domingo, junio 13, 2021

    Gestoras Culturales VII MMM

    Gestoras culturales, protagonistas de MMM 

    Aquí encontraréis a  las gestoras culturales que participarán en esta edición.

    Mujeres que cada día apuestan por dar lugar y valor a las artistas con las que trabajan. Por un lado nos encontramos con comisarias, galeristas, directoras de museo o de iniciativas relacionadas con cuestiones de género. Todas ponen su inteligencia y buen hacer al servicio del arte, como mujeres y como profesionales, por eso es imprescindible poner de relieve el trabajo de todas ellas.

    Las participantes hablarán DE. Es decir, presentarán a artistas-mujeres, desde su perspectiva como profesional del arte y como mujeres, nos hablarán de la artista y de su obra mediante un pequeño texto curatorial que nos permitirá conocer a la artista desde su mirada.

    Algunas de ellas presentarán los proyectos que han llevado a cabo recientemente en nuestros «Proyectos Invitados».

    Por otro lado, esas otras gestoras culturales sin cuya participación este proyecto no habría nacido son las blogueras, periodistas y comunicadoras especializadas en arte. De nuevo estarán presentes algunas de las que han confiado en MMM desde la I edición a las que se han ido sumando muchas otras que tanto están aportando.

    Como sucedió en los años anteriores hablaran CON artistas-mujeres de sus obras, de sus inquietudes y de cómo enfrentan su posición de artistas-mujeres. Nos mostrarán su lado más personal, así como su posición como artistas y como mujeres frente al feminismo y la discriminación.

    En esta VII edición contamos con 72 gestoras culturales.

    Adriana Pazos Ottón

    Gestora cultural. Artista Visual. Especialista en pedagogía artística y creatividad. Videoartista, performer. Dirección y gestión del proyecto de Arte Contemporáneo OLALAB Acción Cultural (www.olalab.net), del proyecto educativo AULADEIDEAS: Educación y Creatividad (www.auladeideas.com), y artista visual creadora e integrante de las compañías de artes escénicas Voltage Opposites Project, Acción Camándula.

    Colaboradora en gestión y creación de contenidos en Plataforma de Arte Contemporáneo Arte a un Click. Subdirección en Mujeres Mirando Mujeres. Responsable del área de incidencia social de la Federación Autismo Galicia. Estudios: Bellas Artes, Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo. Licenciada en Historia del Arte, Universidad de Santiago de Compostela. Estudios de Educación e Innovación en arte y cultura digital, UOC. Estudios de psicología y pedagogía.

    Técnicas artísticas aplicadas al trabajo de grupo y como vehículo aplicadas a la didáctica y la creatividad. Live Video aplicado a Artes Escénicas. Marketing digital, especialista en comunicación y web master.

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    Alba Herrero

    Madrid, 1989. Graduada en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca y máster en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas por la Universidad Antonio de Nebrija de Madrid.

    Alba Herrero ha trabajado como asistente de galería para García Galería en Madrid y colabora como redactora de contenidos con la revista digital PAC Plataforma de Arte Contemporáneo. En la actualidad reside en Londres donde trabaja como asistente de galería en Daniel Raphael.

    Alicia Elizabeth Dalterio

    Docencia. Artes. Periodismo en divulgación científica y salud. Investigo a través de las artes ejes asociados a la conciencia, la educación, la espiritualidad, la ecología y el futuro hacia una sociedad y un mundo mejor.

    Entrevisto a artistas que de algún modo han transformado su vida y la de otros con su mirada y acción. Escribo noticias positivas e inspiradoras hacia el aprendizaje permanente, la evolución y la libertad. Desde mi labor docente de niños, adolescentes y adultos, en hospitales y laboratorios de alta complejidad en inmunología y detección de enfermedades oncológicas, HIV y otras autoinmunes, viajo, investigo y doy talleres integrales.

    Creo el Círculo Único de Restauración desde las Artes. Vivo la oportunidad del tiempo histórico que transitamos como un puente sin apegos para fluir empáticamente hacia correctas relaciones. Los antiguos pueblos originarios americanos se referían a » caminar en la belleza» cuando nuestra presencia en la tierra, serena y consciente está conectada con todo, pues todo tiene vida.

    Compartimos un único hogar, la naturaleza, lo femenino en toda su expresión es la mayor artista. Las penas de las mujeres y niños son las de la tierra y viceversa. Es hora de estar atentos y de colaborar en restaurar el equilibrio desde nuestro lugar.

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    Alicia González Rodríguez

    Alicia González, a la que puedes encontrar en las redes sociales como Jaberbock es periodista y autora de una biografía sobre “Simone de Beauvoir” (Colecciones de EL PAÍS, 2019) y el poemario “Satisfacciones de esclavo” (Celya, 2007). Ha participado en las antologías El País de los poetas” (Universidad Complutense en 2015) y con los cuentos “El viejito” y “La cariátide coja” en las publicaciones de la Asociación Colegial de Escritores. (1996) y Se lo dije a la noche (2011), coordinada por J.C. García Hoyuelos.

    Entre otros reconocimientos a su trabajo ha recibido los premios: “Carmen de Burgos” de Periodismo, Premio «Manuel Azaña» de Periodismo, Premio “Carmen Goes” de Periodismo, Premio U-GOB hispanoamericano en la categoría de Innovación en Comunicación Digital Internacional, el Premio internacional de poesía «León Felipe», el Accésit del Premio de Ensayo Breve “Fermín Caballero”, el primer premio “Poesia prosa e arti figurative“ in spagnolo de la Academia italiana “Il convivio”, el segundo premio en la categoría de narrativa del Premio “100 años de Violeta Parra”, organizado por el Grupo Literario Talestris (Chile), premio ex aequo al proyecto “La Maleta didáctica” del IGME en la Modalidad “Laboratorio de Geología” (Premio Grup Vallformosa) que otorga Ciencia en Acción y resultó finalista del I Premio Internacional Revbela de Comunicacíón convocado por la Fundación Araguaney-Puente de Culturas.

    Además, fue seleccionada como becaria del Taller de Narrativas en Periodismo Cultural dentro del Seminario Nuevas Rutas para el Periodismo Cultural organizado por la Fundación Nuevo Periodismo Internacional, ahora Fundación GABO (2011). Obtuvo la única beca a un proyecto no mexicano en el proyecto Reto por los Libros 2018de la FIL Guadalajara en la Talent Land 2019 (Jalisco), participó como miembro del equipo de Medialab-Prado en el Editors Lab de El Confidencial (2017) y coordinó entre 2011 y 2013 la plataforma Casa Balcanes, de la que es fundadora, dirigida a ofrecer una mirada sin prejuicios sobre esta región y especialmente sobre cuestiones culturales de los países balcánicos.

    Su interés por el arte le ha llevado a participar en Versionadas, donde aportó el texto para la creación “Freegando el olvido” de Ana Marcos (2019); la Exposición y coloquios sobre las obras de “Fraud” (Aquí y ahora) en 2014 en la Galería Blanca Soto Arte; Sobredosis (2015), un proyecto expositivo en La Quinta del Sordo; Homer Jay Simpson, retrospectiva del proyecto expositivo en la Galería Storm and Drunk (2017); colaboración textual y diseño web para Zara, Mango, Benetton y otras bolsas del montón (2012). de la artista Ana Marcos.

    Entre 1998 y 2014 recorrió medio Madrid dando recitales como poeta de la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid y en «La noche en blanco», organizada por el Ayuntamiento de Madrid, además de participar en el Maratón poético en el Café «El despertar» (2007 y 2008) y en el Recital en la Librería Arriero (2009).

    Ha sido también ponente en los seminarios de crítica literaria “No se nos permite saberlo (I y II)” de la Universidad Complutense de Madrid en 2017 con motivo del Día Internacional de la Poesía y la Semana de las Letras y ha participado en la muestra de Escritores Complutenses dentro de la IV Semana Complutense de las Letras (2014).

    Como licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense de Madrid y Máster en Comunicación Radiofónica ha trabajado compaginando la comunicación institucional en la Administración Pública con el periodismo cultural como redactora entre 2003-2018 y responsable de la Sección de Poesía de la revista «Leer” entre 2011 y 2018, redactora y locutora en Radio Nacional de España (1995), en «El Ojo Crítico», responsable de prensa del Certamen de Teatro de Directoras de Escena “Ciudad de Torrejón”. Ha sido colaboradora de la agencia especializada en temas culturales «Reportarte» (2015-2016), la Revista Teatros (2004-2006), el portal colombiano de contenidos culturales “Viva la cultura” (2003-2006), y las publicaciones digitales La libreta de Irma, 2bemag, FronterAd, El Portalvoz, Revista Paquidermo, Zona cero, Este País, El Rapto de Europa, The SOP, Webpicking y Crítica.

    Siempre dice que “puede ayudarte a cambiar tu mundo y para eso está dispuesta a asumir riesgos, aportando en cada reto soluciones, iniciativa, creatividad y trabajo”.

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    Alonso y Marful

    Las artistas visuales Su Alonso (Madrid, 1969) e Inés Marful (Mieres, 1961) dejan atrás su trayectoria académica y profesional en 2005 para agrupar experiencias y lenguajes en torno a un proyecto artístico común.

    Procedentes de mundos diversos (arquitectura, filosofía), la confluencia de ambas ha dado como resultado una estética de coalescencia en la que la fotografía expandida, el vídeo, la filosofía, los textos, la escultura, la música, la performance… se reúnen para dar entidad y espesor a una obra de signo eminentemente multidisciplinar.

    Desde sus primeros proyectos puede verse el trazo seguro de una propuesta con profundas raíces culturales y una poética singular que gira en torno a temas y motivos intemporales. De forma progresiva, Alonso y Marful van abriendo nuevos caminos a la seriación, yuxtaponiendo elementos que destacan los atributos circunstanciales que acompañan al individuo en situación sobre un fondo común de temas e invariantes antropológico-existenciales.

    Sus proyectos componen frescos visuales, textuales y sonoros y subrayan el carácter inefable y secreto de la experiencia individual (Meditación #381 La ceguera). Son interioridad que busca y que se busca en los radicales comunes de la especie. Buscando transmitir una experiencia íntima, se proponen como piezas de cámara (Meditación #193 Iluminaciones 37, Meditación #752, Meditación #329 Falacia del significado) o, en ocasiones, como artefactos que únicamente pueden ser conocidos por lectores individuales (Silent Press).

    Simultáneamente, y subrayando la tensión entre lo personal y lo social, construyen proyectos que señalan su abierta beligerancia con el ahormamiento ideológico-político y su apuesta por los márgenes y las minorías oprimidas y silenciadas. Nacen, así sus “dispositivos de resistencia lírica”, composiciones y performances de corte político pero de registro poemático y conceptual en las que tratan temas como el de la opresión histórica de las mujeres (Libro de las mujeres muertas, RE-ACTION), la transexualidad (La identidad herida) o la inmigración ilegal (Corriente alterna, De profundis, In itinere), apelando a una difusión restringida e intensa en ámbitos en los que, convencidas del poder de la voz y la mirada detenida y consciente, reclaman el contacto directo con cada uno de los asistentes. La muerte de las madres señala la apertura de su poética hacia un horizonte de sacralidad laica, que reclama el reencantamiento del mundo en el seno de un humanismo panteísta sembrado de referencias filosóficas y literarias. La obra rompe las fronteras individuales y se abre a la presencia de múltiples actores y elementos naturales (agua, tierra, fuego, cera, fluidos orgánicos…) buscando dialogar con la vida en una relación no jerarquizada, integradora y orgánica. Lugares comunes (Fernández, 2013), Oración, Meditación #184 El cuaderno de piedra, Dasein o Soliloquio del icono se encuadran en esta latitud intelectual y emocional y marcan la irrupción de lo que la crítica ha calificado de “conceptual sinfónico” (Fernández, 2013)”.

    En 2010 esta pareja de artistas inicia un proyecto de fondo cuyo título, RE-ACTION, Genealogía y contracanon, alude a la necesidad de re-actuar la historia (aquejada de un patriarcalismo estructural hondamente incardinado en el tejido sociocultural) para “hacerla hablar”, desvelar la ideología que incorpora y “despertar” de sus inercias. RE-ACTION parte de 8 obras de Alonso y Marful que se ofrecen como puntos de arranque para convocar a otras mujeres artistas, que van encadenando a las previas sus propias intervenciones y configurando un intradiálogo sin fin destinado a erigirse en una contrapropuesta al androcentrismo del canon occidental, un dispositivo de generación de mensajes estéticos encadenados y un icono del arte de mujeres. RE-ACTION es un proyecto in fieri del que hasta ahora forman parte casi setenta mujeres artistas de reconocido prestigio internacional.

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    Ana Castro

    Ana Castro (1990) es escritora y periodista. Licenciada en Periodismo en la UCM y Máster en Comunicación Corporativa, siempre ha compaginado su desarrollo en el ámbito de la comunicación empresarial con la gestión cultural y con su propia producción poética.

    Ha publicado “El cuadro del dolor” (Renacimiento, 2017) y ahora trabaja en su próximo poemario y un ensayo, si bien en primavera de 2021 se publicará la antología de mujeres poetas “Rojo-Dolor” en la Editorial Renacimiento, coordinada y seleccionada por ella. Ha participado como parte de la organización en varias ediciones del Festival Cosmopoética (2010-2013) y coorganizó su propio festival poético “Otoñeces” (Córdoba, 2010), donde la poesía confluía con las artes visuales a propósito de la estación otoñal, donde ya tuvo oportunidad de trabajar con María Ortega Estepa.

    En la actualidad, es también traductora y correctora editoral, fiel activista feminista y la editora de La Toffee Produce, desde donde realiza publicaciones de artista. Entre otras, ha publicado a Rocío Madrid y el primer libro de Maite Ortega (*Sin título*) y dirige la colección de fanzines feministas de guerrilla SRA RIOT, en la que combina obras de escritoras y artistas visuales.

    Su obra se ha mostrado en espacios como: Vitra Design (Madrid, 2014); Matadero (Madrid, 2015); Patrick Studios Project Space (Leeds, 2015); Museo Dados (Salamanca, 2015); Hotel Pasteur (Rennes, 2016); Brewery Tap (Folkestone, 2016); Eastbridge Hospital of St Thomas the Martyr (Canterbury, 2017); Salón Internacional de la Luz (Bogotá, 2017), Ateneo de Málaga (2018), Hybrid Art Fair (Madrid, 2019), JustMad (Madrid, 2020) y Paper Positions Berlín (2020) entre otros. Además, ha expuesto de manera individual en el Museo de la Alquimia (Córdoba, 2018) con su proyecto Transmutaciones.

    Ha realizado residencias artísticas en Stour Valley Creative (Ashford), Alfara Studio (Salamanca) y en la Fundación Antonio Gala (Córdoba) y ha recibido becas como FORMARTE, categoría fotografía y artes visuales, del Ministerio de Cultura y Deporte (2019 y 2020), Injuve, Ayudas a la Creación (2018), la beca Mutua Madrileña (2016) y su proyecto Inflexión fue premiado con la beca anual de escuela de fotografía La Máquina (2015) e incluido en el libro El Proyecto Fotográfico Personal (Fotoruta).

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    Ana Gabriela Ballate Benavides y Yadira de Armas Rodriguez 

    Ana Gabriela Ballate Benavides & Yadira de Armas Rodríguez (La Habana, 1990). Gestoras culturales y comisarias independientes. Licenciadas en Historia del Arte en la Universidad de La Habana (2013) y con una maestría en Estudios Avanzados en Historia del Arte en la Universidad de Salamanca (2019).

    Su línea de trabajo se enfoca hacia las dinámicas del arte contemporáneo, desde la gestión, el comisariado y la producción de exposiciones y proyectos culturales. Interesadas en la investigación curatorial en torno a las nuevas prácticas del arte contemporáneo, potenciando el arte emergente, el enfoque de género, y la colaboración con otros proyectos artísticos.

    En su haber constan la dirección – gestión galerística y de proyectos culturales, y poseen, asimismo, una trayectoria académica que incluye conferencias en eventos internacionales, cursos y diplomas en la Universidad Autónoma de México, la Pablo de Olavide y la UNED en España.

    Ambas co-dirigen el proyecto de arte contemporáneo y colectivo curatorial ‘Art Project Inside’ y recientemente han sido las comisarias de la exposición colectiva Listen to me! en el Domus Artium 2002, proyecto invitado en la Bienal de Mujeres en las Artes Visuales 2020.

    Web:

    Anna Roig

    De Barcelona. Vive y trabaja en Madrid. Es Diplomada en Cinematografía y Artes Audiovisuales en la especialidad de Dirección de Cine y en la actualidad realiza el Ciclo Superior en Artes Plásticas y Diseño en Gráfica Impresa en la Escuela de Artediez.

    Desarrolla su pasión por la comunicación y la edición de contenidos colaborando con distintos medios online (entre los que se encuentran Anormalmag, Salitre Revista Cultural, Cóctel Demente o Arte a un click) y, desde febrero de 2017, con la gestión de su blog godArt Lab.

    Es co-fundadora de Nada / Lab, colectivo artístico que apoya y da visibilidad a artistas emergentes mediante publicaciones y exposiciones, cincuenta por ciento de Le mot le plus doux, colectivo artístico cuya obra se basa en la imagen y la palabra y co-creadora de La Aduana de Rousseau, exposiciones de arte efímeras realizadas con el objetivo de eliminar las barreras entre arte, artistas y amantes del arte y de de Murallage, proyecto colaborativo de intervención urbana a través del papel.

    En la actualidad se encuentra inmersa en su proyecto más querido y especial: Mujeres que cortan y pegan, comunidad internacional de mujeres que se expresan mediante el collage cuyo principal objetivo es darles visibilidad y poner en valor esta técnica artística. En paralelo, desarrolla distintos proyectos artísticos con diferentes artistas. Se define como observadora y arqueóloga de cosas bellas. Le apasiona el collage manual y lo trabaja bajo el pseudónimo de annitaklimt.

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    Audrey García

    Licenciada en Historia del Arte, Filología Francesa y con un Master en Comunicación, se especializa en comunicación corporativa y cultural. Es vegana, antiespecista, feminista y antinatalista.

    Es responsable de comunicación y redes sociales especializada en graffiti, arte urbano y muralismo. En la actualidad, trabaja para artistas internacionales como Jorge Rodríguez-Gerada, festivales de muralismo como Parees Fest, exposiciones y entidades dedicadas al arte urbano como Difusor y B-Murals. 

    Beatriz Pereira

    Historiadora del arte y comisaria independiente, ha trabajado en instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear (Cáceres); también ha gestionado y comisariado proyectos como Ayuda al mundo-Ayuda al artista (2018) de Andrés Talavero, beneficiario de las Ayudas a Artistas Visuales de la Junta de Extremadura, una iniciativa de arte relacional que acercó acciones contemporáneas a zonas rurales como Las Hurdes mediante performances, pequeñas muestras y conferencias; además participa en el proyecto COM-PO-SI-TION de Lara Ruiz, recientemente premiado en las Ayudas a Artistas Visuales de 2020.

    Beatriz Pereira también escribe textos y artículos de periodismo especializado en Plataforma de Arte Contemporáneo – PAC y es comisaria de las exposiciones «De forma estándar» de Lara Ruiz en Domus Artium 2002 (Salamanca) y «Pattern Reveal» de Isabel Flores, organizada por la Junta de Extremadura en la sala de exposiciones Santa Clara de Mérida.

    Por otra parte, Beatriz Pereira es autora en Woman Art House, una iniciativa que reivindica el papel de las mujeres artistas contemporáneas. El proyecto ha sido seleccionado por la BMAV 2020 (Bienal de Mujeres en las Artes Visuales), presentando la performance «Doce pasos en blanco y negro. Un acercamiento a la obra de Helena Almeida» de la artista Isabel León en el Museo Vostell de Malpartida de Cáceres. Activa en Redes Sociales, su presencia se basa en la difusión y promoción de eventos culturales, exposiciones y artistas visuales contemporáneos.

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    Carmen Dalmau

    Carmen Dalmau Bejarano (Madrid, 1960) Licenciada en Historia del arte e Historia moderna y contemporánea. Comisaria independiente de exposiciones. Crítica de arte. Profesora de Historia del arte y estética en el Master de fotografía EFTI.

    Autora del blog de fotografía antevuestrosojos. Colaboradora de la revista de fotografía Clavoardiendo y de la revista de investigación visual LUR y durante diez años directora de Galería Cero.

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    Carmen Rotger

    Graduada en Derecho y Relaciones Internacionales por la Universidad Pontificia Comillas en 2019, colaboró con la Organización Internacional del Trabajo, el Parlamento Europeo y el Diario de Mallorca.

    Amplió sus estudios en Escritura Creativa en en la Universidad, donde se le han otorgado varios premios del Certamen Florencio Segura, y quedó finalista en el certamen Festeen organizado en la Comunidad de Madrid en 2015 en la categoría de relato.

    Ha escrito y dirigido varias piezas de teatro corto en Madrid, en Palma de Mallorca, y en Menorca, una de las cuales (Aquí nos pagan bien) ha adaptado a cortometraje en julio de 2019. En 2020 se ha interpretado su primera obra dramática en Madrid, en la sala Sojo. Ex-residente de la XVIII Promoción de la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores, es también cofundadora y coeditora de la revista de creación La Novicia.

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    Carmen Tomé

    Mi nombre es Carmen Tomé, nací en Madrid en 1987 y desde que tengo recuerdos, se centran en la creación. Me dedico al dibujo, la fotografía, la realización y edición de vídeo, la guía y acompañamiento escénico, la interpretación, la performance, la danza, el teatro, la improvisación, la escritura, la pedagogía, la facilitación, la curaduría y la gestión cultural.

    En la vida me han movido diferentes inquietudes relacionadas con el arte, la salud, la educación y la capacidad de organización social. Me he formado en torno a las curiosidades que dan soporte tanto a mi creación artística como a mi dedicación por construir en común un mundo más sano y responsable en el que poder fabricar libertad.

    He estudiado formaciones muy diversas que se complementan entre sí. Arte Dramático. Clown y Comedia del Arte. Diplomatura de Educación Social. Máster en Arteterapia. Plan de Formación Profesional de Danza Contemporánea Carmen Senra. Módulo Superior Artes Aplicadas a la Madera. Formación de Contact Improvisación.

    He creado “Tanim”, un proyecto en torno al concepto de Escenas Comunes que desarrollo y sigo investigando; formo parte de la agrupación de mujeres artistas “La Caja de Pandora”; formo parte de la organización del Festival Reina Loba; y junto a un equipo de trabajo multidisciplinar materno el proyecto “Redes Vivas”.

    He trabajado como camarera, azafata, en la creación de una cooperativa de serigrafía, en la creación de un ateneo-cooperativa, como ganadera, agricultora, panadera, artesana, artista, facilitadora y gestora cultural.

    Creo en el poder de la reinvención, agradezco cada gota de resiliencia de la que me he podido nutrir y me seguiré empeñando siempre en observar, analizar y situarme en el mundo de una manera integradora. He tenido el placer de atravesar la vida y el arte con personas maravillosas a las que agradezco cada compartir.

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    Carmín Santos Posta

    Soy egresada de la Licenciatura en Artes multimediales de la Universidad Nacional del Arte, donde ejerzo como ayudante de primera en la cátedra Proyecto visual. Desde hace más de 10 años trabajo de forma freelance en medios de comunicación, llevando a cabo tareas de fotografía, edición de video y diseño editorial.

    Formo parte de diversos proyectos de investigación y producción (UNLP, UBA, UNA) indagando sobre la especificidad del arte multimedial y su enseñanza. Integré el programa Artistas x artistas edición 2019 y el equipo de gestión del programa de arte y tecnología Sirveverse de La Paternal Espacio Proyecto.

    Participé de la Asamblea Permanente por los Derechos Humanos y en este momento formo parte de la Campaña nacional por el derecho al aborto legal, seguro y gratuito. Participo de muestras individuales y colectivas desarrollando obras en cerámica, fotografía intervenida e instalaciones (Munar, Bienal internacional The Wrong, Galería Furia, CC Recoleta, Bachillerato de Bellas Artes UNLP y Tumba Espacio – Patio del Liceo, entre otros).

    Mi obra fue publicada en la revista italiana A brief Glance y en las ediciones digitales Muy rico todo y Muypercha Mag.

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    Catalina Bunge

    Nace en Buenos Aires (1985), se traslada a Uruguay en 1994. Es licenciada en Diseño Industrial, Universidad ORT de Uruguay. En 2010 ingresa a la fac (Fundación de Arte Contemporáneo) en Montevideo, y desarrolla paralelamente su práctica como artista y curadora bajo la tutoría de Fernando López Lage.

    En el 2014 se instala en Inglaterra para continuar su formación curatorial en la Universidad de Essex con una Maestría en Curaduría de Arte Contemporáneo. Obtiene la beca de Fondo de Estímulo a la Formación Eduardo Víctor Haedo FEFCA 2015 como apoyo para la Maestría. En el 2016 funda junto a tres artistas uruguayas la colectiva artística COCO.

    Se traslada a Madrid en 2017 y realiza una maestría en la Universidad Complutense de Madrid con un Máster en Internalización de la Gestión del Sector Cultural y Creativo (2017/18). Integró el grupo de investigación en el comisariado Conversación Abierta en el museo Alcalá 31 en Madrid (2018). Participa en diversas muestras colectivas como Ficciones 2011, en Fundación Atchugarry en Maldonado, Llamale H 2012 (segundo premio), De cajón 2013 en el centro cultural de la Embajada de México, Bienal de Salto 2013, Premio Paul Cezanne 2014 en el MNAV (Museo Nacional de Artes Visuales), Ibero-american Art Awards 2016 en la Embajada de Brasil en Londres, Sobreexposición 2017 en el EAC (Espacio de Arte Contemporáneo), Intervention 2018 en Subte (Montevideo), en Autorretrato/Autorreferencialidad 2019 de Proyecto Ace’ en Buenos Aires, la Bienal Mercosur 2020 en Porto Alegre junto a COCO.

    Realiza curadurías: HypersSEXY 2012 en el EAC en Montevideo, co-cura Perpetua (carne) 2013 en la Colección Engelman Ost, Abject, Subject 2015 en Art Exchange, Essex, Ascendencia, Descendencia 2017/18 en Londres, París, Montevideo y Maldonado y producida por la COCO. The Things We Leave Behind 2018 co-curada con Clara Rocha en One Paved Court Gallery en Londres, RIP 2020 en el CCE en Montevideo junto a COCO.

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    Cecilia Santamarina

    Cecilia Santamarina es curadora de arte y diseño en Londres. Nacida en Guatemala donde estudió y trabajó como gestora y productora cultural independiente.

    Su práctica es transversal entre las diversas manifestaciones de las artes escénicas y visuales culminando con diez años como productora de cine independiente en su país. Entre los largometrajes que ha producido están Looking for Palladin y La Vaca y entre los cortometrajes Sweet Dalila y La paciente. Es Fundadora de la Asociación Guatemalteca del Audiovisual y el Cine de Guatemala y miembro del Puente Centroamericano de Teatro.

    Entre una película y otra, gestiona y produce en su país exposiciones privadas y festivales internacionales hasta el 2014 cuando se muda a Londres donde se dedica casi exclusivamente a la curaduría de artes visuales y diseño. Una vez en Londres fundó Latinaria Collective con la cual hace presentes a más de 20 artistas guatemaltecos en aquella ciudad.

    Es curadora del VIA ARTS PRIZE desde 2016, este certamen anual que convoca artistas basados en UK a presentar piezas de arte inspiradas en América Latina, España y Portugal ha convocado a más de mil artistas a participar.

    Paralelamente participa activamente en su país curando exhibiciones una o dos veces al año, tal es el caso de Relatos Asimétricos de Mendel Samayoa presentada en el Palacio Nacional de la Cultura.

    En Londres ha sido comisionada para curar importantes instalaciones como Guatemala: Rebooting Dreams 2016 y Millennial Moon 2016, para International Fashion Showcase. Más recientemente llamó la atención una instalación de diseño social con impacto directo en la comunidad que la inspiró Palpó de Diego Olivero en colaboración con Sylvia Denburg que en 2018 ganó la medalla del público en London Design Biennale.

    Desde 2019 es comisionada para curar la instalación sonora Nostalgia de la artista María Adela Díaz en colaboración con el músico Joaquin Orellana para junio de 2021.

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    Clara Fuster Pastor

    Clara Fuster (Murcia, 1992) realizó los estudios de Historia del Arte en la Universidad de Salamanca, y posteriormente cursó el máster en Conservación y Exhibición de Arte Contemporáneo en la Universidad del País Vasco.

    Como comisaria, está claramente ligada a las exposiciones de temática social, sobre todo en el aspecto feminista y del colectivo LGTB. Esto lo reflejan sus exposiciones, como pueden ser la muestra colectiva Políticamente (in)correcto, donde se trataba de visibilizar el arte que utiliza el cuerpo como un arma de lucha política, tratando temas de importancia social como lo son las mujeres o el colectivo LGTB. Se pretendía así buscar la visibilidad de estos colectivos, realizar un reconocimiento y buscar la empatía hacia estos grupos sociales que en muchas ocasiones son, desgraciadamente, marginados. Otro ejemplo es la muestra Redes Abiertas, en la que se realiza una revisión sobre la apertura que pueden dar las redes sociales al colectivo LGTBIQ+ pero al mismo tiempo el ataque o censura que se da en las mismas. En la exposición también se revisa la historia activista del colectivo.

    No sólo se ve en sus exposiciones sino también en las artistas con las que trabaja, como Noelia Muriana, para la cual realizó los proyectos En pie de lucha volúmen I y II, donde recalca la visibilidad de la lucha colectiva de las mujeres y a los cuidados íntimos y mutuos, Álvaro Bochert, realizando la muestra Mameha Volúmen I, o Ritha Thende Mingomba.

    Como comisaria de Ritha Thende Mingomba, ha realizado la muestra Esperpentos, que pretende mostrar el estigma de las enfermedades mentales tanto en la gente joven como en el contexto racializado de la artista. Así, la artista realiza un ejercicio didáctico con el espectador. Esta artista, además, participó en la muestra antes citada Políticamente (in)correcto con la serie de obras Pussy is God (2019).

    Claudia Castelán

    Claudia Castelán (Puebla, México, 1976) es mejor conocida como chispillatronik, es Doctora en Artes y Educación en la línea de investigación en educación de las artes y la cultura visual por la Universidad de Barcelona.

    Ha desarrollado su perfil profesional en medios audiovisuales, docencia, investigación, práctica artística y en gestión cultural, teniendo como base común temas relacionados a procesos de transformación, performatividad, posthumanismo en la producción-circulación de imágenes.

    En 2009 recibió beca de movilidad internacional para realizar el Máster Interuniversitario en Juventud y Sociedad en la Universidad de Gerona; postgraduada en Cultura Visual por la Universidad de Barcelona. En 2003 obtuvo Mención Honorífica otorgada por el Instituto Mexicano de la Juventud con su tesis “Juventud divino tesoro”. En 2007 creo y dirigió con Antulio García el proyecto colaborativo con jóvenes Arrabal Radio por internet. Formó parte del grupo femenino de artistas MMX: mujeres mexicanas en la diáspora y en Eyes Everywhere.

    Ha dictado ponencias como invitada internacional y nacional sobre investigación, arte y juventud. Ha expuesto obra audiovisual en diferentes países. Ha sido acreedora de la beca PECDA y PEIDAC en Puebla con la investigación audiovisual “Montaje de lo político: Mujeres en la creación artística”.

    Actualmente es colaboradora de la Red Latinoamericana LINAP de Investigación, Arte y Pedagogía; es titular del programa de radio Nomadismo Sonoro por 96.9 fm Radio BUAP. .

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    Claudia Mandel Katz

    Argentina naturalizada costarricense. Docente universitaria, investigadora, curadora. Fundadora y directora del Museo de las Mujeres de Costa Rica, desde 2009. Miembro de la Junta Directiva de IAWM (International Association of Women’s Museums), periodo 2016-2021. Miembro del Comité Editorial de Cuadernos Inter.c.a.mbio sobre Centroamérica y el Caribe, Universidad de Costa Rica, desde 2018.

    Información académica • Doctora en Historia VII Promoción con énfasis en “Poder, Ambiente y Desigualdades en Centroamérica” por la Universidad de Costa Rica, abril 2016. Graduación de Honor SEP. • Doctora en Estudios de la Sociedad y la Cultura por la Universidad de Costa Rica, abril 2011. Graduación de Honor SEP. • Magíster Artium por la Universidad de Costa Rica, abril 2006. Graduación de Honor SEP. • Licenciada en Historia del Arte por la Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires, 2001. • Profesora Nacional de Dibujo y Pintura por la Academia Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, Argentina, 1985.

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    Cleofé Campuzano

    Cleofé Campuzano Marco (Archena, 1986), poeta, educadora social y gestora cultural. Inició sus estudios universitarios en Filología Hispánica, posteriormente se graduó en Educación Social y se especializó en la vertiente sociocultural, a través de estudios de posgrado en Antropología Social y Cultural y en Educación y Museos, por la Universidad de Murcia y por la Universidad de Zaragoza. Habitualmente ha colaborado en diversos medios con trabajos científicos y reseñas. Ha participado en revistas de poesía y espacios literarios como La Galla Ciencia, Empireuma, El coloquio de los perros, Círculo de Poesía, Oculta Lit, El cuaderno, entre otros.

    Actualmente reside en Lleida y compagina la producción literaria con trabajos de investigación, la intervención socioeducativa y el comisariado pedagógico de arte contemporáneo. El ocho de las abejas (Devenir, 2018) es su primer libro publicado hasta la fecha. Incluida en la antología Encuentros con la poesía en la Casa Natal de Miguel Hernández. 27 poetas (Fundación Cultural Miguel Hernández, Orihuela, 2019). Su próximo poemario, Paz primaria, verá la luz próximamente en 2021.

    Para ampliar información sobre sus últimos proyectos y trabajos está disponible su perfil literario en https://disrupcromia.wordpress.com/

    COCO. Colectiva Co 

    COCO es una colectiva constituida a finales de 2016 por Catalina Bunge, Natalia de León, Lucía Ehrlich y María Mascaró. Actualmente la conforman María, Catalina y Natalia; mujeres latinoamericanas proponiendo re-activar diálogos dentro del campo del arte contemporáneo todavía regido por el patriarcado de las antiguas capitales artísticas.

    Entendemos al arte como herramienta de comprensión y potencia para el cambio. Nos proponemos producir acciones concretas que motiven a una reflexión profunda sobre los temas que nos ocupan; (1) el género como una herramienta de opresión y control de identidades diferentes a la del hombre y sus consecuencias concretas, la violencia de género, la desigualdad de oportunidades, etc.; y (2) la construcción de la identidad en la posmodernidad.

    Reflexionamos sobre el arte uruguayo y sus artistas, sus problemáticas reales, sus historias y sus posible devenir; para dialogar en los desafíos que enfrenta el arte internacional a través de la obra de lxs artistas uruguayxs. Investigamos, producimos, gestionamos y participamos en el campo del arte y sus cruces con los diferentes sectores de la sociedad.

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    Concha Mayordomo

    Nacida en Madrid, es Licenciada en Bellas Artes (UCM) y Graduada en Artes Aplicadas. De claro compromiso por la igualdad, la violencia de género y la visibilidad de la mujer artista, ha participado en muchas exposiciones tanto nacionales como internaciones y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas.

    Es comisaria independiente con una amplia trayectoria de más de treinta exposiciones, entre ellas cabe citar las realizadas con el Ministerio de Cultura y Deporte, el Museo del Traje de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid. Divulgadora del trabajo las mujeres en el mundo del arte, habitual en mesas redondas y ponencias en espacios de arte. Ha sido directora ejecutiva del 2º Festival Miradas de Mujeres y miembro de la Junta Directiva del MAV (Mujeres en las Artes Visuales).

    Codirige BLANCO, NEGRO Y MAGENTA – LA REVISTA. Colabora en las ediciones digitales de EL PAIS, HUFFINGTON POST, LA HORA DIGITAL y TRIBUNA FEMINISTA, y paralelamente mantiene el blog MUJERES EN EL ARTE.

    Ha sido premiada en el 2019 en la modalidad ARTE Y CULTURA de XII edición de los premios PARTICIPANDO CREAMOS ESPACIO DE IGUALDAD del Ayuntamiento de Madrid y en el 2007 PREMIO A LA LABOR CULTURAL del Ayuntamiento de Alcobendas (Madrid).

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    Cristina García-Camino

    Cristina García-Camino nacida en Salamanca y Licenciada en Bellas Artes con el Grado en fotografía de uno de los grandes fotógrafos argentinos Humberto Rivas, sigue formándose en el Grado de Historia del Arte en estos momentos.

    Ha realizado cursos en toda España de grandes forógrafos y ha trabajado en la Filmoteca de Castilla y Léón durante diez años en labores de repreoducción y archivo, desde esa fecha ha realizado talleres y visitas guiadas en diferentes Instituciones de arte, la Última en la que he trabajado dos años es el Museo de Arte Contemporáneo DA2 (Domus Artium Salamanca 2002).

    También colaboro en la revista «arte a un click» y compagino con proyectos artísticos y de comisariado como es el caso de la exposición de Rock ´n Roll de Jean Claude o Éxodo de María Riera.

    Dora Román

    Licenciada en Bellas Artes y en Geografía e Historia y Diplomada en Fotografía contemporánea, vive y trabaja en El Escorial (Madrid). Su trabajo trata sobre memoria e invisibilidad, incidiendo en la falta de libertad que sufren tantas personas, especialmente las mujeres, relatando cuestiones que se camuflaron bajo otras circunstancias o se escondieron tras el nombre de otros personajes.

    Ha participado en exposiciones nacionales e internacionales y comisariado diversas muestras y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas.

    Actualmente es presidenta de Blanco, Negro y Magenta, y co-directora de su revista, y colabora en el equipo de Mujeres Mirando Mujeres; en el grupo de comunicación de MAV, Mujeres en las Artes Visuales, y en la Asociación X el Arte.

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    Dulce Anca

    Dulce Anca, Dibujante. Comisariado en Colectiva Eau de Femme. Estrenada en el Centro Torrente Ballester, Ferrol 2020.

    Mi formación comienza en el Estudio del artista Ricardo Segura Torrella, Ferrol, despertando mi pasión por el Dibujo, disciplina preferente. Hago prácticas en los 90 en los talleres del Círculo de Bellas Artes, Madrid. En 2009 conozco a Elena Alfaya y a Dolores Villaverde UDC, que investigan sexismo y androcentrismo en prensa, uniendo desde ese momento en exposiciones Dibujo y Documentación. Con el artículo “Voces rebeldes en el Arte” de Dolores Villaverde, participo en el VIII Congreso virtual “Historias de mujeres”, Jaén, Andalucía.

    Imparto talleres sobre el Dibujo como herramienta de autoexpresión y aprendizaje. Otros talleres a destacar son: Arte-cidade, Espazos-creativos, Arte y naturaleza y O Poder do Debuxo: Premio XIII Certamen Eugenio Granell “El encanto de todas las mujeres”, Fundación Granell, Santiago; “Instalación-xardín” de expresión inclusiva para (#Eljardindejuanita, proyecto de Angélica Sátiro). Imparto talleres en la Casa da Muller, Ferrol como: A creatividade como reunión y Pintura creativa; Arte es terapia, Foro cidadán I y II; Concentraciones “O amor sen violencia”, “Muller é igualdade”, “Traballo é muller”; Net-art Femme amour-amour. A través de la #plataformaculturaferrolterra dirijo una acción artística como apoyo a la cultura local, Fene 2020.

    Exposiciones: Femme 2007; Mujeres silenciadas: una visión androcentrista de la historia 2009; Sociedades patriarcais: xerme da desigualdade 2009; El valor de ser mujer: las luces y las sombras 2009; Cambiando el mundo 2013; Una historia de mujeres: mujeres con historia 2013 con MASS-Research-Group-UDC; Aroma XL: xa liberdade 2016.
    Selecciones: Eau de Femme: Clínica colectiva de proxectos, MARCO, Vigo 2017 International Biennial of Contemporary art XI Edición: Earth creativity and sustainability, Florencia 2017 Workshop textil, Sara Coleman CENTRAD Lugo 2017 Gráfica feminista, Uqui Permui, CIM Santiago 2017 XIV Taller Pablo Ruiz Picasso, Manolo Quejido, MACUF a Coruña 2008.
    Publicaciones: Revista Eau de femme, Centro Torrente Ballester, Ferrol 2020.

    El jardín como espacio procesual y de conciencia social, es la clave para cuestionar mi obra y mi propia posición de artista. Opciones como asociar-disociar, transformar-construir-reconstruir, forman parte de mis procesos. Mis últimas investigaciones artísticas, derivan en el uso del tul (velo en algunos rituales simboliza sometimiento) como metáfora de velar o de cortina de humo en la dialéctica hombre-mujer. También investigo con instalaciones textiles.

    Elena Bangueses

    Es Historiadora del Arte por la Universidade de Santiago y tiene un Máster en Gestión Cultural por la City University of London. También ha cursado estudios en la Universidad de Roma, La Sapienza.

    Elena trabajó durante siete años como gerente en la Saatchi Gallery de Londres, desarrollando numerosos proyectos expositivos y de venta de arte en dicha institución. A

    ctualmente trabaja mayoritariamente como comisaria y gestora cultural independiente, su colaboración más reciente ha sido la coordinación del Espacio de Arte Contemporáneo para Culturgal Feira das Industrias Culturais 2020.

    Durante su carrera profesional ha ido complementando su labor en la Saatchi con numerosos proyectos como comisaria y gestora cultural independiente, organizando diversas exposiciones y proyectos en España y el Reino Unido, entre los que destacan: “In&Out Board Project, an artistic process on a neighborhood” (Le Sorelle River Barge, Londres), “O Froito prohibido, María Xosé Dominguez” (Auditorio de Cangas do Morrazo), “Abstracción Irreversible, Nuria Lago” (Apo’strophe Arte, Vigo), “Cromostesia, Ana Fervenza” (Apo’strophe Arte, Vigo), “Espazo de Arte Contemporánea, Culturgal 2018” (comisaria invitada por Apo’strophe Arte), “Polo Vigo” (3 Bienal de Arte de Gaia, Vilanova de Gaia, Portugal), “In no meaningful way, Thomas Apostolou” (AC Palacio del Carmen, Santiago de Compostela y Apo’strophe Arte, Vigo), “Arte no Foro” (Culturgal 2020). Como experta en arte contemporáneo y gestión de arte, participa con regularidad como conferenciante invitada en la City University of London, Universidad de Santiago de Compostela y Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, Universidad de Vigo.

    También ha participado como jurado en certámenes de arte como “Plastika” en 2017, 2018 y 2019, así como en los “Premios Culturales 2018 Deputación de A Coruña”. Elena también cuenta con experiencia en prensa y radio, trabajó para Alter Musica Radio y ALIA Magazine en París, una organización especializada en eventos culturales en la ciudad de París. Como colaboradora para Radio Voz con el programa cultural “Cien Campanas”, siendo componente del colectivo Sabor a Menta, obtuvo en 2007 el Primer Premio de periodismo “Compostela Monumental – La Caixa”.

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    Elena Pedrosa Puertas

    Elena Pedrosa Puertas (Málaga, 1977) es Periodista, profesora de Artes Plásticas y Diseño en la especialidad de Fotografía Artística en la Escuela de Arte San Telmo, licenciada en Comunicación Audiovisual y Periodismo y Doctora especializada en Narrativa Audiovisual.

    Ha colaborado en proyectos de gestión cultural y comisariado con instituciones como el Centro Andaluz de la Fotografía, el Museo y la Diputación Provincial de Almería y el Instituto Andaluz de la Juventud, promoviendo una reflexión crítica sobre los procesos urbanísticos, creativos y culturales en la gentrificación y la ética fotográfica en la intervención social en barrios estigmatizados y, a la par, divulgando e impulsando como comisaria y periodista el trabajo del alumnado de la Escuela de Arte de Almería y el de los fotógrafos de los colectivos en los que participa.

    Tras 11 años fuera de su Málaga natal, a su vuelta en 2019 ha colaborado con colectivos como la Sociedad Fotográfica de Málaga, Colectivo Imagen, Centro de fotografía y artes visuales Apertura o PhotoEstepona con charlas y talleres orientados a la Profesionalización del Artista Fotógrafo y a la articulación de la fotografía como herramienta de autoconocimiento en los talleres “Fotografía y emoción” que ha impartido también en la Universidad de Almería.

    Pertenece al colectivo Fotoeduterapia y a diversas asociaciones de artistas plásticos, docentes y fotógrafos y colabora en la revista Clavoardiendo Magazine.

    Como artista expone de manera individual y colectiva desde 2010, siendo seleccionada para Descubrimientos PHE 2018 y TQ+SUR con sede invitada MECA PHE 2019, en el VIII Encontro de Artistas Novos EAN8 en Galicia y el II Encuentro de Fotografía Creativa de Andalucía obteniendo un Áccesit en los Premios Ateneo-Universidad de Málaga 2019.

    Ha expuesto en Galería Central en la UMA, en el área de exposiciones de Canal Sur Málaga, la Universidad de Almería, la Fundación Valentín de Madariaga en Sevilla y el Centro Andaluz de la Fotografía, entre otros. Su trabajo combina la fotografía espejo y ventana siempre desde una perspectiva personal, crítica y de reflexión profunda.

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    Elina Norandi

    Elina Norandi es historiadora, crítica de arte y comisaria de exposiciones. Doctora cum laude en Historia del Arte por la Universitat de Barcelona. Profesora titular de Historia del Arte en la Escuela Superior de Diseño y Arte Llotja (Generalitat de Catalunya) de Barcelona. Profesora del Master en Comunicación y Género de la Universitat Autònoma de Barcelona, donde imparte la asignatura “Crítica de Arte feminista”.

    Ha publicado un gran número de artículos, ensayos y capítulos de libros relacionados con su principal línea de investigación: la iconografía producida por mujeres en el arte moderno y contemporáneo, así como con la elaboración de discursos artísticos actuales relativos a las cuestiones de género, sexualidades diversas y teoría queer.

    Es autora del libro Olga Sacharoff (Al- Mudayna, Madrid, 2006) y coordinadora del libro Ellas y Nosotras. Estudios lesbianos sobre literatura escrita en castellano (Egales, Madrid-Barcelona, 2009. El año 2017 fue nombrada por el Departamento de Cultura de la Generalitat de Cataluña, comisaria del Año Sacharoff, para dirigir la programación de la conmemoración de los cincuenta años de la muerte de la pintora Olga Sacharoff; ocupándose de comisariar todas las exposiciones realizadas y de organizar todos los eventos llevados a cabo durante el año conmemorativo, además de escribir todos los textos de las muestras y catálogos editados.

    Ha dirigido las ediciones catalanas del Festival estatal Miradas de Mujeres y ha comisariado numerosas exposiciones de varios artistas actuales (Sandra March, Verónica Coulter, Yuko Yamada, Antonio J., Magdalena Duran, Clarisa Cestari, Stefanie Herr, etc.).

    Es miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), de la Asociación de Críticos de Arte de Cataluña (ACCA) y de MAV (Mujeres en las Artes Visuales).

    Encina Villanueva

    Oviedo, 1976. Feminista apasionada por el arte y la educación. Estudié Geografía e Historia, especialidad Historia del Arte, en la Universidad de Oviedo y realicé un máster en Género y Desarrollo por la Universidad Complutense de Madrid.

    Tras trabajar varios años en organizaciones sociales, ámbito al que continúo vinculada, me dedico de forma prioritaria a la formación y elaboración de materiales didácticos y de comunicación sobre mujeres artistas.

    Soy co-creadora del proyecto OtrasNosotras, espacio de pensamiento y formación sobre arte y feminismo, porque encuentro en rescatar, conocer y difundir las creaciones de las mujeres una necesidad vital y un profundo sentido político. Además, y con la misma motivación, trabajo en un Espacio de Igualdad de Madrid impartiendo talleres, acompañando visitas a museos y centros de arte y coordinando exposiciones.

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    Encarna Lago González

    Barcelona,1962. Gerente de la Rede Museística de Deputación de Lugo. Diecinueve años de experiencia en la dirección, programación y gestión de museos dentro de las líneas del “Movemento Internacional para unha nova Museoloxía (MINOM)”. Autora de diversas publicaciones, coordinadora y comisaria de variados proyectos y exposiciones, destacando la visibilización de 269 mujeres artistas. Ha sido ponente en diferentes foros, sobre gestión,redes, responsabilidad social, capacidades diversas, accesibilidad, inclusión, géneros, igualdad, innovación didáctica y culturas en dialogo. Promovió la creación del Departamento de Capacidades Diferentes y la propia RMP.

    Ha coordinado cinco ediciones del Congreso de Géneros, Museos, Arte e Igualdad. Forma parte del Comité de honor de la Bienal de Arte Contemporánea de la Fundación Once 2018. Esta en el Consello Consultivo de la Facultad de Humanidades, docente del Curso de Experto Universitario en Xestión Cultural (USC). Vocal de la Junta Directiva de MAV ( Mujeres por las Artes Visuales )Defensora del trabajo en Red forma parte de WILPF Liga Internacional de Mujeres por la Paz y la Libertad. Bajo su gestión, la Rede Museística fue reconocida, entre otros, con el Premio de la Crítica de Galicia 2004, Premio Mejor Experiencia didáctica en un Museo por la Fundación Rosalía 2009, Premio ONCE Solidaridad 2011, Premio Boa e Xenerosa Aventados 2016, Premio Galicia Inclusión Fundación Anade 2017 y Premio Internacional Ibermuseos-Conversaciones Guerrilla de Palabras Oficio de Palabrerxs, también en 2017 el Plan Inclusivo de RMP fue seleccionado y reconocido formando parte del Banco Gallego de Buenas Prácticas en Gestión Cultural.

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    Frankie Dytor

    Frankie Dytor (Oxford, 1995), investigadora e historiadora de arte, reside en Hamburgo. Está terminado su doctorado en la facultad de historia del arte de la Universidad de Cambridge, desde donde también obtuve su BA y MPhil.

    Su investigación examina el legado del renacimiento italiano en los siglos XIX y XX, sobre todo enfocando en su reinvención queer en la danza, la ficción y la escritura de viaje. Tiene un interés especial en ideas sobre la memoria cultural y las teorías de agencia, y en la animación, la encarnación y los enredamientos humanos-objetos.

    Su trabajo pretende dar voz a maneras de relatar la historia del arte de forma creativa y performativa. En este contexto tiene un interés especial en la obra de Michael Field y Isadora Duncan.

    Además de la enseñanza y la investigación, escribe para varias revistas online incluyendo Lucy Writers, una plataforma para escritoras (y escritores no binarios) con el objetivo de cambiar la cultura del periodismo y escritura online. En su último artículo revisa la imagen del padre en una crítica de la exposición “Masculinities, liberation through photography” en el Barbican Art Gallery, Londres. 

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    Imma Prieto

    Es comisaria independiente, escritora y profesora de arte contemporáneo y nuevos medios en la EU-Eram de la Universitat de Girona. Como comisaria ha desarrollado proyectos de exposición en el ámbito internacional y nacional como TEMP Art Space (Nueva York), Palazzo Ca’Tron (Venecia), Muca (Roma Ciudad de México DF), Biennal del Istmo Centreamericano (Guatemala) y en el MNAC Museu Nacional d’Art de Catalunya, Fundació Miró, Fàbrica de Creació Fabra i Coats, La Virreina Centre de la Imatge, Fundació Vilacasas, Arts Santa Mònica, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, TEA Tenerife Espacio de las Artes, Artium Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Bòlit Centre d’Art Contemporani de Girona, entre otros.

    Colabora en diferentes catálogos, libros de investigación y escribe con regularidad en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia y en las plataformas digitales A*Desk y Campo de Relámpagos. Ha sido manager del grupo de investigación europeo ELAA (European Live Art Archive 2008-2012), formado por la Universitat de Girona, la Universidad de Oxford y la residencia de artistas Glaugair de Berlin.

    Desde 2019, es directora de  Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma. Por otra parte, también colabora con otros grupos de investigación internacional como Émergence del arte vidéo en Europe (1960-1980), formado por la Université Paris 8. Su práctica profesional se desarrolla a partir de un diálogo entre comisariado, investigación y escritura. El año 2017 realizó su primer documental ‘Eco de Primera Mort’ y en 2018 le otorgaron el Premio Internacional a la crítica de Arte GAC.

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    Inma Haro

    Inma Haro es Agente de Igualdad, ArteEducadora y Artivista. Utiliza la creatividad como punto de partida tanto en terreno plástico como de investigación del movimiento.

    En sus propuestas imprime la mirada de género, habla del cuerpo como sujeto y busca el sentido crítico del arte como estímulo y transformación a través de una óptica educativa. Trabaja de forma individual bajo el nombre de missharo. Cree en las sinergias con otras personas como un detonante para el cambio y la reflexión a través de las múltiples versiones del proceso artístico.

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    Irene Gras

    Licenciada y doctora en Historia del Arte Cum Laude y Mención Internacional por la Universitat de València (UV) y la Universitat Jaume I (UJI) (España). Se especializó en arte contemporáneo en la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB) a través del Máster en Teoría y Estética del Arte Contemporáneo, Pensar l’art d’avui y el Máster en Historia del arte y cultura visual de la Universitat de València (UV) y la Universitat Jaume I de Castelló (UJI).

    Es vicepresidenta de la Asociación Valenciana de Críticos de Arte de la Comunidad Valenciana (AVCA), y socia de la Asociación Mujeres en las Artes Visuales (MAV).

    Ha trabajado y colaborado en diversos centros artísticos como la Ciutat de les Arts i les Ciències de València, el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), el Espai d’art contemporani de Castelló (EACC), l’Institut Valencià Universitari de la Creativitat i Innovacions Educatives (IUCIE) de la Universitat de València así como con diversas galerías de arte.

    Asimismo, ha ejercido como docente en cursos de extensión universitaria de la Universitat de València, en Espai d’Art Fotogràfic, en Aula Foto Cine Lledó y en los diferentes congresos en los que ha participado a través del Instituto Universitario de Estudios Feministas y de Género Purificación Escribano (UJI) Universitat Jaume I de Castelló.

    En la actualidad, colabora como redactora en el suplemento cultural Quaderns del Periódico Mediterráneo de Castelló y la revista Beat Valencia. Del mismo modo, organiza y coordina diversos talleres didácticos, una labor, que junto a la de crítica de arte, compagina con el comisariado de exposiciones y la mediación cultural.

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    Iris Lam

    Máster en Gerencia Estratégica. Gestora cultural y curadora del Centro Cultural de España en Costa Rica (CCECR), directora de la organización de gestión cultural estratégica Global Metro Art (GMA), profesora en la Universidad de Costa Rica (UCR), investigadora de la Red Académica Latinoamericanista de Estudio Sinológicos.

    Se desempeña en las artes visuales, la experimentación y los nuevos medios; con temas relacionados a feminismos, LGTBIQ, derechos humanos, migración y sinología.

    Desde 2018, en el CCECR ha contribuido a generar alianzas y proyectos con instituciones y entidades privadas internacionales de renombre como Museo La Neomudéjar (ESP), Plataforma Caníbal (COL), Building Bridges Art Exchange (USA), Y.ES Contemporary y Ensayo y Error (SAL), La Revuelta y espacio/C (GUA) y Quorum Laboratorio Cultural (PAN), así como las instituciones culturales costarricenses como el MADC, TEOR/ética y otras.

    Ha sido miembro del comité curatorial de las residencias y exposiciones de artes visuales del CCECR, así como múltiples convocatorias y certámenes costarricenses, así como evaluadora en dependencias de investigación.

    De raíces chinas, participa en proyectos culturales chino-costarricenses, como la Bienal de Beijing (2017) en el Museo Nacional de Arte de China, VII Festival de Arte Latinoamericano y del Caribe en China en el Museo de Arte Mundial de Beijing, en la residencia artística de la 6ta temporada de Arte Latinoamericano de Beijing en el Hanwei International Arts Center y la Emisión Oficial de Sobres y Sellos Conmemorativos del 70 Aniversario de la República de China (2019) del China Post.

    En investigación y autoría se desempeña como investigadora del Instituto Confucio en Costa Rica y Tusanaje en Perú, así como en temas de mercado artístico costarricense. Fue conferencista en el I Congreso Latinoamericanista de Estudios sobre China. Recientemente colaboró con Hypermedia Magazine para el dossier de entrevistas “Conversando con artistas latinoamericanas: Entrevistas entre prominentes mujeres del arte latinoamericano”.

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    Isabel Lázaro

    Isabel Lazaro, Historiadora del Arte y Gestora Cultural, fundó en 2012 Art Deal project galería y librería de Barcelona que inicia nueva etapa en el espacio Alalimón, en Montjuïc desde junio de 2019.

    Actualmente uno de sus principales proyectos, además de la programación de su sala es la activación del circuito fotográfico en Barcelona mediante la creación y dirección del festival Art Photo Bcn que en 2020 celebrara su VII edición en 2020.

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    Laura Pinillos Villanueva

    Licenciada en Historia del Arte (UCM) y Máster en Conservación y Exhibición de Arte Contemporáneo (UPV/EHU). Becada por la Peggy Guggenheim Collection en 2018.

    Trabaja en el campo del comisariado y la gestión cultural. Comprometida con la difusión del arte contemporáneo con perspectiva de género, forma parte del proyecto online Woman Art House, dedicado a la reivindicación de las mujeres en la historia del arte y es parte del equipo de Mujeres Mirando Mujeres en el área de comunicación y prensa.

    Desde 2015 ha realizado labores de asistencia de artistas y comisariados de exposiciones para entidades como el Azkuna Zentroa, el festival de arte urbano Mulafest o la Junta de Extremadura. De 2016 a 2019 codirigió el festival de arte Cohete Toledo en dicha ciudad, orientado a la visibilización de proyectos artísticos en el espacio urbano.

    Entre sus publicaciones se encuentran La multiplicidad de las formas para el catálogo de la exposición “Artistas Descrito” (Oct’18); colaboró en el libro colectivo “El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella”, homenaje al escultor Alberto Sánchez (2017); y La utilización de un medio subversivo por parte de la institución: el libro de artista y Seth Siegelaub publicado en la revista “SOBRE: prácticas artísticas y políticas de la edición” de la Universidad de Granada.

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    Lucía Carballeda

    Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela, está especializada en arte contemporáneo. Completa su formación con un Máster en Edición Periodística y un Posgrado en Gestión y dirección de Industrias Culturales.

    Además de desarrollar su faceta profesional en diferentes instituciones culturales (Fundación Granell, Museo Nacional de Ciencia y Tecnología o A Cidade da Cultura) ha trabajado en informativos de televisión y colabora con diferentes medios y revistas especializadas.

    Recientemente, tras la apertura de su propia galería de arte en Santiago de Compostela (Federica No Era Tonta) ha llevado la sede madrileña de Delimbo Gallery y colaborado con festivales como Photoespaña.

    En el plano académico forma parte del equipo docente del Instituto de Gestión Cultural y Artística, de la Universidad Europea Miguel de Cervantes.

    Lucía Dueñas

    Lucía Dueñas (1982, Mieres, Asturias) Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo, además de Máster en Museología y Museos por la Universidad de Alcalá de Henares, también cuenta con cursos de Educador de Museos e Iniciación al Patrimonio como Recurso Didáctico por la Universidad de Alcalá de Henares, desde que finaliza sus estudios su carrera profesional ha estado vinculada al mundo del arte.

    Trabaja en varias galerías de arte: Dasto, Formato Cómodo y Van Dyck, colabora en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial y posteriormente en varias ferias de arte contemporáneo.

    Actualmente trabaja y dirige su propia galería de arte en el centro de Oviedo (C/ Cervantes, 22). Pintura, escultura, fotografía o grabado están presentes en una variada programación de exposiciones individuales o colectivas que parten de una cuidada selección de artistas consolidados o emergentes.

    Desde su apertura el 6 de marzo de 2018 la Galería ha participado en varias ferias de arte contemporáneo contando siempre con uno o varios artistas asturianos en su stand. De esta forma Lucía Dueñas mantiene su compromiso y apoyo en promocionar y fomentar el trabajo de los artistas de su región dándolos a conocer en otros territorios.

    Por otra parte, Lucía Dueñas está muy comprometida en mantener paridad entre los artistas, mujeres y hombres que presenta en su galería.

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    Luisa Pita

    Desde la pequeña galería que lleva su nombre en el casco histórico de Santiago de Compostela ha logrado en pocos años posicionarse con solidez en el circuito artístico. La cercanía y la capacidad comunicadora de Luisa Pita representan el propio espíritu de la galería, que trata de ofrecer un oferta artística muy perfilada.

    Su programa incluye artistas emergentes y consolidados, con una clara voluntad de acompañarlos a largo plazo, apoyándolos para que puedan desarrollar sus proyectos. La Galería es punto de encuentro para artistas, críticos, coleccionistas y personas vinculadas e interesadas en el arte contemporáneo.

    La gestión cultural, asesoramiento en adquisición de obra a jóvenes coleccionistas y comisariado, forman parte del día a día en la actividad que se desenvuelve en torno a su espacio expositivo.

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    María Bueno

    María Bueno es artista, comisaria y docente con experiencia profesional repartida entre Europa y EE.UU. Formada en BB.AA. por la Universidad de Alameda (EE.UU.), la Universidad de La Laguna (Islas Canarias) y la Êcole des Beaux Arts de Toulouse (Francia),

    Bueno centra su área de producción, comisariado e investigación en el concepto de MEMORIA, en este caso ligado a la creatividad de las mujeres de la comunidad afro y latina en España, gracias al proyecto comisarial llamado HEALING. HEALING ha sido elegido por la Bienal MAV 2020 y será llevado a cabo en el espacio independiente RARA A.I.R.

    De igual manera, María Bueno ha comisariado exposiciones en instituciones como la Universidad de Málaga y el Centro de Estudios Hispano Marroquí de la misma ciudad, entre otros. De igual manera, sus proyectos de sesgo social han sido recogidos en el New York Times.

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    María Emilia Sardelich

    Maria Emilia Sardelich, Doctora en Educación, por la Universidade Federal da Bahia (UFBA), Brasil. Profesora de la Universidade Federal da Paraíba (UFPB), Programa de Postgrado en Artes Visuales. Línea de Investigación: Cultura Visual y Educación para las Relaciones Étnico-Raciales, con el objetivo de problematizar la performatividad de los actos visuales como actuaciones reiteradas que promueven, legitiman y sancionan normas relacionadas con la raza, clase social, género y diferencia cultural.

    Tengo un interés especial en trabajar con la formación de maestras, pues en Brasil son esas mujeres las que acercan niñas y niños a las prácticas artísticas en el contexto escolar. Pienso que las maestras tienen la potencia para agrietar la visión colonial.

    En colaboración con las estudiantes de la Licenciatura en Pedagogía desarrollamos un Proyecto de Comisariado Compartido, una práctica colectiva, entre discentes y docentes, provocadora de sentidos y sus efectos, para desacostumbrar nociones estereotipadas de una pedagogía de la hegemonía, destinada a la subordinación de grandes estratos sociales. Esa práctica busca subvertir los roles de legitimación de la producción artística al reconocer esta función a las estudiantes que, en general, consumen compulsivamente imágenes, entre muchos otros artefactos culturales en los espacios de hipermovilidad en que viven, pero no se permiten a emitir un juicio sobre lo que ven. El foco del Proyecto de Comisariado Compartido es la producción artística de mujeres que son doblemente segregadas por el sistema del arte de Brasil, sea por el género, raza o clase.

    Pienso que conocer esa producción artística abre un espacio en la formación de maestras para la reflexión sobre la concepción del arte desvinculado de una noción de actividad libre, autónoma, de un individuo superdotado, impulsado por sus sentimientos, independiente del manifiesto juego de las variables género, raza y clase.

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    María Soto Belloti

    María Soto (Algeciras, 1991) es graduada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, especializada en arte contemporáneo; y graduada en Marketing digital por la Escuela de Organización Industrial en Madrid.

    Co-dirige actualmente Espositivo, junto a Ivan Cicchetti, un espacio de creación contemporáneo, con sala expositiva, escuela y residencia de artistas.

    Su trabajo se centra en la gestión cultural, el comisariado y el marketing digital. Tiene experiencia en galerías como: Magda Bellotti y Casado Santapau, en ferias de arte como ARCO, JustMad, Drawing Room y Arte Santander, en asociaciones culturales como ‘Alcultura’ y ‘Materia’ ambas radicadas en Algeciras, Cádiz; así como de manager de marketing digital en el ámbito cultural con WeCollect.

    María Millan

    Bachelor en Studio Art y Master en New Media in the Arts, Hunter College, CUNY, Nueva York. María Millán comenzó trabajando como editora gráfica en Condé Nast, en Nueva York en 1989. Allí desarrolló su trabajo además como fotógrafa y consultora de fotografía.

    Tiene una reconocida trayectoria profesional como editora, productora y consultora de fotografía en otras publicaciones de USA ( Meredith, Time Inc., entre otros) para las que ha trabajado durante más de veinte años, así como con clientes privados del mundo del arte.  Experta en visionado de portafolios, ha dado conferencias sobre artistas fotógrafos y ha impartido talleres de fotografía y video.

    Su trabajo como editora ha sido reconocido, entre otros, por American Photography, The National General Excellence Magazine Awards, The Art Directors´Club, y Society of Publications´ Designers. A su regreso a España en 2010 comienza a formar parte del equipo organizador de la feria de arte Internacional ARCO.

    En los últimos cinco años ha comisariado una decena de exposiciones de fotografía de autores internacionales. 2015 «Tina Modotti», Fundación Loewe, PhotoEspaña, Madrid «Tina Modotti», Fundación Loewe, Miami. U.S.A. 2016 «Lucia Moholy, Cien años después». Fundación Loewe, PhotoEspaña, Madrid «Lucia Moholy, Cien años después». Museo San Telmo, San Sebastián 2017 «Guipúzcoa Revelada». Museo San Telmo, San Sebastián «Minor White, Metaphores». Fundación Loewe, PhotoEspaña, Madrid 2018 «Tony Ray-Jones, Small Pleasures». Museo San Telmo, San Sebastián. «Peter Hujar y David Wojnarowicz». Fundación Loewe, Madrid 2019 «Hervé Guibert». Fundación Loewe, PhotoEspaña, Madrid «Tony Ray-Jones, takes from a Day off». Centro de la Imagen & Universidad Menéndez Pelayo, Santander.

    En la actualidad sigue formando parte del equipo de ARCO y está trabajando con un archivo fotográfico de la primera mitad del S. XX español.

    Marina Ávia Estrada

    Marina Avia Estrada (Madrid, 1991). Investigadora y gestora cultural feminista. Graduada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid (2013) y Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultural Visual del Museo Reina Sofía (2016).

    Actualmente cursa el MA in Modern and Contemporary Art: Critical and Curatorial Studies de la Universidad de Columbia en Nueva York gracias a una beca Fulbright.

    Sus líneas de investigación se centran en estudio de prácticas artísticas feministas desde los años 70 a la contemporaneidad, fundamentalmente en aquellas relacionadas con el medio performativo y el espacio público en América Latina. Ha trabajado y realizado prácticas en Tabacalera-Promoción del Arte, en el departamento de artes visuales de la AECID, y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Actualmente trabaja para el International Print Center de Nueva York (IPCNY) y colabora con The Wallach Art Gallery (New York). Marina escribe para la revista Exit Express y publica habitualmente en otros medios online.

    Marisa Aldeguer

    Marisa Aldeguer es artista, ilustradora, diseñadora y Licenciada en Historia del Arte. Formada en varias Escuelas de arte y en diferentes técnicas, la curiosidad le llevó desde pequeños estudios de pintura locales a Escuelas internacionales, desde la San Jordi de Barcelona, la Grande Chaumière en París (Academie Charpentier), la Scuola Internazionale di Gráfica en Urbino y Venezia para recalar de nuevo en la isla donde participa de numerosas exposiciones colectivas e individuales.

    La licenciatura en Historia del Arte la conduce a explorar nuevas formas de abarcar este mundo tan complejo que es el arte contemporáneo y materializar su pensamiento en un espacio expositivo donde poco a poco mostrar su visión, siempre aproximada y posiblemente, siempre inacabada, pero ajena a los postulados mercantilistas; defiende todo lo que le parece válido y verdadero, siempre de la mano de la LIBERTAD como acompañante en este apasionante viaje que es el arte.

    Desde 2016 dirige MA arte contemporáneo, galería de arte ubicada en Palma de Mallorca. Se trata de un proyecto de galería en el cual se plantea la visión estética y cultural de la directora. El espacio presenta entre seis u ocho exposiciones anuales entre las cuales dos son colectivas y el resto individuales. La calidad artística es una de las premisas principales, no contemplando edad, sexo ni religión. MA es muy consciente de la sensibilidad y necesidad que desde hace décadas defiende la igualdad de género.

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    Marta Martínez

    Licenciada en Historia del Arte por la UCM y Máster en Patrimonio Virtual por la Universidad de Alicante. A lo largo de su trayectoria profesional ha podido trabajar en el ámbito del arte desde diversas perspectivas.

    En la esfera de galerías y mercado del arte comenzó como becaria administrativa en la Galería Max Estrella (2014), posteriormente trabajó como Digitalizadora de obras de arte y gestión de contenidos en la Galería ROR (2016) y participó como asistente de Stand de la Galería Preçensa en la feria Estampa (2019).

    Colaboró como coordinadora de grupo en la experiencia artística de Riología. Robertina Sebjanic. Matadero (2019) y ha sido guía de ARCO durante los últimos cuatro años. En la parte de producciones es asistente de Virtualización en proyectos artísticos y de comisariado en el estudio de Eugenio Ampudia desde el año 2017.

    Desde hace año y medio es fundadora de Ephemeral Projects iniciativa de comisariado independiente centrada en la experimentación de posibles vertientes artísticas impulsadas bajo la perspectiva de la sociología del arte. Siendo responsable tanto de los proyectos curatoriales así como de la gestión cultural de la sala híbrida Arte Efímero Salón. Realizando exposiciones enfocadas a mujeres artistas y colectivos LGTBIQ+ (www.ephemeralprojects.com) Por otro lado participó en la exposición SOMOS O NO SOMOS. Espacio Balmes (2019).

    Además es curadora colaboradora con la plataforma Franquearte realizando las exposiciones Frequency. Hotel Catalonia Gran Vía (2019) y 18 Pulgadas. APPA Art Gallery (2020). Y finalmente ha participado en la organización de la exposición #piedrafanzinetijera Supergráfico. Madrid Gráfica (2020) en colaboración con GodlabArt .

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    Mercedes Palaín

    Formada en comunicación y redacción publicitaria. Fue Premio Extraordinario Monoteatro Sin Palabras 2009 y Mención de Honor de la Cátedra Cineo 2010, 15 años trabajando en publicidad la avalan como profesional.

    En 2014 decide darse un tiempo para dedicarse a una de sus pasiones, la escritura, enfocándola desde el punto de vista de la comunicación digital. Se prepara concienzudamente para su nueva etapa como administradora de RRSS y Comunnity Manager.

    Tras tres años como Community Manager y Social Media Strategits en la plataforma de arte contemporáneo Arte a un Click y en el proyecto de arte y género Mujeres Mirando Mujeres, a principios de 2018 decide iniciar un nuevo camino en el mundo de las ondas en Radio Topo donde toma las riendas del programa de arte y feminismo «El Chamizo».

    A finales de 2018 funda y dirige desde entonces su propio espacio, «The Dinner Party», programa de arte y feminismo en formato podcast. 

    Meritxell Álvarez

    Meritxell Alvarez es galerista, gestora cultural y comisaria, a caballo entre Berlín y Barcelona. Licenciada en Filología Inglesa (Universitat de Barcelona) y Máster en Estudios Europeos, especialidad Ciencias Culturales (Europa-Universität-Viadrina, Alemania). También ha cursado estudios en la Universidad de Düsseldorf y en el Sotheby’s Art Institute de Londres.

    En 2016 funda Projekteria [Art Gallery], galería de arte enfocada a proyectos artísticos ligados a la fotografía contemporánea en todas sus expresiones. En ella desarrolla proyectos de comisariado y programación de exposiciones, asesoramiento en adquisición de obra y representación artística, con una clara vocación internacional, a través de colaboraciones con galerías y la participación en ferias y festivales, donde también ha sido jurado y visionadora.

    Además, desempeña cargos de coordinación en festivales como Young Gallery Weekend o Revela’t.

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    Micaela Fernández Darriba

    Micaela Fernández Darriba, Buenos Aires, 1976. Es licenciada en Ciencias de la Comunicación (UBA). Cursó la Maestría en Historia del Arte (UNSAM) y la Maestría en Crítica de Arte en la UNA. Es especialista en Comunicación Cultural y Género.

    Ha publicado artículos en Argentina, Bélgica, Brasil, Chile, Costa Rica, Ecuador, España, México y Venezuela. Participó como ponente en numerosos congresos nacionales e internacionales. Fue directora y creadora de Foeminas, Revista Virtual de Xénero.

    Gestiona proyectos artístico digitales como El anhelo de una habitación propia, Wikimigrante y el grupo en facebook denominado Feministas debatiendo sobre arte feminista.

    Colaboró con Gazpacho (Revista del CCEBA) y diversas publicaciones como, Leedor, Tribuna Feminista y SERMOS (Galicia).

    Integra la Red de Geografías y Epistemologías Feministas del Sur Global, la Red Musa Palabra y la organización La Igualdad en Juego.

    Mila Abadía Ruber

    Derecho. Universidad de Zaragoza. Formada en Diseño y gestión de exposiciones. Técnico en marketing de contenidos. Content Marketing y Blogging por la Universidad Europea Miguel de Cervantes.

    En 2013 crea, junto a Jose Luis Calleja, Arte a un Click, plataforma de arte contemporáneo que dirige desde entonces. Ha participado como media partner en más de 60 ferias, festivales y eventos de arte, actividad que sigue desarrollando.

    Ha comisariado distintos proyectos expositivos en ferias de arte, «Natura» en jäälphoto (2015), «E-volución Re-volución»  en ArtNitCampos (2015), «Sentires oblicuos» en MARTE Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellón (2015), «Sensaciones Sanadas» en Room Art Fair (2016) «Esencias reveladas» en Art & Breakfast (2016), «Encuentros» en Art Photo Bcn (2016), Mujeres Mirando Mujeres en Cultur3 Club (2016).

    En 2015 funda Mujeres Mirando Mujeres, iniciativa de arte, género y feminismo que dirige y que en 2021 está celebrando su VII edición. Como parte del equipo ha comisariado las exposiciones «El poder de la presencia» (Est_Art Space, Madrid 2018), II El poder de la presencia. «Eliminando los límites autoimpuestos.» (Sala Pazo de San Marcos. Diputación de Lugo, 2019, en extensión a La Rede Museística Provincial de Lugo) y la I exposición online de la plataforma «Las residentes. Memorias imborrables».

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    Miriam Callejo

    Licenciada en Historia, Máster en Patrimonio Histórico y Territorial (Universidad de Cantabria) y Licenciada en Historia del Arte (Universidad de Málaga). Siempre interesada en el arte y el Patrimonio Cultural, ha centrado su carrera profesional en la gestión cultural y de exposiciones, además de la redacción de todo tipo de textos culturales.

    Como gestora cultural ha participado en proyectos como como ‘Estudio Abierto’ con Tuttifrutti Productions, ‘De las Calles un Museo’ y ‘Trímera’ con DidacArt y coordinado #blogsxarte para Artesantander, Tangram Project o Wallpeople en Santander.

    También fue responsable de contenidos y coordinación de Mangekyo Studios con proyectos de recuperación virtual de Patrimonio Histórico desaparecido. Como comisaria de Arte Contemporáneo destaca ‘Illuminations. Claritate Siderum’ de Pilar Cossío.

    Ha colaborado en diversas publicaciones culturales y escrito textos de catálogo para artistas como Pilar Cossío, Víctor Alba, Federico Miró, Gonzalo Fuentes o Rodri Lorente, así como impartido conferencias de Historia del Arte o Patrimonio y Tecnología.

    Actualmente, es gallery manager en la galería Juan Silió, profesora asociada de Historia del Mobiliario en CESINE y forma parte del equipo de Mujeres Mirando. Es autora del blog Ret(r)azos.

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    Natalia Alonso Arduengo

    Vive en Gijón y trabaja entre su ciudad de residencia y Madrid. Es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo. Su formación se orienta al arte contemporáneo desarrollando su actividad profesional en estrecha vinculación con el ámbito de las galerías.

    Ha sido becaria de ATM Contemporary (Gijón) y ha trabajado tres temporadas con Espacio Líquido (Gijón). Posteriormente, entró a formar parte del staff de Galería Van Dyck (Gijón) y ha sido asistente de dirección en Aurora Vigil-Escalera Galería de Arte (Gijón).

    De forma externa ha colaborado con textos críticos para otras galerías como Bea Villamarin (Gijón), Lucía Dueñas (Oviedo) y Guillermina Caicoya (Oviedo) y también con comisariados en Gema Llamazares (Gijón), Dos Ajolotes (Oviedo) y 451 (Oviedo).

    Ha trabajado para medios de comunicación como la revista Tendencias del Mercado del Arte y, en la actualidad, ejerce como Liaison Manager para Arteinformado.

    También forma parte del equipo de coordinación de “AlNorte, Semana de Arte Contemporáneo de Asturias” dirigida por Ángel Antonio Rodríguez y desarrolla una intensa labor en la crítica de arte y el comisariado independiente.

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    Nati Guil Grund

    Es Licenciada en Historia del Arte, Posgrado en Museografía interactiva y virtual, Gestión Cultural y Máster de Desarrollos Sociales de la Cultura Artística y Master de Marketing.

    Tiene experiencia de más de 10 años en el ámbito del marketing internacional.

    Ha trabajado como responsable de marketing del marketplace de arte Virtual Gallery. También fue co-directora del proyecto enfocado en Fotolibro y nuevos medios Grundkreuz y organizadora del Festival Internacional de Videoarte Pop Kino, ambos proyectos desarrollados en Berlín.

    Actualmente vive y trabaja en Dubái.

    Nerea Ubieto

    Nerea Ubieto (Zaragoza, 1984. Vive y trabaja en Madrid) Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, trabaja como comisaria independiente, gestora y crítica en diversas publicaciones de arte.

    Actualmente es docente en el Máster de Fotografía y Gestión de Proyectos de Efti y, a distancia, en el Centro Cultural de España en Paraguay. H

    a dirigido el ciclo de talleres A ver si nos aclaramos (Performance, Feminismos y Compromiso animal) para el Ministerio de Cultura y colabora con el programa cultural de televisión Metrópolis para quien ha realizado los títulos Arte en Estonia, 1+1=1 y Arte Entrometido.

    Entre sus últimas exposiciones destacan: Tensiones escópicas en Etopía Centro de Arte y Tecnología de Zaragoza; Mystery Magnet en el Museo Domus Artium de Salamanca, Paisajes especulativos en el Museo de Teruel, One Project de Art Madrid o Artfulness en el Centre del Carme, Valencia.

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    Norma Esparza

    Norma Esparza Diseñadora gráfica, Doctora en Artes Visuales y Educación, Universidad de Sevilla (España), Magister en Motion Graphics, Escuela Bau (España), especialista en Ilustración, Escuela EINA (España).

    Desde el año 2009 hasta la actualidad se desempeña como Profesora e Investigadora de la Escuela de Arquitectura, Urbanismo y Diseño, en la Universidad del Norte (Colombia).

    Distinciones: Premio Jorge Tadeo Lozano, máxima distinción académica de dicha universidad, Universidad Jorge Tadeo Lozano, Colombia, Junio 2006. Ganadora del primer lugar en la categoría Arte Digital, premio de la Secretaría de Cultura de Barranquilla (Colombia), II Salón de artes plásticas y visuales, Diciembre 2017. Ganadora de la Convocatoria para Proyectos de Investigación – Creación en Diseño, Asociación Colombiana Red Académica de Diseño (RAD), Diciembre 2018. Para más información ver Cvlac.

    Nuria García Arias

    Comunicadora, investigadora y gestora cultural con más de 15 años de experiencia profesional. Doctora por la Universidad Complutense de Madrid, Máster de Estudios Avanzados en Museos y Patrimonio Histórico y Artístico y licenciada en Historia del Arte.

    Su experiencia en desarrollo y gestión de contenidos culturales web se remonta al año 2005, cuando comenzó a colaborar en el Proyecto Chasqui. Desde entonces, ha trabajado y colaborado con algunas de las instituciones culturales españolas más importantes como Museo Thyssen, Fundación MAPFRE, Universidad Complutense de Madrid, ARCO, Art Madrid, Fundación Telefónica, entre otras.

    Sus conocimientos y experiencia en gestión cultural, le permiten abordar proyectos culturales de forma transversal y global. Realiza, además, trabajos de comisariado, mentorizaje y consultoría de arte. Docente y conferenciante habitual en foros sobre museos, arte y social media.

    Ha dirigido más de diez «Proyectos de Innovación y Mejora de la Calidad Docente» de la Universidad Complutense de Madrid. Pertenece a dos grupos de investigación: SUMA (universidad+museo) (https://universidad-museo.com/) y Ecosistema del Arte (https://ecosistemadelarte.com/) y es socia del Instituto de Arte Contemporáneo IAC (http://www.iac.org.es/). Más información en Linked in.

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    Oliva Cachafeiro Bernal

    Me considero a mi misma gestora cultural, educadora, historiadora y vecina. Soy Licenciada en Geografía e Historia (especialidad Historia del Arte) por la Universidad de Valladolid. En el mismo centro cursé mis estudios de postgrado y obtuve la Licenciatura de Grado. También soy Especialista en Teoría y Estética de la Cinematografía por la misma Universidad.

    Mi primer contacto con el mundo laboral fue a través de la Fundación Municipal de Cultura de Valladolid, donde durante dos años fui becaria en el Departamento de Producción de Actividades. Aquí aprendí a ser gestora cultural. Casi de forma paralela empecé a trabajar como educadora de museos, ámbito en el que se ha desarrollado mi trabajo durante años, tanto en espacios de la Junta de Castilla y León, como sobre todo, en los vinculado de nuevo al Ayuntamiento de Valladolid (salas municipales y Museo Patio Herreriano).

    En 2007 comienzo a trabajar como Coordinadora de la Fundación Alberto Jiménez-Arellano Alonso, encargada de gestionar el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid, donde desempeño labores de gestión, organización de actividades culturales, comisariado de exposiciones y gestión de RRSS. En noviembre de 2019 soy nombrada directora de la misma, cargo que desempeño en la actualidad.

    Paralelamente, durante todos estos años he colaborado con el movimiento vecinal de la ciudad, en concreto con la Asociación Vecinal Rondilla, formando parte de su Junta Directiva hasta 2017, y dedicándome especialmente a los temas culturales dentro de los movimientos asociativos. En la actualidad continúa mi colaboración con ella y también con la Federación Vecinal Antonio Machado, interesándome además todo lo relacionado con el feminismo.

    El principal resultado de éste ha sido la organización durante 5 años, en la Fundación Arellano Alonso junto a Marta Alvarez, de «Occupy Gender, foro de iniciativas feministas de Valladolid», que llegó a ser premiado por MAV en 2016 por su carácter innovador.

    Desde el Museo continúo trabajando la perspectiva de género intentando dar a conocer la obra de artistas africanas contemporáneas, así como realizando iniciativas vinculadas a la creación contemporánea de las mujeres, ya que, aunque actualmente no está expuesta, contamos también con una colección de arte contemporáneo.

    Además, como museo que forma parte del proyecto Museos Sociales del Ministerio de Cultura y Deporte, trabajamos especialmente en la línea de facilitar el acceso a las mujeres a los espacios museísticos (especialmente a aquellas con problemas de inserción).

    Paula Cabaleiro

    Comisaria y gestora cultural. Actualmente, directora de Cultura de Diputación de Pontevedra. Licenciada en Bellas Artes por la UVigo (2009), con un máster en Arte, Museología y Crítica Contemporáneas por la USC (2010) y máster en Educación por la UVigo (2010).

    Es comisaria del programa «Mulleres en Acción: Violencia Zero» de Diputación de Pontevedra desde 2015 (6 ediciones) y fue directora de exposiciones del MAC Florencio de la Fuente (Huete, Cuenca), entre 2015 y 2020. Entre sus últimos comisariados, destacan las presentes “In Landscape Mode” de Christian Villamide (sept 2019-febrero 2020, CGAC) y “Deposita aquí tus miedos” de Alicia Framis (sept 2019-enero 2020, Cidade da Cultura de Galicia) y las recientes “Nación S.A.” de Iago Eireos (agosto, 2019, Sala Exposiciones Diputación de Lugo), “I Residencia Artística” (julio, 2019, MAC Florencio de la Fuente, Huete, Cuenca), “Boscosa” de Cristina Gardumi y «Icon. Mutant identities» de Lara Bobbio (abril-maio 2019, MAC Florencio de la Fuente, Huete, Cuenca, en colaboración con Associazione Culturale Radar), “Son aquela! (espazo de desarraigamento” de Paula Noya (Sala Alterarte, UVigo, 2018), «Metría2» de Rubén Fernández Castón (MAC Florencio de la Fuente, Huete-Cuenca 2017), «Nación S.A.» Centro Marcos Valcarcel de Diputación de Ourense, 2017), «Pegadas na Terra» (Culturgal 2016, Pontevedra), «Compañías Convenientes» (Fundación Camilo José Cela, 2016 y Afundación Santiago 2016-2017), «Experimenta 10+1» (Centro Marcos Valcarcel de Deputación de Ourense, 2016), «Somos Espazo» (Culturgal 2015, Pontevedra), «Do papel ao xesto» (Culturgal 2014, Pontevedra), “Mulleres en acción: violencia zero” (2016, Museo de Pontevedra y Casa das Artes de Vigo) y la muestra multisede «En (re)torno ao paisaxe» (Museo de Pontevedra e Iglesia de la USC en Santiago de Compostela).

    Desde 2014, forma parte del equipo organizativo de la feria Culturgal (Pontevedra), siendo comisaria del Espazo de Arte y desde 2019, es miembro de la sección de artes plásticas del Consello da Cultura Galega.

    Coordinadora y comisaria de programas artísticos en espacio público como “Somos rúa, facemos arte” del Ayuntamiento de Carballo (2019, 2018, 2017), #CreaVigo del Ayuntamiento de Vigo (2018 y 2019), del programa “Do camiño vivido” de Diputación da Coruña (2018 e 2019) y del “Huete Photowalk” (2016, 2017, 2018, 2019) en el Museo de Fotografía de la Fundación Antonio Pérez, con Diputación de Cuenca.

    En 2019, pone en marcha el Programa de Residencias Artísticas MAC Florencio de la Fuente, financiado por Diputación de Cuenca. Fue codirectora de la feria de arte contemporáneo Cuarto Público (Santiago de Compostela, 2013-2016), coordinadora del programa de residencias artísticas «Estudio Aberto» de Rede Museística de Lugo y Diputación de Lugo (2013-2015), directora en Galicia del Festival estatal Miradas de Mujeres 2014.

    Ha intervenido como ponente en numerosas jornadas y congresos en espacios y museo como MediaLab Prado, Universidad Complutense de Madrid, Museu Romántico de Porto, Museo Reina Sofía de Madrid, Centro Ágora de Coruña, Fundación G. Torrente Ballester de Compostela, UVigo, USC, Consello da Cultura Galega, etc.

    Participa en proyectos de acción social implicados con el tejido asociativo y con personas con capacidades diferentes, destacando «Nos+otras en Red» en Museo Thyssen-Bornemizsa de Madrid, entre 2015 y 2017, culminando con la exposición «El espacio de la memoria» (febrero 2017, Museo Thyssen-Bornemizsa).

    Rhea y Zahira Dehn Tutosaus

    Son autoras independientes, ambas licenciadas en Historia del Arte, habiendo cursado los estudios en la Johann Wolfgang Goethe Universität Frankfurt am Main y la Universitat de Barcelona.

    Zahira Dehn Tutosaus es actualmente miembro del equipo curatorial de On Mediation7 dirigido por la Dra. Anna María Guasch y el Dr. Martí Peran, elaborando la exposición , en colaboración con La Capella. Rhea Dehn Tutosaus es asistente de investigación en el Departamento de Moda y Estética de la Prof. Alexandra Karentzos y estudiante de doctorado en The Technical University of Darmstadt.

    Juntas fundaron el proyecto benéfico Art goes Charity (2015), el cual fue una plataforma para artistas jóvenes y poco conocidos, exponiendo obras que posteriormente se subastaron, apoyando con los fondos recaudados al hospicio Bärenherz en Wiesbaden. Ambas se especializaron en los discursos poscoloniales en relación con los espacios fronterizos de Europa/África y México/EE.UU., así como en los estudios posmigratorios y los discursos del Othering.

    Su interés en la investigación también se centra en la discursividad de los cuerpos, centrándose en el cuerpo femenino como medio de empoderamiento.

    Las autoras se centran, como colectivo, en el potencial subversivo del arte para abordar cuestiones sociales. El colectivo es concebido como una plataforma de investigación y acción constituida en torno al interés en cuestionar mecanismos de poder establecidos y en los efectos materiales que estos evocan en la realidad. De este modo el enfoque en el arte contemporáneo se complementa con la reflexión de posiciones postcoloniales, postmigratorias y feministas. Así, no sólo se obtendrán nuevas formas de conocimiento y narrativas de las obras actuales, sino que también se potenciará una lectura alternativa de las posiciones históricas.

    Sabela Fraga Costa

    Graduada en Publicidad y RR.PP. (2009-2013) Graduada en Historia del Arte (2013-2017) Máster en Filosofía, conocimiento y ciudadanía (2017-2018).

    En la actualidad trabaja con un contrato predoctoral de la Universidad de Vigo en la facultad de Bellas Artes de Pontevedra. En este centro desarrolla su tesis titulada “Ficciones apropiadas: humor y feminismo en el arte contemporáneo (1980-2010)” e imparte horas de docencia en la materia de “Gestión, ámbito profesional y mundo artístico”.

    Fue docente invitada durante el curso 2018-2019 en varios institutos de la provincia de Pontevedra con su formación “El poder de las imágenes: nuevas miradas a través del arte y el feminismo”. Desde 2019 es parte del equipo editorial de la revista online Caleidoscópica. Caderno de fotografía donde escribe artículos de reflexión desde 2018.

    Especializada en la línea de estudios feministas y teoría de la imagen, no concibe su trabajo de investigación sin la militancia y activismo paralelo en los movimientos sociales de su entorno. En el campo curatorial, empezó a trabajar en 2018 en la catalogación del fondo artístico y documental de la Agrupación Cultural Abrente en el Museo Etnológico de Ribadavia.

    Es autora del catálogo “Colección Abrente: arte galega no desafío cultural dos 70” y comisaria de la misma exposición, donde se presenta el compromiso y la relación de esta agrupación cultural con la vanguardia artística gallega de esa década. En 2019 realizó el co-comisariado junto con Laura Pinillos de la exposición “Ad Infinitum” de la artista Isabel Flores en la Sala BelleArtes de Cáceres.

    Su último trabajo de catalogación realizado fue la selección desde una perspectiva de género de 12 fotografías del archivo fotográfico Llanos y la redacción del prólogo para el calendario de la Editorial Xerais 2021.

    Sara Pérez Bello

    Sara Pérez Bello, directora y gestora de Apo’strophe.arte en Vigo. Comisariando prácticamente todos los proyectos allí expuestos, además de organizar los eventos, conferencias, mesas redondas, conciertos, firmas de libros….

    Ha sido directora y coordinadora de los espacios de Apo’strophe: • “Espacio Cero” para proyectos de instalativos, • “L21” para proyectos fotográficos, • “MercaArte” ferias de arte y proyectos expositivos. En este momento y tras su renovación de nombre Apo’strophe.arte, solo gestiona: • Apo’strophe.arte, espacio expositivo de 100m2 • “Espazo Anexo” pequeñas exposiciones. El Certamen de Arte PLASTIKA.

    En los tres últimos años lo ha organizado, siendo la creadora, directora, gestora y comisaria de la exposición resultante de la selección del jurado del Certamen Internacional de Arte PLASTIKA. La cuarta edición correspondiente al año 2020, no la han podido llevar a cabo a causa del Covid-19, están trabajando para poder realizarla en el 2021

    Diplomada en magisterio en la especialidad de Ciencias Humanas (Historia del Arte y Geografía), Especialista en Pedagogía Terapéutica. El contacto directo y constante con el mundo artístico le lleva a realizar diversos cursos: Curso de tasación y catalogacíón de obras de arte en la UNED Cursos de gestión y comisariado en la UNED y en Taller Abierto, Pontevedra.

    Además de la asistencia a congresos, conferencias, mesas redondas… La docencia y la inclusión siempre han formado parte de su trabajo, ya sea en centros educativos o en talleres específicos, a través de los cuales puede desarrollar sus inquietudes artísticas y pedagógicas desde hace más de 25 años.

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    Semíramis González

    Semíramis González (Gijón, 1988) es comisaria independiente y actualmente es directora artística de las ferias JUSTMAD (Madrid) y JUSTLX (Lisboa). Está licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo y ha cursado el Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía, por la Universidad Complutense.

    Ha comisariado proyectos como la exposición colectiva “En lo salvaje” en el Centro de Arte de Alcobendas; el proyecto educativo y expositivo de jóvenes artistas “Futuro Presente” en la Sala Amadís (Madrid); “Contra la piel” (sobre la visibilización de las violencias sufridas en base al género, la opción sexual o la raza) en el espacio Área 60 del TEA (Tenerife); o «Equivocada no es mi nombre. Arte contra la violencia machista» en LABoral Centro de Arte (Gijón).

    En 2020 ha sido la comisaria del proyecto «Un grito a voces» de Julia Galán en el MUVIM (Valencia) y la exposición digital «Ni la tierra ni las mujeres» en el museo virtual de MIA Art Collection (colección de arte de Alejandra Castro Rioseco, especializada en mujeres artistas) con 6 artistas que hablaban de la preocupación por la emergencia climática.

    Ha trabajado con museos e instituciones como Es Baluard Museu (Palma de Mallorca), Festival PHotoEspaña, SCAN Tarragona (Festival Internacional de Fotografía), el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), FIEBRE Photobook, o el IAACC Pablo Serrano (Zaragoza), entre otros muchos.

    En 2019 fue jurado del Premio Nacional de Fotografía, concedido ese año a la artista Montserrat Soto. Actualmente es docente en el Máster de Fotografía Contemporánea y Proyectos Personales de la escuela EFTI en la asignatura «Otras posibilidades en lo visual: prácticas artísticas feministas y queer». Escribe para varios medios, entre ellos, El Huffington Post o La Nueva España.

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    Sofía Albero Verdú

    Es doctora en Artes y Humanidades por la UPNA, licenciada en Historia del Arte por la UM, feminista y socia de MAV.

    Desarrolla sus trabajos como investigadora, gestora y comisaria independientes, colaborando asiduamente con asociaciones artísticas y culturales alicantinas, además de ejercer de profesora de inglés y auxiliar en el Museo Valenciano del Juguete, en labores de prensa, redes sociales, mediación y apoyo a la gestión y el comisariado.

    Es vicepresidenta en la asociación cultural Engafat de Ibi, Alicante, secretaria de la asociación Acción y Promoción de Arte Contemporáneo de Pamplona, Navarra, y vocal de la asociación Cineclub Layndon de Ibi, Alicante.

    Entre sus proyectos de curadoría e investigación artística destaca su participación como comisaria, mediadora educativa y artista en la exposición artística “Històries de Joguets” en sus II, III y IV ediciones, promovida por el Museo Valenciano del Juguete y la Asociación Engafat (2018, 2019 y 2020); co-comisaria en Festival Fuerza Electromotriz “FEM” en Pamplona, Navarra, con sedes en la Filmoteca de Navarra, UPNA y Ciudadela de Pamplona (2016); comisaria en “Radio ElectroMotriz” (2017) y “Audiovisual ElectroMotriz” (2018), en Palacio del Condestable en Pamplona; co-comisaria en “A través del espejo” con Ayuntamiento de Pamplona y Acción Contra la Trata (2016), becaria en Fundació Vila Casas, Espai Can Framis de Arte Contemporáneo en Barcelona (año).

    En 2019 diseña la mediación de “Dones d’Ibi”, sobre la recuperación de la memoria de mujeres destacadas en la historia de la localidad (2019), la mediación “Felicidades inmanentes” de la artista visual Mireya Martín Larumbe realizado en París (2018) y es mediadora en “La presencia de las mujeres en el Museo de Navarra” y “Yo, la Peor de todas” en Pamplona.

    Como investigadora, últimamente realiza “Mujeres emprendedoras del s. XX en Ibi” en colaboración con la concejalía de asuntos sociales e igualdad de Ibi (2019-20), la investigación Geodesia sobre redes y tejido artístico en Navarra, en Centro Huarte (2018) y la investigación y mediación de “4G#4 lecturas desde el Género” en el Museo de BBAA de Castellón, proyecto ganador de la convocatoria RESET del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana (2018).

    Participa en como ponente en conferencias y congresos internacionales sobre educación, feminismo, artes visuales y museología. Colabora en la edición y publicación de Momeht fanzine.

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    Sofía Martínez Hernández

    Entre octubre de 2010 y agosto de 2020 ha comisariado más de 130 exposiciones y a trabajado con más de 1000 artistas en Galerías de Arte y salas expositivas de Murcia, Madrid, y Málaga.

    Ha sido seleccionada con Galería Léucade en ferias de Arte internacionales como Art Madrid, Just LX Lisboa o Barcú enn Bogotá. Dirige Galería Léucade (desde 2013) y Galería El Punto Rojo (desde 2018). Creó Keyhole Art Fair en el 2018, la 1ª Feria Internacional de Arte que se celebraba en Murcia; feria itinerante cuya 2ª edición celebró en Málaga y su 3ª edición se convirtió en la primera feria a nivel internacional con realidad virtual.

    Dirigió y coordinó las tres ediciones de la feria con más de 130 artistas seleccionados en las tres ediciones. Ha creado y organizado más de 200 eventos que incluyen -entre otras actividades culturales- conciertos, teatro, workshops, o espectáculos como danza con solistas del Ballet Nacional de España entre otros. Asimismo ha coordinado eventos en el Centre Pompidou de Málaga y en la Casa Natal de Picasso.

    Ha participado en mesas redondas y conferencias en diversos centros e instituciones, como en el Museo Ramón Gaya. Ha ejercido como jurado de concursos de pintura y fotografía. Crítica de Arte desde 2010, sus críticas artísticas han sido publicadas en revistas, periódicos y diversos catálogos de artistas, además de haber editado varios catálogos propios.

    Los eventos que ha organizado, exposiciones que ha comisariado, y ferias de arte en las que ha participado o gestionado han aparecido en prensa digital o escrita en más de 300 publicaciones.

    Como docente, se encarga de la formación práctica de los alumnos de la asignatura «Practicum» del Grado en Historia del Arte, de los alumnos del Máster en investigación y gestión del Patrimonio Histórico-Artístico y Cultural, y de las prácticas extracurriculares de alumnos del grado de Comunicación Audiovisual, todo ello de la Universidad de Murcia, además de la formación práctica de alumnos de la facultad de «Visual Arts and Design» de «The George Enescu National University of Arts» en Iaşi, Rumanía, y de alumnos de la «Université Savoie Mont Blanc» en Chambéry, Francia. Actualmente también es miembro del profesorado del Máster en Gestión y Producción Cultural de la Universidad de Murcia.

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    Tatiana Muñoz Brenes

    Historiadora del arte y psicóloga de la Universidad de Costa Rica. Ha combinado el ejercicio de la gestión cultural con las ciencias sociales en varios proyectos para museos y otras instituciones culturales.

    Ha llevado a cabo su práctica profesional en la investigación de colecciones de arte, curaduría, sostenibilidad, museos comunitarios y activismo LGBTIQ+.

    A nivel internacional, también tiene una amplia capacitación adicional en museos e historia del arte, y ha dado conferencias y participado en eventos afines en varios países. Su trabajo visual sobre museos y patrimonio mundial se está registrando en su cuenta de Instagram @arthistorylady.

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    Ylonka Nacidit-Perdomo

    Escritora, investigadora Senior de género, gestora, editora y diplomática. Nacidit-Perdomo es la autora de la contra-historia en la cual se basó el primer documental desde la perspectiva de género producido en el país en el 2008, Las Sufragistas, que narra la hazaña más importante de la mujer dominicana en el siglo XX, después de la formación de la República en 1844.

    En el 2004 fue co-productora de la primera adaptación llevada al cine de una obra literaria de una mujer en la República Dominicana, Frente al Mar, basada en un relato del mismo nombre de la escritora Hilma Contreras (2010-2006), de quien Nacidit-Perdomo es la albacea literaria.

    Su área de especialización es «Textos de autoras dominicanas del siglo XIX» y «Poetisas nativas del barroco español de la Isla de Santo Domingo», entre ellas: Leonor de Ovando y Josefina de Leyba y Mosquera. Del siglo XVII ha estudiado los textos de Faustina Pantaleón [testamentos, codicilios, cartas de libertad y escrituras de ventas], así como «Autoras decimonónicas fuera del canon»

    Desde 1996 al 2001 ocupó la posición de Directora del Centro de Investigaciones Literarias de la Biblioteca Nacional. Editó en 1999 los catálogos bibliográficos «Juan Bosch, catálogo de libros» y «Catálogo de Escritoras», en ocasión del homenaje a Carmen Natalia y «Libros Raros de la República de Haití y la Isla de Santo Domingo: Siglos XVIII, XIX y mediados del XX», ediciones príncipes para coleccionistas. Su bibliografía literaria comprende los poemarios Contacto de una mirada (Editora Búho, 1989), Arrebatos (Módulo Publicidad, 1993), Luna Barroca (CCLEH, 1996), Papeles de la noche (Cocolo Editorial, 1998), Octubre (Editora Búho, 1998), Triángulo en trébol (CCLEH, 1999), Hacia el Sur (Editora Búho, 2001), Contemplación (CCLEH, 2006) La sombra del Amor(CCLEH, antología poética personal, 2006), Dentro del Bosque (Editora Búho, 2014) y Carta al Silencio (Editora Búho, 2018).

    Yolanda Ochando Ordóñez

    En 2004, Yolanda Ochando fundó en Málaga la galería Yolanda Ochando Obra Gráfica, la cual dirige desde entonces. El espacio está dedicado a obra gráfica, libros de artista, fotografía y escultura.

    La galería mantiene tres líneas de actuación. Por un lado, dispone de un fondo que abarca desde las vanguardias del siglo XX hasta artistas internacionales actuales. Por otro, realiza una intensa labor de apoyo a artistas de proximidad, especialmente mujeres. Por último, invita a creadores a trabajar en torno a un concepto o una idea expositiva. En estas muestras colectivas la participación de mujeres es siempre mayoritaria. Desde sus orígenes ha prestado una especial atención a las mujeres artistas, participando en el Festival Miradas de Mujeres en sus ediciones de 2013 y 2015 y en la Bienal Mirada de Mujeres de 2016.

    Ha sido Vocal de Perspectiva de Género de La Carta Malacitana y Vocal de Artes Plásticas del Ateneo de Málaga entre 2009 y 2013. Para esta última institución organizó la participación en el Festival Miradas de Mujeres de 2013 y coordinó el evento “En torno a la nuestro que lo llevamos puesto. Desviaciones de la huerta en Julio Romero de Torres” con el grupo de I+D de la Universidad de Málaga Lecturas de la Historia del Arte Contemporáneo desde la Perspectiva de Género.

    Fuera del órgano de gobierno del Ateneo, ha seguido colaborando en diferentes proyectos. Así, en 2016 fue co-comisaria de la exposición Home is where the heart is de Cristina Savage, seleccionada para la Bienal Miradas de Mujeres 2016. Igualmente fue co-comisaria de la exposición Ida y Vuelta de Ana Lessing Mejíbar.

    En 2019 participó en el coloquio «Feminismo Latino: Mujeres Artistas latinas en EEUU» con Marcela Guerrero, curadora del Whitney Museum.

    Ha colaborado con la Universidad de Málaga impartiendo conferencias como Cazadoras y recolectoras. Mujeres a la búsqueda del arte.

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