viernes, octubre 30, 2020

    Artistas VI MMM

    Las artistas, las grandes protagonistas de MMM

    Desde el primer momento quisimos que la selección de artistas y disciplinas fuera exclusivamente de las participantes. Así, todas ellas, blogueras, comunicadoras, periodistas, gestoras de espacios de arte, comisarias, museólogas, teóricas, historiadoras, coleccionistas, críticas, galeristas…han llevado a cabo su elección de forma completamente libre. 
    El resultado es, año tras año, la prueba de que no nos equivocamos en el planteamiento.

    En esta VI edición contamos con 51 artistas, comprometidas y empoderadas. 

     
    Alexandra Rodríguez Rey

    Alexandra Rodríguez Rey (Pontevedra, 1993) es una artista, investigadora y gestora cultural que comprende el arte como una herramienta necesaria y transformadora para la sociedad. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo y con un Máster en Arte Contemporánea creación e investigación por la Universidad de Vigo, actualmente está cursando un Máster en Valoración y Gestión del Patrimonio Cultural. Alexandra ha sido seleccionada para el certamen “Novos Valores 2019” (Museo de Pontevedra, 2019), el EAN9, Encuentro de Artistas novos Cidade da Cultura (Santiago de Compostela, 2019), la “III Bienal internacional de Arte Gaia (Vilanova de Gaia, 2019) y el Certamen Plastika18 (Sala X, Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, 2019) en el cual recibió un accésit. También ha participado en residencias artísticas como “Residencia de Creadores Festival Sin Sal 2019”, “Arte, naturaleza e territorio, II Residencia de creadores emerxentes” y “Interaccións Artísticas en Galicia” Pazo Mariñán, Diputación da Coruña (2019). Como gestora cultural ha desarrollado proyectos cuturales socialmente comprometidos con la mujer como “Fío e agulla. Tecendo historias” en el ayuntamiento de O Grove o “Una de cada tres” con la asociación de mujeres artistas Blanco Negro y Magenta, de la que es miembro de la junta directiva, trabajando para la visibilización de la figura de la mujer artista a través de proyectos expositivos, tertulias y publicaciones, con el fin de ponerla en valor y generar cuestionamientos en torno a todos los tipos de violencia, desde el maltrato hacia personas dependientes, desde la enfermedad, el abandono, etc. Entre sus exposiciones más recientes destacan: “Espazo Arte Contemporánea” Culturgal 2019, “12-25/71-84” Espacio anexo Apos ́trophe.arte, “ Se me olvidó que te olvidé” Universitat de Valencia, “Novos valores 2019” Museo de Pontevedra, “Festival SinSal” Museo do Mar de Vigo, “En tierra de hombres” exposición solidaria AFundación Vigo, “A Exposición” Museo de Pontevedra, “III Bienal internacional de Arte Gaia” Vilanova de Gaia, “Sororidades” Museo etnográfico de Vigo, Fundación Liste, ”Educación en crise” Casa das Campás Universidade de Vigo, ”Voilá la Femme” Ateneo de Santa Cecilia, “Plastika18” Sala X Facultad de Bellas Artes Pontevedra, ”Iso segue o seu curso” Pazo da Cultura de Pontevedra.

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    Alicia Framis

    Alicia Framis (1967 Barcelona, residente entre Ámsterdam y Madrid) es una artista multidisciplinar cuya práctica combina arquitectura, diseño, moda y performance. Actualmente es directora de un programa de máster en el Instituto Sandberg en Amsterdam(MA program at the Sandberg Institute in Amsterdam, Países Bajos). Framis representó a los Países Bajos en el Pabellón Holandés en la 50a Bienal de Venecia (2003). Tiene obra permanente en Nueva York (obra escultórica), Atomium Brusels (obra arquitectónica) o Shanghai (Arte e obra arquitectónica), entre otros lugares. Su trabajo ha sido presentado en la 2ª Bienal de Berlín (2001), en Performa 09 New York (2009) o en la Manifesta 2 Luxemburg (1998). Y su obra fue incluida en numerosas colecciones permanentes, como las de FRAC Lorraine (Francia), la del Museo Migros für Gegenwartskunst (Suiza), la del Museo Boijmans van Beuningen (Países Bajos), la de MUSAC de Castilla y León (España) o la del Stedelijk Museum Amsterdam (Países Bajos), entre otros. Entre sus últimas exposiciones y proyectos individuais podemos destacar: “Leave here your fears”, en Cidade da Cultura, Santiago de Compostela (2019); “Pabellón de género”, en Sala Alcalá 31 (2018); “Forbidden Collections”, en Upstream Gallery, Amsterdam, Países Bajos (2018); “Lenguajes invisibles”, en Galería Juana de Aizpuru, Madrid (2018) y en Kunsthalle Nürnberg, Alemania (2017); “Statements”, en Stedelijk Museum Amsterdam, Países Bajos (2017); “ Land Project”, Rirkrit Tiravanija, Chiang Mai, Thailand (2017); “Everyday Sunshine”, Horrach Moya Gallery, Mallorca (2016); “I’m in the wrong place to be real, 3bisf”, en Aix-en Provence, Francia (2015); “Framis in Progress”, MUSAC, Léon (2014); “Forbidden Rooms”, en Annet Gelink Gallery, Amsterdam, Países Bajos (2014); “Framis in Progress”, en CC Brugge, Bélxica (2014); “Chambre des livres Interdites”, en Picasso Museum, Niza, Francia (2014); “Framis in Progress”, en Galerie im Taxispalais, Innsbruck, Austria (2013); “Framis in Progress”, en Museum Arnhem, Países Bajos (2013); “Cinema Solo”, en La Frac Haute-Normandie, Rouen, Francia (2012), etc.

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    Ana Esmith

    Ana Esmith, (Madrid, 1976), es licenciada en Periodismo por la UCM y diplomada en Arte Dramático por la International Drama School Philippe Gaulier en Londres. Allí reside durante más de 15 años creando sus propios espectáculos que representa en la agitada escena del cabaret londinense. A su vez, trabaja para diversas compañías de teatro inglesas realizando cuatro extensas giras europeas representando los grandes clásicos españoles. Su formación periodística y artística se unen de la mano en el campo de la performance con Miss Beige, una exploración en un trabajo no verbal. Los rituales de la apariencia, la estética del artificio y la reflexión sobre el género forman parte del trasfondo conceptual de su trabajo donde libera la imagen de la feminidad entendida como construcción cultural basada en convenciones arbitrarias, impuestas a lo largo de los siglos. Desde su creación en 2016 Miss Beige se ha paseado por importantes ferias y festivales nacionales e internacionales como JustMad, Hybrid, MARTE, Desvelarte, Noche blanca de Oviedo, SURGE, Chrom-Art, La Encartada Moda, el Centro Dramático Nacional y el festival de cine RIZOMA en su última edición dedicada al Doppelganger. A ello se suma la exposición monográfica “Miss Beige a la vista” en la Galería Iskoo y su participación en el II Gabinete de Resistencia, y cuatro instalaciones performáticas “La Miss Beige de MichelAngelo”, “Maison Beige, la familia crece”, “En la cama con Miss Beige” y “Se Nota, Se Siente, el Beige es Incluyente”. Actualmente reside entre Londres y Madrid.

    Ana Marcos

    Ana Marcos es una artista multidisciplinar que desde el arte contemporáneo intenta establecer vínculos entre la práctica artística y la tecnología. Sus proyectos de investigación combinan su perfil técnico y artístico. Es Ingeniera Técnico Industrial (UPM) y grada en BBAA (UCM) y ha expuesto sus proyectos en diversos Centros de Arte en España y otros países. Desde 2012 codirige el colectivo 3DInteractivo, un grupo formado por artistas e ingenieros que busca, a través de la investigación artística, una comprensión más profunda de la relación entre arte-ciencia- tecnología. Ganadora del I Premio de Creación Contemporánea MCIP dentro del proyecto Versionadas de Las que habitan, actualmente está realizando el proyecto beca que otorga la Fundación Villalar de las Cortes de Castilla y León. Los trabajos de Ana Marcos se enmarcan en una variedad de medios, desde la pintura a la fotografía y más recientemente en instalaciones interactivas y videoinstalaciones. Las temáticas que trata son varias como la reflexión sobre los cuerpos, la naturaleza misma de las imágenes, las diversas realidades o la violencia de género, todo ello planteado y realizado desde una perspectiva de género. Entre sus trabajos, destacar algunos como “SORRY for not being” an object (2009-2012), una instalación que propone una reflexión sobre las apariencias y los arquetipos que construyen hoy en día los conceptos de belleza e identidad de la mujer y de la relación entre la percepción que tiene la mujer de sí misma y su adaptación y aceptación a/por la sociedad; “ZARA, Mango, Benetton y otras bolsas del montón” que utiliza materiales reciclados del entorno del hogar y del shopping (espacios asociados a las mujeres) como bolsas, embalaje de productos de limpieza, etc, para componer un lenguaje que inspire la siguiente afirmación: “La mujer debe ser el sujeto de su propia mirada y no el objeto de mirada”; “scenarios DEMODÉ” que reflexiona sobre cómo los espectaculares escenarios de los desfiles de moda son la atmósfera ideal para vender unos cánones estéticos tan imposibles como deseados ya que construyen hoy en día los conceptos de éxito y belleza y por ende de identidad; “Borra, rasca, sale!” en el que, a partir de carteles publicitarios, reflexiona sobre cómo la violencia actúa en el terreno simbólico y sobre las consecuencias para varias generaciones que tiene la publicidad sexista.

    Angie Jon

    Angie Jon trabaja en el taller de la Escuela de Arte de Tarragona. Se ha introducido repentinamente en el mundo del arte y de la pintura, cuando nunca en su país y por su situación familiar y económica se lo habían permitido hacer. Ahora desde la edad adulta y emigrada por muchos lugares del mundo ha descubierto esa pasión . Peluquera de profesión y en activo, combina sus pluriempleos con los estudios en arte y ahora con la mirada puesta en Oslo para estudiar un Máster en materiales, lo que realmente le apasiona, crear a través de la búsqueda del material adecuado, que le permita hablar con sus piezas.


    Bárbara Traver López de Ayala

    Bárbara Tráver López de Ayala (Madrid, 1992). Desde los nueve años residido en varios lugares de España y fuera de ésta. Actualmente mi base está entre Madrid – Valencia (España). En 2014 me instalé en Valencia para estudiar en la escuela Espai d’art fotogràfic y finalicé en 2017 con el Máster en Fotografía: Creación y Producción. A finales del 2017 me mudé en Madrid para realizar el curso «Creatividad y estrategias en fotografía contemporánea» en la escuela de EFTI. El verano del 2018 asistí a workshops como el de Antoine d’Agata y trabajé como fotógrafa en el Imperial Collage en Londres. Ese mismo año gané la beca EFTI en el festival de Albarracín para realizar el curso de fotoperiodismo, y presenté el trabajo “, te quiere, mamá” en el XIX Seminario de Fotografía y Fotoperiodismo del Albarracín. He realizado exposiciones colectivas en la Galería Cero (España, 2014) o en la Galería Officine Fotografiche (Roma, 2016), e individuales en la Sala Espai d’art fotogràfic o en la sala cultural de CC Pati Llimona en el festival Art Photo Bcn (España, 2019 ). He ganado varios concursos como el de Nikon Photo Contest (Japón, 2015) o el de Photo Festival Benidorm RETRATO (España, 2017), entre otros. También he publicado dos fotolibros: «Retrato» y «Human», ganado la beca de EFTI en el festival ArtPhotoBcn (España, 2017) y la beca EFTI de Albarracín del Seminario de fotoperiodismo (España, 2018), además de ser invitada en el proyecto «Un mundo paralelo» (España, 2017) comisariado por Joan Fontcuberta, y participado en varias ferias como la de Photobook Festival (España, 2017- 2018), Cultur3 Club (España, 2018) o Utopia Markets (España, 2018). Desde hace dos años, soy docente e imparto charlas en seminarios de fotografía en la Universidad Rey Juan Carlos de Aranjuez (España, 2018) o en el festival “Jornadas invisibles” de Córdoba (España, 2018).

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    Breza Cecchini Ríu

    Breza Cecchini Ríu (Oviedo, 1976), se forma en la Escuela de Arte de Oviedo en las especialidades de escultura y grabado obteniendo un reconocimiento en la misma por su proyecto fin de carrera. Simultáneamente se forma en pintura, tanto en el estudio de José Luis Pantaleón como en la Fundación Sta. María de Albarracín de la mano de un equipo de profesores de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Ha expuesto en Asturias de manera individual y colectiva en numerosas ocasiones en galerías como Espacio Líquido, Texu, Dos Ajolotes, Galería Lucía Dueñas… y en el ámbito institucional en Casa Duró, Laboral Centro de Arte, en el Museo Barjola de la mano de la comisaria Natalia García Fernández y en la Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de El Franco bajo comisariado de Natalia Alonso Arduengo. En ámbito nacional ha participado en ferias como ARCO y Estampa e internacionalmente ha expuesto en Bélgica y en la Delegación del Principado de Asturias en Lorient. A lo largo de su carrero ha sido seleccionada y premiada en varias convocatorias, destacando en sus inicios, el premio a jóvenes creadores de la Calcografía Nacional y Academia de Bellas Artes de San Fernando. Además disfrutó de una beca en la Fundación Joan Miró para más tarde formar parte de la Cátedra de pintura de Albacete dirigida por el artista Antonio López. Tiene obra en colecciones de gran prestigio tanto públicas como privadas.

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    Carla Spinoza Torrico



    Carla Spinoza Torrico (Cochabamba, Bolivia) Socióloga de formación, fotógrafa, artista visual y master en Estudios Visuales. El arte territorio de las micro-utopías Allí donde identifico problematicas sociales hay un principio de obra, considero la investigación como un viaje de compromiso artístico, una experiencia cuya elaboración pase por el propio cuerpo; Otredad, identidad, cuerpo, y violencia, son conceptos que perfilan mi búsqueda artística.

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    Carmen Chacón

    Carmen Chacón (A Coruña 1954) es una artista plástica multidisciplinar, cuyo trabajo ha discurrido en constante revisión evolutiva durante las últimas cuatro décadas. Una vez abandonada la figuración onírica de sus comienzos (1982-84) su trabajo la llevará a una deconstrucción de la imagen. En un primer término, la figuración todavía podía reconocerse entre los fragmentos, pero pronto comenzará a tomar protagonismo la línea, que adquiere una función marcada y clara, abarcando espacios externos al cuadro-pertenecientes al lugar expositivo-que obligaban a reposar la vista y quedar atrapado en lo intangible, en un blanco vacío. Sin embargo, dicho espacio- tal vez su propio vacío- era fructífero, evidenciando su papel como lugar blanco y libre para la reflexión y reconocer lo que no se muestra. En su obra de esta etapa se integran además una serie de instalaciones y objetos ready-made así como la utilización de la caja, que permanecerá casi omnipresente como objeto en todas sus obras y exposiciones hasta la actualidad. De este juego de la línea que ata y se expande-en busca de un espacio donde exista un vacío en plenitud para el alma- surge el espacio interno de vacío que practica en la actualidad el ser humano y ella tiene la suerte de reconocerlo y habitarlo. La obra de Carmen Chacón reflexiona sobre una de nuestras múltiples facetas: La total ignorancia y desprecio por lo que nos rodea y nos acoge, incluidos nuestros semejantes, léase la mujer, y por supuesto, todo lo que consideramos inferior, como la naturaleza. Ya que no somos conscientes de que vivimos- lo cual es lamentable-sobre una superficie viva y en constante evolución, que puede hacernos desaparecer en un abrir y cerrar de ojos. La Exposición «One Way» ha sido presentada por primera vez en 2017 en el MAC. Fernándo Centeno López de Genalguacil continúa la narrativa de género y su influencia en su vida y en nuestras vidas. Esta reflexión la artista se sirve de la psicología del Carl Jung para reinterpretar a través de instalaciones, pintura y dibujos una historia que, según la propia artista, tiene una segunda lectura mucho más negativa que la original. En el mito, la diosa griega Afrodita, celosa de la belleza de Psique, envía a su hijo Eros para que le lance una flecha que le haga enamorarse de alguien que la hiciese desdichada. Pero Eros se enamora de Psique y la lleva a su palacio mientras duerme. Allí, solo se ven de noche, hasta que Psique, curiosa, decide arrojar luz sobre la identidad de su marido. Eros se siente decepcionado y ella pide ayuda a Afrodita para recuperar su amor, lo cual sucederá tras cumplir Psique con varios retos. Uno de los principales arquetipos en los que la artista centra su producción es la Sombra, aquella parte negativa de nosotros mismos que no podemos reconocer y que proyectamos en los demás. Los materiales que utiliza Chacón en ‘One Way’ van desde las vendas a la escayola, pasando por el esparto, las cenizas o rosas. La pintora tiene una dilatada trayectoria artística que comenzó en 1982. Desde entonces ha trabajado múltiples temas y conceptos que le han acompañado a lo largo de varias etapas.

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    Carol Solar

    Carol Solar (Santiago de Chile, 1975), licenciada en BBAA en la Universidad Complutense de Madrid, vive y trabaja en Madrid. Ha expuesto en salas de exposiciones y galerías como Silves AC de Almería, Fernando Pradilla y Galería tres por cuatro de Madrid, o en Extensión AVAM en Matadero Madrid. Su obra se ha podido ver en ciudades como Ámsterdam, Barcelona, Sevilla o Santander y ha participado en festivales y ferias como Marte de Castellón o Hybrid Art Fair, Artbanchel y OpenStudio en Madrid.
    Es Secretaria de AVAM (Artistas Visuales Asociados de Madrid).

    Utilizando materiales y técnicas textiles crea esculturas, tapices e instalaciones que exploran los conceptos de identidad individual y espacio personal, con una estética ingenua y vitalista que refleja la infantilización de nuestra sociedad.

    A través de la inspiración proveniente de medios populares como los dibujos animados, los cómics, los cuentos infantiles y los juguetes, planta su trabajo como un juego, utilizando recursos, materiales y formas que transmiten la inocencia y la curiosidad con la que aprenden los niños. De un modo humorista y colorido se aproxima a los temas controvertidos que nos configuran como individuos y como sociedad: la comunicación, las relaciones, el miedo y la libertad.

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    Clara Rossy

    Clara Rossy (Barcelona, 1962). Nací en el seno de una familia de vocación artística, rodeada de música, instrumentos y obras de arte. Estudié interiorismo en DIAC, Procedimientos pictóricos y pintura mural en la Llotja de Barcelona, diseño de moda En IDEP y recientemente Grado en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona.

    La pintura ha sido durante muchos años mi principal medio de expresión artística, pero mi constante inquietud experimental, la curiosidad y el afán de descubrir nuevas formas de expresión, me han llevado a probar y desarrollar otras técnicas. Actualmente, trabajo produciendo obras en Cast-Paper y metal grabado (yo lo llamo «grabado escultórico»).

    Manteniendo la intención de volver a la pintura, durante estos últimos años dedico mi actividad al desarrollo de esta nueva técnica, con la que ejecuté en 2015 la cobertura del Nuevo Portal de la Basílica de Santa Maria de Igualada (Barcelona).

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    Charo Corrales

    Charo Corrales (1968, Olvera, Cádiz). Desde niña vecina del barrio de Triana, se graduó en Medios de Comunicación Audiovisual por la Universidad de Westminster (Londres) en 1997, y realizó un máster en Diseño y Media en la misma universidad. También completó el master sobre Espacios Expositivos y Museografía Creativa de la Universidad Politécnica de Cataluña. Desde entonces ha concluido innumerables estudios en las más variadas temáticas relacionadas con el mundo artístico audiovisual.
    Corrales alterna sus proyectos artísticos, tanto dentro como fuera de España, con la asistencia a otros destacados fotógrafos, con la docencia y con el comisariado y, desde 2012, dirige y coordina el espacio cultural A pie de calle.
    Desde 2017, forma parte del colectivo WAS (Women Art Space), donde hace labores de comisariado y promoción del arte hecho por mujeres. Las dos
    últimas exposiciones de las que ha sido comisaria en 2019 son: Ajuar y Maculadas sin remedio.
    En 2019 se incorpora a la junta directiva de MAV (Mujeres en las Artes Visuales) desde donde trabaja por la reivindicación de los derechos de las mujeresartistas y su visibilización.
    Charo Corrales trabaja la fotografía como medio de expresión, pero como artista multimedia también emplea para sus creaciones diferentes técnicas y soportes, desde la cerámica al bordado, el video, el performance, la instalación, y la intervención de espacios. También la artista trabaja el concepto de reutilizar objetos (desechables) para sus proyectos artísticos.
    La VIII Bienal de Arte Textil Contemporáneo WTA, el Festival BFOTO, Biennal Olot-Fotografía, festival MULA FEST, festival de performance Acción XM2 en La Juan Gallery, ARTSevilla, JustMad y festival Cohete Toledo.
    Recibió la beca de Iniciarte en el 2006. La obra “Con flores a María I y III” se ha incorporado a la colección de arte contemporáneo Censored de Txato Benet.

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    Chus García Fraile

    Desde sus inicios Chus García-Fraile (Madrid, 1965) ha venido alternando el dibujo y la pintura con los soportes fotográficos, el vídeo, la escultura o la instalación, aprovechando esa capacidad interdisciplinar para proyectar unos sólidos intereses donde confluyen las investigaciones socio-culturales, la mitología cotidiana, lo íntimo y lo público. Con una amplia variedad de recursos, la artista madrileña configura impactantes escenografías que armonizan la esencialidad plástica con el juego conceptual, inspirándose en paisajes, arquitecturas, objetos, símbolos y códigos de nuestro tiempo que construye o sintetiza a partir de una exquisita delicadeza y de una comprometida crítica a la sociedad de consumo. El año pasado el Museo Domus Artium organizó una retrospectiva de su trabajo y en las dos últimas décadas ha sido galardonada en numerosos certámenes españoles, formando parte de los fondos institucionales de Museo Municipal de Madrid, Ministerio de Cultura, Fundación AENA, Iberdrola, Colección L’Oreal, Colección Bancaja, Colección McKinsey, IVAM, Coca-Cola, Museo Patio Herreriano y Artium, entre muchos otros.

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    Cristina Fernández Núñez

    Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (1994), Cristina Fernández Núñez (Vigo, 1971) se especializa en restauración de pintura, faceta que compagina con la docencia y la creación artística. Además de trabajar con diferentes galerías a nivel autonómico y estatal, su obra ha sido seleccionada en varias ocasiones en el Certamen Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas y recibido entre otros premios la medalla de honor en la Bienal de Arte do Morrazo. En 2019 participó en el festival de arte urbano “Creavigo” en la categoría de arte contemporáneo tras ser seleccionada por la comisaria Paula Cabaleiro.

    Su trabajo siempre ha planteado una reflexión entre el orden y el caos, lo real y lo ficticio, la arquitectura y la naturaleza. Son recurrentes en su trabajo la cotidianidad -influencia de Morandi- y cada vez más lo femenino, que pone de manifiesto en su obra sensible y llena de lirismo. En este sentido destaca especialmente su serie “Sombras visibles”, en la que la artista apela a ese lugar en la penumbra al que se ha visto sometido el talento femenino a lo largo de la Historia. “Portraits”, su más reciente muestra inaugurada en La Pared Roja de La Fábrica a principios de 2020, pone de manifiesto una evolución plástica donde las sombras dan paso a siluetas dibujadas explícitamente. Dibujos a grafito, collage, impresión digital y acuarela componen una auténtica galería de retratos llena de simbolismo donde la luz hace su aparición.  

    Diana María Molina Medina

    Diana María Molina Medina. Artista transdisciplinar colombiana, vive y trabaja en Bogotá. Sus procesos creativos suelen enmarcarse en las posibilidades del cuerpo en relación al territorio, memorias y distopías que son su espacio y su tiempo. Ha participado en procesos comunitarios, pedagógicos, de creación colectiva, activismo, y experimentación en los lenguajes del performance, el grabado, la fotografía y la animación (stop motion & rotoscopia).

    Le interesa la relación entre lo femenino, la intimidad y lo público, el horizonte histórico, las sutilezas cotidianas, las experiencias de los cuerpos en el territorio. La transgresión, el ritual, la gestión emocional y mediación que generan los procesos, las acciones y las imágenes. Crea para tejer invisibles y fuertes vínculos.

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    Elena Jiménez

    Elena Jiménez (Alicante, 1965). Técnico superior de Artes plásticas, residente en Madrid. A lo largo de mi trayectoria he empleado múltiples medios para elabora mi obra, instalación, dibujo, obra gráfica o fotografía. En los últimos años estoy centrada en instalaciones procesuales sobre grafica expandida. En mis últimos trabajos represento el cuerpo y lo comparo con fórmulas físicas relativas a la fragilidad o la tenacidad, como la plasticidad o la resistencia mecánica y los uso para mapear diferentes síntomas y diagnósticos físicos. Para esta representación me apoyo en la selección de los materiales con diversas características de resistencias y grados de fragilidad, ductilidad, dureza y tenacidad, algunos de ellos con la capacidad de ser fragmentadas por un golpe, caída o agresión. Con mi trabajo hablo sobre como romper con normas sociales que considero obsoletas y que nos obligan a aparentar que estamos dentro de ciertos parámetros que debemos cumplir en las estructuras impuestas por la sociedad. Me interesa la ambigüedad del uso brutalista de la representación en las piezas para hablar de la fragilidad.

    He recibido becas institucionales como las Ayudas a la producción de artes plásticas de la Comunidad de Madrid 2010 y 2018 o de la Promoción de las Artes del Ministerio de Cultura 2014. He realizado residencias de investigación arte actual en varios espacios como el Taller experimental de La Habana. Lower East Side Workshop Printmakers en NY, London Print Studio en Londres, Kulturwek Bethanian en Berlín, Fundación Miro en Mallorca, Museo de Electrografía en Cuenca, El Ranchito Matadero, Círculo de Bellas o Casa Encendida en Madrid . Me han galardonado con los primeros premios en numerosos e importantes concursos de artes plásticas y expuestos individualmente en espacios institucionales y privados, así como invitada en importantes muestras colectivas.

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    Elvira Martos

    Elvira Martos (Sevilla,1989) Artista visual, Licenciada en Bellas Artes, en la especialidad de pintura por la Universidad de Sevila, España. Se traslada a Italia para continuar sus estudios artísticos y posteriormente a Australia, donde trabaja y participa en diversas exposiciones y proyectos artísticos.

    Actualmente centra su investigación pictórica en la relación entre sociedad, contexto, familia y su influencia en la conformación de la personalidad del individuo. Sus pinturas coloristas y expresivas, son el reflejo de diferentes realidades, dónde el ser humano es protagonista absoluto. Destaca el papel de la mujer en su obra,y el uso de lo cotidiano para abordar y reflejar circunstancias y problemas actuales.

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    Estefanía Martín Sáenz

    Estefanía Martín Sáenz (Bilbao, 1982) Tras su paso por la edición Just LX Lisboa, Estefanía fue galardonada con el I Premio Adquisición de Arte Emergente Fundação Millennium bcp por su tríptico “Mala hierba” y el II Premio de Pintura y Artes Plásticas «La Rural» por su obra “La mala hierba también muere”. En 2016 obtuvo el Premio Adquisición de la Fundación Martínez Guerricabeitia con la obra “Los cuervos que adoraban a la mujer”, en la que inventaba la historia de la diosa celta Morrigan y los cuervos, y en 2015 recibió el Premio de Dibujo DKV-MAKMA por su obra “Las Ausentes” expuesta en Centre del Carme de Valencia.
    Estefanía comienza a trabajar en exclusiva para la Galería Gema Llamazares desde 2016, dónde realiza su primera exposición individual, titulada “1-600”, y comisariada por Semíramis González.
    En 2018 mostró su proyecto en la XV Edición del programa Conexiones en el Museo ABC, con la exposición individual “Luto y lujo”; y este año presentó su proyecto “Máscaras” en el Centro de Arte Alcobendas, Madrid. Actualmente Gema Llamazares acoge su segunda exposición en la galería, “Fieras”.
    Su trabajo ha podido verse en ferias internacionales como Art Lima, Context Art Miami, Estampa, Just Mad. Su obra se encuentra en importantes colecciones como Fundación Millennium, Lisboa, Colección DKV, Colección Martínez Guerricabeitia, Nueva Colección Pilar Citoler o el Museo ABC de Dibujo e Ilustración.

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    Fina Miralles Novell

    Fina Miralles Novell (Sabadell, 27/09/1950) Artista. Premio Nacional de Cultura 2018 (Generalitat de Catalunya). En preparación: Gran muestra retrospectiva de su obra en el MACBA.
    Licenciada en Bellas Artes, inicia su trayecto creativo en 1972 integrada en la generación de artistas conceptuales de nuestro país. Entre 1973 – 1978 expone su obra en la Sala Tres de Sabadell, la Sala Vinçon, Galeria “G” y Espai 10 de la Fundació Joan Miró de Barcelona. En 1977 participa en las Bienales de París, Estrasburgo y Niza, y en a la Bienal de Venecia de 1978. A finales de 1983 inicia un peregrinaje por Sud-América, Francia y otros países. En 1984 inicia su obra pictórica sobre el paisaje y el retrato en la búsqueda de lo esencial, abierta al sentimiento, a les emociones y la espiritualidad. El ciclo de obra «Memorial», 1996, es la culminación de su trabajo en el vacío y resultado de sus vivencias. Da por terminado el ciclo de dibujo y pintura cediendo toda su obra y archivos personales al Museo de Arte de Sabadell en 1999.

    Entre 1984 y 1994 vive en París y Normandía. A su vuelta a Catalunya fija su residencia en Cadaqués. Entre 2011-2019 forma parte de los colectivos de arte de acción: Corpologies y Ocells al cap.
    Su obra realizada a lo largo de 45 años (1972- 2017) se expresa en diferentes lenguajes: escritura, montaje, acción, dibujo, pintura y vídeo.

    El 14 de febrero de 2018 presenta en el Museu d’Art de Sabadell la edición de su Archivo textual editado bajo el título. Fina Miralles. Paraules fèrtils 1972-2017, ilustrado con 400 imágenes inéditas de sus cuadernos de dibujo y pintura sobre tela (1984-1996).

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    Francesca Martí

    Francesca Martí. (Sóller, Mallorca). Trabaja entre Estocolmo y España. Martí emerge en la escena artística española a principios de los años 90 con exposiciones en solitario y en grupo en Palma de Mallorca, Barcelona y Madrid.
    Desde 1995 su trabajo se ha mostrado en esposiciones en solitario en el Genia Schreiber University Art Gallery en Tel Aviv (Israel), la Jordan National Gallery of Fine Arts, en Amman (Jordania), la Royal Spanish Academy en Roma, la Villa Pisani en Venecia (Italia) y como pintura en vivo y vídeo performance con la Orchestra of the Lowlands en el Flagey Concert Hall en Bruselas en 2006.
    En 2007, su exposición Soul en el pabellón español en la X Bienal Internacional del El Cairo (Egipto) fue premiada por el jurado con el Primer Premio. Su exposición en solitario Ecos se presentó en 2008 en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo Es Baluard, en Palma de Mallorca.
    Martí ha participado en gran cantidad de ferias de arte incluyendo ARCO, Art Cologne, Bologna Art Fair, Miami y Art Dubai.

    Desde 2013, Martí trabaja como profesora invitada, dentro del campo de la performance, en el Royal Central School of Speech and Drama, en Londres. Su vídeo Painting the Soul, (2006-2015), con un bailarín clásico, fue mostrado durante la 56 Biennale de Venecia.Su Ángel Migrante, muestra en solitario en la Galería Kreisler en Madrid, fue puesta en escena como parte del 2016 Bienal Miradas de Mujeres.
    En el Danubiana Meulensteen Art Museum en Bratislava (Slovakia) puede verse Transformation, la mayor retrospectiva de su obra, acompañada de un catálogo de 128 páginas.

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    Gema Polanco Asensi

    Gema Polanco Asensi se centra en las relaciones más cercanas, las familiares, que se hacen visibles en sutiles gestos que sin duda caracterizan los lazos de consanguinidad. Parte de lo más próximo retratando a su madre, abuela y hermanas. Utiliza a las mujeres de su familia para trasladar un mensaje universal sobre la mujer. Elevándose en un análisis de clase, género y de un pasado no tan pasado haciendo que su obra gane una carga social.
    Algo que ella hace sin olvidar su procedencia y sin perder el respeto, la atención o el cuidado. Conociendo y en muchas ocasiones intuyendo los peligros, el dolor, el sufrimiento y el esfuerzo que han experimentado las retratadas. La circunstancia política es un elemento que se intuye y moldea de forma directa e indirecta a sus protagonistas. La imposición de la norma y la autorregulación por parte de sus prójimos se contempla como la característica principal de su investigación.

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    Gertrudis Rivalta Oliva

    Gertrudis Rivalta Oliva (Santa Clara.Cuba.1971) Reside entre Alicante y La
    Habana, si bien ha participado en muestras en los cinco continentes. Es una artista plástica licenciada en el Instituto Superior de Arte de La Habana en el año 1996. Tras destacadas exposiciones en Cuba, en 1998 comienza su andadura internacional de la mano del crítico de arte Kevin Power, en su momento, subdirector del Museo de Arte Reina Sofía. Participó en su proyecto “98: cien años después” expuesto en el Museo de Ponce (San Juan. Puerto Rico), el Cultural Center (Manila. Filipinas), el Museo de Arte Contemporáneo de Badajoz (Badajoz. España) y el complejo Morro-
    Cabaña (La Habana. Cuba). Más tarde: “Evans or not Evans” en la Universidad de Alicante; “Fnimaniew” (2005), Galería Aural (Alicante), “Cuba una Isla mental” (Sala de Exposiciones Vista Alegre. Torrevieja. 2006) o “Cuando salí de Cuba” (Galería Ad-hoc. Vigo. 2011). Entre otras.
    Caben destacar exposiciones como: “SOBRE PAPER”/Artistas de la Comunitat Valenciana, Colección Tomás Ruiz; TOT EL QUE VEUS ES ART, Lonja del Pecado, Alacant 2018, España; “At the curve of the world” (1999 Galería Track16. Los Angeles. USA); “Fantasmas de azúcar” (2003. Espace Croix-Baragnon. Tolouse. Francia) y “Creadoras del siglo XX”, una selección de artistas consideradas esenciales en la historia del siglo XX como Maruja Mayo, Frida Khalo, Candida Hofer, Meret Oppenheim o Yoko Ono, bajo la curaduría de Marisa Oropesa y expuesta en el Museo de Bellas Artes del Palacio Carlos V de La Alhambra (2009. Granada. España), Museo de la Pasión (2009. Valladolid. España), entre otras. Posteriormente el Instituto Cervantes la incluye en dos de sus muestras internacionales: “Desnudando a Eva” (2011), que se expone en diversas sedes del Instituto Cervantes en Europa y “Creadoras del siglo XX – XXI” que hace lo propio en África y Asia. En el año 2000 recibió la beca CEIP para participar en el parque
    escultórico de la Reserva Natural de Lomos de Orio, La Rioja. Participó en la Bienal de Valencia/Sao Paolo (2008), bajo la curaduría de Ticio Escobar y Kevin Power y en exposiciones colaterales de diversas ediciones de la Bienal de La Habana.
    Ha participado en debates internacionales sobre la mujer tanto en España como en Cuba, Francia y EUA; En espacios notables como: Casa de las Américas, Universidad De Connecticut, Trinity College, Universidades de Alicante y Jaén. Ha colaborado con la revista “Transition” editada en Harvard University, 2019. Ha ilustrado portadas para: Roaring Spring” del poeta Steve Benson, “Escorpión en el mapa” de Ernesto Santana o “Caviar with Rum” de Jacqueline Loss y José Manuel Prieto, en el que también se incluye un texto de su autoría, entre otros. Aparece en textos críticos como: “Catálogo de fotógrafas cubanas destacadas del siglo XX-XXI” de Aldeide Delgado Puebla; “Art Cuba: The new generation». Holly Block. 2001, Nosotros, los más infieles: narraciones críticas sobre el arte cubano (1993-2005)» Andrés Isaac Santana. CENDEAC. 2007, “El Nuevo Arte Cubano: Antología de textos críticos». Magali Espinosa y Kevin Power. 2006, Percebal Press. “Gertrudis Rivalta, la obsesión Perenne”. Suset Sanchez. Madrid. «Dreaming in Russian: The Cuban Soviet Imaginary» by Jacqueline Loss, PRI’s The World on Jan 29, 2015; entre otros.
    Su obra está representada en colecciones en Cuba, España, Italia, Reino Unido, USA, etc.

    Glenda Rosero

    Glenda Rosero es artista plástica, pedagoga musical, docente universitaria y fundadora del Colectivo Dos Guaguas. Sus intereses giran en torno a la reflexión sobre lo cotidiano y los mitos acerca de la maternidad.

    Janaina Barros

    Janaina Barros, nacida en São Paulo, Brasil, en 1979, es titulada en Educación Artística, por la Universidade Estadual Paulista (UNESP) y Doctora en Estética e Historia del Arte, por la Universidade de São Paulo (USP). Ha sido galardonada con el Premio Investigador, del Centro Cultural de São Paulo, por su proyecto documental: El escenario afrobrasileño en las Artes Visuales, en 2017. Ha participado de exposiciones individuales y colectivas, como PretAtitude, en SESC São Paulo (2019), Mau olhado bem olhado, no Centro Cultural São Paulo (2018), Histórias afro-atlânticas, no Instituto Tomie Ohtake de São Paulo (2018); Vozes do Silêncio, en la Galeria Antônio Sibasolly, de Goiás (2017). El dibujo y la pintura marcaron el inicio de su trayectoria creativa sobre telas de algodón estampado como soporte para representar el cuerpo femenino. En su curso creativo va redefiniendo la comprensión del soporte bidimensional que gana volumen en sus objetos de uso doméstico (Objetos Invólucros). Guantes para la manipulación de cacharros calientes en la cocina, entre otros, son pacientemente bordados con hilos sedosos, perlas falsas y frases como “soy todo tuyo”, “pálpame”. El esmero en la hechura de esos instrumentos banales, marcados por la división sexual del trabajo, nos propone un doble juego para los sentidos. Son cosas que nos remiten a la casa y también a los cuerpos de quien los utiliza. La cuidadosa selección de los objetos da forma a un vocabulario intimo que articula una narrativa delicada en torno del mito de la democracia racial brasileña, que ejerce su violencia simbólica de manera especial sobre la mujer negra. Esa mujer que es exaltada por su hiper sexualización, especialmente en las fiestas del Carnaval y confinada al servicio doméstico el resto del año. La artista también experimenta con la video y foto-performance para pensar como las micro narrativas construyen una historia colectiva.

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    Julia Martínez

    Julia Martínez (1981) fotógrafa, video creadora y escritora madrileña, comenzó con apenas 19 años a exponer sus primeros trabajos fotográficos. Se diplomó en C.A.T.A (Madrid) tanto en fotografía como en Iluminación. Sus trabajos fueron evolucionando y experimentó en el campo de la moda editorial publicando en revistas como D+ Magazine, Vogue Londres, etc.
    Sus imágenes se han podido ver en diversos medios y publicaciones de España, Inglaterra y México.

    En 2008 formó parte de la exposición “Espejos del Alma “muestra del retrato fotográfico en la España de nuestros día compartiendo muestra con fotógrafos de la talla de Alberto García Alix, Cristina García Rodero, Colita, entre otros.

    En 2013 se une al artista Omar Jerez y su trabajo se centra exclusivamente en el arte de acción, la fotografía de autor y el videoarte; juntos realizan trabajos como” il Corriere della Camorra” (2015) en el epicentro de la Mafia napolitana, “Armas de destrucción pasiva” (2015) realizada en Ciudad Juárez frente a asesinos de mujeres o “Happy Happy Kim Jong–Meal” en la frontera entre Corea del Norte y Corea del Sur.

    Vuelve a retomar como disciplina principal la fotografía mediante un ensayo sobre la intimidad y la posibilidad de traspasar las barreras del género, esta serie fotográfica “Skin”, forma parte del #volumen2 de Vandals (PS1 MOMA New York, Galería Gagossian, La Central del Reina Sofía) publicación bajo la dirección de arte y diseño de Neville Brody.

    El arte de acción ha marcado profundamente su visión fotográfica, alejándose de lo Macro y centralizando toda la estética de sus trabajos bajo la premisa de realidad relativa o verdad subjetiva. El ser humano, la fealdad como belleza, la muerte y la no ortodoxia rigen su obra.

    Iris Pérez Romero

    Iris Pérez Romero, creadora y artista visual realizó sus estudios superiores de Arte en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en donde actualmente es profesora, y ha sido premiada por su labor docente. Graduada como Licenciada en Artes Plásticas (Cum Laude) en la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD), se ha especializado en cerámica, grabado e historia del arte, mediante cursos y talleres realizados en varias instituciones del país. En 2009 Iris fue cofundadora del Laboratorio Evolutivo de Arte Contemporáneo. Ha estado como artista en residencia y participado en ferias, bienales y proyectos internacionales en distintos países de Centroamérica, Norteamérica, Suramérica, Europa y Asia. En 2004 también fue seleccionada por la organización ARTIADE para representar al país en las Olimpiadas del Arte, evento que se organiza con motivo a los Juegos Olímpicos “Atenas 2004”. Desde el 2000 participa en la muestra Women of the World, con una ruta itinerante en diferentes museos, galerías y centros culturales del mundo. Fue declarada Visitante Distinguida por el alcalde de Tegucigalpa, Honduras, en la Reunión Interregional de la AIP-UNESCO, en donde le fue otorgada la llave de la ciudad. Por su instalación performance “Danza del Hambre”, recibió una medalla de reconocimiento de la FAO. Invitada para ser jurado en los premios Ford Conservación y Medio Ambiente en la versión del 2005. Participó en 2007 en los proyectos de artista en residencia LE PARC, Pampelonne, Francia y PAF, Reims, Francia. Entre 2002 y 2005 dirigió el proyecto de arte público Acciones Contemporáneas, con proyectos colectivos de murales, acciones performáticas, exhibiciones y concursos en santo Domingo y el interior del país. Ha sido seleccionada para representar el país en las IV y V Bienal Internacional de Arte de Beijing, en el Museo Nacional de Arte de Beijing, China, durante los años 2010 y 2012.

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    Isabel Flores

    Isabel Flores recibe su formación académica entre las Facultades de Bellas Artes de Sevilla (2008/2013), La Laguna, Tenerife (2011/2012) y la Universidad Mimar Sinan Güzel Sanatlar de Estambul, Turquía (2012/2014). Tras licenciarse, Isabel cursa el Máster en Arte Contemporáneo, Creación e Investigación en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra (2013/2014) y se traslada a Berlín, donde reside hasta establecerse en Madrid en 2016. Isabel trabaja en los medios de pintura e instalación, su obra ha sido mostrada en exposiciones y festivales de arte como son DINAMO (Piornal, Cáceres) MULAFEST en Femenino (IFEMA, Madrid, 20178), C.A.L.L.E Lavapiés (Madrid, 2018/17), Franqueados -museo efímero- (Madrid, 2018), Das Blaue von Himmel versprechen -to promise the moon- (Berlín, 2015) o Eso sigue su curso en el Museo de Pontevedra (2014). En 2018, Isabel recibía los Premios Quinta por la exposición Rotorno en Azul expuesta en la Sala de la Quinta del Sordo (Madrid) y las Ayudas a Artistas Visuales de Extremadura por su proyecto Ad Infinitum (Extremadura). En 2019 ha recibido la Beca Puénting (Facultad de Bellas Artes de Altea, Ayto. de Altea y Sala Art Mustang) Actualmente Isabel Flores continúa su formación en el programa de Doctorado en Creación e Investigación en Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra en la línea: La pintura en el campo expandido. Aperturas y derivas de la pintura contemporánea a la vez que continúa desarrollando su proyecto artístico.

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    Laia Noal

    Laia Noal (Barcelona, 1985). Es Licenciada en Humanidades, especializada en Historia del Arte (2008), y Graduada en Bellas Artes (2019). En 2017 recibió una beca para estudiar en la Universidad Cooper Union de Nueva York, dónde participó en dos exposiciones colectivas. En 2018 participó en las exposiciones colectivas del Premio de Pintura del Ayuntamiento de Canyelles y el Premio de Escultura de la Fundación Vila Casas. Actualmente es artista residente en Assaig 7, en el Edificio Freixas (Hospitalet del Llobregat).
    Su práctica artística gira en torno al paisaje y el territorio. A través de sus obras Noal explora la influencia que los territorios que habitamos tienen en nosotros e investiga sobre la construcción que hacemos del paisaje y el diálogo que establecemos con el entorno. De qué manera lo intervenimos e incidimos en él constantemente, generando así unas tensiones entre aquello que consideramos natural y aquello que catalogamos como artificial. Estas tensiones también le interesan en relación a la manera en que condicionan cómo nuestros cuerpos se relacionan con otros cuerpos y con el espacio, un interés que nace de su formación en danza contemporánea y teatro. En especial Portbou es un lugar que tiene un fuerte impacto en su obra debido al vínculo emocional de la artista con el mar y las montañas del pueblo de su padre. La fragilidad, la vulnerabilidad, la resistencia, la adaptabilidad, el equilibrio, lo inefable, las
    divisiones, las grietas, los elementos binarios y complementarios son constantes en su obra.
    Trabajando de manera multidisciplinar, a través de diferentes lenguajes plásticos entre los que se encuentran la escultura, la pintura, las instalaciones, el arte sonoro, el dibujo y la fotografía Noal va dibujando y entretejiendo obras que reflexionan en torno a estas ideas.

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    Mª Jesús Manzanares Serrano

    Mª Jesús Manzanares Serrano (Cáceres, 1970), es una artista plástica que trabaja diferentes disciplinas como la pintura, escultura, instalación, fotografía y los bordados de tela. Los cuadros cosidos de telas de lino, estopas y algodones son quizá la parte de su obra en la que mejor se reconocen los hitos de su recorrido estético: memoria, introspección, raíces y otros vínculos sentidos. En las instalaciones que ha llevado a cabo con dibujos bordados sobre lienzo y papel, o en sus exposiciones hechas de costales zurzidos, piezas de lana, jabón, corcho, fotografías y vestidos, María Jesús Manzanares procura que el mismo espacio expositivo se transforme y reviva alimentado del tiempo y las emociones que transpira la obra. Hay en sus creaciones un homenaje explícito e inagotable a las mujeres creadoras que, desde el anonimato doméstico o el empeño artístico, han trabajado por adecentar y llenar de sentimiento los lugares de la vida.
    Sus pasadas intervenciones en Cáceres Abierto 2019 (Espigar la memoria), instalación en el Museo de Cáceres y en el Atrio de San Francisco, o Del lino al lienzo (2018), Palacio Moctezuma de Cáceres, Sala Europa de Badajoz y Las Claras de Plasencia, entre otros, pueden servir de ejemplo para que intuyamos ese sendero que recorre toda su obra; un camino sombrío y vivificante que va del pasado al presente y por el que arraigos, nostalgias y desgarramientos caminan, yendo y volviendo de lugares, personas y experiencias que, aun ausentes, están presentes.
    A lo largo de su trayectoria, Mª Jesús Manzanares ha expuesto en el Museo de Lanificos de Covilhá, Castelo Branco e Indaha Nova, en Portugal, en el Museo Vostell-Malpartida de Cáceres y en el Etnográfico Pérez-Enciso de Plasencia, además de otros espacios y galerías de arte.

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    María Mascaró

    María Mascaró es una artista visual contemporánea, que vive y trabaja en Montevideo, Uruguay. Autodidacta hasta 1990, profundizó en sus estudios de dibujo y pintura en el Taller de Guillermo Fernández en Uruguay
    Entre 2004 y 2006 vivió en Londres, donde continuando sus estudios en arte, y realizando su primera muestra individual en Nolia´s Gallery.
    En 2012, regresó al Uruguay, uniéndose al colectivo de artistas de la Fundación de Arte Contemporáneo (fac) bajo la dirección de Fernando López Lage (www.colectivofac.com).
    En 2016 fundó la Colectiva COCO en la que trabaja actualmente junto a Catalina Bunge y Natalia de León (www.colectivaco.com).
    Ha obtenido premios y reconocimientos, y participado de varias muestras, tanto colectivas como individuales, a saber:
    Museo María Irene Olarreaga Gallino , Salto, Uruguay, 2019 ; Sala Municipal de exposiciones Lidaura Chapitel, San Martín de los Andes, Neuquén , Argentina, 2018 ; Centro de exposiciones Subte, Montevideo, Uruguay, 2015 y 2017 ; ¨X Mulier Mulieris¨ y ¨IX Mulier Mulieris¨, Museo de la Universidad de Alicante, España , 2015 y 2016. He realizado exposiciones individuales como, ¨Femiliencia¨ en la Colección Engelman- Ost, Mvd, Uruguay, 2014, ¨Femiliencia 33¨ en el Museo Agustín Araújo en Treinta y Tres, Uruguay, 2017 , ¨Piñas¨ en el Espacio Cultural Dalarna en Chihuahua, Uruguay, 2017 ¨Desatanudos¨ en la Facultad de Artes de la Universidad del Museo Social Argentino (UMSA), Buenos Aires, Argentina, 2019, ¨Femiliencia en Salto¨ en el Museo María Inés Olarreaga Gallino, Salto, Uruguay, 2019, ¨Coincidencias¨ en Bs As, Mvd y Chihuahua, 2017. Participé en varias exposiciones colectivas como ¨Ascendencia/ Descendencia¨ en Londres, París, Montevideo, Maldonado, 2017 y 2018 , ¨Arte Degenerado¨ y ¨Arte Degenerado 2¨ en Mvd y Bs As, 2015 y 2016 , ¨Jaque¨ expuesta en el Centro Cultural España, Mvd, Uruguay, 2018, ¨Para todos todo! Plan de Lucha¨, Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Ex- ESMA), Buenos Aires, Argentina, 2019 entre otras.

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    Marina E.G

    Marina E.G (Menorca, 1991.) Bellas Artes (2013) y Educación Interdisciplinaria de las Artes (2017) por la Universidad de Barcelona. Formada en performance y arteterapia con artistas y pedagogos como Marina Barsy x Isil sol (2019) o Ona Mestre (2018-2019), entre otros. Artista en residencia en Experimentem amb l’Art, Barcelona (2017-2019) y la Casa d’Artistes de Montpalau, Menorca (2019). También es cofundadora del colectivo K.G.G. (Kitchen Guateque Grup) y de ONiON Collective, junto con otros agentes culturales. Ha participado en varias exposiciones como Transmutacions (2019), instalación en la sala Stripart, Barcelona, y performances en diversos festivales como Mostra d’Art Cruixent (2019) Espronceda Center for Art and Culture, Barcelona, el Festival Pedra en Viu (2018) en Lithica Pedreres de s’Hostal, Menorca o el Festival Perpetracions (2018-2019), Barcelona.
    Actualmente trabaja como docente de artes visuales en Escola d’Arts del Prat de Llobregat y desde 2017 como dinamizadora cultural y artística para público familiar de diversas bibliotecas y centros de arte de la provincia de Barcelona con Experimentem amb l’Art.
    Su trayectoria se centra en la relación del arte con la curación y terapia. Trata temas que suelen ser de carácter individualista, como la ansiedad o depresión, pero sometidos a un enfoque comunitario a través de proyectos colaborativos. A partir de 2016 enfoca su trabajo hacia la performance y el trabajo con el cuerpo. Lo hace con Papers de llum (2016) y Experimentar l’asfíxia en el gest (2017) con el que trabaja la repetición y la obsesión por el gesto (el gesto pictórico en este caso) como acto catárquico y curativo. Más adelante con Accions (2017) y otras propuestas, lleva esa idea a la acción performática, junto con actividades donde el arte y la inmersión terapéutica van de la mano, ligado más adelante con instalaciones y procesos grupales.

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    Marina Gadea

    Marina Gadea. Documentalista científico. Facultad de Documentación. Universidad de Murcia Estudios Historia del arte. Facultad de Letras. Universidad de Murcia. Master en Documentación e Investigación Científica. Facultad de Medicina. Universidad de Valencia. Primer Premio Pintura Diputación de Cádiz, seleccionada en el Certamen CEC Confederación de Empresarios de Cádiz, Finalista Premios Concurso de Pintura Fundación Vipren y Unicaja Primer premio International Comtempoiraneo Art Prrize Mario Saslovsky 2019.
    Entre sus últimas exposiciones destacan: 2019 / Georgia Contemporary Art Fair – 17 Octubre 2019, Tbilis Georgia 2019 / Art Marbella Contemporary Art Fair – 21 to 25 Julio 2019– Marbella 2019 / Just LX Lisboa Contemporary Art Fair – 17 to 20th May 201, Lisboa. 2019 / Just LX Lisboa Contemporary Art Fair – 17 to 20th May 2019, Lisboa. 2019 / Aponiente, 16Mayo- 30 Junio, Puerto Santa María, Cádiz 2019 / ECCO – Espacio de Cultura Contemporánea de Cádiz, Cádiz. Mayo 2019 2019 / Est_Art Space, Madrid, Abril-Junio, Madrid, 2019 / Gades Sinergia. Castillo de Santa Catalina, Cádiz. Marzo 2019n/ Just Madrid X, Palacio de Neptuno. Madrid, Febrero  2019 / Galeria Kreisler Diciembre 2019.
    Marina Gadea  expresa energía y emoción a través de pinturas coloridas abstractas. Marina representa la expresión de la emoción pictórica del artista, individual e inmediato.  Su trabajo es impulsado por la observación del paisaje y las culturas que se encuentran a través de los viajes y tiene como objetivo conectar a las personas y lugares. Interesada en el paisaje como un sistema de representación desde donde el hombre puede medir su mundo. El hilo conductor que atraviesa el trabajo de Gadea es una gran fascinación por la naturaleza, junto con su voluntad de viajar y experimentar el paisajismo. 

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    Marta Serna

    Marta Serna. Artista Visual. Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid..
    Ha cursado estudios de Danza Clásica en el Royal College Of London, Danza Española en el Real Conservatorio de Córdoba y Danza Oriental y folklore en Estambúl y el Cairo. Ha trabajado como creadora de decorados en cine, teatro y televisión, y actualmente trabaja con diferentes compañías de danza y teatro en talleres, performances y espectáculos. Como artísta visual parte del dibujo como base formal expresiva. Está concentrada en la ilustración,el dibujo tradicional y digital, videoanimación, instalación y dibujo escultórico en metacrilato.
    Hemos podido ver su trabajo en España, Inglaterra, Francia, Alemania, Bulgaria, Yugoslavia, Argelia, Oriente próximo, Líbano, Jordania, México , y Estados Unidos. Actualmente trabaja con la galeria Espacio Marzana en Bilbao. Ultimas Exposiciones Individuales.
    2019“Mystery Magnet”.Proyecto específico de instalación, videoanimación y dibujo.DA2,Domus Artium.Salamanca.2017“Slow Walk”.Drawing site especific proyect. Mikser Festival-Migration 2017. Silos Zitomlin.Cervantes Institute.Belgrade2015“Immaculated Dreams”.Proyecto de videoanimación y dibujo. Galeria Espacio Marzana.Bilbao2014“SnakeBoy”.videoinstalación y Dibujo.OpenStudio..2012“Abecedario para Monstruitos”. Galeria Rita Castellote. Madrid.2011“Misty Eyes & Mourning Stones”. Dibujo escultórico, video animación y dibujo.Galeria Asm28. Madrid.“Black Éxtasis”.Finalista Proyecto Sala 4 de ABC para Arco 2012.2010“Black Wings”. Instalación de vinilo y audio, video proyección. Domus Artium.Salamanca.“BlackSparkle”. Dibujo escultórico, videoanimación, y dibujo. Galeria Espacio Marzana. Bilbao.“ Cuento de Invierno”. Espacio Frágil. Madrid2009“Dark Delicate”. Instalación mural, escultura y dibujo.Galeria Cubo Azul. 2008“Blood Breath”. Dibujo, video, instalación mural. NO:ID Gallery. London“Cruel but Fair”.Dibujo, pintura, videoanimación e instalación. Galería Rosa Santos. Valencia..2006“Havoc’s Amazing Cosmic Trip”. Videoinstalación. Proyect 142. Clampton, Hackney. London.“Havoc Oddity”. Video y fotografía. Galería Cubo Azul. León.2001“Hot Legs”. Pintura, dibujo e instalación.Galería Marin Galy. Málaga.“Carne Feble”. Granada.2000“La sombra Feble”.Instalación, pintura , dibujo y escultura. Galería Garaje Regium. Madrid.1998“La Piel Protectora”.Galería Lae Sferazul. Valencia.
    Colectivas como “Capital Animal” Casa Encendida.Madrid (2016)” “SnakeBoy”Haus der Kulturen der Welt en Berlín (2015)The Noise of Bubbles”, Red Bull Academy, Matadero, Madrid. “Mysty Eyes” Palais de Tokyo, Paris “Gráfica. 30 Artists from young Spain” en el Instituto Cervantes de Líbano, Jordania, Bulgaria, Argel, (2012 ). “Rencontres Internationales”, “Power Trilogy” Pompidou de Paris (2011) “Merrie Melodies”, Domus Artium, Salamanca (2010)Cat Power “Premios Creación Artistica Comunidad de Madrid”,ARCO 2009 “Bloody Boots”, ARCO 2008, y el proyecto visual “Bloody Little Creatures” en Londres para el grupo musical The Cure.

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    Menchu Lamas

    Menchu Lamas (Vigo, 1954) es una artista de referencia en la pintura española contemporánea, desde su irrupción a través de las exposiciones realizadas en Galería “Buades” de Madrid y las muestras del movimiento Atlántica. Desarrolla una pintura de carácter emblemático con una personal iconografía, caracterizada por la intensidad cromática y por fusionar recursos abstractos y figurativos. Sus obras fueron seleccionadas para importantes muestras internacionales como Bienal de Sao Paulo, “Europalia”, “Five Spanish Artists” en New York, “Caleidoscopio Español” y “Spansk-Egen-Art” que recorrió diferentes museos escandinavos. “Currents” en el ICA de Boston, junto a Polke, Leon Golub y Anish Kapoor. Seleccionada en la muestra “Art d´Aujourdhui-Art de Femmes”, Musée du 20´eme Siécle de Viena. Expuso en museos y galerías de Alemania: en Bonn, Colonia, Düsseldorf, Munich, Hamburgo, Stuttgart. En Galeria Aline Vidal de París. El CGAC dedicó una muestra retrospectiva que viajó a Milán, Nápoles y Roma. 

    Menchu Lamas tiene una dilatada trayectoria de exposiciones y su obra se encuentra en las colecciones públicas e institucionales más importantes del país, incluyendo el Museo Reina Sofía de Madrid, MACBA, CAAM, ARTIUM, MEIAC, CGAC, Museo Patio Herreriano, Fundació La Caixa, Parlamento Español y Parlamento de Galicia, Fundación Thomas de Munich, Fundación Juan March y otros museos y colecciones públicas.

    La muestra retrospectiva “La Sombra en la Mano/ El Viaje de las Formas” [de una década de su labor] es comisariada por Donald Kuspit en el CGAC de Santiago de Compostela e incorpora al catálogo ensayos críticos de D. Kuspit y John Yau. Una muestra de su pintura recorre Italia, a lo largo de 2006 y 2007, visitando las ciudades de Milán, Nápoles y Roma, en los centros del Instituto Cervantes. La muestra «L´Ombra nella Mano/ Il Viaggio delle Forme», se celebra en el Refettorio delle Stellini – Galleria Gruppo de Credito Valtellinese en Milán. 

    Es seleccionada en la muestra que tuvo lugar en el Parlamento Español titulada “El poder del arte” que celebra el aniversario de la Constitución Española. En el año 2018 tiene lugar en el Museo ARTIUM de Vitoria la muestra “Colores nómadas”. En la actualidad el Museo MARCO de Vigo prepara una amplia retrospectiva sobre su pintura. 

    Mireya Baglietto

    Mireya Baglietto (Argentina,1936). En 1954 se inicia en el mundo del arte a través de la cerámica. A lo largo de su carrera creativa trabaja pintura y escultura. En 1980 y a partir de profundas inquietudes sociales y espirituales no dogmáticas crea el ARTE NÚBICO, un género espacial y participativo de carácter uterino que mediante experiencias sensoriales de ingravidez virtual, inaugura estados ampliados de consciencia que superan la concepción dual de la realidad. El filósofo y crítico de arte Pierre Restany consideró al ARTE NÚBICO “un nuevo estilo del arte”. En 1983 representa a Argentina en la XVII Bienal Internacional de São Paulo. Desde este género realizó tres espacios monumentales en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta, Palais de Glace de Bs. As. y numerosas ciudades de Argentina. Más de 500.000 personas testimonian acerca de las vivencias de atemporalidad e infinitud que provocan estas experiencias. Fue docente de Arte Núbico de la Universidad de Belgrano y de pos grado de la actual Universidad Nacional de las Artes, UNA. Ha recibido numerosos premios entre los que se encuentran: 1962 Médaille d’or Exposition Internationale de la Céramique Contemporaigne Praga Checoslovaquia. 1964 Becada por el Institute of International Education (Fundación Ford). 1974 1º Premio en el XVII Salón Anual de Arte Cerámico. 1977 1º Premio Escultura Salón Internacional de Arte Cerámico. 1979 1º Premio Pintura Salón Fernán Félix de Amador. 1982 Premio Konex disciplina Cerámica. 2005 Gran premio de honor Salón Nacional de Artes Visuales.

    En 2017 recibe la Mención de Honor “Domingo Faustino Sarmiento”, máximo reconocimiento otorgado por el Honorable Senado de la Nación Argentina y es distinguida como Personalidad Destacada en el ámbito de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Bs. As. En 2019 recibe el título de Profesora Honoraria de la Universidad Nacional de Rosario.
    Su obra emblemática, LA NUBE, ha sido declarada de interés cultural por los más altos organismos culturales de la nación. En la actualidad está abocada a integrar el ARTE NÚBICO con áreas de la educación, psicología y divulgación científica.Ç

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    Mirta Toledo

    Mirta Toledo (Buenos Aires, Argentina). Es Licenciada en Pintura de la Universidad Nacional de Arte y egresó como Profesora de Pintura y Escultura de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. En la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova se formó en escultura con el maestro Antonio Pujía.
    En Argentina recibió primeros premios en escultura otorgados por la Fundación Givré, La Bolsa de Cereales, la galería Hoy en el Arte, la Asociación Argentina de Artistas Plásticos y el Ministerio de Cultura y Educación de la Nación, entre otros. Durante su estadía en Estados Unidos, fue becada para realizar residencias por Coronado Studios en Austin, así como Stone Metal Press y NALAC Leadership Institute de la Asociación de Arte y Cultura Latina, ambos en San Antonio. Trabajó como periodista cultural para el Fort Worth Star Telegram, como curadora en La Peña Latino Arts Organization y como docente de artes visuales en la fundación LUPE Arte.
    Realizó muestras individuales en Argentina y Estados Unidos; y participó en exposiciones colectivas en México, Brasil, Malaysia, Grecia e Italia. La conciencia de la diversidad étnica y cultural dentro de su propia familia ha marcado su obra, ya que su padre, Toribio Toledo, era afro-guaraní y su madre, Eva, es española. En 1993, la Editorial Vinciguerra publicó su novela La Semilla Elemental, donde, en clave de ficción, recrea la saga de sus ancestros.
    Desde 1990 sus trabajos aglutinados en la serie Diversidad Pura, celebran la diversidad cultural, religiosa, racial y sexual que hay en el planeta, proponiéndole al espectador una visión alternativa a la eurocéntrica. Diversidad Pura: Una búsqueda de la identidad, fue su tema de conferencias en el Barnard College de Nueva York, la University of North Carolina de Chapel Hill, la University of Maryland de College Park y la Texas Women´s University de Denton, entre otras.Durante sus veinte años de trayectoria en Estados Unidos, su obra pictórica recibió reconocimiento de la crítica por su calidad y mensaje. En 1998 obtuvo La Estrella Award a Mujeres Sobresalientes en Arte, otorgado por el “Hispanic Women’s Network of Texas”. 
    A través de mis obras -subraya la artista- quiero celebrar las diferencias existentes entre los seres humanos, en contraposición a la masificación cultural que nos imponen los medios de comunicación globalizados. La diversidad es uno de los tesoros de la humanidad.
    Recientemente fue elegida por su labor artística para formar parte del libro “100 grandes mujeres latinoamericanas” editado por Billiken festejando los 100 años de esta prestigiosa revista.

    Natalia Ocerín

    Natalia Ocerín (Valencia, 1989) escoge para este proyecto la imagen de Marielle Franco, una concejala de Rio de Janeiro y activista en favor de los derechos de la comunidad negra y LGTBIQ+, especialmente de mujeres de raza negra y trans, que fue asesinada en marzo de 2018 y que hoy es considerada en Brasil como un símbolo de la oposición política al gobierno de ultraderecha de Bolsonaro. A partir de una pintura realizada por la artista (un políptico fragmentado en 9 partes que recogen diferentes fragmentos del rostro de la activista brasileña), Ocerin realiza una macroinstalación que engloba 9 puntos estratégicos de Rio de Janeiro que dibujan un trayecto a partir de las vivencias y memoria de la concejala asesinada: una parte del rostro fue situado por la artista en las favelas donde nació, los ojos en el barrio residencial de familiares de Bolsonaro, el fragmento correspondiente a la boca en el Senado donde la concejala desarrollaba su activismo, el fragmento de los hombros en Casa das Pretas y Casa Nem, sus lugares de resistencia y oposición política, el fragmento correspondiente a su cabeza en el lugar donde fue asesinada, y las sienes en sendos lugares de trabajo de la activista: el Senado y el Palacio de Justicia). Con ello, Ocerin pretende combinar memoria y denuncia pues las imágenes-objeto pasan a ser elemento de interrelación e interpelación social, el resultado del cual es registrado por Ocerin, resultando con ello una combinación entre pintura-instalación-performance y fotografía. Este proyecto inédito en España, que ha podido verse en Rio de Janeiro, constituye un lúcido postulamiento hacia parámetros del arte de acción y el arte de denuncia, a través de una valiente apuesta por el empoderamiento de la imagen en un lugar y un momento críticos, en un momento en que la emergencia del planeta no solo está en lo climático sino en los derechos básicos de los colectivos más vulnerables u objeto de represión como los vinculados al feminismo, las cuestiones de raza o de transgénero.

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    Nela Ochoa

    Nela Ochoa (Caracas, Venezuela, 1953). Artista multidisciplinar referente del arte contemporáneo en Latinoamérica, ha centrado su investigación y creación plástica en el estudio del cuerpo humano y su relación con el entorno desde una mirada médico-científica que conjuga las disciplinas de la danza, videoarte, performance, pintura, instalación y escultura. A partir de los años 90 incorpora la genética como campo de estudio que aplica a la creación artística a partir de cromosomas, secuencias genéticas y gráficos de su propio ADN, que se suma a su trabajo con imágenes médicas para ahondar en las relaciones entre vida y muerte, masculino y femenino, paz y violencia, amor y miedo. Su participación en exposiciones individuales y colectivas en ferias y museos internacionales le ha valido numerosos reconocimientos.referente del arte contemporáneo en Latinoamérica, ha centrado su investigación y creación plástica en el estudio del cuerpo humano y su relación con el entorno desde una mirada médico-científica que conjuga las disciplinas de la danza, videoarte, performance, pintura, instalación y escultura. A partir de los años 90 incorpora la genética como campo de estudio que aplica a la creación artística a partir de cromosomas, secuencias genéticas y gráficos de su propio ADN, que se suma a su trabajo con imágenes médicas para ahondar en las relaciones entre vida y muerte, masculino y femenino, paz y violencia, amor y miedo. Su participación en exposiciones individuales y colectivas en ferias y museos internacionales le ha valido numerosos reconocimientos.

    Neves Seara

    Neves Seara (Ourense, 1983). Empresaria, artista y docente, doctoranda por la Universidad Complutense de Madrid y licenciada en Bellas Artes con la especialización en Escenografía por la Universidad Europea (Madrid).

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    Noelia Muriana

    Noelia Muriana es una artista multidisciplinar que trata temas tan importantes como el feminismo o el género desde cuestiones de temática LGTB, desde una perspectiva política y activista, para dejar claras las desigualdades sociales y las injusticias. Entre sus claras influencias encontramos referencias a Tamara de Lempicka, sobre todo en su obra pictórica, pero también de las otras mujeres artistas como Louis Bourgeois y del arte activista y feminista, como pueden ser Guerrilla Girls, de las que se puede apreciar la crítica social a las injusticias, pero también Cindy Sherman, o Marina Avramovic. Por tanto, al mismo tiempo hace una revalorización de la obra de las mujeres artistas, las cuales han sido invisibilizadas a lo largo de toda la historia y la historia del arte.

    Utiliza su obra como arma política para poner en tela de juicio y visibilizar cuestiones como la instrumentalización del cuerpo de la mujer en la sociedad patriarcal, u otras identidades que no entran dentro del binarismo hombre-mujer o sexo-género, sino que escapan de esos roles y van más allá. Otro de los temas imprescindibles para Muriana es la precariedad de la mujer, desde la cual plasma un crítica feroz al sistema patriarcal, aspecto fundamental en su obra.

    Encontramos una artista polifacética, pero no sólo en la variedad de temas, sino que, para transmitirnos y hacernos partícipes de sus obras, utiliza diferentes medios de expresión, entre sus obras podemos encontrar el vídeo-arte, la escultura, la pintura y el dibujo, los cuales utiliza muchas veces en conjunto, esto hace que se pueda ver mejor su posicionamiento altamente crítico, el cual adopta ante la realidad social de nuestros días y del pasado, muchas veces haciendo una relectura y un análisis de temas que aunque pasados, siguen estando presentes.

    Prado Vielsa

    Prado Vielsa, Soria (1972) Estudió dibujo y pintura en la Escuela Profesional de Bellas Artes de Zaragoza, se formó en grabado, serigrafía, artes gráficas y técnicas digitales aplicadas a la obra gráfica.

    En su obra, el color, la luz y las formas componen el epicentro de su línea principal de trabajo. En ´Cartografías de luz´ Prado juega recreándose con los soportes transparentes, tramas y fotografías inventando volúmenes y transformando las imágenes con la intención de descubrir nuevos diálogos y movimientos. Desde múltiples técnicas y buscando distintas narrativas, trabaja en formatos de libro y objeto de artista con el fin de experimentar y explorar nuevas líneas de trabajo, como en “Obligada desmemoria” proyecto que comenzó siendo un objeto expuesto en Madrid y Sevilla y que ha ido transformando, exponiéndose el año pasado en Zaragoza en formato de instalación y que sigue en proceso.

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    Rebeca Lar

    Rebeca Lar (Rebeca López Villar) Vigo 1993. Grado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo 2015, con Premio Fin de Carrera de la Comunidad Autónoma de Galicia. Máster en Arte Contemporáneo Creación e Investigación (Universidad de Vigo 2016). Actualmente está realizando el Grado en Lengua y Literatura Española (UNED), así como el Programa de Doctorado en Creación e Investigación en Arte Contemporáneo por la Universidad de Vigo.

    En su trayectoria como artista obtiene varios premios relacionados con su investigación sobre las “brujas”
    Primer premio de pintura con la obra … y quemada (XV Premio de Pintura, Universidade de Vigo), Accésit con la pintura Sin título (definición de bruja) (XIV Certame de Artes Plásticas, Deputación de Ourense) año 2017. Premio Ernestina Otero para la inclusión de la perspectiva de género en los trabajos de fin de máster (Concello de Pontevedra, 2016) con el trabajo de investigación “Las brujas no me dan miedo, lo que me da miedo son los hijos de puta: el concepto “bruja” en la creación audiovisual contemporánea“ (2016). Entre otros, además del premio Fin de Carrera de la Comunidad Autónoma de Galicia, obtiene el premio Extraordinario Fin de Grado en la Titulación de Bellas Artes. El premio en el II Concurso del 25 aniversario de la Facultad de Bellas Artes para la creación de obras artísticas para el módulo hospitalario del Hospital Álvaro Cunqueiro de Vigo. Bolsa del programa Iniciativa Xove para el comisariado del proyecto PALABRA DE ARTISTA (Xunta de Galicia).

    La obra de Rebeca se encuentra en colecciones públicas y privadas como la Deputación de Ourense, Xunta de Galicia, Universidad Loyola de Andalucia… Participa en actividades de investigación de forma activa, publicando artículos, participando en congresos, seminarios, mesas redondas… Los últimos proyectos en los que ha trabajado, surgen de una preocupación entorno a la mujer y sus representaciones, para construirlos se ha basado fundamentalmente en la figura de la “bruja”.

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    Rocío Bueno

    Es una Economista y fotógrafa nacida en Madrid. En 2010 la fotografía se instala en su vida formándose de tanto en técnica profesional y como en concepto y creación desde ese momento.
    Desde 2015 compatibiliza la economía y la fotografía, aunque poco a poco la balanza se va inclinando hacia su vocación mas artística. Como fotógrafa realiza trabajos en el ámbito del retrato e imparte talleres de fotografía y lenguaje visual para niños y adolescentes en centros educativos.
    Esta doble formación le permite un acercamiento, humanista y analítico, a los proyectos que desarrolla, focalizándose especialmente en la investigación de la fotografía expandida.
    Ha realizado diversas exposiciones colectivas, destacando Matadero Madrid y el Museo de la Fotografía de Huete (2016), en el Centro de Arte de Alcobendas, Centro Cultural Galileo y Real Sociedad Fotográfica (2017), Cosmos en Les Rencontres d ´Arles (2018) y el año pasado en Hybrid Festival y Sala EFTI.

    En el 2019 realizo su primera exposición individual en el Centro de Creación Cárcel de Segovia (Galerías VII).

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    Rosana Paulino

    Rosana Paulino (São Paulo, Brasil, 1967) es titulada en Grabado, con doctorado en Artes Visuales, por la Universidad de São Paulo. En 2017 recibió el Premio de la Asociación Brasileña de Críticos de Arte (ABCA) por su producción contemporánea. Como becaria de la Fundación Rockfeller, en 2014, participó de la residencia Bellagio Center Arts para artistas latinoamericanos. Tiene obra en los acervos del Museo del Arte Moderno (MAM) de São Paulo, Museo Afro-Brasil, Pinacoteca de São Paulo y Art Museum University of New Mexico, Estados Unidos. Muchas son sus exposiciones individuales y colectivas, siendo la más reciente la del Museo Internacional de la Mujer (MIMA), Meu corpo e minha língua, en Lisboa, Portugal (2019); Assentamento, en la Clifford Art Gallery, Colgate University, Estados Unidos (2018); Atlântico Vermelho , en el Padrão dos Descobrimentos, Lisboa, Portugal (2017); South-South: let me begin again, en la Goodman Gallery de Cape Town, Áfica do Sul (2017); La corteza del alma, Galeria Fernando Pradilla, Madrid, España (2016); Obscure beauté du Brésil, en la Université de Franche-Comté, Besançon, Francia (2014). Como artista se destaca por su producción vinculada a las cuestiones de género, raza y memoria. Sus trabajos focalizan la posición de la mujer negra en la sociedad brasileña, como también los varios tipos de violencia soportado por esa población en virtud de la esclavización. El trabajo de la artista contribuye para cuestionar la narrativa hegemónica sobre la esclavización, centrada en los instrumentos de tortura y la subordinación de las personas esclavizadas en el sistema colonial, para comprender como un pasado traumático tiene consecuencias sobre las generaciones subsiguientes.

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    Sara Aroca

    Sara Aroca (1994, Murcia). Realizó su primera exposición individual en Galería Léucade en mayo de 2018. En septiembre de ese mismo año participó en la 1ª edición de Keyhole Art Fair en Murcia y en septiembre del 2019 en la 2ª edición de la misma feria en Málaga. “Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Murcia y con estudios en danza clásica, flamenca y contemporánea. Hasta el momento, he participado en varias exposiciones colectivas, he realizado performances donde se unían danza, pintura y música, o he trabajado en el desarrollo de proyectos artísticos en la asociación Eurodynamis. En el ámbito pictórico he creado obras con distintos estilos, pero me he centrado en una línea más hiperrealista enfocada a transmitir sensaciones. Pues creo que el arte tiene que transmitir, generar sensaciones en el espectador que observe la obra, en cualquier estilo o disciplina artística, además de ser en ocasiones, una magnifica forma de denuncia o reivindicación. Y esto es lo que traté de reflejar con la exposición «Erotofobia», mi primer proyecto personal, destinado a una exposición individual llevada a cabo en el 2018 en Galería Léucade, Murcia. Una exposición que denuncia el miedo o rechazo que tiene la sociedad hacia la sexualidad y el cuerpo desnudo. Una sociedad que ha construido la idea o sentimiento de que todo lo relacionado con la sexualidad, el cuerpo desnudo y sus placeres son algo vergonzoso. Esto se acentúa para las mujeres (entre otros muchos aspectos, podemos verlo de forma evidente, en un ámbito tan actual como son las redes sociales y sus censuras).”

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    Silvia García González

    Silvia García González (Cangas do Morrazo, 1973). Profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo El archivo personal, la acumulación de papeles «ephemera» se fueron convirtiendo en collages tridimensionales, en cuadernillos o libros de artista, pequeños objetos que se construyen a partir de los fragmentos, recortes de periodicos, fotocopias, apuntes, listas. Esta reconstrucción intenta ofrecer una relectura del rastro material que dejamos. En este proyecto específico, los libros de artista, como artefactos, dialogan con los espacios domésticos del Pazo de Tor, en los que podemos leer los rastros de otras vidas, de otras mujeres. ¿Qué papeles guardamos?, las notas, las listas, todos eses materiales hablan de nosotros. Dialogando con los diversos fragmentos establecemos un juego con las fotografías domésticas, mujeres posando según los distintos cánones y modas. Todavía tendremos que hablar de construir una habitación propia, un lugar para las memorias y relecturas.

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    SOLEDAD PENALTA

    Soledad Penalta (Noia, 1943)  comenzó su carrera artística en 1972 trabajando con la cerámica, y desarrolló su trabajo en diferentes seminarios y talleres, con maestros como Isaac Díaz Pardo. No fue hasta la década de 1990 cuando principió a trabajar con fundición en bronce, hierro y acero, destacando las esculturas de gran formato para exterior, algunas de las cuales están expuestas públicamente, como en el paseo marítimo de A Coruña, en el parque escultórico de la Torre de Hércules o el busto a María Marino en Noia.

    Participó en diversas muestras individuales y colectivas y tiene obras en diversos museos como el Museo Bello Pino, en Ferrol y en el Museo de Arte Contemporáneo de Cerámicas O Castro, en Sada, entre otros. Así como numerosas obras en fundaciones y colecciones de arte. 

    En el año 2018 es nominada académica numeraria de la Real Academia Gallega de Bellas Artes en la sección de escultura.  Recientemente es  galardonada en los Premios de la Cultura Gallega 2019, distinguida en la modalidad de Artes Plásticas. 

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    Susana Sánchez Carballo

    Susana Sánchez Carballo (Costa Rica) Se graduó de una Maestría en Bellas Artes en Cinematografía de la Universidad de Costa Rica (U.C.R) y un título superior en Artes Plásticas en Pintura de la U.C.R. Tiene estudios en Fotografía y Diseño Gráfico en la U.C.R. En 2018 fue seleccionada para exponer en el Paseo de las Américas, exposición artística itinerante e internacional organizada por el Banco Interamericano de Desarrollo (BID) y en la Bienal Internacional de Performance “PerfoArt Net”. Además, actualmente se encuentra participando en los siguientes Festivales con su videoarte “Gritos mudos”: Ibiza Cine Fest, Five Continents International Film Festival, South Film and Arts Academy Festival, Cadaqué Short Film Festival y Ganador del Premio de Mérito en la Competencia Internacional de Cine Accolade. En 2016, fue ganadora de la Bienal Miradas de Mujeres, organizada por la Asociación de Mujeres en Artes Visuales de España, y su trabajo fue seleccionado entre otros 150 participantes internacionales. Ese mismo año, presentó su trabajo individualmente en Matadero Madrid en España. Ha participado de las exposiciones colectivas: Conjunciones. 1era Edición. Museo de Arte Costarricense, Costa Rica; En La Calle. Apropiación de espacios públicos, MADC, Participación en 1era edición 2008, 2da edición 2007, 1era y 5ta edición 2006; Trans/figuraciones. Museo de Arte Costarricense e Instituto Cultural de México; Cuadriláteros, Museo de Arte Costarricense e Instituto Cultural de México; “Holanda 2005”. Exposición de Diseño Latinoamericano. Ámsterdam, Holanda; Gráfica Joven, Sala de Exposiciones del periódico La Nación, Costa Rica; (in)timar. Centro Cultural de España. Costa Rica.

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    Teresa Suárez

    Teresa Suárez (Oviedo, 1993) es una fotógrafa asturiana afincada en París desde 2014. Graduada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Burgos, finaliza sus estudios en la prestigiosa Universidad de la Sorbona (París) gracias a una beca Erasmus +.
    Su fotografía, de carácter social, se divide entre la fotografía de actualidad y documental donde trabaja fundamentalmente cuestiones relacionadas con el género, la mujer, el territorio o la identidad, las cuales ha podido desarrollar en países como Francia, España, Austria, Ucrania, Líbano o Siria entre otros.
    Su trabajo ha sido publicado en medios nacionales e internacionales como El Salto, Píkara Magazine, XL Semanal, Le Parisien, La Chronique o 6 Mois entre otros.
    Forma parte de la asociación Femmes Photographes, que busca dar visibilidad al trabajo de mujeres que utilizan la fotografía como forma de expresión artística.

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    Yolanda Domínguez

    Es artista visual y activista, experta en comunicación y género. Estudió Administración y Dirección de Empresas en la Universidad Complutense. Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y es Master en Arte y Nuevas Tecnologías por la Universidad Europea y Máster en Fotografía por la Escuela EFTI de Madrid. 

    Realiza proyectos de arte de acción en los que involucra activamente a las personas y que obtienen gran impacto en redes y medios de comunicación. Su trabajo analiza las implicaciones éticas de la imagen y el papel que desempeñan con respecto a las desigualdades sociales. Entre sus acciones más conocidas están “Poses”, una crítica a las posturas de las modelos femeninas en las editoriales de moda, “Accesibles y Accesorias” la contra campaña a un anuncio sexista de una famosa marca de gafas que logró que retiraran el anuncio y su acción colectiva ‘Registro’ en la que mujeres de toda España se movilizaron para acudir en masa a los Registros de la Propiedad a solicitar la propiedad de su cuerpo, a raíz de la polémica en torno al Anteproyecto de la Ley del Aborto en 2014.

    Actualmente, compagina su vida artística con el ámbito educacional, colaborando con distintas universidades y escuelas de todo el mundo. También es columnista en el HuffPost, donde escribe semanalmente sobre la representación del género en los medios y colabora con instituciones y organismos de carácter gubernamental realizando campañas de concienciación. 

    Yumna Al-Arashi

    Yumna Al-Arashi (1988 Washington D.C.) entiende las imágenes como un medio para impulsar un cambio y romper los clichés y los patrones de visión que existen sobre las mujeres. En sus obras, el cuerpo femenino ejerce como medio de negociación de los discursos poscoloniales. Así vestimentas, entendidas como una práctica corporal, o su ausencia, son empleadas por la artista como instrumentos de reflexión. Asimismo el empoderamiento de las mujeres juega un papel importante y es tratado de formas diversas en las obras. Contrariamente a las concepciones difundidas sobre las mujeres musulmanas, las obras Rituales The 99 Names of God y Shedding Skin se ubican en la intersección de feminismo, sexualidad y los derechos humanos en el contexto del Oriente Próximo y Medio. En las obras no sólo se abordan los motivos ‘clásicos’ de la representación oriental, como el harén y el velo, sino que también se cuestiona la dicotomía entre la exploración de la sexualidad y una creencia musulmana considerada conservadora. La artista propone una reinterpretación del Islam y de las mujeres musulmanas, porque «Islam’s underlying inherent meditative, universal and spiritual value has been washed over by negative media representation and male-dominated dogmatic imposition.»[1] El oeuvre de Al-Arashi no sólo actúa en un contexto musulmán, sino que en general tematiza la posición de la mujer en un contexto postcolonial. Así la obra Montañas muestra a un grupo de mujeres bolivianas escalando la montaña pachamama, enfocándose la fuerza, el poder y la autodeterminación de las mujeres como respuesta a la represión de la mujer a través del colonialismo patriarcal. La artista es una voz potente en los discursos feministas, mostrando una perspectiva no delimitada por fronteras nacionales.

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