemónica.

    De 2018 a 2021, desarrollan un corpus de trabajo en torno al deseo bi-bollo y su represión en el Estado español entre 1930 y 1980. Esta investigación la formalizan en tres piezas: el archivo-taller Lesboanimitas, la película Una dedicatoria a lo bestia y la instalación Licencia de amor B Y P. Estas dos últimas obras se centran en el Patronato de protección a la mujer, una institución de encierro para jóvenes que permanece activa de 1941 a 1987.

    En 2021, realizan la película A cinquito, con derecho a tocar, una aproximación a los espectáculos de «fenómenos humanos» en las ferias españolas. En ella, nucbeade rastrea un posible origen de la mirada, la interpelación no deseada y la violencia que a día de hoy reciben las corporalidades no normativas.

    Sus películas se han mostrado en festivales como Festival de Cine Documental Alcances (Cádiz. Premio al Mejor Cortometraje), Festival Márgenes (Madrid), Festival de Málaga, Documenta Madrid, (S8) Mostra de cinema periférico (A Coruña), Ourense Film Festival, Festival Corto Ciudad Real (Premio al Mejor Documental), Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona, Cinespaña (Toulouse), Queer Lisboa, Pink Screens Film Festival (Bélgica) o Side by Side (Rusia).

    Su trabajo también ha sido exhibido nacional e internacionalmente en museos y centros de arte contemporáneos como La Casa Encendida (Generación 2021, Madrid), Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid (Circuitos de Artes Plásticas 2021), Tabakalera (Donostia-San Sebastián), Matadero Madrid, BideOtik Azkuna Zentroa Alhóndiga Bilbao, Instituto Cervantes, Centro Cultural Las Cigarreras (Alicante), Kunstraum Kreuzberg/Bethanien (Berlín), Museum of Impossible Forms (Helsinki) o RMIT Art Intersect Spare Room (Melbourne).

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    Sara Coleman

    Sara Coleman es artista, diseñadora e investigadora. Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Vigo ―con estancias en la Academia de Bellas Artes de Viena y en la Ciudad Internacional Universitaria de París―, también ha cursado estudios en diseño de moda y patronaje, como Técnico Superior en Artes Plásticas en Estilismo de Indumentaria y Técnico Patronista Escalador, y un máster en Gestión de Moda. Además, ha realizado otros cursos de posgrado, como Experto Universitario en Formación, Cultura y Gestión de Moda en la Universidad Nacional de Educación a Distancia, e Ilustración Experimental en la Central Saint Martins de Londres.

    Entre sus premios y menciones artísticas destacan: el primer premio ArtsFAD 2017, el Premio Julián Trincado (15.ª Bienal Mostra MAC), un accésit en el I Premio Textil de Arte Contemporáneo 2022 (Instituto de Cultura Alicantino Juan Gil-Albert) y la nominación al Premio de Adquisición Universidad Nebrija a la Creación Artística 2019. Asimismo, ha sido seleccionada como artista residente en el Colegio de España en París a través de la beca FormARTE 2018 de Artes Plásticas (Ministerio de Cultura y Deporte de España) y en las Residencias Artísticas MAC 2017 (Museo de Arte Contemporáneo Naturgy).

    Desde el año 2013 participa de manera habitual en exposiciones individuales y colectivas, y ha expuesto su trabajo en diferentes espacios, como la Valentiny Foundation de Luxemburgo, el Museo del Diseño de Barcelona, el Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid, el Museo de Arte Contemporáneo Naturgy, la Fundación RAC de Pontevedra, el CentroCentro_Cibeles de Madrid o el Centro de Arte Tecla Sala de Barcelona, entre muchos otros.

    Como docente, ha sido profesora en el Grado de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, en los Estudios Superiores en Diseño de Moda y Textil de Galicia (ESDEMGA), en LCI_FD Escuela Superior de Diseño de Moda y en la Escuela de Arte Superior de Diseño de Gran Canaria. Asimismo, ha impartido seminarios y talleres en colaboración con diversas escuelas e instituciones, como la Escuela Universitaria de Diseño Industrial, la Universidad de Santiago de Compostela, la Fundación Mapfre, Fundesarte, la Escuela de Organización Industrial Mediterráneo, la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño, el centro de artesanía y diseño CENTRAD o la Cidade da Cultura de Galicia.

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    Silvia Viñao

    Nace en Murcia con una vocación artística muy temprana, se matriculo en la escuela de Artes y Oficios de Murcia con catorce años. Posteriormente, en 1995, se licencio en Bellas Artes en la Universidad de Granada y es Doctora por la misma Universidad desde 2011.

    Durante los últimos años de la carrera comenzó a realizar sus primeras exposiciones colectivas en Granada, trasladándose posteriormente a Murcia. En la actualidad cuenta con una extensa cantidad de exposiciones individuales y colectivas, en el ámbito nacional e internacional. De entre ellas, como ejemplo, podemos destacar la vídeo-instalación colectiva realizada en The Gabarrón Foundation de Nueva York en 2009 o la exposición individual de pintura realizada en el MUA (Museo de la Universidad de Alicante) 2011.

    Aunque la mayor parte de su actividad artística es pictórica también se expresa en otros campos como la ilustración, el video, el action painting, el arte textil o diversas intervenciones artísticas, incluso en performances.

    Paralelamente a estas actividades, ha realizado también una labor docente y de investigación. Fruto de la labor artística e investigadora, y como ejemplo de su faceta de ilustradora, podemos citar el libro La corriente del Tao editado en 2013 por Pictografía, donde colabora con destacados artistas. En ese mismo año también participa en “Encuentros con” (charla y exposición) en el MUBAM, Museo de Bellas Artes de Murcia. Además de participar en la video-exposición colectiva Feminis-Arte realizada en el Centro Centro Cibeles de Madrid.

    Posteriormente continua realizando numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas en el ámbito nacional e internacional, de entre las cuales, podemos destacar las exposiciones individuales realizadas en la Fundación Cajamurcia de Madrid en 2015, en la Fundación Casa Pintada-Museo C.Gabarrón de Mula en 2017 y en el LAC en 2022 Murcia y por último en la Sala Alta del palacio del Almudí (Murcia).

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    Sirya Arias

    (La Habana, 1992). Actriz y fotógrafa cubana. Licenciada en Artes Escénicas. Actualmente se encuentra residiendo en España. Máster en Dirección Cinematográfica y actual responsable de la dirección creativa de la productora cinematográfica Cucaracha Films. Sirya se especializa en la fotografía en blanco y negro para explorar la intimidad femenina y sus conflictos, a través de temáticas como la religión, el aborto, la violencia de género, el acoso o el abuso de poder. A pesar de que emplea técnicas de actuación con sus modelos, suele dejar un amplio espacio a la improvisación; la repetición y las expresiones exageradas potencian la visualidad que caracterizan sus propuestas.

    Teresa Esteban

    Madrid 1960.
    Una década antes de que obtuviera el título de Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en el año 1992, su vida giraba ya en torno a una apasionada dedicación a la escultura; lo que hace que hoy queden a sus espaldas una veintena de obras públicas, numerosos premios de escultura y exposiciones colectivas, y 18 exposiciones individuales que han conducido su obra a través de la geografía española e internacional: desde Madrid hacia Berlín, Rabat, Tetuán, Teherán, París, Roma, Milán, Seúl, Toronto, etc. De entre las distintas becas e invitaciones a simposios recibidos, fue la estancia que disfrutó como becaria de la Real Academia de Bellas Artes de España en Roma, en 2001, la que en mayor grado determinó la evolución de su expresión artística, orientando su mirada hacia lo arquitectónico. Ha producido buena parte de su obra en madera, empleando también otros materiales ‒a veces combinados con ésta‒ como el bronce, el hierro, el cemento, la piedra, el plomo o el poliéster1, sobre los que experimenta fundando nuevas técnicas y modalidades.

    Desde sus comienzos, vuelca su interés en las arquitecturas, en los vacíos y las conexiones entre espacios, en forma de escalera, pasillos…, concediendo una importancia primordial a los materiales.

    Entre los premios que ha recibido, cabe destacar:
    2022: Premio de escultura de Pinto.
    2021: Premio de escultura de Valdepeñas
    2018: Premio de la Asociación Sculpture Network, con sede en Múnich, como reconocimiento a su amplia trayectoria artística.
    2017: Primer premio de escultura Ciudad de Melilla. Simposio “Art circle” Slovenia”; 2012: Primer premio de escultura Ciudad de Badajoz;
    2006: Primer premio de escultura. Caja Castilla la Mancha;
    2005: Primer premio de escultura. Caja de Guadalajara;
    2002: Primer premio de escultura. 17 Bienal del Tajo. Toledo;
    2002: Premio de escultura de la Real Academia de Roma; 2002: Segundo Simposio Internacional de escultura, Fuerteventura.
    2003: Primer premio de escultura. Sala el Brocense. Cáceres

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