miércoles, julio 6, 2022

    ARTISTAS VIII MMM

    Las artistas, las grandes protagonistas de MMM

    Desde el primer momento quisimos que la selección de artistas y disciplinas fuera exclusivamente de las participantes. Así, todas ellas, blogueras, comunicadoras, periodistas, gestoras de espacios de arte, comisarias, museólogas, teóricas, historiadoras, coleccionistas, críticas, galeristas…han llevado a cabo su elección de forma completamente libre. 

    El resultado es, año tras año, la prueba de que no nos equivocamos en el planteamiento.

    En esta VII edición contamos con 58 artistas, comprometidas y empoderadas. A las que se suman las integrantes de los proyectos invitados a las que desde aquí también damos la bienvenida.

    Ainhoa Valle

    Asturias, 1981

    Licenciada en Ciencias de la Comunicación por la Universidad de Salamanca. Fotógrafa freelance, entre el 2004 y el 2011 viaja y vive en Asia impregnando su vida y su obra de esta experiencia y amplia su formación en el 2013 como terapeuta Gestalt y corporal.

    Su mirada tiene un carácter íntimo e introspectivo que se centra en la identidad y en los procesos de autorepresentación. Está en continua investigación del potencial transformador del arte en los procesos de cambio personal y social a través del cuerpo, la imagen y la creación visual.

    Documentar el trauma, el duelo y la enfermedad constituye en este momento el epicentro de sus últimos trabajos; transitar lugares como su propia orfandad y la vivencia de una enfermedad como la endometriosis, que apenas se conoce por afectar sólo a las mujeres son cuestiones desconocidas, ignoradas o ninguneadas en esta sociedad.

    Cree que el arte cuestiona la manera en que vivimos y morimos; nos invita a tomar consciencia de que todas las decisiones que tomamos en nuestros procesos creativos están relacionadas con la forma que percibimos nuestra vida.

    Sus proyectos personales  han sido reconocidos y expuestos en certámenes como Descubrimientos Photoespaña, Encontros da Imagen, Festival Panorámic , Luminic Festival en Art Photo BCN y ha realizado muestras individuales y colectivas en España, Berlín o San Francisco. Entre los premios y selecciones destaca  la beca de la Obra social de la Caixa de Art for Change o la del Seminario de fotografía y periodismo de Albarracín. Ha impartido charlas y talleres en La Casa Encendida, Ajuntament de Barcelona, el Observatorio (BCN), IEFC ( Barcelona) en el Festival Luminic, Formentera Fotográfica, entre otros.

    Actualmente vive y trabaja en Barcelona, donde combina su obra personal con su labor como docente y terapeuta Gestalt-corporal a través del arte.

    Está especializada en la facilitación de proyectos de fotografía participativa y terapéutica con distintos colectivos de personas migrantes, menores no acompañados o con diversidad funcional. Colabora regularmente con instituciones, asociaciones y/o proyectos.

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    Aintzane de Luna

    Aintzane Martínez de Luna Fernández (Bilbao, 1963), licenciada en Bellas Artes por la Facultad del País Vasco EHU/UPV, su trayectoria artística le ha llevado a desarrollar diferentes disciplinas en las artes plásticas.

    En el año 2001 participa en la exposición colectiva ‘Vacas-Behiak’ en Bilbao.

    En el año 2004 presenta su primera exposición individual. A partir de ese año incorpora las nuevas tecnologías a su proceso creativo. Durante los años siguientes realiza varias exposiciones y participa en proyectos artísticos como ‘Incógnitas, ensayo de una cartografía del arte moderno y contemporáneo en Euskadi’, producida para el Museo Guggenheim Bilbao por el artista Juan Luis Moraza.

    A partir de 2009, Aintzane de Luna hace sus primeras incursiones en la cerámica con una mirada renovadora. En su trabajo artístico, la cerámica se ha convertido en uno de los soportes principales para entretejer elementos tradicionales del ámbito doméstico con temas de índole social, político o filosófico en torno a la perspectiva de género y la identidad, así como la palabra es utilizada como base para la construcción de un discurso contemporáneo; a través de mensajes cortos, aparentemente inocuos, plantea una discusión sobre diversas materias bajo el prisma del humor y no exentas de crítica. La cerámica, en apariencia relegada a las artes decorativas, es el medio perfecto para obras que abordan temas que propicien la reflexión.

    En un soporte frágil como la porcelana y con un lenguaje formal cercano al grafiti y la cultura urbana, vuelca su propio universo, sus influencias, sentimientos y experiencias vitales, inspirándose tanto en el arte como en la realidad cotidiana. En esta línea de trabajo, en la que ha construido un corpus de obra desde 2009, muestra también sus propias contradicciones. La identidad, un espíritu inconformista y las reivindicaciones han encontrado un medio de expresión perfecto en la cerámica.

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    Alba Soto

    Alba Soto es doctora en Bellas Artes y artista multidisciplinar. Su formación combina las artes visuales y las escénicas, especializándose en herramientas interdisciplinares y performativas para la creación y la práctica docente. Desde el 2007 es profesora universitaria y ha impartido seminarios en universidades internacionales como la Kymenlaakson University of Applied Sciences en Finlandia, la University for the Creative Art (UCA) en Inglaterra, la Hoschule fur Kunste Bremen en Alemania, la Universidad de Los Andes en Colombia o la SAIC School en el Art Institute of Chicago.

    La obra artística de Alba Soto se ha mostrado en multitud de festivales y encuentros como Acción!MAD (Madrid), De un lado a otro. Miradas contemporáneas VII (Salamanca), Festival per l’art intramurs (Valencia), Performance Platform Lublin (Polonia), Post Butoh Festival 2017 (Chicago), Straigh Through the Wall (Nueva York), Art Beijing, puesto del Instituto Cervantes (China), Vital Signs (Grecia), Dhaka Live Art Biennale 2019 D’LAB (Bangladesh), Reception of the Fantastic in Modern and Contemporary Visual Art (Israel), Bienal de Diseño de La Habana (Cuba), etc. También en centros expositivos como la Galería Modus Operandi (Madrid), La Casa Encendida (Madrid), La Térmica (Málaga), Castillo de Santa Catalina (Cádiz), ZhouB Art Center (Chicago), Dfbrl8r Defibrillator Gallery (Chicago), Screening Room (Miami), Ionion Center for the Arts (Grecia), Museo Internazionale Italia Arte Turín (Italia), entre otros.

    Además de realizar su obra personal, ha participado en varios grupos de investigación y ha organizado diferentes proyectos expositivos y performativos, colaborando y compartiendo experiencias y procesos con multitud de artistas relacionadas con las artes visuales, la danza o la música. Actualmente es letrista y cantante de la banda Verborrea Espacial y Mrs. Pausa y presidenta de la asociación de creación e investigación artística multidisciplinar Pelicornio Perceptual.

    Desde el año 2018 comisaría los Encuentros Internacionales de Performance Art PERNEO, en el Museo de la Neomudéjar (Madrid).

    Alicia Herrero

    Alicia Herrero (1958) es una artista, gestora y comisaria argentina de notable proyección nacional e internacional. Es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, actual UNA, Buenos Aires.

    Ha participado en diferentes exposiciones, ferias y encuentros artísticos y bienales como: VIII Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil (2011); Bienal de Arte de Bogotá, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia (2009); V Internationella Konstbiennal, Göteborgs, Suecia (2007); I Bienal del Fin del Mundo-Ushuaia, Argentina (2007); Bienal de Arte Contemporáneo, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca (1999), V Bienal de La Habana, (1994), Cuba. Ha realizado centenares de exposiciones internacionales y recibido importantísimas distinciones dentro y fuera de su país.

    Sus trabajos abordan problemáticas materiales y simbólicas de la vida cotidiana, entre ellas la economía, el derecho, la política. Si bien sus trabajos están atravesados por una perspectiva feminista y/o reivindicativa de los derechos de las mujeres, entre 1991 y 1994 expone sus piezas “tácticas luminosas”, que constituyen una serie de piezas que hablan del trabajo invisibilizado de las mujeres en el marco de los procesos económicos del capitalismo tardío.

    Sus proyectos ponen especial énfasis en el concepto de “políticas culturales”, y hacen visible estructuras concretas naturalizadas. Su abordaje de lo real recurre a lo metafórico y concreto, abstracto y subjetivo y obviamente conceptual.

    Sus trabajos presentan itinerarios de lecturas como pueden ser “tours”, como «The Paradigm Confines Tour» (2007), en el que la artista renta un barco turístico para realizar un simposio de 3 horas navegando el mismo circuito que hizo Charles Darwin en el canal de Beagle, “Subastas, Mercado & Dinero (Auctions, Market & Money)” (2008), una agencia que indaga el impacto que produce el mercado, el dinero y el negocio sobre la percepción que tenemos del arte, “Secretaría de Cultura Paralela y Emancipada”(2009), etc.

    Otros proyectos recurren a la creación de un simposio performativo de políticas públicas: «Consideraciones sobre lo Público, un Simposio en Tres Actos» (2016), conferencias en el Congreso Nacional Argentino, en el Banco Nacional de Argentina, y en la Universidad de Buenos Aires, también en la Universidad de la República de Uruguay, o el “Museo de la Economía Política del Arte” (2012), un museo para reunir piezas que indagan críticamente la economía política del arte. Algunos de ellos desencadenan situaciones tales como nueva distribución (y circulación) de conocimiento sensible, desarrollan un don para penetrar instituciones cerradas, o provocan la necesidad social de ocupar esas zonas abandonadas.

    Ha dirigido el LiPac Rojas-UBA, un espacio de clínica de obra para investigadorxs y artistas, y publicó Consideraciones sobre lo Público, un Simposio en Tres Actos (2011). Gana el Primer Premio Fundación Fortabat (2019).

    Acaba de obtener el Premio Nacional de la trayectoria 2020/2021 otorgado por el Museo Nacional de Bellas Artes.

    Ariadna Silva

    Graduada en Comunicación Audiovisual por la Universitat Oberta de Catalunya, Máster en Fotografía Artística y Documental por la Escuela TAI y Máster en Servicios Culturales por la Universidad de Santiago de Compostela.

    Su trabajo se sitúa entre la fotografía y el cine documental. Actualmente desarrolla proyectos dentro del documentalismo contemporáneo y de autor, centrados en el paisaje gallego y en la autobiografía como eje central de su narrativa. En este sentido, la figura femenina ocupa un lugar relevante tomando como referentes a figuras como su hermana, su madre o su propia abuela -protagonista de su último cortometraje “O intruso”-.

    Entre sus reconocimientos se encuentran el Premio Xuventude Crea de Fotografía otorgado por la Xunta de Galicia o la obtención de una de las Becas Albarracín del Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín.

    Ha expuesto de forma individual en el Festival Off de PHotoEspaña (Galería My Name’s Lolita Art), el Kiosco Alfonso (A Coruña) o la Galería Banco Editorial (A Coruña). También ha formado parte de exposiciones colectivas en A Ciudade da Cultura o en la Iglesia de la Universidad de Santiago de Compostela. Actualmente trabaja con la galería orensana Marisa Marimón.

    Art al Quadrat

    Gema y Mònica del Rey Jordà Nos autodefinimos como creadoras duales feministas a demanda. La misión de crear es un proceso vital que completa nuestra identidad y criar lo acompaña. En nuestra obra sacamos a la luz las estructuras que nos oprimen y nos encorsetan para ello nos posicionamos y nos implicamos de una manera muy pesonal. Generamos preguntas críticas en una lucha activa desde lo cotidiano para empoderarnos a través del arte. Como artistas decidimos comprometernos y asumir nuestra responsabilidad a favor del procomún.

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    Bruna Ruiz Planella

    Bruna Ruiz Planella nace en Barcelona el 15 de marzo de 1996.

    Cursa sus estudios universitarios en ESCAC “Escuela Superior de Comunicación Audiovisual de Cataluña”, especializándose en dirección artística y trabajando en distintos cortometrajes.

    Tras graduarse encuentra en la pintura un modo de expresión, explorando las posibilidades que esta le ofrece. Sus obras van evolucionando hacia un arte más expresionista, centrándose en el retrato, el gesto y el color.

    En 2018 su trabajo pictórico toma forma en Ennui, concepto que tiene que ver con esa idea de vacío, pese a estar rodeado de gente. Expone un total de veinte obras en la Galeria H2O, entrando a formar parte de los artistas jóvenes seleccionados para la iniciativa de Art Nou, dos de sus obras son seleccionadas para ser expuestas en La Capella como muestra de una exposición colectiva.

    En 2020, junto con Ana Arsuaga, ambas exploran distintos aspectos del retrato a través de la exposición Begitarte entrando en el marco del Barcelona Gallery Weekend. Ese mismo año se traslada a Edimburgo para estudiar pintura en Leith School of Art y seguir desarrollando su obra.

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    Camino Román

    Camino Román (1981) es artista, poeta y profesora de geografía e historia y vive en Veguellina de Órbigo (León). Es licenciada en Bellas Artes e Historia del Arte por la Universidad de Salamanca y obtuvo el máster de Arte Actual: Análisis y Gestión. Il3,Universidad de Barcelona en 2012.

    Desde que comenzó su labor artística ha participado en numerosas exposiciones colectivas, recibido distintos premios en Burgos, Salamanca o León y ha realizado varias muestras individuales como las de la galería Benito Esteban en Salamanca en los años 2005 y 2016 o la muestra “A bigger splash” en la Fundación La Casona en la ciudad de León.

    Su obra está presente en distintas colecciones como la de Caja de Burgos, Universidad de Salamanca, Fundación Carriegos o el Instituto Leonés de Cultura.

    Como poeta ha publicado “<3 <3”, Una foto de un lugar que visitaste (Ediciones Ochoacostado) y Accidente (editorial Rialp). En septiembre de 2018 fue invitada por el Festival Internacional de Poesía de Rosario (Argentina). En la actualidad Camino Román centra su trabajo en la pintura planteando un dialogo entre la técnica pictórica tradicional y su constante dialogo con otras disciplinas artísticas como la escultura, la arquitectura, la poesía o la propia historia del arte. El resultado son instalaciones en las que se produce la interacción de las formas plásticas y las imágenes que las mismas sugieren y que debe aprehender el espectador.

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    Cristina Huarte

    Cristina Huarte (Zaragoza, 1988) vive y trabaja entre México y Madrid

    Cristina Huarte es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en el 2011. En el 2019 recibió el Premio Artes & Letras, otorgado por el Heraldo de Aragón.

    Sus últimas exposiciones más importantes han sido: “Kawsay”, proyecto realizado en la residencia artística Kai. (Cuzco, Perú). Ha sido becado y expuesto en la Fundación Caja Rural de Aragón (2019-2021). “Qantu” en la sala Juana Francés -casa de la mujer- apoyado por el Ayuntamiento de Zaragoza (2020). En el 2019 debuta en ARCO con un fragmento de la obra “Snippets” (Stand Gobierno de Aragón). La exposición “Aún aún no estás sola” en el IAACC (Museo Pablo Serrano Zaragoza), apoyado con una beca de producción artística concedida por el Gobierno de Aragón (2016-2018). En 2014 fue becada durante tres meses por el programa de Artistas en Residencia de GlogauAir en Berlín. Con su traslado a Berlín desarrolló un proyecto titulado “Sombras Breves”, que posteriormente se expuso en el Palacio de Montemuzo, Zaragoza (2014 – 2015). Entre los años 2012 al 2013 realizó el proyecto “El gesto interior” que se exhibió en la Sala Luzán en Zaragoza.

    También cuenta con la presencia de obra en Patrimonio Cultural de Aragón, Ayuntamiento de Zaragoza, Caja Rural de Aragón, Museo Pablo Serrano, Obra social CAI, Feria BEC (Bilbao exhibition Centre), Fundación José Luis Zazurca, Universidad de Salamanca, y varias colecciones particulares.

    Sus próximos eventos para 2022 incluyen la exposición del proyecto “Kawsay en el Museo Qorikancha (el templo del sol en Cuzco, Perú), Residencia artística en la Galería Muy, San Cristóbal de las casas (Chiapas, México), Residencia artística en Estudio Abierto (Oaxaca), la residencia estudio Lagos y sur (Ciudad de México).

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    Doa Oa

    Doa (Sober, Lugo, 1986) estudia Fotografía artística y Bellas artes (2012, U.Vigo Pontevedra, Mexico y Lisboa). Con formación multidisciplinar, su creación artística se mueve entre la gráfica y la pintura mural botánicas, las intervenciones e instalaciones con audiovisuales y la fotografía de sensaciones.

    Ha participado en residencias de arte público como, entre otras, en Zaragoza, Mallorca, Portugal, Francia y Kosovo. Igualmente, ha formado parte de exposiciones colectivas como “Cultivar incertezas” (CGAC), “Proyectos mil” (MIHL), “Prints that run with wolves» (Porto), “Veraneantes” (MARCO), “O Bosquexo do mundo” (MARCO).

    De entre sus proyectos destacan “Ambiguando” (2011), una colección de más de 190 fotografías sobre el concepto de la desambiguación de la existencia en las vivencias propias; “Abre os olhos” (2011-2013) con intervenciones en espacios urbanos y sobre tejidos; «Algures en ningures» y «Contra-ilhas» (2012) en torno al espacio y el tiempo, los mapas y los huecos.

    En la actualidad, su trabajo principal se desarrolla en el proyecto “Reforestando” que gira en torno a la visibilización, regeneración e investigación del reino vegetal, en un intento de aproximación al reino animal y de recuperación de lugares abandonados. Así, a partir de 2014 ha ido realizando una serie intervenciones murales en el espacio público, en un formato de herbario mural y con una estética de ilustración botánica, se retratan diferentes especies vegetales que tienen algún tipo de vínculo con los lugares de actuación. Cada obra parte de un estudio de especies ligadas a los territorios (autóctonas, endémicas, plantas inoportunas, etc) o con las vidas de las personas de la zona (usadas para alimentación, medicina, decoración, mística, tintes, etc). Cada planta es retratada mostrando sus diferentes partes para ilustrar la especie y que sirva de memoria mediante lo didáctico y en composiciones dinámicas y volátiles, para crear belleza, como desde siempre lo ha hecho la naturaleza.

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    Elisa Ortega Montilla

    Elisa Ortega Montilla es una artista española-americana cuya práctica artística se desarrolla entre California y España. Durante más de una década trabajó como trabajadora social en España, Guatemala y Los Ángeles.

    Se gradúa con un Máster en Bellas Artes en la Universidad de California – Santa Bárbara, elegida como Artista en Residencia durante el curso 2019-2020. Sus obras han sido mostradas en exposiciones colectivas e individuales en España, Guatemala, México y Estados Unidos; y reseñadas en The Los Angeles Times, The Los Angeles Review of Books, Hyperallergic, Artillery, KCRW, LUM Art Magazine, VoyageLA Magazine y el Mes de la Mujer de la Universidad de California. Estas incluyen espacios como el Museo de Arte de Torrance, la Galería Municipal de Arte de Los Ángeles, el Museo de Arte, Diseño y Arquitectura en Santa Bárbara, las Escuelas Pías (UNED) en Madrid, Fundación Botí en Córdoba y participaciones en la Feria Internacional de Arte QiPO 2020 en la Ciudad de México, y la Feria de Arte Contemporánea Spring/Break de Los Ángeles entre otros.

    Su exposición individual «Objectifying» (Cosificando), tuvo lugar en el Museo de Arte de San Luis Obispo en el año 2021. A través de este proyecto Elisa Ortega Montilla explora el cuerpo humano de manera sensual a través de formas antropomórficas no binarias, talladas en madera y combinadas con ropa interior de segunda mano. Esta serie busca cuestionar las divisiones tradicionales de género, así como la manera en que se nos enseña a ver los cuerpos, para crear formas que rechazan lo normativo y convencional, y para ofrecer posibilidades más elásticas y permeables. Tanto las obras como sus títulos pretenden confrontar y subvertir los marcos con los que tradicionalmente hablamos y percibimos los cuerpos, especialmente los cuerpos femeninos, en la imposible búsqueda de la perfección y la belleza.

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    Elise Florentino

    Elise Florentino es una artista dominico-española formada a caballo entre los dos países. Sus primeros años de formación artística son en la Escuela de Arte de Oviedo, para luego continuar su educación en la Escuela de Diseño de Altos de Chavón, una de las escuelas más prestigiosas de América Latina, en la rama de Bellas Artes.

    Trabaja el dibujo, la escultura y la pintura. Destaca la atención al detalle, la utilización saturada del color, y especialmente la importancia de la línea y lo que ésta comunica, agregando imperfección y expresividad a unas locas composiciones, barrocas e histriónicas, estudiadas con gran detenimiento, conectando así el orden con el caos.

    Esta dualidad se suma a la exploración que Elise realiza del sincretismo de las dos culturas que la han visto crecer. Su obra es una confesión de su subconsciente a su mundo físico, seres fantásticos que no pertenecen ni a lo onírico, ni a lo físico, ni al Caribe, ni a Europa; protagonistas de un mundo en camino, de la Atlántida, de la fusión, de lo mixto. La batalla entre lo nuevo y lo viejo, la guerra y la paz, la pobreza y la riqueza. El futuro o un presente confuso para los niños mixtos sin casa.

    Elizabet Cerviño

    Graduada del Instituto Superior de Arte (ISA), La Habana, Cuba (2009). Su lenguaje artístico es totalmente versátil -en tanto se expresa con total libertad desde la pintura, el performance, la fotografía y la instalación- y se articula a través de la revisitación y reinterpretación de principios filosófico-religiosos de diversas culturas, sobre todo del pensamiento oriental.

     Entre sus principales exposiciones personales están Chasquidos, Pabellón Cuba, La Habana (2019); Mónadas, Galleria Continua, San Gimignano, Italia (2018); Pausa, La Columnata, Callao, Perú (2017); Ná, Galleria Continua, La Habana (2017); Hoguera (performance), Residence Vermont Studio Center. Red Miller, Vermont (2015); Paisaje a 360º, Galería Villa Manuela, La Habana (2014); Hálitos, Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, La Habana (2013); Epitafio, Pabellón Cuba, La Habana (2012); No existe un blanco en la niebla, Galería Luz y Oficios, La Habana (2009); Hay un cielo en la tierra. Río de tinta, Galería Villa Manuela, La Habana (2009); Inventario, Fundación Ludwig, La Habana (2009). Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana; Pérez Art Museum, Miami; Cranbrook Museum, Bloomfiel Hills, Detroit, Michigan, EEUU; Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, La Habana; Galleria Continua, Havana, Italia, Francia; Centro Hispanoamericano de Cultura, La Habana; Shelley and Donald Rubin Foundation, New York, EEUU; Fundación Odeon, Bogotá, Colombia; Green Gallery, Dubai; South South, Goodman Gallery, Cape Town, Sudáfrica; Galería La Acacia; Galería Habana; Hoffman Gallery, Lewis & Clark College, Portland, EEUU; Robert Miller Gallery, New York, EEUU; House of Egorn Gallery, Berlín, Alemania; RIAP 2014. 18 Édition, Rencontre Internationale D ́Art- Performance/Quebec, Canadá; Espacio Aglutinador, La Habana; Casa de México, La Habana. Ha obtenido las siguientes residencias y becas: Real Academia Española, Roma, Italia (2017); Brever House, Rockefeller Center, The Rockefeller Brothers Fund (2017); Unlimited, Brooklyn, New York, Cuban Arts Fundation y The Rockefeller Brothers Fund (2017); Finalista de la 1ra Edición del International Cuban Art Award, en la categoría Artista Joven del Año, Farber Foundation. Cuba-EEUU (2015); Nominada para la 2da Edición del Premio Maretti, Cuba-Italia (2014).

    Ha obtenido becas y residencias artísticas como: Nirox Foundation, Sudáfrica (2017). Real Academia Española, Roma. Italia (2017). Brever House, Rockefeller Center. Pocantico, NY. The Rockefeller Brothers Foundation (2017). UNLIMITED, Cuban Arts Fundation and The Rockeller Brothers Foundation (2017). Beca de Creación “Juan Francisco Elso”. Asociación de Hermanos Saíz. La Habana. Cuba (2011). Henry Moore Foundation. Project Tengo Frío. Glasgow. Scotia. UK (2010).

    Obtuvo el 2do Premio Bienal de las Américas, EEUU (2021); fue finalista 1ra Edición al Premio Internacional de Arte Cubano, Categoría Joven Artista del Año, Fundación Farber. Cuba-EEUU (2015); nominada a la II Edición Maretti Award. Cuba-Italia (2014).

    Gabriela REYNA

    Gabriela REYNA (La Habana, Cuba, 1991) Licenciada en Artes Visuales de la universidad de las Artes de Cuba (ISA) en 2016 y graduada de la Academia Nacional de Bellas Artes de San Alejandro en el 2011. Para ella el vestido es un lugar habitado, un espacio vivido. Su investigación y práctica se centran en la indumentaria como campo de estudio. Acciona prestando su voz y su universo femenino desde un cuerpo de mujer. Se mueve a través de diversos medios como el performance, la video instalación y la pintura.

    Durante su participación en una residencia en Chile expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Quinta Normal en Santiago de Chile. Volvió al sur latinoamericano para otra residencia en Buenos Aires, Argentina, donde realizó su preformance in situ para el espacio donde trabajó durante esos meses. Lo transdisciplinar y su experiencia en colectivos múltiples de artistas la llevan a Tijuana, México para realizar el diseño escénico y de vestuario de una puesta escena de Teatro de León colombo-mexicana, radicada en ese momento en México. Ha llevado a cabo numerosas exposiciones individuales y colectivas tanto en Cuba como en el extranjero.

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    Gosia Trebacz

    Goshia Trebacz nace en Cracovia (Polonia) en 1971. Vive desde hace años en Galicia donde se realiza como artista. Artista multidisciplinar: pintora, fotógrafa, videocreadora.
    “A lo largo de mi vida profesional he intentado describir con imágenes las circunstancias y sensaciones marcadas por el tiempo en mi interior. La continua necesidad de construir esta particular biografía me ha traído a un momento de mi vida especialmente perceptivo…
    Me he dado cuenta que con mi trabajo, además de aprender de mi misma, de expresar lo que siento y narrar mis propias vivencias.”
    Su trayectoria cuenta con múltiples exposiciones individuales y colectivas en espacios culturales y galerías de toda Galicia, y Madrid, así como exposiciones individuales en su país de origen

    Iciar Yllera

    Iciar L. Yllera (Madrid, 1996) artista emergente, está graduada en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid, habiendo realizado estancias becada en las universidades de Buenos Aires (Argentina) y la Alma Mater Studiorum de Bologna (Italia).

    Su taller se encuentra en San Lorenzo de El Escorial, pueblo en el que actualmente reside. Su relación con la pintura se podría rastrear desde niña, pero propiamente da comienzo con su primera exposición individual a los 18 años. A partir de entonces, su obra se mueve en galerías y centros culturales de distintas ciudades del país como Madrid, Girona, Barcelona, Salamanca o Segovia.
    Aunque difícil de unificar por su permanente transformación, podría concebirse la obra de Iciar Yllera como una búsqueda expresionista por la conmoción. Sea desde su primera vertiente más anclada en la figuración o desde el más reciente coqueteo con lo abstracto, trata de interpelar a una sensibilidad entendida como universal, desde la expresión de las propias preocupaciones de la artista. Un impacto corpóreo que parte de lo visual, movilizando al cuestionamiento social. Y esto se lleva a cabo, eso sí, a través de un lenguaje pictórico marcado por una contundente gestualidad y por una carga matérica cada vez más protagonista, que pugna por liberar su propia organicidad interna.

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    India Toctli

    1977 nacer físicamente
    1977- 2017 sobrevivir con una máscara
    1995 conecto con mi propio espíritu por primera vez escuchando las olas del mar
    2005 conecto con mi propio espíritu por segunda vez mientras camino sola por un canal de oxfordshire
    2011 doy a luz a una selva de luces que me sacude por completo
    2012 vuelvo a dibujar
    2015 conecto con mi espíritu por tercera y definitiva vez, regando descalza las plantas de la azotea
    2017 mi espíritu me susurra nuestro nombre, y nos deshacemos de la máscara

    2021 elijo no tener prisa, amar y asentarme en la alegría

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    Inés Villeparisis

    Inés Villeparisis, una artista plástica y fotógrafa afincada en la ciudad mediterránea de Alicante. Como artista visual trabaja en dos disciplinas: la fotografía y la pintura. En ésta última, trabaja mediante un filtro pop y urbano, representando un surrealismo de colores muy vivos y con un trasfondo irónico.

    Fue coautora y coeditora del libro de fotografía de retratos de artistas alicantinos: «Memorobilia of Vampirya/Estoy Congelada» (2014), junto al fotógrafo Steve-Xvida. Fotógrafa y directora artística del proyecto «Memorobilia Dona Alacant Art»(2017), subvencionado por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante. Fue seleccionada como participante de «Memorobilia Dona Alacant Art» en Proyectos Invitados de la V Edición de Mujeres mirando a Mujeres (2019). Seleccionada para la revista fotográfica RGB MAGAZINE en su edición #02 #03 #04 del 2021. Inés entró en la selección hecha por Photoalicante Festival para su exposición virtual Photowall 2020, con la serie fotográfica «False Face Society». También fue seleccionada en ALC VIDEOART FESTIVAL, Alicante 2021, con su videoarte «False Face Society».

    Entre sus exposiciones, nombrar algunas como: «False Face Society», exposición individual en Universidad Jesuita de Guadalajara (Mexico), llevada a cabo entre el 1 de marzo y el 14 de mayo de 2021; «Memorobilia of Vampirya», exposición colectiva en la Galeria Salmaia, de Altea, 2016; «NeoArt/Lucentum Revisited», exposición en la Galeria Angel Castaño Art Space de Elche, del 14 de enero al 28 de febrero de 2017; «NeoArt/Lucentum Killer», exposición colectiva en la sala El Sótano Coworking Alicante, del 5 de mayo al 28 de mayo del 2017, la exposición colectiva «Memorobilia Dona Alacant Art», en la Sala Mengolero de Rojales en 2018 y la exposición colectiva en Espacio de arte de Villasonora en Alicante en el año 2018.

    Irene Mala

    Irene Mala es una ilustradora y pintora sevillana, Licenciada en Bellas Artes de la Universidad de Sevilla

    Ha publicado varios libros para adultos y niños como “Niño” (Maclein y Parker, 2021) “Camarón, la alegría y la pena” (Reservoir books, 2020) “El Universo Tim Burton” (Lunwerg, 2020); “Vaho” (Maclein y Parker 2018), “Una de zombis” y “Diario de un despecho. Tragicomedia del olvido” (Thule, 2015) por citar algunos.

    Asimismo, es autora de carteles de la campaña 5 Millones de pasos, de la asociación Andalucía Acoge (2020, 2017), del cartel de la Feria del Libro de Sevilla (2018) y de ilustraciones en la publicación “El Asombrario” para Ecoembes (2017).

    Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional, cómo por ejemplo Hybrid (Madrid, 2020) con la Galeria Admiral Arte Contemporáneo, “Yo no soy esa” (Sevilla, 2019, Un Gato En Bicicleta), ““Better sweet candy” (Madrid, 2018, Galería Mad is Mad) o “¡Presente! Homenaje a la mujer”. (Los Ángeles, California, 2013, Avenue 50 Studio)

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    Iria Martinez

    Es una artista visual multidisciplinar. Su trabajo se realiza tanto en pintura, escultura y la instalación donde lo material, la experiencia, lo físico, lo efímero, lo no visible y lo femenino son algunos de los territorios que recorre, mostrando su fascinación por los distintos materiales: desde los retales hasta los metacrilatos y pvcs. Un trabajo muy espiritual y autobiográfico, en el que busca la creación de la belleza y la reutilización y transformación de lo que no sirve en algo bello.

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    Juana Martínez Caballero

    Juana Martínez Caballero (Bullas, 1996), llamada artísticamente La Juana para remarcar la tradición de los pueblos murcianos de poner el artículo delante del nombre, enfatizando y homenajeando de esta forma sus raíces. Esta artista multidisciplinar, realizó los estudios de Bellas Artes en la Universidad de Murcia, desarrolla su trabajo principalmente en torno a la fotografía, sin embargo, también utiliza otros medios visuales, como la ilustración y el tatuaje. Utiliza la imagen como formato de expresión y de performance.

    Su trabajo gira en torno a los conceptos de identidad, memoria y cuerpo. Así mismo, explora las problemáticas y tabúes de la contemporaneidad, su relación con el pasado, los aspectos personales, así como los familiares y lo ritual, lo trascendental y lo oculto que estos tienen. Esto se ve claramente en uno de sus proyectos más importantes, llamado Ajuares, donde la artista realiza un homenaje a su abuela y sus raíces familiares, experimentando a la vez con diferentes medios artísticos, como son la fotografía y el tatuaje, ya que el proyecto consistía en recopilar los objetos de casa de su abuela, fotografiarlos, y tatuarlos posteriormente a los espectadores de la exposición, conectando de esta forma su propia memoria familiar con la memoria familiar del público de la muestra, en un intercambio de experiencias y recuerdos.

    En cuanto a su recorrido artístico, fue ganadora del Premio Nacional de Fotografía Alonso Cano en Granada en el año 2017. También fue parte activa del colectivo FAAK (Feria Ambulante de Arte Kontemporáneo) en los años 2017 y 2018. Ha participado en múltiples exposiciones, algunos ejemplos son Sangra al Rito -FAAKTA Tenebris- (2018), en el Centro Párraga de Murcia, Se alquila el tiempo, burocracia y la deformación de la percepción temporal (2018), en Madrid, Observación [in]visible (2019), en el Laboratorio de Arte Joven (LAB) de Murcia, Humor vítreo, sincrónico (2020), en el Palacio de Molina en Cartagena, y, Ajuares (2020), concebida como una residencia artística en el Espacio incógnita de Murcia.

    Juli About

    Galardonada con el prestigioso concurso de talleres de arte francés en su edición de 2015, Juli About descubrió sin embargo la cerámica por casualidad en sus propias palabras. Es a partir de este encuentro fortuito que transforma esta vida cotidiana que todos conocemos en un universo onírico.

    “El trabajo de porcelana”, explica Juli About, “es una forma de hablar de todo el cuerpo. Somos parte del paisaje. El cuerpo es un paisaje dentro de un paisaje. Una especie de exvoto de toda la naturaleza. Por eso cuidar es fundamental; de nosotros, de uno mismo, de cada uno, como fragmento del todo. Es una exploración de lo que nos conecta con el mundo. Cómo el interior y el exterior están en constante conexión”.

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    Julieta Gil

    Julieta Gil (1987) vive y trabaja en la Ciudad de México. Su práctica artística oscila entre el espacio físico y virtual, como una simultaneidad de realidades que se aglomeran de maneras complejas y multidimensionales. En sus obras aborda temas de feminismo, tecnologías subversivas, memoria y ficción. A partir de la digitalización de la existencia matérica, explora la posibilidad de resignificar, reimaginar y reformar nuestro entendimiento de lo que representan las instituciones, el patrimonio cultural y en concreto, los monumentos y escultura públicos.

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    Kaoru Katayama

    Kaoru Katayama es una artista multimedia de origen japonesa afincada en España, que en la actualidad compagina su arte con su labor docente en la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Salamanca. Durante más de una década Katayama ha venido explorando cuestiones relacionadas con su condición de ser extranjera y con el hecho de pertenecer a dos culturas diferentes. Así, el tema de la comunicación e incomunicación siempre ha estado en presente en sus obras. En particular, las obras audiovisuales que se caracterizan por el uso de la comunicación no verbal, donde el movimiento corporal, la música y el sonido se convierten en vehículos transmisores y herramientas de expresión. Esta particularidad se conserva como seña de identidad de sus obras. En los últimos años, ha experimentado una vuelta al dibujo, medio que ha utilizado a principios de su carrera.

    Karen Pazán

    Karen Pazán (Ecuador, 1975). Licenciada en Artes, con mención en Artes Visuales, de la Universidad de Chile. Su obra se ha exhibido en el Museo Nacional de Bellas Artes, con el Capítulo Chileno, organizado por el National Museum of Woman in the Arts, de Washington DC, Museo de Arte Moderno de Chiloé MAM, Centro de Extensión de la Pontificia Universidad Católica, Museo de Arte Contemporáneo MAC, el Centro Cultural de España y el Centro Cultural Estación Mapocho, entre otros; y expuesto individualmente en Galería AFA, Sala de Arte del Mall Plaza Vespucio del proyecto Museo sin Muros (Chile), Sala de Arte Universidad Mayor de Temuco-Chile. En la Feria ARTEBA (Buenos Aires, Argentina), en la II Bienal del Sur: Pueblos en Resistencia, Museo de Arte Contemporáneo (Caracas, Venezuela), en la IV Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Argentina; su obra hace parte de la colección del Programa de Arte de Servicios Generales del Banco Mundial (Washington, D.C).

    Paralelamente, se ha desarrollado académicamente siendo parte del grupo de estudio e investigación del filósofo Hernán Neira (proyecto FONDECYT), y diseñando cursos y diplomados para la Universidad de las Américas, Universidad San Sebastián, Universidad UNIACC, Instituto Arcos e Instituto AIEP, Balmaceda Arte Joven. En UNIACC, en la Escuela de Diseño Gráfico & Multimedia, Diplomado de Dibujo (Electivos), Taller de Representación, en la Escuela de Artes. (2007/2016). Taller de Diseño de Vestuario, Universidad de las Américas (2016/2017). Historia del Arte, Universidad San Sebastián (2014 /2015). Instituto Profesional AIEP, Universidad Andrés Bello, Taller de Diseño, Dibujo, Color, Cultura del Diseño, Relaciones interpersonales, Liderazgo, Emprendedores, Integración, Redacción Publicitaria, Escultura y Poética de la Forma (2007/2018). Instituto Artes y Oficios, Arte Precolombino (2014). Instituto ARCOS, electivo de tipografías (2014/2016). Como mediadora en la Fundación Corpartes, en Balmaceda Arte Joven, y creación de talleres de mediación como Beca Migrante, Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) y, Museo de la Solidaridad Salvador Allende (MSSA) y, Poética Migrante, en la Galería Arte Manquehue (2019).

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    Laura Capote Mercadal

    Laura Capote Mercadal (La Habana, 1991).

    Fotógrafa. Licenciada en Ciencias de la Información en el 2014 y Máster en Gestión del Patrimonio Cultural en 2019 por la Universidad de La Habana, Cuba. Actualmente vive en México.

    En el año 2014 realizó dos exposiciones personales: “Fiebre de Ti”, en la Galería Concha Ferrant e “Infraestructura”, en el Centro Provincial de Artes Plásticas y Diseño. Para el 2013 presentó “Propuesta” en el Centro Cultural Comunitario Belén, mientras que en el 2015 realizó la exposición bipersonal “Dual” con el fotógrafo Duwane Coates en el Salón del Monte del Hotel Ambos Mundos y en la Galería Servando Cabrera Morero. El siguiente año, presentó la exposición “Adentro” en la Fábrica De Arte Cubano y para el 2019 realizó la exposición bipersonal «Expolios, entre la Lucha y la Lima” con el poeta Enzzo Hernández.

    Paralelo a ello, ha participado en exposiciones colectivas como: “Ámbito 21” de la III Jornada de Fotografía Latinoamericana y XVIII Salón de Arte Erótico en el 2012. También en la exposición “La anilla roja” en la Casa de los artistas en el 2013. Ha obtenido premios como el Premio Colateral y Mención en la VII Edición de la Bienal Nacional de Fotografía Alfredo Sarabia in Memoriam en el 2015. Para el 2016 participó en el XXI Salón de la Ciudad “Fantasías, Sueños, Aspiraciones”. En el 2017 estuvo en la exposición colectiva “Transgredir la Utopía” y “Size Matters II” del Noviembre Fotográfico en la Galería Altamira y en el 2018 fue parte de la exposición colectiva “F27” del Centro Cinematográfico ICAI Fresa y Chocolate.

    Su trabajo fotográfico ha sido integrado en Revistas como: LL Journal, Full Frame, C de Cuba, ArtCrónica y en libros como: Sabatierra, Desnudos de todo tiempo, Desnuda como un verso y La Carne Quemada.

    Laura Hernández Pérez

    Laura Hernández Pérez (1993, Valencia). Graduada en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia, realiza un Máster en Producción Artística en la misma universidad. En 2019 desarrolla su Trabajo Final de Máster en Besançon, Francia. Actualmente trabaja diversos géneros pictóricos centrándose en el tema del vacío y el pliegue. Ha expuesto en galerías de Arte como Léucade (Murcia) y ha sido seleccionada en la 3ª y 4ª edición de Keyhole Art Fair.

    Laura V. Wheeler

    Artista visual licenciada en BBAA (UCM) y con Máster de Arte, Creación e Investigación (UCM). Realiza diversos talleres y cursos que orbitan alrededor del arte sonoro, el video arte y el arte vegetal con figuras como Adad Hannah, Hilton Brothers, Arash Moori o Esther Mañas. Premio Joven de la Bienal de Artes Plásticas de Albacete (2010), accésit en el Certamen de Obra Gráfica de la Universidad Complutense (2009) y seleccionada en Descubrimientos PHOTOESPAÑA (2011).
    Madrileña de nacimiento, de padre puertorriqueño y madre estadounidense, Wheeler afirma haber sentido desde niña cierta desorientación al respecto, por sentirse en cierta manera con tres identidades diferentes y al mismo tiempo no sentirse representada en ninguna de ellas. Esta situación ha influenciado directamente en la obra de la artista, quien ha centrado su obra en la investigación, sobre todo a través de la fotografía observacional, de la identidad, el existencialismo y el choque de culturas, en un intento de entender diferentes formas de vivir como extensión de entenderse a sí misma.

    A través de la obra de Wheeler podemos acercarnos sin filtro a las personas que retrata. Su mirada limpia y sin prejuicios pero al mismo tiempo increíblemente estética, nos atrae e inmoviliza. La artista compone sus proyectos a fuego lento y vive el presente a través de su cámara y su obra, paciente, minuciosa, bellísima, sin pretensiones y responsable. Uno de los puntos de excelencia de Wheeler estriba en que es capaz de hacernos mirar sin guiarnos, en crear una obra que produce placer estético sin ocultar el discurso.

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    Laurie Ann Pearsall

    Residente en Mallorca desde 2004, Laurie participa en la comunidad creativa de la isla como artista, escritora y educadora polifacética. Su obra ha sido expuesta en galerías y espacios de exposición alternativos durante más de veinticinco años, en el noreste de Estados Unidos y en Mallorca, España. Esto se complementa con treinta años de enseñanza de artes visuales y veinte años de experiencia como instructor certificado de yoga y meditación. Estas prácticas están plenamente integradas en su evolución como artista visual.

    En 1992 graduó en Bellas Artes (BFA) en el Cooper Union para el Progreso de las Ciencias y el Arte en Nueva York, y en 1995 finalizó un doble máster en Pintura y Educación plástica (MSAE II) en la Escuela de Arte de Massachusetts (Boston, EEUU).

    El proyecto actual de Laurie, Autoephemera, explora los relatos públicos y privados de mujeres y la autorreflexión, autorrealización y autocensura que surgen en el proceso. Sus propias historias de descubrimiento, pérdida, maternidad, y trauma intergeneracional se hacen visibles a través de la desmaterialización de objectos y textos reciclados, que a menudo corta directamente de las páginas de sus diarios. Este proceso ritual de destrucción recodifica las percepciones pasadas en nuevas formas que contienen y liberan la memoria a la vez.

    Los proyectos de instalación, que adoptan formas teatrales de capas, armaduras, tocados y otras prendas, encarnan una gama de alter-egos femeninos. Desde el punto de vista de madre e hija simultáneamente, Laurie transmuta experiencias de dolor por el robo de la inocencia, el cultivo secreto de la vergüenza y la culpa. Además, de los ruegos por la justicia pública y privada, y de la prueba de los parámetros del perdón.

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    Lola Blue

    Lola Blue (Laura Vicente Bonafonte, Zamora 1986). Siempre interesada en el mundo creativo, se zambulle desde niña en varias disciplinas: por un lado, se forma de manera no reglada en el conocimiento de técnicas gráfico-plásticas, y, por otro, en la música, la cual juega un papel fundamental en muchas de sus creaciones a lo largo de su desarrollo artístico. Salta de la pintura a la música y viceversa a lo largo de su niñez y adolescencia, para abandonar durante un tiempo esa formación eminentemente artística y estudiar arquitectura y diseño de producto. Finalmente, vuelve a centrarse en la ilustración y el mundo creativo, compaginándolo con la docencia en la actualidad.

    Emplea en sus obras técnicas clásicas como el acrílico o el collage, pero también otras más actuales como la ilustración digital y en ocasiones la animación. Sus ilustraciones presentan un profundo carácter simbólico, que se mueve entre lo real y lo onírico.

    Trabaja sus composiciones como pequeños relatos visuales con tintes románticos y cierto enfoque surrealista, donde la asociación cromática juega un papel determinante que acompaña a los elementos figurativos, enfatizando las relaciones que se establecen entre ellos.

    En su obra recurre a la representación de elementos de la naturaleza, como flores, aves o serpientes, integrados en entornos donde la atmósfera circundante los envuelve, para que el espectador pueda interpretar el relato visual de forma libre.

    Los objetos cotidianos y la arquitectura son otros de los pilares compositivos fundamentales para la autora, que representa en varias ocasiones a modo de bodegones o de elementos escultóricos, soporte y equilibrio visual de los elementos naturales anteriormente mencionados.

    Entre sus últimas exposiciones destacan la participación en la muestra “55” en el Espacio 2 de la exposición permanente del Museo Etnográfico de Castilla y León y la exposición “Renaceres” en el Centro Cultural Peromato de Zamora.

    Lola Marín

    Licenciada en Bellas Artes, especializándose en escultura (entre Altea, Granada y Pontevedra, gracias a la obtención de dos becas). Obtiene el Certificado de Aptitud Pedagógica, en la Universidad Complutense de Madrid. Y finalmente en esta misma universidad obtiene el título de Doctora en Educación artística y Arte contemporáneo, tesis inscrita en el programa Aplicaciones del arte para la inclusión social: arte, terapia y educación en la diversidad. Completa su formación con talleres y seminarios sobre creación y arte contemporáneo con artistas e historiadores.
    Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en diferentes ciudades españolas. Y ha sido seleccionada en certámenes de arte como XLIII Concurso Nacional de pintura Casimiro Sainz, Cantabria. Gente con talento Cortefiel, Madrid, Incubarte VI Festival internacional, Valencia. Crea Joven Artes Plásticas, Murcia. Espacio menos1, Madrid. VII Concurso Pedro Gilabert, Almería. VIII Premio de escultura Cámara de Comercio, Murcia. Murcia Joven. Festival de Arte Emergente, Murcia y en Novos Valores, Pontevedra.

    Su trabajo artístico ha sido publicado en libros: 365 ilustradas. Mujeres, trans y travestis. Editorial Sudestada, Argentina (2018). Luces de Bohemia de Ramón de Valle-Inclán y Romancero gitano de Federico García Lorca. Ambos editados por Mil coeditores/Blur Ediciones, S.L., Madrid (2017 y 2018). Y en Obituario. Editado por Fundación Málaga (2015). En revistas como: Artist Talk Magazine (Gran Bretaña), Revista Témpera (Brasil), Cielo Sur (México), Principia, Obituario Magazine, 100grados fanzine, entre otras.

    Y su trabajo de investigación teórico puede leerse en Arte, individuo y sociedad y en Arteterapia. Papeles de arteterapia y educación artística para la inclusión social.

    Ha publicado un libro titulado Mis poetas tristes. Más allá de la muerte literaria. Murcia: La Marca Negra; donde explora la vida de poetas, mujeres, que pusieron fin a su existencia voluntariamente.

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    m.e. santiso

    m.e.santiso es una pintora y grabadora nacida en Madrid. En esta ciudad cursó estudios en la Escuela Superior de Restauración y Conservación de Bienes Culturales. En 1998 ingresó en el taller de Grabado y Litografía de San Lorenzo de El Escorial, en el que actualmente ejerce como profesora. Ha realizado diversos cursos monográficos sobre grabado y litografía en la Fundación CIEC de Betanzos (A Coruña); en el Taller de Grabado de Fuendetodos (Zaragoza); en el Círculo de Bellas Artes, la Real Casa de la Moneda y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.

    Desde 2004 posee su propio taller de estampación y ediciones litográficas, y alterna la docencia y la estampación para otros artistas con la realización de su propia obra.

    Ha sido seleccionada en diversos certámenes y ha expuesto en galerías y centros de arte españoles y de otros países.

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    Madeleine Spierer

    Nacida en Trieste, Italia, 1926-2021

    Artista intuitiva.

    Nacida en 1926 en Trieste, Madeleine pertenece a una generación de artistas que, a pesar de haber dedicado toda su vida al arte, por circunstancias de la época, siempre operó en los márgenes del mundo del arte. Su relación con el artista Bram van Velde subraya esta posición ambigua, muy cerca de los núcleos del arte pero lejos a la vez. No es hasta los años noventa, ya con una edad madura, cuando empieza a exponer, principalmente en Ginebra y Basilea.

    Durante su vida, haberse criado en Ginebra (a causa de la segunda Guerra Mundial), viaja mucho a París, Madrid, Oslo y pasa largas temporadas en Nueva York y El Salvador. Durante el año 2013, con 88 años, decide trasladarse a Cataluña para realizar una obra grande y significativa en un piso en la Bisbal. 

    La obra de Spierer siempre ha explorado el eje entre el mundo interior y el mundo exterior, un espacio liminal que indaga desde los 12 años cuando empezó a dibujar y pintar. La instalación comunica esta delicada sensibilidad a la vida y todo lo que conlleva.

    Magdalena Correa

    Mi interés se dirige a explorar aquellos territorios que se encuentran en situación de aislamiento, precariedad y olvido. Lugares donde se desarrolla una forma de vida humana “en precario” que además ha de soportar las fuertes condiciones que impone una naturaleza de gran poderío.
    Me mueve detenerme en aquellos espacios geográficos y humanos, aislados y desconocidos que coexisten de manera habitual a nuestra vida cotidiana, pero que no son objeto de nuestra preocupación porque vivimos instalados en la comodidad y no necesitamos preocuparnos por su existencia. En muchos casos, dadas las dificultades para acceder a ellos, simplemente no figuran en los mapas.

    Mis experiencias con la gente del lugar, el trabajo de campo en estos territorios y las capturas realizadas a través de los soportes con que trabajo: La fotografía y el vídeo me proporcionan una “materia prima” que luego es reelaborada, re-interpretada, desde mi óptica personal, cuya intención es conseguir la sensibilización y reflexión del espectador sobre la vida humana que acontece en estos territorios de difícil acceso.

    En pocas palabras: poner de manifiesto su existencia. Antes de iniciar el desplazamiento, estudio las “localizaciones” en las que me interesa hacer el “trabajo de campo” que a continuación proceso. La convivencia con el paisaje humano y geográfico tiene una duración de un mes como mínimo y las condiciones básicas de alimentación, alojamiento y traslado son facilitadas por los propios habitantes de la zona. El cohabitar con el lugar y sus habitantes, viviendo en las mismas condiciones que ellos, me permite convertirme en uno más del lugar, requisito fundamental para obtener unos resultados comprometidos.

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    Marcela Lobo

    Marcela Lobo (México, 1959). Actualmente, vive y trabaja en Madrid. Artista visual y galerista, sus grandes inquietudes estéticas la estimularon a orientar su formación profesional al ámbito de las artes en sus distintas expresiones. Con una carrera artística donde hibrida varios medios como la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía y la literatura, Marcela Lobo ha definido un estilo muy personal que tiene su sustento en la herencia artística mexicana así como sus nexos con el arte internacional. Actualmente, ha abierto Espacio Lobo, un enclave interdisciplinar que combina como espacio galerístico y sede de su estudio. Su obra se emplaza como un escenario de empoderamiento de la mujer desde su propia práctica artística, así como por los temas que aborda y representa en ella.

    En cuanto a su formación académica se inició con el estudio de diseño, arte y decoración de interiores en la Universidad Motolinía de México, D. F., 1975, e incursionó en el grabado y en la serigrafía en los Talleres Avante de Cancún, Quintana Roo, 1986. Tomó talleres de dibujo de figura humana y se adentró en el campo de la fotografía en el Centro Cultural Arte Contemporáneo México, y de pintura en el taller de Mercedes Escobar, en la Ciudad de México,1993-1999. La trayectoria siempre ascendente de esta artista ha permitido que su búsqueda continua de la perfección estética de su obra siempre esté en una constante renovación, a través del estudio en pro de su lenguaje pictórico y fotográfico. Estudió en la escuela Activa de Fotografía en México D.F. Ha realizado varios viajes fotográficos y masterclass con prestigiosos profesionales como María Cano, José María Mellado y Vladimir Kushnarev. En la docencia ha impartido talleres y cursos de grabado. También dirigió el taller de grabado de Ediciones Mutilarte y el de Monumentos Conmemorativos.

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    Mari Chordà

    Es una artista pionera en la expresión visual de la sexualidad femenina y de la experiencia de la maternidad. Chordà se expresa a través de la pintura y la fotografía. Su obra pictórica forma parte de las colecciones del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). Actualmente está representada por la Galería Mayoral de Barcelona.

    Ha expuesto en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, en el Espacio Bonnemaison (Barcelona), en el Museo Reina Sofía de Madrid y en Lo Pati de Amposta, entre otros espacios. En 2021 estuvo presente en ARCO.

    Por otro lado, es una destacada poeta en lengua catalana. Es autora de los cuentos y poemas Cuaderno del cuerpo y del agua, con dibujos Montse Clavé, una de las primeras publicaciones en Cataluña que describe abiertamente el descubrimiento y la experiencia de la sexualidad lesbiana.
    Muy activa en el feminismo catalán de la década de los años setenta, fue fundadora del local «Hogar» en Amposta (1968) donde se realizaron conciertos de la llamada “Nueva Canción” y actos de reivindicación social y cultural durante el final del franquismo, y cofundadora del espacio LaSal Bar Biblioteca Feminista en la calle Riereta de Barcelona, lugar de recreo, de acogida e intercambio cultural para muchas mujeres desde 1977 hasta 1979.

    Autora de la carpeta de poesía y litografías titulada «…y otras muchas cosas» que circuló de manera anónima en las »Primeras Jornadas Catalanas de la Mujer» en el Paraninfo de la Universidad de Barcelona en 1976.

    Amante del trabajo colectivo entre mujeres, es cofundadora y gestora de LaSal ediciones de las mujeres (1978-1990). También creó e impulsó la Agenda de las mujeres, desde 1978-1990, y con Conxa Llinàs (Las Pumas) la recrearon y mantuvieron entre 1996 y 2009.

    Mari Ito

    Licenciada en Nihonga, estilo tradicional de pintura japonés ha desarrollado trabajos en 2-D y de escultura. La infancia es su leitmotiv. Persiguiendo el tema universal del deseo humano, con su mezcla de felicidad, dolor, rabia y humor, y en particular a través de la imagen recurrente de flores con caras, Mari revela su enfoque característico.

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    María Alcaide

    María Alcaide (Huelva, 1992) centra su trabajo en la precariedad juvenil y en los debates sociales que surgen de la deriva actual de Europa hacia movimientos xenófobos y conservadores. Desde lo más íntimo, Alcaide articula un discurso que parte siempre de la experiencia personal y toma la forma de sus propias limitaciones económicas y espaciales como cuerpo.

    Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, cursó la Licence en Arts Plastiques en la Université París VIII y tiene un Máster de Investigación en Arte y Diseño por Eina-UAB en Barcelona. A nivel internacional, ha mostrado su trabajo en Helsinki (Muu Kaapeli), Berlín (ACUD) o San Francisco (EAS, Reed College). Ha sido premiada en Jeune Création y Salon de Montrouge 64 (París) y también ha disfrutado de varias residencias en Berlín (Agora Collective), Leipzig (LeFugitif) o el Sáhara Occidental (Artifariti). También ha participado en exposiciones en el Centro de Arte Complutense, CAAC, Can Felipa, en la galería Àngels Barcelona, Dilalica, Fran Reus o BlueProject Foundation. Ha recibido el premio de producción de La Caixa y Generación 2021, la beca Injuve y ha realizado residencias en Fabra i Coats-Sant Andreu Contemporani, La Escocesa, Bar Projects, Bilbaoarte o el Centro Andaluz de Creación Contemporánea.

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    María Dolores Gallego

    María Dolores Gallego (1988, Jaén) es artista visual, Doctora en Historia y Artes con Mención Internacional por la Universidad de Granada (España) y miembro de la Unión de Artistas Visuales de Andalucía – UAVA. Licenciada en Bellas Artes y Máster en Producción e Investigación en Arte por la misma universidad. A lo largo de su trayectoria, María Dolores Gallego ha desarrollado un fértil vocabulario abstracto cercano al diseño, siguiendo unos procesos totalmente artesanales. A través del dibujo y la pintura, empleándolos como punto de partida y combinadamente, la creadora escenifica su propio universo de violentos colores y efectos desorientadores, cuyos flujos abiertos tienen continuidad de un formato/elemento a otro creando la ilusión de un cosmos ingrávido y envolvente. Mediante sus obras, la artista representa visualmente aspectos varios de su entorno cotidiano y elementos que le interesan, en lo visual y conceptual. Ha reflexionado visualmente sobre temas en torno a la historia y el arte de su territorio geopolítico de origen llevando a cabo varios proyectos artísticos.

    Ha realizado exhibiciones individuales y colectivas como “Cuerpos Coloreados”, Claustro Archivo Histórico Provincial de Jaén (2018); “Discurso sobre las pasiones del amor”, Galería La Silla Eléctrica, Sevilla (2017); Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla (ARTSevilla 2017). Dentro de los proyectos colectivos: “Mujer y Territorio”, Instituto Andaluz de la Mujer – Sede Provincial de Granada (2019); “Arte Aparte XI”, Centro Cultural de Arte Contemporáneo Juan Francisco Casas de La Carolina, Jaén (2019); “No es solo cuestión de mujeres cuando de hilar se trata”, muestra itinerante por España y Portugal (2018-19) por mencionar algunas de ellas.
    Sus obras integran las colecciones públicas y privadas de España, Grecia, Italia y Omán. María Dolores Gallego ha sido incluida como artista contemporánea en el libro «50 años de artes plásticas en Jaén: creación, medios y espacios (1960-2010)».

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    María Gar

    Graduada en Bellas Artes con dos Máster por la Universidad de Vigo, especialización en Arte Contemporáneo, Creación e Investigación y Dirección en Arte Publicitaria. Obtuvo una beca de movilidad internacional para la escuela de Artes Visuales de la Universidad del Estado de Santa Catarina en Brásil, CEART.

    María Gar ha sido selecionada para participar en Resquicios 2015 Museu Hassis, (Santa Catarina Florianopolis, Brasil). Poeticas do desheno 2015 MESC, (Florianopolis, Santa Catarina Brasil). Novos Valores 2017 “Erosion desplegada” exposición colectiva (Edificio
    Sarmiento, Museo de Pontevedra) publicación de catalógo. Eso sigue su curso 2018 (Sexto Edificio del Museo de Pontevedra) publicación de catálogo. Úndecimo premio Auditorio de Galicia 2019 “De la erosión, la mimesis” (Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela)
    publicación de catálogo. Novos Valores 2019 “Fragmento de una erosión I” (Edificio Sarmiento, Museo de Pontevedra). XV Certámen de Artes plásticas 2019, Centro Cultural Marcos Valcárcel “Erosión desplegada” Acessit (Deputación de Ourense) publicación de
    catálogo. Proyecto Apegadas 2021 “Tramas” (Museo Liste Etnográfico de Vigo). Duodécimo premio Auditorio de Galicia 2021 “Habitarser” (Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela). Xuventude Crea 2021 “Fragmentos de una erosión I,II,III”. Primer Premio Xuventude Crea Artes Plásticas 2021 con “Fragmentos de una erosión I, II, III”, Culturgal 2021 con la Sala de Arte Apostrophe, con “Ausencia de luz, materia y memoria”.

    Actualmente está participando en el Proyecto “Memoria y tierra. Recolectoras” de la Red Museística Provincial de Lugo.

    Colección en Museos. La obra “Dunas” pertenece al acervo del MESC, Santa Catarina Florianopolis desde 2015. Premio acéssit 2019 por la obra “Erosión desplegada” presente en la colección Centro Cultural Marcos Valcárcel en Ourense desde 2019. Primer premio
    Xuventude Crea 2021 Artes Plásticas.

    Mónica Sánchez-Robles

    Mónica Sánchez-Robles es artista multidisciplinar que actualmente reside en Madrid, aunque ha vivido años en Francia e Italia. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en BBAA de Granada, realiza los estudios de doctorado, continúa su formación de fotografía digital en la Escuela de Fotografía EFTI, de Madrid, y realizó su posgraduado en Parsons Paris School of Design en Paris.

    Ha expuesto de manera individual en galerías de España y Francia. Además, ha expuesto de manera colectiva en diversas exposiciones y ferias de Francia, España, Miami, Londres y Suiza.
    Sánchez-Robles colabora en diferentes proyectos con profesionales del diseño y la arquitectura, como el realizado con Patricia Urquiola para la feria del mueble de Milán, o siendo directora de las Master Class de Miami Fashion Week en 2017.

    Su obra está presente en Colecciones de arte institucionales como la Fundación Aragonesa Colección Circa XX Pilar Citoler de Zaragoza, el Centro de Arte de Málaga o la Colección Luciano Benetton Italia.

    Desde 2020 dirige el Centro Cultural Ras de Terra, situado en la comarca de La Vera, en Cáceres, un pionero espacio cultural que aúna la Cultura y la Creación con proyectos sobre regeneración de la tierra y cambio climático, creando así procesos de integración en el ámbito rural.

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    Natalia Auffray

    Natalia Auffray (Madrid 1971) ha vivido mas de 15 años en el campo, desarrollando proyectos de permacultura y uso responsable de la tierra, atendiendo a los usos y desusos del campo, posando la mirada en el colectivo de mujeres rurales, propiciando encuentros informales de costura, dibujo, cerámicam … con una reflexión de base en torno a la reaporpiacion del espacio- tiempo y del lugar que ocupa el cuerpo de la mujer en la sociedad ( Andalucía y Extremadura ).

    Es licenciada en Bellas Artes y compagina su labor creativa con la práctica docente en el ámbito formal y no formal, realizando laboratorios de investigación y experimentación textil y talleres de arte y naturaleza, Realiza intervenciones efímeras en espacios públicos naturales o urbanos, visibilizando su sentipensar.

    Sus intereses residen en torno a los procesos creativos, los materiales recuperados, los objetos encontrados, la memoria, el azar, el tiempo , la naturaleza como maestra vital,, los cuidados de preservación a través de la observación y la experiencia del cuerpo en la acción.

    Su trabajo gira en torno a las relaciones y vínculos que se establecen entre las personas, los objetos y los espacios coupados (activismo ecosocial) .

    Natalia Auffray es artista franco-española multidisciplinar y reside, actualmente, en Madrid.

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    Natalia Romay

    Fotógrafa y collagista argentina afincada en Madrid desde 2002. Licenciada en Producción y Dirección Radial y Televisiva (Comunicación Audiovisual) por la Universidad de Belgrano de Buenos Aires + Máster en Fotografía de Autor y Proyectos Profesionales en Lens Escuela de Artes Visuales de Madrid. Involucrada en diferentes proyectos de difusión de artistas, autoedición, desarrollo de procesos analógicos y enseñanza.

    Co-fundadora del colectivo artístico ‘Ropa Tendida’ dedicado a la creación de fanzines, comercialización del kit de revelado ‘Caffenol’ y realización de talleres como también, comisaria en ‘Mujeres que cortan y pegan’, primera comunidad virtual mundial de mujeres collagistas.

    Comencé a relacionarme con el arte desde mi infancia a través de la música y más tarde de la fotografía. Desde entonces siempre estuve formándome dentro de las artes visuales, experimentando con diferentes técnicas para poder crear mis proyectos y así saciar esa necesidad de expresarme con la que convivo a diario, desde una mirada poética y unas imágenes que inviten a la contemplación. Centro mi trabajo entre la fotografía analógica e instantánea y el collage manual. En lo personal, me interesa la poética de lo cotidiano e intento plasmar ese misterio que me inquieta en proyectos relacionados al hacer manual, donde los procesos tangibles requieren de un tiempo más pausado en la creación y puedo trabajar con mis manos. En mis obras predominan conceptos como el azar, la fragmentación, el entorno y el paisaje, el recuerdo, las sombras y su oscuridad, la nostalgia. Suelo disparar en 35mm y Polaroid con el fin de intervenir las fotografías a modo de collage poético, relacionando la imagen con la palabra, o simplemente dejándome llevar por una deriva fotográfica más experimental, ya que desde hace algunos años revelo mis propios carretes con café para luego positivar y seguir experimentando con el azar en el laboratorio. He participado con mis proyectos en diferentes exposiciones colectivas e individuales en galerías, centros culturales y festivales de España.

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    Paola Martínez Fiterre

    Paola Martínez Fiterre es una artista cubana que se apasionó por la fotografía en 2009. Paola es estudiante del Programa de un año en el Centro Internacional de Fotografía y recibió la Beca de Director. Recientemente también recibió la Beca ICP New Media, que le permite desarrollar su proyecto de graduación. Paola también es estudiante de la Universidad de las Artes (ISA) en el departamento de Artes Visuales de La Habana, Cuba.

    El trabajo de Paola fue seleccionado para el New York Portfolio Review 2018 patrocinado por el New York Times y la Escuela de Graduados de Periodismo de CUNY. También recibió recientemente la Beca ICP New Media. Su trabajo ha sido exhibido en varias galerías, incluida First Street Gallery en Chelsea y Plaxall Gallery en Long Island City. Además, su trabajo se ha exhibido en ciudades como La Habana, San Francisco, Burdeos, Ginebra y Ciudad de México.
    Paola trabajó como fotógrafa para la galería de arte internacional Galleria Continua, que representa a más de 50 de los artistas más reconocidos en Cuba e internacionalmente, incluidos Migelangelo Pistoletto, Daniel Buren y Anish Kapoor. Sus fotografías de artes escénicas, esculturas contemporáneas, discursos de artistas y recepciones de inauguración de exposiciones de arte en Cuba han aparecido en numerosas publicaciones.

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    Paula Artés

    Comprometida en dar a conocer y cuestionar las estructuras de poder y control ocultas a los ciudadanos, Paula Artés es graduada en fotografía y creación contemporánea y realizó un posgrado de diseño gráfico y otro de audiovisual para fotógrafos en Idep Barcelona.

    Partiendo de una investigación previa esencial, utiliza la fotografía como escusa para acceder a estos espacios y cuestionarlos colectivamente. Ha sido asistente de la fotógrafa Tanit Plana, de producción en la editorial RM y studio management de Jordi Bernadó. Actualmente es docente en Idep.

    En 2021 el proyecto Firma, se expuso en el festival Lumínic, en Sant Cugat del Vallès, en Can Basté, Barcelona, dentro de Art Photo Bcn y en la Fundación Mapfre Guanarteme Tenerife, dentro de la bienal FotoNoviembre y en el IEI de Lleida, dentro de la bienal LARVA. En el 2022 en la Fundación Mapfre Guanarteme de Las Palmas de Gran Canaria, con la UCA de Cádiz publicará su segundo fotolibro y en 3 centros cívicos de Barcelona dentro de Temporals del ICUB.

    En 2021 ha sido invitada por el Santa Mònica a crear una documentación fotográfica del proceso de creación de los artistas invitados en el primer ciclo de 4 meses del nuevo programa.

    Con sus proyectos de investigación ha sido seleccionada el Descubrimientos Photoespaña en 2016, en SCAN Photobooks, Sala d’Art Jove Producción e Investigación, Unseen Dummy Award, Athens Photo Festival, Viphoto Fest, Lab Fiebre Photobook y Art Photo Bcn entre otros.

    “Fuerzas y cuerpos” autoeditado con la ayuda de la creación de un crowdfunding. Se ha expuesto en Belfast Photo Festival, Unseen Amsterdam, PhotoEspaña, SCAN Photobooks y Athenes Photo Festival, entre otros. A finales de 2019 realizó su primera residencia de artistas en el HISK de Bélgica durante un mes, donde empezó la investigación del proyecto Ejes del poder (in)visible.

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    Paula Bladimirsquy

    Paula Bladimirsquy es artista visual y docente Argentina. Nace en Buenos Aires en 1968. Reside en su casa taller en San Isidro, Buenos Aires.

    Estudió Artes Combinadas en la UBA (1996-1998) y Arte Dramático en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Buenos Aires (1987-1989). Se formó en los talleres de Alejandra Roux (2015), Ariel Mlynarzewicz (2008-2014) y Carlos Vera (2005-2007).

    Realizó clínicas de obra con Fabiana Barreda, Sergio Bazán, Laura Messing, Diana Aisenberg, Martín Kovensky, Mónica van Asperen, Carolina Baulo y María Lightowler.

    Expuso, de manera individual, en Mundo Nuevo Gallery Art (Buenos Aires, 2021), Fundación Ramseyer Dayer (Santa Fe, 2021), Museo Provincial de Bellas Artes René Bruseau (Chaco, 2019), Casa de la Cultura de La Paz (Entre Ríos, 2018). Ganó premios en el Salón Nacional de Pintura Vicentín (Santa Fe, 2019), Salón Anual de Artistas de Tigre (Buenos Aires, 2018 y 2019), V Salón de Arte Textil de la SAAP (Buenos Aires, 2013), Salón de Pintura Grupo Allianz (Buenos Aires, 2011).

    Participó en ferias nacionales e internacionales de Buenos Aires, Los Ángeles, París y Tokio entre otras.

    Sus obras integran colecciones privadas e institucionales como Mundo Nuevo Gallery Art, de Buenos Aires, Museo de Bellas Artes de Chaco, Casa de la Cultura de La Paz-Entre Ríos, Colección Vicentín, Colección Sancor Seguros sede Sunchales, Santa Fe.

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    Paula Rubio Infante

    Paula Rubio Infante (Carabanchel, Madrid, 1977) es una artista visual cuyas obras parten de un trabajo previo de investigación registrado con fotografías. A vista de pájaro toda su trayectoria gira en torno al sujeto y al poder, trabajando en series que relatan historias cargadas de un gran imaginario poético y simbología.

    En la trilogía “Come mierda” (2010), Premio ARCO Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas; “La luz se propaga en el vacío” (2011), Premiada por Generación 2012 Caja Madrid Obra Social/Fundación Montemadrid; y “Los trapos sucios se lavan en casa” (2011), Paula crea imágenes para la memoria, reflexionando sobre las víctimas del franquismo y el sistema penal español.

    El último proyecto de Paula es la serie “Esto es un agujero”. Serie que describe el sistema disciplinario de los centros penitenciarios y sanatorios psiquiátricos penitenciarios españoles desde los 70 y 80 (vigilaban y castigaban a los presos) hasta hoy (reeducan y reinsertan, artículo 25 de La Constitución Española); y analiza los mecanismos de poder que controlan al recluso.

    “El sol está triste” simboliza el dolor de los presos y enfermos/presos recluidos en espacios divisorios.
    “La puerta cangreja” facilita la visibilidad del preso en la celda.
    «Solo yo» es una reproducción de una estructura de Carabanchel que servía para contener el paso de los internos e impedía el intercambio de objetos.
    La instalación que recrea al «Departamento de agitados» revela la inestabilidad anímica de sus internos.
    “El sonido de la justicia” insufla vida al antiguo penal de Carabanchel emulando el sonido del agua.
    “Esto es un agujero”, procede de un testimonio que recogió la Asociación Española de Neuropsiquiatría en 1985 mientras realizaba una visita de evaluación a las instalaciones del Sanatorio Psiquiátrico Penitenciario de Carabanchel. Durante la visita, uno de los enfermos/presos exhortó exasperado “Esto no es un sanatorio, es un agujero”.

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    Paula Valdeón Lemus

    Nació en Villafranca de los Barros, Badajoz. Estudió Bellas Artes en Salamanca y el Máster de Investigación en Arte en Madrid: ciudad donde vive y trabaja actualmente. Su trabajo viene dado por un interés en cómo administramos lo decorativo en nuestras viviendas y en la arquitectura. La cultura material urbana le sirve de estímulo para crear una obra que atraviesa la memoria y la estética de lo cotidiano. Sus intervenciones plásticas en lo ya conocido tienen el objetivo de recuperar la visión plástica que desprende el conjunto de elementos y material destinado a crear privacidades: invitando a mirar y leer de una manera diferente en nuestro pasear.

    Desde una obra que reformula patrones y diseños industriales bajo la utilización de lo artesanal, Paula quiere activar la afectividad y sensibilidad que desprende todo este material urbano: materializar la experiencia cotidiana siguiendo la línea de acariciar con la mirada, y dar a conocer la cualidad háptica de lo que acompaña a la arquitectura. Concretamente, sus piezas se traducen como entes contenedores de la memoria y los afectos de los materiales utilizados en la práctica de habitar, interviniendo en el espacio a partir de una experiencia plástica y sensible.

    Puri Díaz Freire

    Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona en la especialidad de Imagen.

    Título de Capacidad Investigadora dentro del programa de doctorado: Fotografía y Vídeo del departamento de imagen de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona.

    Becada en la UNIVERSITY OF BRISTOL dentro del departamento de imagen.

    Cofundadora y editora en Demente Ediciones, editorial especializada en el diseño y la promoción de fotolibros (www.dementeediciones.com).

    Cofundadora del colectivo Fvck desde donde se promueve el debate y la difusión de la cultura fotográfica a través de la organización y el comisariado de exposiciones, talleres y charlas fotográficas.

    Talleres con: Claudi Gilbert . Enric de Santos, Alberto García Alix, Juan Manuel Castro Prieto, Nelson Garrido, Wilson Prada.

    Seleccionada por GeoMag Cube Art, junto a otros cinco creadores, para realizar una pieza tutorizada por Juan Manuel Castro Prieto que se expuso en la Feria de Arte Contemporáneo JUSTMAD 2021

    Trabajo con imágenes, principalmente fotográficas, propias y apropiadas que manipulo y subvierto para dar forma a piezas que buscan desafiar quien se enfrenta a ellas. No comparto la idea autoría tal y como se entiende tradicionalmente en el mundo del arte, es por ello que en mis piezas la línea entre lo que me es propio y lo que es apropiado está totalmente desdibujada.

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    Raquel Algaba

    Raquel Algaba trabaja las disciplinas de la escultura y el dibujo para hablar de la fragilidad y la vulnerabilidad del ser humano. Buscando materializar una transferencia del pensamiento al papel a través del dibujo, crea entornos donde los personajes se funden con el espacio, adquiriendo con frecuencia la forma de un fragmento arquitectónico u objetual, que se antropomorfiza. Construcciones tridimensionales o bidimensionales que pertenecen a un entorno donde el teatro, lo virtual y el mito nos hablan de un individuo contemporáneo en permanente fragmentación.

    Máster de Investigación en Arte 2017 y graduada en Bellas Artes 2015 por la Universidad Complutense de Madrid, entre los premios que ha recibido cabe destacar Premio de adquisición Certamen Colección UMH (2021), Accésit Premio Nacional de arte ArtNalón (2020), Beca de residencia para jóvenes creadores de la Comunidad de Madrid (2020), Ayudas para la producción de proyectos artísticos en la fundación BilbaoArte (2020), Ayudas para la investigación, creación y producción artística en el campo de las artes visuales Ministerio de Cultura y Deportes (2020), Premio de adquisición Colección TMF JustMad XX (2019), Muestra de arte contemporáneo Dmencia XXI (2019), Beca Resistenciès Artistiques GVA (2019), Programa Galerías_La cárcel de Segovia Centro de Creación (2019), Beca de residencia y producción de proyectos artísticos de la fundación BilbaoArte (2018), Premio de adquisición OpenCall galería A del Arte (2017), Convocatoria de proyectos noveles AlNorte XVI (2017), o ProjectArte II convocatoria para proyectos expositivos (2017). Participa con su trabajo en ferias de arte españolas como  JustMad, ArtMadrid o Getxarte.

    Se ha seleccionado su trabajo en premios como XXXVII Muestra de Arte Joven La Rioja (2021), Premio de artes plásticas Sala El Brocense XXIV (2021), XIV Premio de Artes Plásticas La Rural (2021), Hybrid Petit Palace (2019), XVIII Encuentros de Arte Contemporáneo de Alicante (2018), o el Call Fresh Legs de la galería Heike Arndt Berlin (2017). Su obra ha estado expuesta en distintas instituciones de España, Alemania, Japón, Dinamarca, Italia, Tanzania, Zambia, Taiwan, Mexico o Canada, entre otros. 

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    Sara Biassu

    Zaragoza, 1980. Biassu es artista multidisciplinar, especializada a lo largo de su trayectoria en la escultura cerámica, sin dejar de lado los medios audiovisuales y la pintura, así como otras disciplinas entre las que destaca el grabado.

    Biassu investiga y experimenta en base a la visibilidad de lo intangible, buscando armonía entre fuerza y debilidad, entre caos y serenidad.

    Entre sus premios destacan el Primer Premio en el XI Certamen de Artes Plásticas “José Lapayese Bruna”, del Centro de Estudios del Jiloca; Premio “Ampliación y Perfeccionamiento de Estudios Artísticos”, de la Diputación Provincial de Zaragoza; I Mención Especial del Jurado en el XV Concurso de Cerámica “Ciudad de Valladolid”; Accésit en el X Concurso Internacional de Artes Plásticas “Universidad de Zaragoza”, de la Universidad de Zaragoza; Mención de Honor en el XXIV Premio de Arte “Santa Isabel de Aragón, Reina de Portugal” y Accésit en su XXIX Edición, de la Diputación Provincial de Zaragoza.

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    Sol Arguindegui

    Licenciada en Artes visuales, con especialización en dibujo, por la Universidad Nacional de las Artes y Realizadora escenográfica por el Instituto Superior de Artes Dramáticos del Teatro Colón; ha ejercido como pintora, ilustradora y docente. Ha participado en residencias de centros como Utopía en Barcelona y Tabacalera en Madrid. Así mismo, ha participado en exposiciones colectivas e individuales en diferentes galerías de la ciudad condal.

    Ganadora del primer premio del concurso de pintura de la Fundació Festa Major de Gràcia y del segundo premio de pintura de la Academia Taure.

    Actualmente, vive en Barcelona, donde combina su trabajo de ceramista, ilustradora, docente y madre.

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    Tamara García

    Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y diplomada en Conservación y Restauración de Obras de Arte, completa su formación en la Berkeley Academy de California y el Programa Eurodyssée del Centro de Estudios, Conservación y Restauración de las Azores.

    Ha recibido el Premio de Artes Plásticas del Gobierno de Cantabria en 2020, así como el Premio Joven Valor de Cantabria y el Primer Premio en las categorías de instalación y fotografía del Certamen Nacional de Arte Pancho Cossío en 2013 y 2015. En 2016 es becada por la Fundación BilbaoArte y en 2017 por Nau’Estruch y Orbital Residency en la Fábrica de Creación L’Estruch de Sabadell. Artista multidisciplinar, ha mostrado su obra en propuestas individuales y colectivas en diferentes exposiciones, encuentros y festivales nacionales internacionales. Pertenece al grupo de música electrónica, artes visuales y nuevas tecnologías La Uca y realiza performances audiovisuales como parte del dúo Söon i Noki. Forma parte asimismo de diferentes colectivas como el Centro Cultural Europeo Eureka o la Comisión de Cultura de la Asamblea Feminista Abierta de Santander.

    Interesada en los procesos creativos y en la experimentación multidisciplinar, trabaja desde lo cotidiano, lo doméstico y lo aprehendido analizando el tejido de nuestras relaciones sociales, políticas y culturales e indagando cómo se conforman y modifican mediante leyes no escritas, costumbres y tradiciones.

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    Tania García

    Artísta multidisciplinar, mediadora artística y cultural que transita entre las prácticas artísticas contemporáneas y la educación experimental.

    A través de proyectos, con una mirada activista y enfocada en acercar la cultura contemporánea a todo ciudadano, propiciando la producción de cultura y conocimiento de manera colectiva y con una acción transformadora.

    Se crió entre España, Portugal y Estados Unidos, y reside en Santa Cruz de Tenerife desde 2003. Licenciada en Bellas Artes y máster en Filosofía Cultural y Sociedad por la Universidad de La Laguna, su actividad se ha desarrollado en dos campos interconectados: por un lado su trayectoria como artista, vinculando su obra con lo relacional y por su trabajo en la gestión cultural.

    Entre sus muestras de performance más destacadas encontramos ADA, Festival de Acciones (2008, Oporto); Desórdenes, en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife (2009, Tenerife); 6 cuerpos, Primer Encuentro Internacional de Performance (2009, Murcia); Arte de acción, en Octubre Centro de Cultura Contemporánea (2010, Valencia); Encuentro de danza, en el Teatro Victoria (2010, Tenerife); CulturArt, en La Tabacalera, Centro Cultural autogestionado (2013, Madrid); Festival PAO Performance Art (2016, Oslo); y 5º Encuentro de Performance, Música y Vídeo, Cuerpo a Cuerpo, en el Centro de Arte La Regenta (2019, Las Palmas de Gran Canaria). Ha participado en exposiciones como Inefable, en el Club Natación Metropole (2018, Las Palmas de Gran Canaria); Relatos (in)visibles, en la Fundación Mapfre Guanarteme (2016, Las Palmas de Gran Canaria); Tradición forzada, en el Museo Cristóbal Gabarrón (2016, Mula, Murcia); Head in the clouds, en Mary Ward Centre (2011, Londres).

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    Valeria Real

    Valeria Real (1980) artista fotógrafa y realizadora audiovisual nacida en Patagonia, Argentina. Vive y trabaja en Madrid.

    Sus obras están compuestas por imágenes visualmente abstractas y combinando diferentes soportes plásticos e instalaciones. En ellas busca como artista, dirigir la mirada hacia una ventana guiada por los colores, las texturas, el movimiento interactuando con el espacio, realizando trabajos interdisciplinarios.

    La materia Agua, la motiva permanentemente a trabajar con instituciones científicas para el estudio e investigaciones de sus proyectos fotográficos.

    En 2020 completó una Maestría en Gestión de Proyectos y Fotografía Internacional en EFTI.
    Fue invitada a participar:
    2021. Seleccionada para el Festival Off Photo España 2021 con el proyecto “ Comprender la Materia”.
    2020. Participación de la Muestra Colectiva “… Y la vida imita al arte”, en Galería Factoría de Arte y Desarrollo en Madrid. España.
    2019. Fue convocada por la Cumbre Global de Discapacidad Argentina para participar con la serie ‘’Recreo’’ realizada en Braille. Argentina.
    Participación en la muestra “Conjugando”, en Ateneo Grand Splending- Buenos Aires. Argentina.
    Participaciones expositivas con el proyecto “Post Océanos”:
    -Scope Art Fair en Miami. Estados Unidos.
    -Aqua Art Fair en Miami. Estados Unidos.
    -Buenos Aires Photo Art Fair. Argentina.
    2018. Exposición individual “Recreo” en la Fundación Artepar, una muestra inclusiva con alto compromiso social. Argentina.
    Exposición ‘’Recreo’’ en Aqua Art Miami, como artista representada por GALLERyLABS. Estados Unidos.
    Exposición Colectiva “Latin American Exhibit”, New Haven. Estados Unidos.
    2017. Presentación de ‘’Magic Park’’ en la Fundación Esteban Lisa de la Ciudad de Buenos Aires. Argentina.
    Presentación de ‘’Magic Park’ ’en el Museo Municipal de Artes Visuales de Trelew en Chubut. Argentina.

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    Victoria Villasana

    Victoria Villasana (nacida en Guadalajara, México) es una artista textil, interesada en la historia, la cultura y cómo las personas se relacionan entre sí en un mundo fragmentado post-digital. El dinamismo de su trabajo proviene de la forma en que el hilo se deja sin cortar, muy por debajo del marco, dándole una estética surrealista que refleja la importancia de la aceptación al cambio, la evolución y la imperfección.

    Después de estudiar diseño en México, se mudó a Londres, donde trabajó en la industria de la moda.

    Comenzó a hacer collages de bordados en imágenes como pasatiempo. A través de la geometría de patrones y el color, teje historias para expresar la capacidad de recuperación y creatividad del espíritu humano.

    Después de pasar más de una década en Londres, se dio a conocer en la comunidad del arte callejero por sus obras culturales y la fusión de tradición y vanguardia.

    Actualmente reside en México e Inglaterra y continúa explorando este medio a través de instalaciones, proyectos sociales, trabajo editorial, colaboraciones con artistas, marcas y galerías.

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    Viki Herreros