ARTISTAS IX MMM

Abigail Lazkoz

Abigail Lazkoz es una pintora y dibujante nacida en Bilbao en 1972. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en 1990 y doctorada en el Departamento de Pintura de la misma. A finales de los 90 y principios de los 2000 se formará en diferentes países y recibirá diferentes becas como la de Creación Artística de la Diputación Foral de Bizkaia (2001), la de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín, Santander (2002) y la Beca Endesa para Artes Plásticas (2003).

En 1998 realiza su primera exposición individual, Fan Club Collection 1: Sam Sheppard, en la AKA-Arriola Kultur Aretoa en Elorrio (Bizkaia) y en el año 2000 Participa en la XVI Muestra de Arte Joven organizada por el Instituto Nacional de la Juventud (Injuve) en Madrid. Durante estos años expone también en Bilbao Arte, la ABEL Neue Kunst de Berlín, en Werkraum Modula Bucholz, Denklingen de Múnich y en La Casa Encendida de Madrid.

Durante un tiempo vivirá entre Bilbao y Nueva York y en este último expondrá en diversos lugares como la galería Momenta Art, la galería Monye Rowe, el P.S.1 del MoMA, en el Queens Museum of Art, en el Instituto Cervantes de Nueva York, en el Parker’s Box de Brooklyn y la Andrew Freedman Home en The Bronx.

En 2006 logra el Primer Premio en el certamen Gure Artea 2006 otorgado por el Gobierno Vasco y en 2007 participa en las exposiciones colectivas Chacun à son goût, en el Museo Guggenheim Bilbao, Existencias en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) de León entre otras.

Sus obras forman parte de galerías vascas como Galería Marzana, habiendo realizado allí tres exposiciones individuales entre 2008 y 2021, de colecciones como las de Domus Artium 2002 (DA2) de Salamanca, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) en León, Museo Guggenheim Bilbao etc. Sus últimos proyectos y exposiciones individuales han sido Abigail Lazkoz. Antología del desajuste adverbial. Galería Bacelos, Madrid. Plasticidad maladaptativa. Centro de Arte Caja de Burgos, Burgos. Parajes incultos. Museo ABC, Madrid. Biodôme. Centro Cultural Tafalla Kulturgunea, Navarra. Erebo, dentro del proyecto “Mapamundistas” en el horno de la Ciudadela de Pamplona.

Clemencia Labin

Clemencia Labin es una pintora y artista de performance nacida en Maracaibo, Venezuela en 1946, y actualmente reside en Hamburgo. En 1970 se traslada a Nueva York a realizar sus estudios en Columbia University, de donde recibe su Bachelor of Arts (B.A.) y en 1974 su Master en Business Administration (M.B.A.). Un año más tarde, se traslada a Alemania, y de 1985 a 1990 realiza estudios en la HfbK o Academia de Arte de Hamburgo con los profesores Kai Sudeck, Franz E. Walther y Sigmar Polke. En el año 2000 inicia y organiza el proyecto “Velada Santa Lucía” en su ciudad natal, Maracaibo, el cual “promueve el reconocimiento sociocultural de una comunidad que acoge a un grupo de artistas nacionales e internacionales, experimentando un encuentro entre el arte y la comunidad”. Tras realizar la Velada por trece años consecutivos -convirtiéndose en referencia artística nacional e internacional- cierra el ciclo en 2013 y termina el festival de arte con una Gran Velada Final y la participación de más de 400 creadores. En 2011 representó a Venezuela en la 54a edición de la Bienal de Venecia.

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Deborah Elenter

Nace en Montevideo, 1978. Se forma originalmente en ingeniería química en la Universidad de la República en Uruguay y obtiene una maestría en ingeniería ambiental en University of Illinois at Urbana-Champaign (USA). En 2013 comienza su carrera artística especializándose en fotografía y posteriormente en artes visuales.

Estudió con fotógrafos nacionales y europeos y desde 2019 participa de la formación permanente de la Fundación de Arte Contemporáneo (FAC). Fue coordinadora del Laboratorio de Creación de Proyectos Fotograficos Personales “LUGAR” junto a Diego Vidart y Pablo Guidali. Su obra fue expuesta en varios museos e instituciones recibiendo reconocimiento tanto local como internacional. Regularmente participa como docente invitada en talleres de fotografía y como jurado en convocatorias relacionadas a la fotografía.

En 2016 participa de la muestra colectiva de LUGAR con su proyecto Puérpera. En 2017 es finalista en el Festival de Fotografía Errante, y recibe una beca denla Asylum Arts Foundation (NY, USA) por su proyecto OSHER, expuesto en el 2018 en San José Foto y en la Feria de Fotolibros de Argentina (FELIFA). En 2018 es premiada con los Fondos Concursables (MEC) por su proyecto Puérpera. En 2019 es seleccionada por la Fundación Itaú Cultural para recibir apoyo financiero. En 2020 participó con Puérpera de la 36a Temporada del Espacio de Arte Contemporáneo en Montevideo, y en el Angkor Photo Festival (Cambodia). En 2019 publica su fotolibro “OSHER” y su obra HERIDA resulta finalista del 59o Premio Nacional de Artes Visuales “Margaret Whyte”.

En 2021 fue artista seleccionada para el programa de mentorías del Instituto Nacional de Artes Visuales. En 2022 participa del Festival Internacional de Fotografía MUFF, con sede en el Centro de Fotografía de Montevideo. Fue seleccionada para formar parte del proyecto de acompañamiento a artistas (2022) por parte de la galería ZOCO a cargo de María Pía Susaeta y Catalina Bunge.

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Frances Gallardo Varela

Frances Gallardo nació en San Juan, en 1984. Obtuvo su bachillerato en artes plásticas en la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Río Piedras, en 2008. Desde entonces, su trabajo examina la complejidad histórica, cultural y geopolítica del paisaje meteorológico caribeño a través de un lente crítico y eco-poético. Tras una enriquecedora experiencia en el museo-biblioteca La Casa del Libro (San Juan), se trasladó a Nueva York, donde tomó cursos de dibujo y pintura en The Art Students’ League y empezó a incursionar en la técnica del calado en papel y el collage. También aprendió técnicas tradicionales y experimentales como artista residente del Centro para las Artes del Libro, de Nueva York.

En el 2016 Gallardo recibió su grado de maestría en artes visuales en Cornell University, donde fue galardonada con el prestigioso Charles Baskerville Award por su proyecto de tesis, “Landings/Lift-off“ (Vieques). Continuó su desarrollo en residencias como La Práctica, Beta-Local (San Juan), Latin American Roaming Art (Ciudad de Panamá) y Caribbean Linked (Oranjestad). Tuvo su primera muestra personal, “Meteoro”, en el Instituto de Cultura Puertorriqueña, San Juan, seguida por “Meteorology” en The Torpedo Factory, Virginia.

Participó en numerosas muestras colectivas en instituciones nacionales e internacionales, entre ellas, el Whitney Museum of American Art (Nueva York), Pérez Art Museum (Miami), Museum of Latin American Art (Los Ángeles), Seattle Art Museum (Seattle), Ponce + Robles (Madrid), Ancestral Temple Art Museum (Pekín) y KUMU Art Museum (Tallin). En el 2019 completó su primer proyecto de arte público permanente, “Line to Line”, comisionado por la Metropolitan Transportation Authority de la ciudad de Nueva York. Asimismo, su obra aparece en múltiples publicaciones como Hyperallergic, Small Axe, Art Nexus, La Ventana, Creative Boom, Garage, Aftershocks of Disaster (portada) y The Puerto Rico Review (portada). Su trabajo se encuentra en colecciones públicas y privadas como el Rollins Museum of Art, el Museo de Arte de Puerto Rico, la Universidad de Purdue y el Banco de la Reserva Federal de Nueva York.

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Gabriela Aberastury

Gabriela Aberastury Nació en Buenos Aires en 1943. Es hija de la pedagoga Fedora Aberastury quien fue la creadora del Sistema consciente para la técnica del movimiento y de Marcelo Aberastury. Vivió hasta los diez años en Nueva York y residió en Alemania entre 1967-70, a este último país regresa cada año invitada como profesora de grabado en la ciudad de Kassel.

Es Profesora egresada Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Obtuvo la beca otorgada por el Fondo Nacional de las Artes (1966), la beca de Kassel de Pintura y Grabado (Alemania, 1967-70) y la beca Daad Litografía (Alemania, 1990).

Se ha desempeñado como Directora de AXA – Taller Litográfico, Profesora de Bellas Artes y Directora Artística de Radio Clásica de Buenos Aires, Argentina.2​

Ha realizado ilustraciones para ediciones de obras de importantes escritores: 16 Poemas, de André Breton (1973-4); Antología, de Alfonsina Storni (1976-7); El Bautismo, de Miguel Ángel Semán (1982); Ficciones y El Aleph de Jorge Luis Borges (1986) y Campo nuestro, de Oliverio Girondo (1986).

Vive y trabaja en Buenos Aires donde actualmente es directora del taller Aberastury.

Sus numerosas muestras individuales se vienen desarrollado desde 1966.

Gala Mirissa

Gala Mirissa es una de las mejores artistas digitales del siglo XXI, convirtiéndose en la primera representante femenina global del arte criptográfico. Destaca por ser una mujer luchadora y trabajadora, desde el principio ha visto como sus obras han sido admiradas desde el sector internacional.

En la actualidad, se ha convertido en un referente para las mujeres diseñadoras del sector digital y criptográfico. Antes de introducirse en el sector de arte criptográfico, trabajó en el arte digital animando obras de pintores reconocidos y fotógrafos para exhibiciones o campañas publicitarias.

Se encarga de realizar diseños propios en combinación con la realidad virtualizada, generando composiciones mixtas que se convierten en obras artísticas conectadas a los NFTs. A su vez, esta artista destaca por ser una persona versátil en continuo aprendizaje vinculada con la fotomanipulación, inteligencia artificial, generative art, animaciones 3D hasta cinemagraphs. Para generar trabajos artísticos comprometidos desde una mirada feminista vinculada con la lucha de la igualdad de género como visualizamos en su colección artística Painful (2021).

Además, es la única artista de NFTs que participa en una película de Hollywood «Fresh Kills», dirigida por Jennifer Esposito. A través de la venta de sus obras digitales recaudó financiación suficiente para grabar dicha producción cinematográfica. Diseñando Freedom NFT ultra raros para la filmación por valor de 300.000 dólares. Por consiguiente, se encuentra entre las ventas brutas más altas en el registro de clasificación de NFT por Cryptoart.io. A su vez, Gala creó el primer NFT para la revista ELLE en el año 2022.

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Josefina Madariaga

Josefina Madariaga nació en Mercedes Corrientes. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la UNA, con orientación en Dibujo.

Realizó el programa de artistas Glamart 2022, Mango 2022, clínica de obra con Verónica Gómez 2019-2020 , Marcelo Pelissier y Lucas Marín 2019. Taller de Escritura creativa con Silvia Gurfein 2019. Seminario “Anatomía visual comparada” a cargo de Pablo La Padula en La Ira de Dios 2017. Workshop “Pintando con Golucho” a cargo de Miguel Ángel Mayo en Barcelona, España 2016. Workshop “De la imagen al concepto” dictado por Juan Doffo, Museo de la Cárcova, 2016. Taller “De Da Vinci a De Caro” por Eduardo Stupía Univerisdad Torcuato Di Tella 2014. Pasó por los talleres particulares de Fernando O’Connor 2014, Alejandro Boim 2011-2012, Hector Destefanis 2009-2012.

Dentro de sus exposiciones individuales más importantes se destacan “El otro Lado” en el Banco Nación Galería Alejandro Bustillo 2017, “El Otro lado” en el Consulado Argentino en Barcelona España 2019. Muestra Virtual Mita’í Litoral, en la UNNE, Dirección Fernanda Toccalino, Corrientes Capital, 2020 Participo de las siguientes Exposiciones grupales más relevantes, Imaginería Femenina en La Tabacalera en Madrid, España, junto a Sol Arguindegui , 2019. Dibujo lo que hiere o libera, con curaduría de Marcelo Pelissier, en Walter, casa de artistas, 2019.

Participación como pintora en: Ulises inmigrante, Una fantasía gráfica de Eduardo Stupía, Centro de Arte contemporáneo, Sede Hotel de los Inmigrantes, Muntref. 2018 “Imitación de la vida” en Galería Pasaje 17 con curaduría de Eduardo Stupía y Victoria Piazza, 2016 Recibió el Premio Adquisición del Banco Provincia de Corrientes en Arteco 2022 y el Premio adquisición del Museo Vidal de la Provincia de Corrientes Arteco 2021 , Premio Graduado Salón Prilidiano Pueyrredón 2018, de la UNA. Mención al artista correntino, Salón Mesopotámico Curuzú Cuatiá 2012.

Quedo seleccionada en el Concurso 16° Uade Artes Visuales, 2021. Salón Nacional de Artes Visuales, 102° y 108° Edición, Casa del Bicentenario 2019, Palais de Glace 2013. Selección en el Premio UNNE para las Artes Visuales Provincia de Corrientes, 2019. Selección en la 58° y 61º edición del Salón Manuel Belgrano, Disciplina Dibujo 2016 y 2013. Participo de la siguientes publicaciones, Una forma de dibujar la incertidumbre Entrevista por Carlos Lescano Diario Litoral, 2020. Dibujo Contemporáneo en la Argentina, Libro digital, Autores Eduardo Stupía y Cintia Mezza, equipo Editorial Olga Martinez, Natalia Silberleib, participación con varios dibujos, 2015. Es gestora junto a Gastón Silveira de Distrito Once-circuito de Arte Independiente.

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Juana González

“Mis pinturas son puestas en escena de composición barroca y teatral. Escenarios en los que los personajes están involucrados en una historia. Hay narración, pero incompleta. Son fragmentos de una historia en la que no sé exactamente lo que está ocurriendo, y tampoco quiero saberlo. Deseo quedarme en ese estado de confusión e incertidumbre que puede provocar la contemplación de una escena misteriosa. T ampoco son un sinsentido absoluto. Eso no me interesa. Considero que hay suficientes elementos como para construir posibles narraciones, dependiendo de la forma de mirar de cada uno. De esta manera el espectador entra en el juego de intentar leer el significado, de entender o descubrir.”

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Judith Romero

Fotógrafa y diseñadora editorial. Coordina la galería de fotografía Resplandor (en Oaxaca), la cual dirige desde 2015 —enfocada a la difusión de fotografía latinoamericana. Realiza proyectos de fotografía documental, desde hace 15 años, enfocándose en temáticas sociales con perspectiva de género; también le ha interesado explorar aspectos vinculados al cuerpo, las identidades y las decisiones (políticas) que asumen las mujeres frente a los mandatos sociales.

Ha realizado investigaciones y trabajos documentales en comunidades indígenas, afromexicanas y mestizas, principalmente en regiones de Oaxaca. Ha diseñado libros especializados en arte, literatura, investigación social y fotografía, así como diversas colecciones de libros para instituciones académicas. Estudió fotografía de manera autodidacta, egresó de la UABJO y estudió, en el área de posgrado la “Especialización en Fotografía y Ciencias Sociales: Investigación, Intervención y Producción”, en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires (UBA), además de cursar diplomados y talleres de fotografía en el Centro de las Artes San Agustín, Etla (CaSa) y en el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo (CFMAB).

Recientemente fue seleccionada en la convocaria “Fuera de FOCO: Fotografía y Derechos Humanos, 2022”, por el Centro de la Imagen, la Dirección General de Derechos Humanos, la Suprema Corte de Justicia de la Nación y la Secretaría de Cultura para realizar el proyecto fotográfico “Afrovalerianos. Memoria, territorio y alteridad”.

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Laura Segura

Licenciada en Bellas Artes con Máster en producción e investigación en arte por la Universidad de Granada. Se ha especializado en cerámica, indumentaria y en diseño gráfico.

Le han concedido varias becas y premios, en los que podemos destacar más recientemente las becas “Festival ArtSur” en Montemayor o el Festival de las Flores “Calles en Flor, Cuentos Infantiles” en Córdoba, y los premios “Encuentro de Arte Nacional Selpia Contemporánea” en Navas del Selpillar o el “Premio a la creación artística” de la Diputación de Granada, entre otros.

Actualmente ha realizado en el Palacio Condes de Gabia de Granada la exposición individual “Desenvuelto de la envoltura” y ha sido participe en D-Mencia, Doña Mencia con el proyecto “…como la nuez que se redondea en su cáscara”. En las exposiciones colectivas señalamos las más actuales como el “Premio Cerco” en el Museo de Teruel, “Málaga Crea artes visuales” en el CAC de Málaga o el “XVII Premio Internacional Certamen Bienal Cerámica Contemporánea” de Zaragoza. Aunque estas hayan sido las más recientes Laura tiene un recorrido expositivo bastante amplio que comienza en el 2010 y que prosigue en la actualidad. Sus obras han sido adquiridas por varias colecciones privadas y entidades públicas en las que podemos destacar la Diputación de Granada, la Fundación Valparaíso, la Asociación Cultural Arrabal & Cía o la Universidad de Granada.

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Liliana Porter

Liliana Porter es una de las más destacadas artistas argentinas. Nació en 1941 y se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en la Universidad Iberoamericana de la ciudad de México. Desde 1964 reside en la ciudad de Nueva York, ciudad en la que su obra adquirió una proyección internacional.

Sus trabajos incluyen diferentes técnicas y materiales: grabados, dibujos, obras sobre tela, fotografías, instalaciones, teatro, video, cine y arte público.

La obra de Porter ha sido exhibida en El Museo Tamayo, México DF; el Museo de Arte Blanton, Austin, TX; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires, Argentina; y en Nueva York en el Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney de Arte Americano y el New Museum. Porter ha obtenido numerosos premios y reconomientos: la beca Guggenheim en 1980; tres becas de la Fundación para las Artes de Nueva York (1985, 1996, 1999); la Beca Regional del Atlántico Medio/NEA (1994); y siete premios de investigación PSC-CUNY (de 1994 a 2004). Fue profesora en Queens College hasta 2007.

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Mari Gemma De La Cruz

Artista visual desde 2016, cuando a los 53 años se inició en la fotografía y la poesía visual. Nacida en Porto Alegre en 1962, vive en Cuiabá, donde desarrolló una mirada que define ser ‘biopsicosoocioambiental’ y que impregna su producción artística.

Antes, Farmacéutica Industrial, Master en Salud y Medio Ambiente, docente e investigadora enfocada en plantas medicinales y educación ambiental, empezó a asistir a cursos libres y se convirtió en fotógrafa.

Ha realizado trabajos con poesía, autorretratos, fotoperfomance e intervenciones en espacios urbanos o naturales con temáticas de profunda raíz emocional y dolorosa, siempre ligadas al feminismo y las cuestiones socioambientales.

Premios: Primer lugar en la categoría multimedia de FESTFOTO POA 2022; Primero lugar Concurso de Fotografía Feminista PERSPEKTIV_A 2022, Austria; Segiundo lugar en el Concurso Internacional de Artes Visuales HuellArts Digital 2021, España; Premio MTARTES 2021 Artes Visuales).

Exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales: Festival Hercule Florence (2021), Foto em Pauta Tiradentes (2020), Bienal Black Brasil (2019 y 2021), Festival Internacional FestFoto Bolivia (2018) y FestFoto Porto Alegre (2018, 2022). Publicado en revistas y libros. Fue seleccionado en convocatorias estatales y municipales para desarrollar proyectos con exposiciones e instalaciones fotográficas.

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María Meijide

Artista plástica especializada en pintura figurativa de gran formato, cuadernos de viajes, piezas de texto y cartografías ilustradas. Su trabajo es vivo, colorista y de trazo autobiográfico: Comer, beber, amar!

Esta producción artística trabaja en contra de la idea de grandeza y está enraizada en el presente. Habitualmente, acompaña sus exposiciones de publicaciones que transitan del proceso pictórico a una noción de texto, y su trayectoria muestra un continuo de proyectos de recorrido nacional e internacional.

En cuanto a formación, es licenciada en BBAA, en la especialidad de pintura, por la universidad de Sevilla (2003), con un máster en Pintura, por la universidad de BBAA de Lisboa en el 2012, con la tesina de título: ‘Intimidades propias y ajenas. Sobre la pintura de escenas de interior’ En el 2020 edita ‘Galipop’, una pieza de diseño y pintura sobre Galicia en formato desplegable.

Ha publicado también dos cuadernos de viaje internacionales: ‘De Ushuaia a la Quiaca’ (Librería Lila, Santiago de Compostela 2017) y ‘De Kuala Lumpur a Beijing’ ( CGAC, Santiago de Compostela 2015). En el 2014 edita una cartografía emocional de Compostela presentada en la Fundación Granell, que a día de hoy, se ha convertido en un clásico. Destaca entre los méritos recientes de su carrera el primer premio ‘Jesús Núñez’ de Arte Gráfica, edición XVI, A Coruña, 2021.

Actualmente está embarcada en un proyecto de nombre: ‘Autobiografía cuantificada o qué difícil es ser María Meijide’, una pieza de texto que indaga en los mismos intereses que la voz pictórica, trasladando ese retrato del presente, íntimo y vivo, a otros formatos. Esta pieza de texto acaba de ser publicada por Tulipa Editora en Noviembre de 2022.

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María Rosa Aránega Navarro

María Rosa Aránega Navarro (Almería, 1995). Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Máster de Cultura de Paz, Educación, Conflictos y Derechos Humanos por la Universidad de Córdoba.

Ha expuesto individualmente en Espacio Lavadero (Granada, 2018), Centro Andaluz de Fotografía (Almería, 2019, Centre del Carme (Valencia, 2020), Centro García Lorca (Granada, 2021), en Navel Art (Madrid, 2021) y Facultad de Bellas Artes Alonso Cano (Granada, 2022).

Ha sido seleccionada en becas de producción y residencias como beca AlRaso (El Valle, Granada, 2018), I Encuentro Andaluz de Creación Fotográfica (Almería, 2018), beca de producción BITE of Art (Serbia, 2020), FACBA21 (Granada, 2020), en el XI Encontro de Artistas Novos (Santiago de Compostela, 2021), Fundación Antonio Gala (Córdoba, 2019), Propuestas 2021 VEGAP (Madrid, 2021), Los Tientos (Granada, 2022), Ey! Studio a través de Acción Cultural Española (Madrid, 2022) y beca de residencia 2021-2022 del Ayuntamiento de Madrid para para creadores y artistas en la Residencia de Estudiantes de Madrid.

Su trabajo explora en las relaciones entre Historia, política, género, identidad cultural, transmisión intergeneracional y la memoria familiar y colectiva de la violencia política y estructural del pasado español, en especial de la Guerra Civil Española y la dictadura franquista.

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Mariela A. Porras Chaverri

Mariela A. Porras-Chaverri Lidera proyectos de investigación transdisciplinaria para el estudio de aspectos sociales de la producción de conocimiento académico, el estudio comparativo del argot profesional en las áreas de Artes y Ciencias, el uso de aprendizaje sensorial en la enseñanza de la Física, y en temáticas varias relacionadas a la Física Médica Computacional.

Hace pintura, performance y arte conceptual en la relación Arte-Ciencia, con acompañamiento curatorial para el concepto de sus obras y el registro emocional de las mismas desde un punto de vista feminista.

Su última exposición «Mamografías de una mujer que no existe» (_Temporal, Costa Rica, 2022) refleja los procesos subjetivos que una mujer vive desde el discurso científico patriarcal, tanto como mujer-científica a quien se le invalida la subjetividad como fuente de conocimiento, así como mujer-cuerpo de estudio en el tema de la investigación en mamografías.

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Nieves Correa

Nieves Correa comienza su carrera a finales de los años ochenta y desde entonces ha participado en festivales y exposiciones en Europa fundamentalmente pero también en Canadá, Ecuador, Argentina, Uruguay y Japón. Su obra plástica tiene como punto de arranque generalmente un “proceso performativo” en el que el cuerpo, el espacio y el tiempo están presentes.

En la mayoría de sus piezas utiliza la fotografía en relación a su cuerpo, un cuerpo que siente y muestra fragmentado, en diálogo con elementos y materiales que ha utilizado y modificado en sus obras en vivo.

Ha recibido las Ayudas a la creación en Artes Visuales de la Comunidad de Madrid en 2021 y 2018, la Beca de la Fundación Castilla y León por la provincia de Segovia en 2019 así como las Ayudas Barcelona Producció 2019 – 2020 para Proyectos en Vivo, en 2014 el Danish Arts Foundation Research Grant (Dinamarca) y en 2003 el Premio Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid.

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Paloma de la Cruz

Vive en Madrid donde acaba de participar por segundo año en la «Feria Estampa» y, por tercer año consecutivo, en la Feria Internacional ARCO 22. El próximo mes de mayo participará también en ARCOLisboa.

Actualmente se encuentra realizando el Doctorado en la Universidad del País Vasco y cursó sus estudios en Bellas Artes en la Facultad de Málaga (2014) donde, posteriormente, realizó el Máster en Producción Artística Interdisciplinar (2016).

Además de ser Artista Residente en el «Centro de Arte Contemporáneo de Córdoba» (2019) ha disfrutado de estancias como «Térmica Creadores», (Málaga, 2019); «Ifitry Residence» (Marruecos, 2022) o “Contextile” (Oporto, 2022).

Ha realizado individuales como “Nadie sabe lo que puede un cuerpo” (Galería T20, Murcia 2022); «Arquitecturas Palpitantes» (Centro Párraga, Murcia 2021) o «Clausa corpora» (Espacio INICIARTE Córdoba, 2019).

Además de en diferentes certámenes y exposiciones colectivas, como «New entries» (Galería T20, Murcia); el «XXI Premio EL Brocense» (Sala de Exposiciones El Brocense. Cáceres, 2018) donde obtuvo uno de los premios de adquisición de obra; «Descripcción de un estado físico» (Galería Elba benítez, Madrid 2021); «NEIGHBOURS IV» (Centro Arte Contemporáneo Málaga, 2018); «XVIII Encuentro Artistas Contemporáneos (Museo Universidad Alicante»,2018) donde fue finalista o «MálagaCrea 2019» (Centro Arte Contemporáneo Málaga, 2019) donde obtuvo primer premio.

Su obra forma parte de colecciones entre las que se encuentran CAC Málaga, Colección DKV o Vans.

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Pilar Boullosa

Mi trabajo actual gira en torno a la Naturaleza, definiéndola como la armonía del conjunto de los seres vivos y la materia inerte. Mi foco se sitúa sobre la especie humana y su relación con la misma, una conexión marcada por el impacto social, en la que la demanda de recursos de los seres humanos perpetúa una transformación constante sobre la Tierra, corrompiendo su equilibrio vital y abocando a la misma hacia un destino incierto.

Busco representar los éxitos y fracasos de la humanidad como colectivo y especie, determinados por su nivel de responsabilidad social y ecológica dentro del contexto de la globalización.

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Regina José Galindo

Regina José Galindo (Guatemala, 1974) Es una artística visual y poeta, quien utiliza como medio principal la performance. Galindo vive y trabaja en Guatemala, utilizando su propio contexto como punto de incio para explorar y denunciar las implicaciones éticas de la violencia social y las injusticias relacionadas a la discriminación racial y de género, así como los abusos a los derechos humanos provenientes de las desiguardades endémicas en las relaciones de poder de las sociedades contemporanias.

Galindo, es, en palabras de Loris Romano “ una artista que presiona más allá de sus propios límites, a través de performance radicales, inquietantes, y éticamente incómodos.” Galindo recibió el Premio León de Oro a la mejor artista joven en la 51ª Bienal de Venecia (2005) por su trabajo “¿Quién puede borrar las huellas?” e “Himenoplastia”, dos piezas cruciales de sus obras que critican la violencia guatemalteca proveniente de conceptos erróneos de la moral, así como de violencia de género, mientras exige la restitución de la memoria y la humanidad de las víctimas. En 2011 recibió el Premio Príncipe Claus de los Países Bajos por su capacidad para transformar la injusticia y la indignación en actos públicos que exigen respuesta.

Regina participó en la 49, 53 y 54 Bienales de Venecia; Documenta 14 en Atenas y Kassel, en la 9ª Bienal Internacional de Cuenca, la 29ª Bienal de Artes Gráficas de Ljubljana, la Bienal de Shanghai (2016), la bienal de Pontevedra (2010), la 17ª Bienal de Sidney, la 2ª Bienal de Moscú, la 1ª Trienal de Auckland, La Exposición Venecia-Estambul, La 1ª Bienal de Arte y Arquitectura de las Islas Canarias, la 4ª Bienal de Valencia, la 3ª Bienal de Albania, la 2ª Bienal de Praga, y la 3ª Bienal de Lima.

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Rosita D’Agrosa

Nacida en 1989, originaria de la provincia de Salerno, vive y trabaja en Florencia. En 2009 se traslada a España para realizar el curso de pintura mural en la Universidad de Lleida. En 2012 obtuvo la licenciatura de cuatro años en pintura y en 2015 el título de especialista en Artes Visuales y Nuevos Lenguajes Expresivos en la Academia de Bellas Artes de Florencia.

En 2014, todavía en Florencia, asistió al curso anual de especialización en gráficos e impresión artística en la Fundación Il Bisonte, una escuela internacional de artes gráficas.

En 2015 funda Cartavetra Luogo per le arti, junto a otros tres artistas donde imparte cursos de mix media, arte textil, técnicas de grabado no tóxico y estampación experimental. Gran parte de su investigación artística se centra en el cuerpo, concretamente en su cuerpo, un cuerpo femenino, en un intento de hacer de este último un retrato de una intimidad libre y profunda.

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Soledad Córdoba

Soledad Córdoba (Avilés, 1977), artista, madre y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. A través de la poética de la imagen su obra explora los territorios donde confluyen las fronteras de la realidad y la ficción. En sus últimos proyectos indaga en el dolor, los procesos de sanación y los estados del alma.

En muchos de sus trabajos está presente la naturaleza a través de paisajes que invitan a la reflexión. Su formación e investigación artística ha sido apoyada a través de becas como Beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales 2017 de la Fundación BBVA y estancias con residencia en París (Cité Internationale Universitaire de París), Londres (TATE Britain, The Hyman Kreitman Research Centre), Madrid (Casa de Velázquez) y Barcelona (Hangar, Centre de produció d’arts visuals i multimédia).

Su trayectoria artística está avalada por diversos premios cabe resaltar, primer premio de Fotografía El Cultural del diario El Mundo, primer premio de Artes Plásticas de la Fundación UCM, Certamen de Artes Plásticas de la UNED o tercer premio de fotografía de la Fundación Enaire. Su trabajo se ha mostrado en exposiciones individuales y colectivas a nivel internacional y nacional, entre los que destacan, King Juan Carlos I Center New York University (EEUU), Nagasaki Prefectural Museum (Japón), Silk Road Gallery Teherán (Irán), el Instituto Cervantes de Chicago, Alburquerque, Roma, Nápoles, Palermo, Bucarest, Belgrado, Tetuán, Fez, Rabat y Casa Blanca, la Embajada de España en Washington DC (EEUU), Centro Niemeyer (Avilés), Museo de Bellas Artes de Asturias, Museo Barjola (Gijón), Laboral Centro de Arte y Creación Industrial (Gijón), el Círculo de Bellas Artes de Madrid, La casa Encendida (Madrid), Espacio Cultural Conde Duque (Madrid).

Ha participado en ferias internacionales como ARCO, ZONA MACO (México), MIA Photo Fair Milán, Art Lima, Art Chicó Bogotá, JustMad, Arte Lisboa, FotoFever París, Madrid Foto o Estampa.

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Veronica Fogg

Nació en Rosario, Santa Fe el 9 de enero de 1968 Se recibe con el título de Técnica Superior en Publicidad recibida en la Universidad de Ciencias Empresariales y Sociales, (UCES) 1989 y Paisajista, en Instituto Argentino de Paisajismo (IAP) 1992. E

xposiciones Colectivas: 2022: Galería Margian; 2022: Espacio Interpoloba; 2020: Muestra “Las Puertas del Cielo” en Sala Imán, Fundación Cazadores; 2019: Muestra “Ando buscando a Alguien”, Sala Imán, Fundación Cazadores; 2020: Galería MAMAN, muestra Arte FUNDACIÓN RIVER; 2017: Sociedad Rural Argentina, Congreso CREA, Instalación mural; 2015: Por la 1.11.14, Centro Cultural Recoleta Fundación Unidos para Amar; 2014: OPEN ARTS Norcenter; 2014: SOÑARTE, Hipódromo San Isidro; 2013: La Recova; 2009-2010: Fundación Potencialidades, UCA; 2006:”Alcancía Argentina” COW PARADE Buenos Aires, Puerto Madero; 2004-2003: Círculo Integración Audiovisual, Edmund Valladares; 2000: Centro Exposiciones Costa Salguero; 1998-1997: Museo Histórico Ejército Argentino; 1994: Museo de Arte Decorativo

Ha realizado varios murales para: Más Monumental River Plate, Crea, Casa Foa (Museo Inmigrantes), Patronato de la Infancia, entre otros Obtiene los premios y menciones: 2022: Obra “Pensando” Centro Argentino de Arte Textil, Muestra “Géneros y Derechos, 2020: ”Obra “Zona Liberada” Fundación Potencialidades, Jurado: Elisa Insua Realizó las siguientes Clínicas y talleres: 2022 Seminario Activación Creativa con Andrea Basmagi y Lucía Warck–Meister desde The Art Lab; 2022 Clínica con Leila Tschop; 2020 Seminarios con Lucia Warck-Meister; 2020 y 2019: Fundación Cazadores, Clínica con Sergio Bazan; 2018: UNA, Clínica con Manuel Amestoy; 2018-2017: Taller de dibujo con Fernando O,Connor; 2013-2016: Taller de pintura con Sergio Bazan; 2005: Taller Juan Doffo; 2007-2005: Investigación del Lenguaje Plástico Fotográfico con Edmund Valladares; 2002-2005: Fundamentos Visuales, con Alberto Delmonte; 1987-1999: Taller intensivo con Remo Bianchedi /Miguel Ocampo, La Cumbre, Córdoba; 1993: Taller de mural y pintura con Ricardo Cinalli, Londres, Gran Bretaña Actualmente trabaja su producción de obra, proyecto Serie Invertebradas (esculturas, instalación) para próxima exposición, alternando en su estudio en Buenos Aires, y en pcia de Santa Fe, dicta talleres y cursos en su espacio fogg-arte

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