miércoles, octubre 20, 2021

    Artistas VII MMM

    Las artistas, las grandes protagonistas de MMM

    Desde el primer momento quisimos que la selección de artistas y disciplinas fuera exclusivamente de las participantes. Así, todas ellas, blogueras, comunicadoras, periodistas, gestoras de espacios de arte, comisarias, museólogas, teóricas, historiadoras, coleccionistas, críticas, galeristas…han llevado a cabo su elección de forma completamente libre. 

    El resultado es, año tras año, la prueba de que no nos equivocamos en el planteamiento.

    En esta VII edición contamos con 55 artistas, comprometidas y empoderadas. A las que se suman las integrantes de los proyectos invitados a las que desde aquí también damos la bienvenida.

    Aideen Barry

    Aideen Barry (ARHA) es una artista visual cuyo trabajo ha sido extensamente expuesto en exposiciones individuales y colectivas y encargos en Irlanda e internacionalmente.

    Entre sus proyectos más destacados se incluyen: residencias y exposiciones en el IMMA, The Irish Museum of Modern Art (2016) The Hdlands Centre for the Arts , San Francisco (2011), Art OMI, New York (2013), Oklahoma Contemporary/Marfa Contemporary (2023), Matucana 100, Santiago De Chile (2018) ChACO, Chile( 2018) ArtBA, Buenos Aires ( 2021), Liste Art Fair, Art Basel (2011) NASA Kennedy Space Centre(2008), Skaftfell, Iceland (2007), Banff Centre, CA (2007), Centre Cultural Irlandais, Paris (2003). Entre sus proyectos internacionales individuales están: Matucana 100, Chile (2018), Ch ACO, Chile (2019), The Katzen Centre at the American Museum (2019), Wexner Centre, OH (2010), Elephant Magazine & Elephant West Gallery, London (2019) Moderna Musett, SE (2008), Musée des Beaux Arts, Lyon (2009), Louise T. Blouin Gallery, UK (2007), Galería Isabel Hurley, ESP (2012) Artscene, Shanghai (2005) and Project 304 Gallery, at Bangkok Thailand (2007), BAC Geneva, CH (2011), Liste Art Fair CH (2010), in Catherine Clarke Gallery, CA (2011), Yerba Buena Centre, CA (2012) and CHANGING TRACKS EU (UK, ESP,IRE) 2014.

    Entre sus exposiciones individuales en Irlanda destacan: Crawford Municipal Gallery (2009 & 2010), Project Art Centre (2010), Temple Bar G&S (2007), Limerick City Gallery ( 2009 & 2016), The RHA ( 2009, 2011 & 2016), Visual Carlow (2010), Mothers Tankstation (2011), The Butler Gallery (2009). Ha recibido también importantes premios nacionales e internacionales como The Myron Marty Lectureship, Drake University (Iowa USA 2019), The Anderson invited Professorship, Penn State University (2020), guest speaker at NYU, NYU DC, American University, George Washington University, Universidad de Santiago de Chile, The Claremorris Open Award (2004), The Silent Light Film Award (Cork Film Festival 2005), The Project New Work Award from the Arts Council of Ireland (2008, 2009, 2010, 2017), Bursary Awards from the Arts Council of Ireland, Culture Ireland Award (2007, 2010, 2011, 2018, 2019), Local Authority Awards, Travel and Training Award from the Arts Council (2007, 2011), premio IGNITE en 2014 & 2015 y en 2010 fue seleccionada para el prestigioso AIB Prize. El trabajo de Barry forma parte de importantes colecciones de arte internacionales como Art Omi, Nueva York; The Frances Greenberger Collection, Trinity College, Dublín, The Glucksman Gallery, University College Cork, Department of Education & Skills, Office of Public Works; Centro de Arte Contemporáneo, Málaga, ESP; The Butler Gallery collection, NUIG Collections y The Arts Council of Ireland. Es miembro electo del Aosdána y fue recientemente elegida miembro de la Royal Hibernian Academy.

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    Alba Escayo

    Alba Escayo (1981, Avilés, Asturias) Licenciada en la Bellas Artes en la Universidad Complutense continúa sus estudios de postgrado en Bolonia y en Belgrado. Escayo vive en Madrid y participa frecuentemente en exposiciones y proyectos internacionales. Colaboraciones con otros artistas e instituciones la han llevado a trabajar asiduamente en Singapur y en los Balcanes. En su pintura explora técnicas mixtas y nuevos medios para plasmar obras vibrantes en las que a menudo se distinguen referentes de la naturaleza y el paisaje. En su obra se produce una hibridación de símbolos naturales y culturales y encontramos un magma armonioso de iconos, trazos abstractos, palabras y grafismos.

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    Alba Lorente Hernández

    Alba Lorente Hernández (1994, Zaragoza) vive y trabaja en Madrid. Actualmente forma parte del grupo de artistas de Atelier Solar.

    La obra de Alba Lorente aborda una estética destructiva fundamentada en los artistas destructivistas latinoamericanos de principios de los 60. Plantea la destrucción como creación, no solo de una imagen sino de una metodología de comprensión antropológica que le ayude a entender las pulsiones tanático destructivas. Asimismo, elabora un código para el mundo estético y otra percepción de lo bello. Lo que aquí se considera extraño y anómalo es, en realidad, un escape donde la obra se consigue a base de romper y deformar la materia con la que trabaja. Siguiendo esta línea, realiza dibujos y esculturas de naturaleza abstracta donde se aprecia el registro procesual y temporal basado en el propio soporte y la acción que es aplicada en él.

    Lorente se graduó en Bellas Artes por la Universidad de Zaragoza (2016) y actualmente es doctoranda en el Programa de Investigación en Arte Contemporáneo de la Universidad del País Vasco. Entre sus exposiciones individuales, cabe destacar “Ater, atra, atrum”, Centro de Arte Tomás y Valiente, Fuenlabrada, Madrid, “A los que quieran saber el porqué. El camino de la obra de arte como posibilidad” (Sala de exposiciones del edificio de Bellas Artes de Teruel), y ”Ascesis. Desgarro del proceso” (Espacio UM/ES, Universidad de Murcia). También ha participado en múltiples exposiciones colectivas tanto en España como en Italia.

    Es coeditora de la revista de creación La Novicia. Fue seleccionada para formar parte de la Promoción XVIII de la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores, de Open Portfolio VI 2019, finalista en Suburbia Archivo de Artistas 2018-2019, premio adquisición en el Concurso de Artes Plásticas Hotel Four Seasons Madrid 2018; y ganadora de la primera edición de las Becas Bezart.

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    Ana Casas Broda

    Ana Casas Broda (Granada, 1965) es una fotógrafa, escritora, gestora, docente, editora y comisaria radicada en México desde 1974.​ Su obra gira en torno a su autobiografía y la construcción de la identidad. Los principales temas en su trabajo son la memoria, el cuerpo, la familia, el archivo, la genealogía y la maternidad. Es autora de dos libros: Álbum (2000) y Kinderwunsch (2013).

    Además del desarrollo de su obra, desde 1990 se ha dedicado a la organización de actividades sobre fotografía, tales como programas de estudios, seminarios, talleres, encuentros, conferencias, etc. En el año 1994 fundó el área de talleres del Centro de la Imagen, que estuvo bajo su coordinación hasta el año 2008.. Desde el año 2002 hasta el 2006 fue coordinadora de FotoGuanajuato, iniciativa del Instituto de Cultura de Guanajuato y el Centro de la Imagen.

    Desde el año 2007 trabaja como coordinadora y tutora del Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen. Actualmente el seminario se realiza en colaboración con el Centro de las Artes de Oaxaca.

    En 2012 funda el proyecto Hydra con Gabriela González Reyes y Gerardo Montiel Klint, una plataforma para generar proyectos relacionados con el medio de la fotografía. www.hydra.lat

    Desde 2014 desarrolla fotolibros con diversos autores y editoriales como: «Casita de Turrón» de Roberto Tondopó y «Moisés» de Mariela Sancari, con la editorial La Fábrica, España, y «New Era» de José Luis Cuevas con la editorial RM.

    Desde 2013 realiza el programa educativo de HYDRA + FOTOGRAFÍA, en el cual ha realizado numerosos talleres y el programa INCUBADORA DE FOTOLIBROS.
    En 2016 crea INCUBADORA DE FOTOLIBROS, un programa donde autores desarrollan sus fotolibros con la asesoría editores y diseñadores nacionales y extranjeros. INCUBADORA DE FOTOLIBROS se llevó a cabo en las ediciones 2016, 2017-2019 y se realiza por tercera vez en 2019.

    En 2018 funda INFRAMUNDO, proyecto editorial de Hydra, con Ramon Pez y José Luis Lugo, que en 2018 publica 24 fotolibros y se presentaron en ferias internacionales como Cosmos, Arles, UNSEEN, Amsterdam, Países Bajos; Grand Palais y Polycopies PARIS PHOTO 2018.

    Ana Casas Broda ha participado como jurado y nominadora de importantes premios como 6×6 GLOBAL TALENT de World Press Photo 2018, Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA, Voies Off del festival Rencontres Arles 2019, Talent Award de C/O Berlin 2019, Joop Swart Masterclass Worldpress Photo 2019, entre muchos otros.

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    Ana Daganzo

    Ana Daganzo (Madrid, 1992) es artista visual. Graduada en Diseño por la UFV (Madrid) y Máster en Bellas Artes por la University for the Creative Arts (Canterbury), su trabajo se desarrolla habitualmente mediante la fotografía, explorando distintas técnicas analógicas y experimentales, y la instalación.

    A través de su obra plantea una reexaminación de diferentes teorías y fenómenos relacionados con la ciencia, la astronomía, la física o la mística desde un punto de vista poético y subjetivo, con especial interés en lo desapercibido y lo indemostrable como punto de partida para crear nuevas conexiones y juegos de significados.

    Su obra se ha mostrado en espacios como: Vitra Design (Madrid, 2014); Matadero (Madrid, 2015); Patrick Studios Project Space (Leeds, 2015); Museo Dados (Salamanca, 2015); Hotel Pasteur (Rennes, 2016); Brewery Tap (Folkestone, 2016); Eastbridge Hospital of St Thomas the Martyr (Canterbury, 2017); Salón Internacional de la Luz (Bogotá, 2017), Ateneo de Málaga (2018), Hybrid Art Fair (Madrid, 2019), JustMad (Madrid, 2020) y Paper Positions Berlín (2020) entre otros. Además, ha expuesto de manera individual en el Museo de la Alquimia (Córdoba, 2018) con su proyecto Transmutaciones.

    Ha realizado residencias artísticas en Stour Valley Creative (Ashford), Alfara Studio (Salamanca) y en la Fundación Antonio Gala (Córdoba) y ha recibido becas como FORMARTE, categoría fotografía y artes visuales, del Ministerio de Cultura y Deporte (2019 y 2020), Injuve, Ayudas a la Creación (2018), la beca Mutua Madrileña (2016) y su proyecto Inflexión fue premiado con la beca anual de escuela de fotografía La Máquina (2015) e incluido en el libro El Proyecto Fotográfico Personal (Fotoruta).

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    Angie Vera

    Angie Vera (Borriana, Castelló, 1989) Si por algo se caracteriza Angie Vera es por ser una artista plástica. Su obra se desarrolla, principalmente, a través del dibujo y la pintura, dos técnicas que conjuga y suele trasladar al ámbito de lo urbano cuando trabaja en murales de gran formato en la ciudad. Estos murales poseen un marcado carácter social y cuentan con un claro mensaje feminista, lo cual la sitúan como una mujer activista, preocupada por dar a conocer la historia de los movimientos sufragistas.

    Para ella su arte es su manera de mostrarle a la gente que el feminismo existe, les guste o no, quieran reconocerlo o no, y que lleva muchos años en activo. De ahí que su obra verse sobre mujeres ilustres que retrata perpetuando y evidenciando su causa y existencia, pero también sobre la cotidianidad que envuelve y circunda a cada una de las retratadas.

    Asimismo, Vera juega con los colores y el efecto que le confiere el blanco y negro, a la vez que explota las texturas que la pintura y el dibujo le ofrecen en una era donde lo tecnológico y digital están a la orden del día.

    Bárbara Long

    Bárbara Long (Newark-on-Trent, 1960) es artista visual, arte terapeuta y docente de artes plásticas. Desde hace 27 años, vive en Madrid. Trabaja con fragmentos de obras y bocetos, trapos usados, hilos y alambres viejos, restos de poda de árboles. Lo hace mediante “un proceso” casero, tejiendo, cosiendo, zurciendo, vendando, arreglando y tiñendo (artes supuestamente menores o manualidades habitualmente consideradas femeninas).

    Lo suyo es un proceso infatigable de hacer, deshacer y rehacer, un proceso creativo que a propósito dejo visible en la obra final. De esta manera pone en evidencia la labor infatigable de muchas mujeres en el hogar y la desigualdad en el reparto de tareas domésticas, a la vez de investigar temas como la memoria, el legado, la maternidad. Tanto antes como durante el confinamiento, Long ha estado creando esculturas de textil en formas de refugios, crisálidas, jaulas o celdas; estructuras que protegen tanto como restringen. Por un lado su obra celebra todo lo “domestico”, el confort que nos ofrece todo lo cotidiano dentro del hogar. Por otro lado su obra plasma y evoca ideas sobre la protección y el confinamiento, nos incita a cuestionar nuestras ideas ambivalentes sobre lo que consideramos nuestro hogar o nuestro nido; lugar donde crecemos, cambiamos y finalmente, huimos.

    Últimamente ha estado creando instalaciones inmersivas e interactivas de gran formato y videos caseros de sus procesos e interactuaciones con sus obras. Como arte terapeuta trabaja con la población inmigrante y refugiada y tiene un interés especial en trabajar en atención temprana con padres y niños pequeños.

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    Bulgarcita Pingos

    La propia Bulgarcita Pingos ha redactado un breve texto para explicar qué es lo que quiere transmitir:

    «Adoro darle vuelta a prendas usadas, una nueva vida, utilizar las prendas como forma de expresión poética, collages de telas viejas que se convierten en algo lleno de vida, en imágenes que nos pueden representar a cualquiera, mostrando de un modo simple situaciones o emociones de la vida diaria, embelleciendo los supuesto defectos, desde un punto de vista, como no puede ser de otra manera, reivindicando lo nuestro, lo de todas, lo común. Una vez que se ve la desigualdad, ya no puedes ignorarla. Bulgacita Pingos surge como la profesionalización de ese interés. el deseo de contar y que me cuenten… cada prenda es especial, con su historia, cada imagen tiene un pequeño cuento que la completa y acompaña. coser y contar desde Valladolid (calle/ Ferrocarril,27) que es donde tengo mi taller/ tienda. Además se pueden ver muestras de lo que hago, periódicamente, por diferentes sitios de la ciudad, que he expuesto (más de 20 ocasiones) en todos los sitios donde me han invitado a hacerlo: bares, salas de exposiciones, librerías, bibliotecas…

    He hecho talleres de reciclados textiles, tanto prácticos, para tunear prendas con una vida detrás, como artísticos, manipulación de telas y texturas para conseguir un resultado más conceptual, estos últimos con una intención más de género muy divertidos y estimulantes, ¡que me lo han dicho!

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    Carmen Calvo

    Carmen Calvo (Valencia, 1950) es una artista contemporánea española, destacada por su aportación al arte contemporáneo internacional. ​En el año 2013 se le otorga el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte ​y fue nombrada en 2014 académica de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.

    Estudió publicidad con anterioridad a ingresar en la Escuela de Artes y Oficios y en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos, ambas en Valencia. Tras desarrollar su carrera artística en Madrid y en París, vuelve a su Valencia natal donde desarrolla toda su actividad artística y creativa desde 1992.

     Calvo es una de las artistas españolas conceptuales más representativas del panorama artístico actual, siendo creadora de un lenguaje muy personal a través del cual, pretende denunciar la violencia de la sociedad, volviendo su mirada hacia la cultura popular y las raíces ancestrales como respuesta a los desafíos de la globalización.

    La obra de Carmen Calvo constituye un claro exponente de la renovación cultural española de las últimas décadas. Cuenta con una formación clásica que deja entrever incluso en sus obras y composiciones más vanguardistas.

    De su personalidad creadora se ha afirmado que cuenta con unas raíces estilísticas y conceptuales que evocan algunas propuestas artísticas como la abstracción informalista, el arte povera y ciertas influencias del pop-art.

    La originalidad y calidad de su trabajo fueron reconocidas rápidamente por lo que, en 1997, fue elegida para representar a España en la Bienal de Venecia, hecho que sirvió para impulsar su carrera artística internacionalmente.

    Con un curriculum impresionante y una enorme relación de exposiciones nacionales e internacionales, su trayectoria recoge más de ciento sesenta muestras individuales en museos, grandes instituciones y galerías de Arte nacionales e internacionales. Fotografía: © Marga Ferrer.

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    Carmen Ibañez

    Carmen Ibañez (1958, Zaragoza). Su trayectoria como artista autodidacta comenzó en la Librería de Mujeres de Zaragoza con una exposición de retratos femeninos al tiempo que cursaba estudios de Filología Hispánica. La creación artística ha impregnado todo su recorrido vital además de ejercer como docente. Hace unos años se sumergió en la maravillosa experiencia de estudiar Bellas Artes en Bilbao, obteniendo Premio Extraordinario de Carrera.

    Ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales a nivel nacional e internacional como en Francia o México además de España. Sus temas han girado siempre en torno al patriarcado, la identidad y la violencia de género, tema central y recurrente en su obra, con el cual no sólo ha convivido como artista, sino también como mujer. Este hecho la ha sumergido en un profundo conocimiento del mismo y, por ende, en un deseo, quizá catártico, de elaborarlo desde su propia perspectiva. Gela 44 fue un recorrido por los distintos habitáculos del hogar, vividos de modo angustioso a través de una instalación- homenaje a las 44 mujeres asesinadas en el País Vasco (2007-2014). Genus, premiada en el concurso Artesturak de Euskal Herria, plantea la cuestión de la identidad de género; mientras que la serie fotográfica Seis personajes en busca de autora, es un alegato contra el patriarcado.

    Asimismo, su estética ha escrutado, en ocasiones, temas metafísicos como la muerte, Ausencias-Presencias. Varias han sido las performances y los happenings de corte feminista contra la desigualdad salarial (Espai Can Batlló), la liberación de la mujer en el marco de la violencia (Jardines de los derechos humanos de Barcelona) o denuncia contra el patriarcado (Casa de cultura de Hernani). En 2020 se produce la creación del binomio Generarte2020 a raíz del confinamiento, reflexionando acerca de la doble reclusión de la mujer maltratada.

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    Carmen Pastrana

    Carmen Pastrana es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1994, con beca fin de carrera en Segovia. En 1999 se traslada a Nueva York por un periodo de ocho años, realizando en esa ciudad varias exposiciones entre las que destacan sus individuales en Fish Tank Gallery , Penalver Studio y White Box Gallery.

    En 2007 recibe una beca de NYArts para trabajar en sus estudios de Pekin. Al finalizar su estancia en China vuelve a Madrid donde trabaja en su taller del centro de Arte El Jacalito. Actualmente vive y trabaja entre Madrid y Palma de Mallorca. En España ha realizado numerosas exposiciones, entre las cuales destacar las individuales Fear ( Galeria Bilkin, Bilbao), Siono (Sala El Brocense, Cáceres), La invasión de los dragones (Galería La Casa Rosa, Málaga), Nicethingtosay ( Galeria BAT Alberto Cornejo, Madrid ) y Sin Darnos Cuenta (Galeria MA Arte Contemporáneo, Palma de Mallorca) En 2013 participó en la Bienal del Sur de Panamá, realizando un mural de 20×8 metros en la Plaza de la Catedral de esa ciudad.

    A lo largo de su carrera ha sido premiada en varios certámenes nacionales de pintura. Entre ellos el Casimiro Sáinz , el Certamen de Artes Plásticas El Brocense, El Salón de Otoño de Madrid, La Fundación Amigos de Madrid y La Fundación Antonio Camuñas. Ha participado con distintas galerías en Ferias de Arte como Arco, Artmadrid, Estampa, Justmadrid y Reddot Art Fair (Miami) Su obra está presente en colecciones tanto particulares como institucionales, entre éstas están la Diputación de Cáceres, The David Dawes Nee Foundation, la Fundación Antonio Camuñas, la Fundación Amigos de Madrid, la Colección El Corte Inglés , el Ejército del Aire , el Ayuntamiento de León, el Ayuntamiento de Reinosa , el Ayuntamiento de Chinchón , el Ayuntamiento de Colmenar Viejo , el Ayuntamiento de Castillo de San Fernando y el Ayuntamiento de Elda.

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    Citlally Miranda Pérez

    Citlally Miranda Pérez (Santo Domingo, 1970)  Artista multidisciplinaria dominicana. Produce sus obras en distintos medios como el dibujo, collage, pintura, fotografía, intervención de objetos, esculturas textiles, instalación, videoarte, performance, y experimenta la interacción de procedimientos de los que resultan piezas híbridas.

    Ha recibido distinciones, galardones y reconocimientos. Premio de Pintura (2008), Premio de Fotografía y Wilfredo García (2009). Artista invitada del Salón del Dibujo, Museo de Arte Moderno (MAN) en el 2007 y 2008. En el 2010-2011 es seleccionada y finalista en la V Bienal Inter-Americana de Videoarte BID del Proyecto itinerante por 15 países en festivales de video arte y cine como el de Cannes. En el 2011 es artista seleccionada y premiada en la XXVI Bienal Nacional de Artes del Museo de Arte Moderno (MAN). En el 2012 es artista seleccionada para el proyecto transnacional de intervención urbana De Mi Barrio a Tu Barrio, Goethe-Institut Mexiko, itinerante por países Latino-americanos, México y Alemania, y para el XXIV Concurso Eduardo León Jimenes de Santiago de los Caballeros, RD. En el 2013 su pieza fotografía impresa en plástico e intervenida con dibujos y pinturas, Pimpiada, es adquirida por la Colección Virginia Pérez-Rattón de San José, Costa Rica.

    En este mismo año obtiene el Premio XXVII Bienal Nacional de Arte, Museo de Arte Moderno (MAN) de Santo Domingo, y es artista invitada y ganadora de la 1ra Bienal del Dibujo, en la categoría de Tinta en el Palacio de Bellas Artes, Santo Domingo, RD. Ha realizado seis exposiciones individuales en República Dominicana (RD); participado en exposiciones colectivas en Santo Domingo, Santiago de los Caballeros, Puerto Plata, San José (Costa Rica), Fort-de- France (Martinique), Miami (Florida) y Filadelfia (Estados Unidos). En el 2018 es galardonada con el Premio Joyce de Guatemala Award, que es para incentivar artistas, principalmente mujeres de origen latinoamericano.

    Consuelo Chacón

    Consuelo Chacón reside en Madrid, trabaja como artista y es licenciada en Bellas Artes y en Geografía e Historia, habiendo realizado residencias artísticas en Francia, Italia y España.

    Ha recibido premios de la UNED de Mérida, de la Caja de Ahorros de Segovia, el Ford de la Universidad Politécnica de Madrid, del Salón de Artes Plásticas de Alcobendas, L’Oreal, Distrito de Lavapiés, XX Bienal de Toledo y primer premio de Becarios de la Universidad Complutense, habiendo participado en Ferias como Arco, Estampa, Valencia, Hotel y Arte Sevilla, Málaga, Artisima (Turin), Basel (Miami), Armory (Nueva York), San Diego (EEUU),Santa Fe (EEUU), Estocolmo, JustMad, ArtMarbella, Feria de Bolonia. Entre sus exposiciones individuales destacar en las Galerías Arteara, Carmen de la Guerra y Espacio 51 de Madrid, el Ateneo de Málaga, la Ciudadela de Pamplona y la Junta Municipal de Moncloa, de Madrid. De las colectivas: la Escuela Lorenzo de Medici, de Florencia; las Universidades Complutense y Politécnica de Madrid, el Palacio de Vellosillo, de Ayllón (Segovia); la Asamblea de Madrid, la Casa de Velázquez de Madrid, el Colegio de Ingenieros de Caminos, Canales y Puertos de Madrid y las Galerías Arteara, Carmen de la Guerra y Espacio 51 de Madrid.

    Su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas como la Asamblea de Madrid, el Palacio del Vellosillo, la Universidad de Toulouse, la Fundación Florencio de la Fuente y la Universidad de Mérida.

    Costa Badia

    Cuando era pequeña quería tener una tienda de doblar pantalones. Los doblaba en casa y me sentía fenomenal. Me imaginaba colas que daban la vuelta a la manzana de personas llevando en los brazos pantalones arrugados y sin doblar. Me imaginaba todos los pantalones doblados, ordenados como en una tienda pero siempre de distintos colores, no me gusta la uniformidad, y para eso, por algo tenía que empezar:

    Soy Técnico superior en Imagen, graduada en Bellas Artes y tengo un Máster de posgrado de educación artística en instituciones sociales y culturales, estas dos últimas por la Universidad Complutense de Madrid. Mi trabajo como artista se centra en la validación del error, el desafío a los estereotipos de belleza y de comportamiento. Busco un camino alternativo investigando sobre la convivencia entre las personas normativas y las no normativas.

    He participado como artista en la Juan Gallery (Madrid) en diferentes “performances” y en el año 2020 participaré en la Bienal de Arte Contemporáneo de la Fundación ONCE. He sido invitada a participar en encuentros de artista internacionales y en jornadas de arte y discapacidad como: VIII Encontro de Artistas Novos “Cidade da Cultura” organizado por Rafael Doctor I Encuentro de Creadores de Castilla y León de la Fundación Villalar Jornadas transfronterizas de arte y discapacidad (Diversario) Artista en residencia en CAI Projects en Cádiz Conferencia sobre mi obra e impartición del taller “De_construcción autobiográfica” en la Casa de Iberoamerica en Cádiz.

    He dado talleres artísticos a personas con y sin discapacidad , en fundaciones tales como Repsol, ONCE, Prodis y asociaciones como Capacis, así como también en talleres para mujeres mayores de 65 años a través de Madrid Salud.

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    Cristina Galán

    Cristina Galán (Madrid, 1992). Fotógrafa y realizadora audiovisual. Trabaja descodificando la nueva realidad que nos llega a través de diversos canales de distribución como las redes y el mundo virtual de pantallas negras, transformándonos en consumidores pasivos.

    Su trabajo fotográfico basado en un personaje distópico llamado Paul, que se mueve en escenarios rosa chicle con una eterna máscara congelada en un rictus sonriente y con la mirada tan negra que da miedo vernos reflejados en ella, esta plagado de significado simbólico. Todos los Paul se mimetizan con sus iguales y viven en una realidad brillante que permanece activa todas las horas del día, online 24/7. Y los escenarios poblados de seres tan felices hacen que nos salten todas las alarmas como espectadores.

    El trabajo de Cristina Galán pone imagen a las reflexiones filosóficas de Byung-Chul Han y sus críticas al “infierno de lo igual, la expulsión de los distinto y la sociedad de la transparencia.

    Diana Dowek

    Diana Dowek (Buenos Aires, Argentina, 1 de enero de 1942) es una pintora argentina reconocida por haber ganado el Premio Konex 2012 por su trayectoria en la pintura durante el quinquenio 2002 – 2006. Dowek nació en la ciudad de Buenos Aires el 1 de enero de 1942.

    Cursó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Formó parte del grupo La Postfiguración.

    Tiene una amplia trayectoria como activista por los derechos civiles. Su obra está directamente relacionada con el tema de los derechos humanos en la Argentina.En especial con respecto al tema de la represión de la dictadura militar argentina. Como activista por los derechos humanos fue seleccionada por Amnistía Internacional para utilizar dos de sus obras en serigrafías de la organización.

    En 2013 publicó un libro sobre su trayectoria y su obra. Dowek es miembro de Artistas Plásticos Solidarios y miembro fundadora de la Asociación de Artistas Visuales de la República Argentina. Gran Premio de Honor de Pintura, 104° Salón Nacional de Artes Visuales (2015). Premio Konex a las Artes Visuales (2012). Premio a la Trayectoria del Fondo Nacional de las Artes (2012).

    Elisa Terroba

    Elisa Terroba es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha, Facultad de Bellas Artes de Cuenca y posee un máster en Arte Contemporáneo por la Universidad de Vigo. Ha estado becada en la Facultad de Artes de la Universidad de Autónoma de Morelos (México).

    Ha recibido, entre otros, el Premio Casa de Velázquez, Estampa 20ª edición; el primer premio en el Certamen MASQUELIBROS, I Feria del Libro de Artista de Madrid y el primer premio en el certamen de Artes Plásticas Fernando Zóbel.

    Ha realizado exposiciones individuales en Lamosa, en el Centro de Arte Contemporáneo Fundación Antonio Pérez, en la galería La Zúa con motivo del Festival Miradas de Mujeres 2014 y en la Fundación Laxeiro. Asimismo ha participado en exposiciones colectivas en el Museo Barjola, Ivorypress, Biblioteca de Salamanca, Universidad de Oviedo, Galería Fernando Pradilla, Galería Le Gran, Museo de Cuenca y Centro Cultural Español D.F. México, entre otras. Igualmente su obra ha estado presente en ferias de arte tales como Estampa, MASQUELIBROS, JustMadrid o ArtsLibri.

    Ha realizado labores de gestión artística en el colectivo Pisopasillo con el que funda Extendido Festival de Arte Emergente Ciudad de Cuenca.

    Elisa Terroba deconstruye libros. Para ella, los libros son uno de los más poderosos artefactos creados por el hombre y prueba de ello es que a lo largo de la historia han sido perseguidos, prohibidos y quemados. A pesar de ser objetos simples y frágiles, albergan gran parte del conocimiento de la humanidad. Sin embargo, en la era digital el libro se enfrenta a la posibilidad de su desaparición porque ha dejado ser el único receptáculo de la memoria y su papel está en cuestión. Terroba busca trascender el libro como recipiente del conocimiento para convertirlo en objeto artístico.

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    Elisa Pardo Puch

    Elisa Pardo Puch (Madrid, 1988), Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por UAM y UCM (2017). Licenciada en Bellas Artes por la UCM en CES Felipe II de Aranjuez (2014). Diplomada en Estudios Superiores de Diseño en la Escuela de Artes y Oficios número 10 de Madrid (2010).

    Actualmente está desarrollando su trabajo dentro de las Residencias Artísticas de Matadero en otoño de 2020. Ha expuesto su trabajo en Una imagen que no duela ni cueste mirar, Sala de Arte Joven, Madrid (2020); Fósiles Siempre, Space to be, Madrid (2019); XXIX Edición de los Circuitos de las Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid (2018); CALL XX. Luis Adelantado. Valencia (2018); Parche Curita, biblioteca de BBAA de la UCM (2018); OR, FAC. Madrid (2018); Open Studio, Madrid (2018); Futuro Presente, INJUVE, Madrid (2017) ; Nada Sobra, segundo Premio de Adquisición Universidad Nebrija, Madrid (2017); Devenir mundo con La Colmena, Madrid (2017); Memorama, Madrid (2017); Justmad 8, La Colmena. Madrid (2017); Getxoarte, mención especial, Bilbao (2016); 17o Premio Joven Artes Plásticas UCM, Madrid (2016); XVI Edición de Premio Joven Artes Plásticas de la UCM, Madrid (2015); Open Studio, Madrid (2015). Participó en el Programa Chimenea (2017) y en el II Encontro de Artistas Novos en la Ciudad da Cultura, Santiago de Compostela (2012). Elisa ha autoeditado fanzines en colectivos como Colectivo Leo Pardo(2015), Gabinete del dibujo (2014) y PIPAS (2012).

    Ha participado en encuentros de autoedición como Picnic Sessions (2017); Autoedita o Muere (2015 y 2013) MEA 2 (2013); +Papel+ y Papel +, La Trasera, UCM (2013 y 2012) y ha impartido talleres de autoedición como el que sucedió en La Casa Encendida con el colectivo Debajo del Sombrero en 2017.

    Elssie Ansareo

    Elssie Ansareo (México D.F. 1979.) Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea. Posteriormente obtuvo el Diploma de Estudios Avanzados con el proyecto de investigación: “El autorretrato fotográfico aplicado a una práctica artística”.

    rofesionalmente se desenvuelve en el campo de la fotografía, actualmente forma parte del Área de Comunicación de la Fundación Anesvad desarrollando creación de contenido y comunicación institucional. Ha realizado proyectos publicitarios y culturales para diversas agencias e instituciones.

    Su trabajo artístico ha participado, de forma individual y colectiva, en exposiciones de espacios como el Museo Guggenheim de Bilbao, Fundación Gabarrón Nueva York, La Casa Encendida Madrid, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria, Centre d’art La Panera, Espacio Marzana, Cubo Azul, entre otros. Destacan en su trayectoria, reconocimientos como el galardón de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Almería y el Premio INJUVE de Artes Plásticas del Ministerio de Igualdad; así como la Beca Endesa para Artes Plásticas. Su última publicación “El Observatorio” es un proyecto de investigación en torno a la histeria en colaboración con la Universidad de Deusto.

    Su obra forma parte de relevantes colecciones de arte como las del Museo Guggenheim de Bilbao, Fundación Endesa, Fundación Bilboarte, Ayuntamiento de Pamplona, Museo Artium, Museo de Teruel, Fundación Unicaja o Mediterráneo Centro Artístico (MECA).

    Fitz Licuado

    Florencia Durán Itzaina, Fitz Licuado, Montevideo, 1986. Desde muy pequeña dibujaba y pintaba, participó de varios talleres de pintura y expresión plástica en distintas etapas de su adolescencia.

    Estudió Diseño Industrial en la EUCD. Desde el 2011 empezó a experimentar con la pintura mural en espacios públicos dentro de Montevideo. Junto a Camilo Núñez formaron el dúo Colectivo Licuado. En 2018 uno de sus muros individuales llamado «Yo elijo» pintado en España sale como uno de los 10 murales mas influyentes del 2018 según la página Street Art United States.

    Desde el 2017, empezó a trabajar en sus obras personales experimentando en formatos de papel, lienzo y collages, donde empezó a desarrollar un trabajo mas íntimo relacionado a su experiencia como mujer y el rol de mujer artista.

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    Judith Borobio

    Judith Borobio (Soria, 1986) tiene un especial don en despertar miradas. Trabaja con y desde la materia, la visualiza, la estudia, la toca, la siente. Borobio centra su creación artística en la investigación del medio, rural y urbano, desde el análisis y la observación científica.

    Espacios olvidados, ‘ruinas’ e higueras, toman cuerpo y se erigen como realidad en forma de micro ecosistemas. Una búsqueda de nuevos modos de hacer, ver y percibir el arte, donde el espectador juega un papel crucial como sujeto activo en su reinterpretación. Borobio, fascinada por el litoral gaditado, camina y busca el sitio idóneo para comenzar su baile ritual; uno que recupere la vida a un territorio olvidado. Algunas senderistas, se acercan con sigilo y observan con timidez, otras hacen amago de preguntar, pero finalmente desisten, y otras siquiera se percatan. Durante la performance, las senderistas no saben que forman parte fundamental de la misma, y mientras Borobio continúa con su ritual de extracción de huellas, observa disimuladamente la reacción de sus espectadoras: ‘Ese momento en el que todo está pasando, es lo más puro que hay, no existen artificios, es todo transparente’. Es en esas miradas, donde radica el cambio, ese lugar es observado y reinterpretado desde sensibilidades distintas. Recupera la dignidad perdida entre un mar de ruido y plástico.

    En cada uno de sus proyectos, la huella juega un especial papel en la interpretación del espacio/tiempo. Su respeto hacia el medio (rural o urbano) le lleva a acariciar con suma delicadeza aquellas superficies que hablan de su propia historia. Sus frottages redescubren la memoria de lo habitado, un pequeño fragmento que contiene en sí todo el universo.

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    Judith Cisneros

    Judith Cisneros (Argentina) Artista – Geométrica- Lumínico Sensorial – Profesora de Bellas Artes Profesora Superior de Escultura (ESCUELA NACIONAL DE BELLAS ARTES, Prilidiano Pueyrredón. UNA Univ. Nacional de las Artes) Profesora Superior de Pintura (ESCUELA NACIONAL DE BELLAS ARTES, Prilidiano Pueyrredón. UNA Univ. Nacional de las Artes) Maestra Nacional de Artes Plásticas (ESCUELA NACIONAL DE BELLAS ARTES, Manuel Belgrano) Miembro invitado de A.R.C (Centro de Investigación de Arte del constructivismo Kansas EEUU) por T. Michael Stephens Miembro del Consejo Consultivo de la entidad de Naciones Unidas CIFAL Argentina. “Arte Cultura y Equidad” Salones y exposiciones de arte, pintura, escultura, individual y colectiva, en museos y galerías de arte, Argentina Perú, Ecuador, Chile, Grecia, Francia, Arabia Saudita, Brasil.

    Experiencia nacional e internacional en alta dirección en gestión y desarrollo en cultura y proyectos sociales. Alta capacidad y experiencia en la creación de redes vinculares, organización y dirección de equipos de trabajo multiculturales. Exposiciones Individuales (Work in Progress 2021) • Likurgo, Elogio a la luz, Galería Nacional de Bellas Artes, Santo Domingo, República Dominicana. 2021 • Ilhuicac Tlanenextli, Resplandor del cielo, Anahuacalli Museo de Diego Rivera y Frida Khalo, Coyoacán, Mexico. 2021 • El Templo, Museo Musa, Guadalajara, México. 2021 • SL Gallery, New York. 2021 Exposiciones Colectivas (Work in Progress 2020) • Re-Construction, Curated and created by T. Michael Stephens “ARC Art Research Center EEUU”, March 2021 Exposiciones Individuales • Potestad de la Luz, Fortaleza, Brasil. Noviember 2019 • Milagro de Luz, Recife, Brasil, Octubre 2019 • Chesed, el árbol de los deseos. Museo de Universidad Nacional de las artes. UBA, Bs. As Argentina 2018 • Formas a la luz. Sin reservas. Museo de Bellas Artes, Tucumán. Argentina. 2018 • Umbral, Intervención Mural, Museo de Universidad Nacional de las artes. UBA, Bs. As Argentina 2018 • Olympus, the highest among the high, the luminous. Museo de la Cárcova- UBA, Bs. As Argentina 2017 • Performance, The flight of Victory, Museo de la Cárcova- UBA, Bs. As Argentina 2017 • Performance, The awakening of the river Cephiso, Museum of Cárcova- UBA, Bs. As Argentina 2017 • Torre de la Libertad, Site specific Intervención Luz y sonido. “Torre Ader” Bs As Argentina. 2017 • Momentum, substancia de la Luz of the light. Museo BAPRO, Bs As. Argentina 2017 • Centro hipermediático experimental Latinoamericano. Argentina 2016 • Fundación Cassará, Buenos Aires, Argentina, 2014 • Geometría, Estructura de la humanidad. Galería Embajada de Perú en Riad, Arabia Saudita, 2013 • Geometría de la luz. Galería Embajada del Perú en Atenas, 2011 • Geometría y Espacio. Instituto Nacional de Cultura, Lima Perú 2008 • Transparencias Geométricas. Centro Cultural Goethe, Bs. As. Argentina 2006 • “Síntesis de Luz”. Galería, Embajada de Perú en París, Francia 2002 • Centro Cultural “Salón del Pueblo” Cuenca, Ecuador 1997 • Instituto cultural de providencia, Santiago de Chile. 1994 • Plano Línea y punto. Casa del corregidor. Chile 1992 • Arte contemporáneo-Judith Cisneros. Arica, Chile.1991 • Geometría profunda. Tacna, Perú 1990 • Centro cultural ProMúsica , Buenos Aires, Argentina 1989 • Galería Marienbad, Buenos Aires, Argentina 1988 Exhibiciones Colectivas • Covimetry, Galería BWA, Ostrowiec Świętokrzyski, Polonia. 2020 • Constructive Reductive, Griffith University Brisbane Australia, Pop Gallery. 2020 • Volviéndome Invisible, Museo Histórico Municipal Ituzaingó, Bs. As., Argentina

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    Julia Juaniz

    Julia Juaniz. Mi proyecto creativo, entre otro tipo de injusticias, gira entorno a la lucha de las mujeres por conquistar la visibilidad y el reconocimiento que se nos ha denegado en todos los campos de nuestra sociedad. Aunque estamos poco a poco ganando voz y presencia en lugares hasta hace poco impensables, las mujeres seguimos formando parte de esa realidad universal en la que nuestro buen hacer ha sido omitido a lo largo de la Historia.

    Como montadora de cine profesional*, vivo con imágenes cada minuto de mi vida. Sé la importancia que tienen y lo manipulables que pueden ser dependiendo del uso que se les quiera dar. Mi trabajo personal es de carácter multidisciplinar – fotografía, pintura, instalación, o video.

    La obra es parte un mismo sentimiento y responde a una constante preocupación por asegurarme de que el mensaje o el cuestionamiento que transmiten las piezas, ejerzan algún tipo de influencia en el espectador. Siempre queda la esperanza de que la respuesta a esa pregunta abierta que propongo, pueda secundar todos los esfuerzos que estamos haciendo para cambiar la narrativa patriarcal establecida. En este proyecto que presento, son mis miradas de mujer, a otras mujeres que, por diferentes motivos, son importantes para mi. Utilizando collages fotográficos quiero rendirles un homenaje reivindicativo a su trabajo y a su persona. Unas son conocidas y otras anónimas, pero todas hemos heredado la misma historia.

    Con muchas de ellas comparto un presente todavía no equitativo y con todas un pasado manifiestamente mejorable. Para mi, mirar y descubrir hace años el trabajo de Hilma af Klint , por ejemplo, supuso un punto de inflexión y fue una importante fuente de inspiración. Fue una visionaria artista, catalogada hoy como abstracta, y que trabajó incesantemente ignorada por “expertos” críticos e historiadores. Dejó un amplio legado artístico que sólo en los últimos años se ha empezado a conocer y valorar. Al igual que otros trabajos que desarrollo con otras técnicas, esta serie de trabajos “Mis miradas a Mujeres” es un proyecto que llevo desarrollando hace años y no tiene límite. Siempre encuentro a mujeres de las que aprendo o a quienes quiero dar voz. Cuando nos vamos, la obra queda y otras personas continuarán. Cuando presento un proyecto siempre escribo: SIN FIN. ¡Queda mucho por hacer! Julia Juániz Madrid, 22 de noviembre 2020. * Curriculum en la web

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    Juliana Alves Xukuru

    Juliana Alves Xukuru nace en tierras del pueblo Xukuru de Ororubá, ciudad de Pesqueira, en Pernambuco, Brasil, en 1985.

    Desde 2005 participa de exposiciones como las del Festival de Artes do Agreste Meridional y Centro de Artes Armando Monteiro, en Garanhuns, Pernambuco. Colaboró en el Festival Internacional de Aquarelas de Paraty, Rio de Janeiro, en 2015. Expuso en la colectiva Confluencias, resultado de una residencia artística en Clorinda, Argentina, en 2017.

    En 2018 presenta la exposición individual “TranspareSSer”, en el Centro Cultural Correios, Recife. Tiene obras en el acervo del Núcleo de Arte Contemporânea (NAC), de la Universidade Federal da Paraíba (UFPB). Como artista e investigadora integra el Grupo de Pesquisa Ensino das Artes Visuais (GPEAV), de la Universidade Federal da Paraíba (UFPB), comprometida con el activismo curatorial y la crítica cultural a partir del giro decolonial.

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    Karla Solano

    2018 3 Monos, Universidad Veritas, San José, Costa Rica. 2015 Ritual, Gallery KASAC, San José, Costa Rica. 2013 Cuerpo Geométrico, Teruel Punto Photo, Teruel, España. 2010 Mudar la piel, Contemporary Art and Design Museum, San José, Costa Rica. 2010 Sinestesia, Punta Islita Museum, Guanacaste, Costa Rica. 2009 Cimientos, National University of the Northeast, Resistencia, Argentina. 2007 Deseos encubiertos, Carlos Woods Gallery, Antigua, Guatemala. 2007 Paisaje corporal, Amón Gallery, San José, Costa Rica. 2006 En mis laureles, Teorética, San José, Costa Rica. 2001 Canvas, La Nación, San José, Costa Rica. 2000 Geografías, Exterior Art, San José, Costa Rica. 1999 Se permuta, Contemporary Art and Design Museum, San José, Costa Rica. 1995 Vanitas, Goethe Institute, San José, Costa Rica.

    Collective Exhibitions: 2019 Art House Holland, Old School Gallery, Leiden, Netherlands. 2019 Collection, Contemporary Art and Design Museum, San José, Costa Rica. 2019 Lapsus Sinister, Costa Rican Art Museum, San José, Costa Rica. 2018 Detrás del portón rojo, Costa Rican Art Museum, San José, Costa Rica. 2017 PlusZero, Cu Chi + 0, Saigón, Vietnam. 2016 La ineludible muerte, Central Bank of Costa Rica Museums, San José, Costa Rica. 2015 Luz do Mundo, Curitiba International Biennial, Alfredo Andersen Museum, Curitiba, Brasil. 2014 Casi Invisible, Central Bank of Costa Rica Museums, San José, Costa Rica. 2014 El cuerpo y la memoria, Casa de las Américas, La Habana, Cuba. 2012 Costa Rica el país más feliz del mundo, Embassy of Costa Rica, Rome, ItaIy. 2011 Mitos de Fundación, MUCA Roma, FederaI District, Mexico. 2010 Parabola, ESFOTO 10, Spanish CuIturaI Center, San SaIvador, El Salvador. 2007 Monte Azul Gallery, New York, United States. 2007 InteractivA’07, Internactional Biennial of New Art, Teatro Peón Contreras Gallery, Merida, Mexico. 2007 Vento Sul, Curitiba International Biennial, Curitiba, Brasil. 2007 III Corporal Art Encounter, Contemporary Art Museum Sofía Imber, Caracas, Venezuela. 2006 Dinámicas de la cultura urbana, IX Havana Biennial, Havana, Cuba. 2005 Big AW/OB Hapeville Gallery, Georgia, United States. 2005 ARCO Fair 02, Jacob Karpio Gallery, Madrid, Spain. 2004 Techniques of the Visible, V Shangai Biennale, Shanghai Art Museum, Shanghai, China. 2003 Habitart, Kent Explores Contemporary Art, Hotel Aloki, San José, Costa Rica 2002 Artistmos, Taipei Fine Arts Museum, Taipei, Taiwan. 2002 Backup Videoart, Berlin, Germany. 2002 Created Worlds Photography Festival, Noorderlicht Museum, Groningen, Netherlands. 2001 IV Bienal del Caribe, Santo Domingo, Dominican Republic. 2001 Políticas de la Diferencia Iberoamerican Art Itinerant Exhibition, Brasil, Argentina, Venezuela, Mexico and Spain. 1999 On (e) Line World Art Exchange, GATE Foundation, The Hague, Netherlands. 1999 Art Work Nature, GATE Foundation, The Hague, Netherlands. 1999 Momento de un proceso, National Gallery, Tegucigalpa, Honduras. 1997 ARCO Fair 97, Jacob Karpio Gallery, Madrid, Spain. 1996 Mesotica, Mesoamerican Art, Italy, Netherlands and France. Awards 2011 Aquileo J. Echeverria National Art Award, San José, Costa Rica. 2005 Devil Campaign, EDWIN Jeans, Tokyo, Japan. 2003 First place Habitart,Kent Explores Contemporary Art, San José, Costa Rica 2001 Honorable Mention Inquieta Imagen, San José, Costa Rica. 2000 Second place El Trajín Diario del Centroamericano, Contemporary Art and Design Museum, San José, Costa Rica. Collections Central Bank of Costa Rica Museums, Costa Rica. Contemporary Art and Design Museum, Costa Rica. Costa Rican Art Museum, Costa Rica. Fries Museum, Leeuwarden, Holanda. Noorderlicht Museum, Groningen, Netherlands. Performance 2019 Como un árbol, Art House Holland, Leiden, Netherlands. 2019 Sangre de mi Sangre, ArtFlow Gallery, Costa Rica. 2019 Resiliencia, Perfomance Biennial Forma y Sustancia, San José, Costa Rica. 2018 3 Monos, VERITAS University, San José, Costa Rica. 2017 Madre Tierra, Cu Chi + 0, Saigon, Vietnam. 2016 Teseo, ArtFlow Gallery, San José, Costa Rica. 2016 Equilibrio, Taller del Artista, San José, Costa Rica. 2016 Memoria, Jade Museum, San José, Costa Rica. 2016 Fotosíntesis, Central Bank of Costa Rica Museums, San José, Costa Rica. 2015 Ritual, KASAC Gallery, San José, Costa Rica. 2015 Luz del mundo, Curitiba International Biennial, Alfredo Andersen Museum, Curitiba, Brasil. Art Residences 2019 Art House Holland: Art Residency, Leiden, Netherlands. 2017 Plus Zero, Cu Chi + 0, Saigon, Vietnam.

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    Lara Pintos

    Lara Pintos. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, lleva a cabo sus estudios entre en Pontevedra y Madrid.

    Su formación artística comienza en la EASD Pablo Picasso de A Coruña, donde se titula en ilustración, comenzando a realizar sus propios proyectos expositivos y colaboraciones editoriales.

    Becada por la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores en Córdoba, llevó a cabo su proyecto multidisciplinar Recuerdos de una silla, que expuso en la Fundación Tres Culturas de Sevilla y posteriormente en las galerías Sargadelos de A Coruña y Ferrol. Entre otros ha recibido el Primer Premio en los certámenes Xuventude Crea y Os sons de Galicia.

    Recientemente ha participado en la exposición «Un mundo que sofre baixo un manto de flores. Paisaxes interiores/ Paisaxes exteriores» celebrada en el Kiosco Alfonso/Palexco en A Coruña. Su obra podemos encontrarla en colecciones que abarcan desde la Xunta de Galicia o la Galería Sargadelos de Ferrol hasta la Fundación Antonio Gala, la Universidad Complutense de Madrid o The Working Proof en Nueva York.

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    Laura Nieto

    Laura Nieto 1978 Medina del Campo (Valladolid) 1996 – 2001 Facultad de Bellas Artes de Salamanca. Especialidad Pintura.

    Laura Nieto nos introduce en escenas de la vida cotidiana, reivindicando y compartiendo el derecho a la contemplación, a detenerse y poner el foco en los pequeños encuentros sociales frente al ritmo desenfrenado y caótico del día a día.

    En grandes lienzos en los que destaca el mimo por los detalles sin caer en la tentación del hiperrealismo, consigue que esas escenas intimistas sean del todo asimilables por el espectador como reales, nos invita a sumergirnos en ellos y ver nuestras propias situaciones ordinarias, experiencias reflejadas hasta el punto de estar observando lo representado y poder imaginar el frio o el calor del ambiente representado, los olores y ruidos del bullicio de la ciudad o el silencio y la tranquilidad de sus espectaculares bodegones vibrantes de color. Ambas líneas de trabajo se complementan y son testimonio de su incesante creatividad.

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    Leticia Martínez Pérez

    Leticia Martínez Pérez nació en Zaragoza en 1984. Vive y trabaja en París tras haber realizado un máster de Bellas Artes en la ESAM de Caén en Normandía, Francia.

    Es licenciada en Historia del arte por la Universidad de Zaragoza y también ha realizado estudios de artes plásticas y diseño en la Escuela de Artes Aplicadas de la misma ciudad. Sus obras y performances han sido mostradas en diversas exposiciones y festivales en Francia y en el extranjero.

    La artista ha participando en numerosas residencias, siendo miembro artista de la Casa de Velázquez, Academia de Francia en España, durante el año 2019-2020. Durante este periodo desarrolló sus proyectos Jerónima y Deliciae. Estas obras, que tienen una fuerte dimensión lúdica y sensual, han sido presentadas en la Collection Lambert de Aviñón durante la exposición Les vies minuscules.

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    Lidia Pescuezo Moros

    Lidia Pescuezo Moros (Zaragoza,1980). Postgrado UI/ UX en la universidad de Barcelona Pompeu Fabra y licenciada en Bellas Artes en la universidad de Cuenca Antonio Saura, especializándose en sus últimos años en la rama de diseño. Vocación artística temprana, realizando el bachillerato artístico en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza. Su formación artística, creativa y tecnológica, le ha permitido trabajar hasta ahora como diseñadora gráfica y digital, en paralelo a su producción artística.

    Su espíritu de superación y curiosidad innata, le lleva a la búsqueda constante de diferentes formas de expresión y creación artística. Su obra recoge la influencia de la literatura fantástica, ciencia ficción y surrealismo artístico. Se sirve de la construcción de entornos y personajes como herramienta de exploración personal.

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    Lina Ávila

    Lina Ávila (Madrid, 1978) trabaja bajo el nombre artístico Collage Republic, licenciada en Publicidad y RRPP por la UCM. Con 20 años de experiencia en el sector del diseño y la comunicación, fue tras su paso por la universidad cuando empezó a desarrollar su interés y sensibilidad por las artes visuales, especialmente a través del collage.

    Ha participado en diferentes convocatorias gráficas y pictóricas con exposiciones colectivas en La Casa Encendida, Matadero Madrid, CIC-La Vid de Gordon, Galería Modus Operandi, Aire Centro de Arte, Festival Mulafest, o Pinacoteca Enate, entre otros.

    También ha publicado su trabajo en revistas como El Duende, Oltre Collage Fanzine, Bastard Art Review o ¡Arrea! Magazine y colaborado, junto con otras 10 collagistas seleccionadas por Mujeres que cortan y pegan, en la ilustración de la novela de Paloma Mozo Sanjuán, Primer Párrafo, Ed. Piezas Azules. El año pasado fue finalista en el XIX Concurso de Encuentros de Arte Contemporáneo 2019 por el Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert por su proyecto Entre líneas el cual fue seleccionado para la exposición homónima en el MUA.

    En septiembre del mismo año participó en colectiva Madrid en la sala Siroco, comisariada por Annita Klimt y Natalia Romany en el marco de HYBRID Festival. El jardín secreto, en colaboración con el fotógrafo Javier Jimeno, fue seleccionado en marzo para formar parte de la exposición Water, Woods, Women’s looks to life, en las Escuelas Pías de la UNED en la II Edición del Festival MUMUART. Este trabajo junto con Antifémina: Cuerpo, tiempo y erotismo son sus dos exposiciones individuales.

    Durante 2020 ha sido seleccionada en la LI Edición de Premios Ciudad de Alcalá 2020, en la Convocatoria Ellas de la Fundación Iberoamérica Europa y en la VII Edición de Arte en la Red de Casa de América.

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    Lise Stoufflet

    París, 1989. Graduada en Bellas Artes por la Ecole des Beaux-Arts de París en 2014. Vive y trabaja en Aubervilliers, París, donde ha creado, junto a otros quince artistas, Le Houloc; un estudio y espacio dirigido por artistas.

    Sus exposiciones individuales incluyen Lise Stoufflet, Studiolo, Milán (2019), Capillus, Espace Mutatio, Nantes (2018), Les Confidences, Art Mate, París (2018), Les Barreaux #3, LeChassis, París (2016), Permesse, Undercontruction Gallery, París (2015), Sans chercher l’ataraxie, Premier Regard Gallery, París (2014), Le songe comme antidote, Graphem Gallery, París (2014).

    Ha participado en varias muestras colectivas de las cuales destacan Mythos/Logo, LJ Gallery, París (2020); Comme un parfum d’aventure, MAC Lyon, Lyon (2020-2021); I Want to Feel Alive Again, Lyles and King Gallery, Nueva York (2020); When Spiders Unite They Can Tie Down a Lion, Daniel Raphael Gallery, Londres (2020); Biennale de Paname, La Maison Rouge, París (2019); Recto/Verso, Fondation Vuitton, París (2018); Greffes, Art Club #18, Villa Medici, Roma (2017).

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    Lola Mansilla

    Lola Mansilla (Esparragosa de Lares, Badajoz, 1982). Artista visual. Licenciada en Periodismo (2006) y en Bellas Artes (2019) por la UCM, donde ha realizado el Máster de Investigación en Arte y Creación (2015) y actualmente el doctorado, que compagina con el Máster de Formación del Profesorado para Educación Secundaria, por la UNEX.

    Su investigación y práctica artística integran conocimiento y saber generando una relación entre lo íntimo y lo público, entre lo visible y lo invisibilizado, utilizando el encuentro entre la imagen, la palabra y la acción. A partir de la memoria íntima, familiar y social, entre objetos, cuerpo y deseo se activan dispositivos instituyentes que nos abren a nuevas posibilidades de conocer e imaginar el mundo y de construir más allá de lo dado.

    Su práctica reivindica el cuerpo y la experiencia cotidiana como canales a través de los cuales generar e integrar un valioso saber femenino, menospreciado por el academicismo y su lógica masculina en el mundo del arte.
Tras su paso por varios medios de comunicación, decide centrarse en el ámbito artístico y continuar con su militancia desde feminismos, ecología, memoria y pedagogías críticas.

    Ha organizado encuentros de videoperformance en la UCM. Ha dirigido proyectos de arte colaborativo en Madrid y en el medio rural. Ha recibido una Beca de colaboración de la UCM en la Biblioteca Histórica Marqués de Valdecilla y la Beca de Colaboración Honorífica en el Departamento de Imagen y Diseño de la Facultad de Bellas Artes de la UCM. Sus recientes proyectos de “Arte y creación” y “Cine y Alfabetización Audiovisual” han sido seleccionados y financiados por el Ayuntamiento de Madrid.

    Actualmente vive y trabaja en Extremadura, donde desarrolla su tesis “Del saber al buen vivir: la potencia instituyente de la identidad relacional femenina en las prácticas audiovisuales contemporáneas”.

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    Lucía Loren

    Madrid, 1973. El desarrollo de mi práctica artística, ha derivado hacia una búsqueda y comprensión del propio territorio como generador de ecosistemas naturales y culturales que nos vinculan de modo muy estrecho al lugar. Esta vinculación con el paisaje ha inspirado las intervenciones específicas que he realizado en diversos entornos naturales de España, Italia, Holanda, Portugal, Polonia, Suiza, Argentina o Sáhara Occidental.

    Entiendo el proceso de creación como una colaboración con el ecosistema: el árbol, la tierra, el agua, los animales son parte activa y transformadora de la propia obra. En ocasiones, el proceso de trabajo se abre a la participación de la población, generando un intercambio de experiencias y conocimientos entre el proceso artístico y la población rural. Se desdibujan los límites entre los procesos de creación, el activismo ecológico, la intervención social o la pedagogía.

    Esta simbiosis abre nuevas vías de comunicación a nivel social y emocional, y genera estrategias de representación que ayudan a comprender la red de interconexiones sobre las que se sostiene la vida. Utilizar los propios materiales del entorno, se convierte en una herramienta de investigación sobre la que trabajar, para comprender el proceso cíclico de continuas transformaciones sobre el que se dibuja el paisaje. La artesanía tradicional, la agricultura ecológica y el pastoreo extensivo, han sido grandes fuentes de inspiración en mi proceso de trabajo, revalorizando una cultura material cíclica, que parte de los propios recursos del territorio y propone un sistema equilibrado de relación con el entorno.

    He presentado mis propuestas plásticas en Centros de Arte Contemporáneo como: CDAN, MUSAC, IVAM, CAB, ACVIC, Sala Tecla, Matadero, La Casa Encendida, Círculo de Bellas Artes, Estampa, Museo Contemporáneo Esteban Vicente, La Panera, Centro Cultural Montehermoso, Galería Estampa, Museo Provincial Bellas Artes de Tucumán, Jardín botánico de Bogotá, Palacio del Quintanar, Ap Gallery.

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    Lurdes Basolí

    Lurdes Basolí (Barcelona, 1981) procede del fotoperiodismo pero va más allá del reflejo y la caza de la realidad. Una realidad ajena que hace propia a través de la denuncia social, de la crítica y el dar voz a quienes no lo tienen. Una práctica que va más allá para crear la historia de los otros o la suya propia. Da visibilidad a quien fotografía, a su alma e intencionalidad, ya que el medio fotográfico es un arma en sus manos que apunta hacia un objetivo sin falta de posicionamiento. Es esta intencionalidad y posicionamiento lo que la hace especialmente interesante para construir lo que viene siendo la nueva fotografía documental, esa que da tanta importancia a lo fotografiado como a quien fotografía, que imprime su propio sello en cada imagen y una poética concreta en cada proyecto. Buena cuenta de ello da su trayectoria editorial y fotoperiodística así como su último trabajo durante el confinamiento que le ha llevado a ganar el premio del público de la exposición Tiempo detenido con su diario fotográfico del confinamiento. Un paseo pausado, silencioso y sin prisas de una poética insondable.

    La identidad, la presencia del otro y la suya propia por reflejo es uno de los ejes vertebradores de su obra cuestionando los estereotipos raciales occidentales así como el papel de la mujer. Como mujer occidental, su foco se pone justamente en su propia identidad para denunciar desde lo más íntimo, desde la autocrítica. 

    Su trabajo tan personal e intencionado le ha llevado a recibir prestigiosas becas y premios, como el FotoPres’09, el Inge Morath Award que otorga la agencia Magnum Photos y el Joop Swart Masterclass de World Press Photo. Ha expuesto en espacios como Caixaforum, Espacio Fundación Telefónica y Palau Robert (España), Fotohof Galerie y Landesgalerie Linz (Austria), Fotografie Forum Frankfurt (Alemania) o Baku Museum of Modern Art (Azerbaijan), y también en festivales internacionales como PhotoEspaña (España), Photo Beijing (China), Noorderlicht Photofestival (Holanda) o Feria Iberoamericana de Arte (Venezuela).

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    Magdalena Drago

    Magdalena Drago es artista visual, nacida en Buenos aires, Argentina en 1991. Luego de 5 años de estudio en la Escuela Superior Regina Pacis (Buenos Aires, Argentina), en el 2014 se egresa como profesora en Artes Visuales con especialización en pintura.

    Desde el 2013 participa de exposiciones grupales (Multiplo en La Vaca, 2014) e individuales (Es-puma en casa Amatierra, 2016 y Recortes de la infancia en el Centro cultural en Breve, San Fernando, 2013). En el 2020 se traslada a Madrid donde continúa con su carrera como artista. Sus últimos años dedicados a la docencia (de primera infancia), han potenciado en ella el espíritu de contemplación y abstracción hacia la naturaleza y los procesos que esta contiene, resignificando su propia relación con esta.

    Su infancia en la sierra de Córdoba (de su país natal) le aportó el amor por las flores silvestres y la atención hacia la transformación del paisaje a lo largo de los años. Es justamente esta cualidad la que hace de Drago una artista embebida en deshilvanar los dilemas que enmarcan nuestro entorno natural -hostigado por un sistema limitante capitalista y global. Su trayectoria como artista visual se centró en una búsqueda incesante por comprender los misterios del entorno y las levedades del ser humano al relacionarse con este. El silencio, las transformaciones, los contrastes y sus pretextos forman parte de la médula que atraviesa la obra de Drago.

    Otros estudios complementarios en talleres de artistas -realizados desde el 2011 hasta el 2019- como Gachi Rosatti, Carmen Dalone, Victoria Gomez Mayol y Alejandra Clerici Arias le brindaron la destreza que hoy caracteriza su obra con un gran manejo del material plástico y una profunda afición por la experimentación e investigación con estos. Exprimir el material, potenciar sus cualidades e inducir en él la capacidad de lenguaje formal y conceptual es otro de los atributos que caracterizan su obra.

    Majida Khattari

    La artista Majida Khattari (1966 Erfoud, Marruecos) vive y trabaja en París. Su práctica artística se caracteriza por el empleo de diferentes formatos, desde la fotografía, la performance, la instalación y la escultura, la pintura y el vídeo.

    La artista misma escribe los guiones de sus actuaciones, combinando elementos del canto, la música y del baile. El cuerpo femenino es el medio de expresión central en la obra de Majida Khattari. Siendo el eje centrales el juego entre la desnudez y el vendaje del cuerpo.

    Poniendo en escena los modelos, estos algunas veces llevan ‘vestidos esculturales’ (como Espace limite, Robe serpent, Robe boulets, Tchador de la République, Robe puissance ó Robe pétition) diseñados y creados por la artista misma, mientras que en otras ocasiones los cuerpos aparecen desnudándose o como desnudos. Con ello hace referencia a la condición de la mujer, pero también a la actualidad política contemporánea, a las cuestiones de laicidad y de religión.

    Desde una perspectiva artística, la confrontación con el Islam, la situación de la mujer tanto en las sociedades islámicas como en las occidentales, y las cuestiones geopolíticas actuales dan lugar a un debate sobre las relaciones de poder que determinan al cuerpo femenino. De este modo la artista revisa, entre otras cosas, los clichés que dominan la pintura orientalista, reconstruyendo conjuntos inspirados en dichas pinturas. „I’ve always had […] a deep interest in the contrast between the modern grandeur of the female body, and the rules imposed by tradition”, así Khattari. „This brought me naturally to try to understand the ambiguous situation of Muslim women caught between sacralization and threat.”

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    Man Yu

    Man Yu Fung Li (n. 19 de febrero de 1978, Hong Kong), conocida como Man Yu, es una artista y activista costarricense nacida en Hong Kong. Su campo de especialidad ha sido la pintura, pero además incorpora múltiples medios multidisciplinarios como la instalación, el videoarte y la performance.

    Parte de su obra se centra en la anatomía humana, las diferentes capas no físicas del ser humano, el humanismo y el respeto por los seres vivos.

    Man Yu ha obtenido diversos reconocimientos por sus obras, como el premio al mejor cortometraje en el European International Film Festival​ y la declaratoria de interés cultural nacional por parte del Gobierno costarricense​, así como premios en el Show Art de la Asociación Italiana de Artistas en Buenos Aires, el Salón de Invierno de la Galería ESART de Barcelona y en el Instituto de Investigaciones Históricas Museo Roca​.

    Asimismo, representó a Costa Rica en la Bienal Internacional de Arte de Beijing​, en el Festival de Arte Latinoamericano en Beijing, así como en la emisión oficial de sobres conmemorativos por parte del Correo Postal de China del 2019.

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    Mar Ramón

    Mar Ramón es una artista valenciana afincada en Ourense, Galicia. Desde sus inicios ha estado interesada por los objetos encontrados y por disciplinas que se escapan de la escultura canónica como son el textil y la cerámica, que tiene mucha importancia dentro de su producción generada desde Niñodaguia, un pequeño pueblo de tradición alfarera en el que está su taller.

    Ha realizado varias exposiciones individuales, siendo las más importantes «Sobremesa» en el Centro Marcos Valcárcel de Ourense y «Esa Mujer» en la fundación Eugenio Granell, junto con numerosas muestras colectivas e centros como el MARCO, «Alén dos xéneros»(2017), el Auditorio de Galicia en la «Mostra de artistas novos» en 2019, 2017 y 2015, en el MAC de A Coruña o en el Museo de Pontevedra. Gracias a la adquisición de una beca Injuve pudo producir las piezas de esta mujer y exponerlas en la sala Amadís en 2019 y a parte ha sido premiada con la beca Novos Valores y la Beca Puenting de producción durante este 2020.

    Ahora mismo a la vez que produce se encuentra haciendo un doctorado sobre el proceso y el género en el uso del objeto en la obra de arte y por el cual ha asistido en dos ocasiones al congreso CSO en Lisboa, en 2020 y 2018.

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    María Adela Díaz

    Nacida en Guatemala en 1973, durante casi dos décadas, la artista multidisciplinaria María Adela Díaz, ha utilizado su cuerpo y diversos medios para explorar la esencia compleja y la sublimidad de la mujer y su naturaleza.

    El trabajo de Díaz plantea objeciones a los valores patriarcales, el cuerpo político e ideologías discriminatorias, empleando el video, la instalación entre otros, la artista seduce, provoca y cuestiona al observador dentro de los contextos cotidianos e intervenciones en los espacios públicos.

    La artista ha expuesto en numerosas exposiciones colectivas e internacionales tales como: Centro Pompidou en París, Exteresa Arte Actual en la Ciudad de México y el Museo de Arte Contemporáneo en San José, Costa Rica. Su trabajo aparece en la antología “Imagining Ourselves: Global Voices from a New Generation of Women”, publicada por el Museo Internacional de Mujeres en San Francisco.   Diaz vive y trabaja en Los Ángeles.

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    María Gimeno

    María Gimeno, Zamora 1970. Vive y trabaja entre Madrid y Londres. Licenciada en B.B.A.A. (UCM) 

    Artista multidisciplinar, trabaja diferentes medios con el fin de poder expresar de manera concreta los conceptos que le interesan. Su trabajo está implicado con la situación de la mujer en el siglo XXI y con el compromiso de ser artista. El trabajo de Gimeno ha desdibujado las fronteras de las técnicas moviéndose entre instalación, performance o vídeo y técnicas clásicas como dibujo, bordado, escultura. 

    Desde 2014 viene desarrollando el proyecto performativo Queridas viejas, se trata de una revisión de la historia del arte sin censuras de género.

    Desde sus años de formación a expuesto su obra de manera constante en Galerías y museos. Ha realizado exposiciones individuales en España, Suiza, México, Alemania, Servia y Yemen así como colectivas en varias ciudades europeas y americanas o del norte de África. Su obra forma parte de colecciones privadas y e institucionales: Fundación Cocacola, Fundación Juan entrecanales, Colección Diéresis, Colección Comunidad de Madrid.

    Ha realizado talleres con artistas como Yannis kounelis o Esther Ferrer entre otros, y ha asistido a residencias artísticas. Además colabora con varios grupos de trabajo, como 

    Ridicolo- grupo internacional de artistas, fruto de la residencia en la fundación Botín en 2009. En la actualidad forma parte de –Tertulia La Roldana- colectivo de mujeres del mundo de la cultura, que reivindican la reflexión a cerca de la memoria histórica y actual de las mujeres artistas. 

    Fundadora en 1998 de la madrileña galería de arte alternativo “espacio f”

    A día de hoy, trabaja como artista independiente y colabora con varias galerías como: Gowen Contemporary, Ginebra. Galería Rafael Pérez Hernando, Casa Amarilla, Guillermina Caicoya Art Projects en España y Páramo Galería en Guadalajara, México.

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    María JL Hierro

    María JL Hierro (1985) vive y trabaja en Huelva. Es Graduada en Ingeniería Civil por la Universidad de Extremadura y Posgraduada por la Universidad de Huelva en Higiene Industrial – PRL.

    Ha realizado cursos de distintas disciplinas con Aitor Saraiba, José Pedro Croft y Margarita Aizpuru. Ha participado en diferentes proyectos expositivos, cinematográficos, gestores, escritos y de comisariado. Podríamos destacar los siguientes: comisaría (ES)CULTURA LIBERADA, Centro Cultural José Luis García Palacios, Huelva, 2020; Hybrid Art Fair, Madrid, 2020; TOTUS ARS, Magasé Art Gallery, Feria Artist, Madrid, 2020; Rostros, Sala Antiquarium de Sevilla, 2019; PINK POWER, de Verónica Ruíz Frías, 2019; Ars in luce, con Magasé Art Gallery, Lucena del Puerto, Huelva, 2019; Cinco veces dos, stand de la Diputación de Huelva en ARCO, 2019; Hybrid Art Fair, Madrid, 2019; Hybrid Art Fair, Madrid, 2018; fotografía BATA ROSA, libro de artista junto al cineasta Enrique Rivero (2018); Follow me, galería Espacio 0, Huelva 2018; crea Haiku para Julia, corto – poesía visual para WOFEST 2018; Grafistas onubenses, Casa Colón, 2017; Hybrid Art Fair, Madrid, 2017; funda el espacio multidisciplinar LAECLÉCTICA, Huelva (2017), forma parte del equipo de ilustradores textiles de Rip Shop desde 2016; Lurra: save your trunk from my vines Kleiner Salon, Berlín, 2016 ;ilustra LURRA, libro de artista realizado junto a Irene Cruz y Juan Yuste (2015); idea e ilustra SCARS, libro de artista realizado junto a Irene Cruz y Néus Pérez (2016); Corazón, Galería Clandestino, San Juan, Huelva, 2013; Limite, sala de la PLOCC, Huelva, 2013.

    La obra de María JL Hierro es atenta y delicada, muestra la belleza desde la simplicidad que proporciona la casualidad y la certeza que muestra la causalidad. Interesada más en las buenas ideas que en las técnicas, sabe interpretar realidades y sueños con pocos trazos. Su poesía visual y tipoesía sobrecoge por ser capaz de ahondar, de manera tan directa, en los entresijos mentales y sentimentales de las personas.

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    María Ortega Estepa

    María Ortega Estepa (Córdoba, 1983) reside y trabaja en Sevilla. Licenciada en Bellas Artes y artista plástica en activo y Arteterapeuta por la Universidad Pablo Olavide, imparte conferencias y cursos relacionados con el Arte y la Intervención Social, porque su propia obra se encuentra muy ligada a ello. Asimismo, como arteterapeuta ha impartido talleres de formación en centros penitenciarios, diversas asociaciones de personas en riesgo de exclusión social y en centros educativos, tanto a profesores como a alumnos.

    Coordina el taller de Artes Plásticas de Fundación Alalá (Polígono Sur, Sevilla, 2017-2020) y las actividades didácticas del programa INICIARTE de la Junta de Andalucía. Ha realizado numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas a nivel nacional e internacional y cuenta con distintos galardones en su haber -el más reciente, el Premio Pedagogías invisibles de Fundación Repsol y Matadero Madrid-, ha disfrutado de numerosas becas creativas y su obra forma parte de la colección permanente de diversos museos, fundaciones y hospitales del territorio nacional.

    En la actualidad está centrada en la realización murales de intervención comunitaria en diversos contextos: conflicto político (Campamentos refugiados Sáhara Occidental), hospitalario (UCI adultos, Oncología y Reanimación), barriadas periféricas y numerosos centros educativos de todo el panorama español. Ortega Estepa sentencia: “En mi familia soy la primera del linaje de mujeres artistas, creo mucho en la energía de los ancestros y en las conexiones con nuestras antepasadas. A veces pienso que estoy contando a través de la creación lo que mis abuelas no pudieron. Es por eso que quizá mi trabajo se vuelque tanto en contar historias calladas de mujeres, que ocurrían dentro de los hogares y que se quedaban ahí, ya sean mujeres saharauis o de un pequeño pueblo de Extremadura o Córdoba. El Arte es el mejor altavoz.”

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    María Ortega Galvez

    Es una artista multidisciplinar madrileña, con proyección internacional, que centra su foco de interés en la capacidad de resiliencia de las personas, a través de una obra centrada en la escultura textil, la fotografía y el vídeo, entre otras.

    María Reig Brotons

    María Reig Brotons (1980) nace en el seno de una familia donde el arte ha estado siempre muy presente en varias de sus expresiones, especialmente la música, la pintura y la fotografía.

    Desde bien pequeña practica esta especialidad pero no es hasta los 25 años que empieza a interesarse más profundamente en la fotografía artística.

    Comienza de manera autodidacta y formándose paulatinamente mediante cursos, charlas, seminarios fotográficos, tutorías etc. Pertenece a AFIBI, asociación fotográfica de Ibi, de la que fue Presidenta los años 2016 y 2017.

    Es socia fundadora de la FLF, Federación Levantina de fotografía. No es especialemente asidua en concursística, pero a pesar de ello, cuenta con premios locales (12 horas de la villa de Ibi), premios comarcales (Maratón de Crevillent) y nacional (XXXVI edición Concurso Nacional de Fotografía “Vila de Ibi”) y ha sido jurado en diferentes certámenes.

    En 2016 dirigió el proyecto fotográfico y expositivo “Vestigis”. Un trabajo que duró casi tres años en el que se quiso poner en valor la arqueología industrial que aún entonces quedaba en la primera fábrica de juguetes de Ibi, “PAYÁ HERMANOS”. En 2019 junto con el reputado violinista alicantino Quico Miró, estrenaron por primera vez en Ibi el espectáculo multidisciplinar “Reinterprétate”. Una obra que tardo dos años en producirse y que engloba música, danza y fotografía, encargándose María de la producción creativa de los visuales y la escenografía.

    María es muy habitual en eventos expositivos colectivos organizados por AFIBI, así como en las diferentes convocatorias de “Històries de Joguets” promovidas por el Museo Valenciano del Juguete. Participa en la publicación RGB Magazine. Actualmente está trabajando en un nuevo proyecto fotográfico personal. Añadir que le interesa especialmente la fotografía artística y lo combina con trabajos de moda, reportajes sociales y producto.

    María Riera

    María Riera se formó en diseño de arquitectura de interiores en Madrid, donde tuvo un estudio hasta que regresó a su ciudad natal, Salamanca. Aquí abre su propio taller y empieza a trabajar como artista en una casa rural con su pareja de entonces.

    Los objetos desechados son los ingredientes básicos con los que trabaja María porque cada uno de ellos encuentra su historia. Desde material de de derribo de casas, molinos antiguos, ruedas, hasta restos de carpintería, sobre estos elementos ensambla objetos que muestran su discurso en torno a lo rural, el paso del tiempo y a la arqueología de los mismos.

    También es contadora de cuentos, para los que elabora sus escenografías. A esta faceta llegó de manera azarosa gracias a un curso que recibió del dramaturgo Roberto García Encinas, actuando también como actriz en el grupo salmantino denominado Tejuelo Teatro.

    Tiene María sobre todo la necesidad de contar historias a través de esos objetos encontrados, historias reales basadas en su propia vida, como fue en esta exposición de su éxodo personal en el que el discurso es mostrado por las pequeñas, frágiles figuras humanas. Este discurso no está exento de esperanza, encontrada -por ejemplo- en el organicismo de las algas marinas, potenciadoras de la vida y que le confieren belleza y armonía.

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    María X Fernández

    María X Fernández, artista multidisciplinar gallega, cuyas obras han sido expuestas en distintos países de Europa y Estados Unidos.

    La búsqueda de libertad es la necesidad que me impulsa a trabajar, inicialmente fue una forma de rebeldía íntima contra los aprendizajes impuestos en aquel periodo oscuro de dictadura y patriarcado, el placer inmenso de utilizar mi mano zurda y sentirme libre dibujando. Cuestionar todo lo aprendido y buscar nuevas vías de conocimiento, profundizar en mis áreas de interés acceder al subconsciente.

    Podría decirse que mi obra es romántica en tanto que en ella priman el sentimiento, la individualidad, la subjetividad y la imaginación, y podría decirse que es metafísica por su búsqueda de lo inasible, por ser herramienta de reflexión.

    De todo esto se concluye que el poder, la opresión, la manipulación y las estructuras sociales están en el fondo de mi trabajo. Mi trabajo se ha desarrollado en los límites de la escultura y la pintura con una clara vocación experimental, me fascinan el color, la luz y los mundos microscópicos, la incertidumbre forma parte de todo el proceso.

    El taller es el laboratorio donde se germinan las ideas que se expanden y materializan dialogando con el espacio expositivo. Procuro minimizar al máximo mi huella ecológica, prefiero materiales encontrados, reutilizados y no contaminantes, cada vez más el papel y la tela son los materiales sobre los que desarrollo mi trabajo. Últimamente he incorporado la utilización de lentes y proyecciones móviles buscando una desmaterialización de la obra. He trabajado además en diferentes áreas de las artes plásticas: escenografía, diseño gráfico, ilustración y docencia como forma de liberar mi obra de la presión comercial.

    María Xosé Domínguez Varela

    María Xosé Domínguez Varela, Santiago de Compostela (1967). Artista multidisciplinar. Máster en Arte Contemporáneo. Creación e investigación por la Universidad de Vigo. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela, Certificado Adaptación Pedagógica por la Universidad Santiago de Compostela, Titulada en Arquitectura de Interiores y Fotografía Artística por la Escuela de Artes Maestro Mateo.

    Además de comisaria y docente coordinó y participó en eventos artísticos alternativos como Non Mundo, Pazo Sabadelle, Lugo, 2018. Residencia artística, Encuentrospunto0 Val do Dubra, A Coruña, 2017. Sete espazos para habitar, Santiago de Compostela, 2016. Festival de Calle, Plaza de la Quintana, Santiago de Compostela, 2013.

    Realizó diversas exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera de España, cabe destacar: Intervenciones en el espacio urbano como Sons cor violeta, Praza do Obradoiro, Santiago de Compostela, 2017. Exposiciones individuales como O Paraíso de Lilith, Instituto Cervantes Tetuan y Tanger, 2014. Mala Fortuna, Espacie 150 x 295, Martil, Marruecos, 2013. , Xosirenas?, Citania, Santiago Compostela, 2012. Dos pueblos dos generaciones, Las Tunas, Cuba, 1997.

    Participó en exposiciones colectivas como – Ritual para unha despedida. XX Bienal Internacional de Arte de Cerveira, Portugal, 2018. Pegadas dun compromiso: Yo… Ti… Ellas… Nosotras, Nosoutrxs en Red, Red Museística, Lugo ( Museo Provincial de Lugo y Pazo de Tor), Lugo, 2018. – (En el) Soy (En el) Pertenezco: Feria arte contemporáneo: MARCA ART FAIR, Museo Arqueológico de Cacabelos. Cacabelos, León, 2017. Expressoes de cidadania en el femenino. Casa Museu de Monçao de la Universidad del Minho, Portugal, 2016. Vistazos Reinterpretación de lana obra Mi Familia de Julia Minguillón, Red Museística Provincial de Lugo, 2015. Del papel al gesto. Libros de artistas y otras divergencias. Culturgal, Pontevedra, 2014. Ahora nosotras Museo Cacabelos, León, 2014. ESTUDO ABERTO en Pazo San Marcos, Lugo, 2014. Creamos(nos) CENIMA de Foz (Lugo), entre otras.

    En sus líneas de investigación cabe destacar el análisis sobre laa transculturalidad en el mundo de la creación artística contemporánea. Actualmente profundiza en el duelo desde la su propia experiencia. Siempre desde el universo femenino.

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    Marta Bisbal Torres

    Marta Bisbal Torres (Mollerussa, 1974) es artista visual. Licenciada y doctora en Derecho, Máster en Periodismo, Estudios de Fotografía. A partir de 2014, opta por lasartes visuales como herramienta de búsqueda y reflexión personal. En la actualidad, vive y trabaja en Lleida.

    Sus proyectos han sido seleccionado en festivales y certámenes artísticos estatales y deámbito internacional como Larva (Lleida, 2019 y 2017), Panoràmic (Granollers, 2017),Embarrat (Tàrrega, 2017), Scan Full Contact y Scan Photobooks (Tarragona, 2016),Encontros da Imagem (Braga, 2016 y 2015), Athens Photo Festival (Atenas, 2016),Moscow International Foto Awards (Moscú, 2016), Concurso Iberoamericano Nexofoto (2016), Santander Photo (Santander, 2016), Photoalicante Photowall (Alicante, 2016), Art Photo BCN (Barcelona, 2015), Pa-ta-ta Festival (Granada, 2015) y Descubrimientos PHotoEspaña (Madrid, 2015).

    Sus proyectos también se ha mostrado en diversas exposiciones individuales, entre ellas, en Roca Umbert Fàbrica de les Arts (Granollers, 2020), Lo Pardal (Agramunt, 2019), Museu Abelló (Mollet del Vallès, 2017), Sala Kursala (Cádiz, 2016), Espazo de Arte Roberto Verino (Ourense, 2016), Centre Cívic Pati Llimona (Barcelona, 2016) e Institut d’Estudis Ilerdencs (Lleida, 2014), y en colectivas en La Cumprativa (Llorenç del Penedès, 2020), la Sala Muncunill (Terrassa, 2018) y en Casa Esperança (Braga, 2016), entre otras.

    En 2016 se publicó el fotolibro Kosmos, que forma parte de la colección Cuadernos de la Kursala de la Universidad de Cádiz y se ha mostrado en varias exposiciones de fotolibros en ciudades españolas y en otras europeas como Londres, Roma, Milán y Atenas.

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    Noemi Iglesias

    Noemi Iglesias es una artista que se define trabajando con medios escultóricos y formatos performativos de larga duración. Es un claro ejemplo de nomadismo contemporáneo: desde el año 2009, ha vivido y trabajado en Grecia, Inglaterra, Finlandia, Italia, Hungría, China y Korea.

    En 2019 recibió la titulación de Master en Porcelana por la Tainan National University of the Arts donde estudió sobre prácticas cerámicas contemporáneas gracias a la Beca ROC Taiwán del Gobierno Taiwanés.

    En su trabajo, utiliza la tradicional técnica de producción floral en porcelana, para representar la actual mercantilización del enamoramiento, analizando cómo los patrones emocionales son asumidos socialmente como iconos de consumo en la producción de una utopía romántica donde, las experiencias sentimentales se presentan a través de productos fabricados por industrias específicas, transformando las pautas emocionales en estrategias consumistas.

    Recientemente, ha podido verse su obra en el Gimhae Clayarch Museum de Korea, El Museo de Arte Contemporáneo y el Yingge Ceramics Museum, ambos en Taiwán; el Museo de Cerámica de Alcora, la Bienal de Cerámica del Vendrell y el Certamen Internacional de Cerámica CERCO.

    Este año, Noemi ha realizado una residencia en la fábrica de Porcelana Vista Alegre de Portugal, donde diseñó una línea de productos funcionales para la marca. También ha formado parte de la exposición “Generaciones” de Arte Informado, la feria JustMad con la galería Espacio Líquido – La Gran, así como de una serie de iniciativas expositivas online como el museo virtual de la colección MIA Anywhere, ArteCovid19, CuArtentena, Just One Day y Queremos Más Arte de la colección DKV Arteria. Próximamente, presentará su proyecto IT Love galardonado con el Premio Lab Joven de la Colección Los Bragales y también formará parte del Premio Faenza en Italia y de la Shanghai Academy of Arts and Design donde acudirá como artista invitada.

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    Núria Martinez Seguer

    Núria Martinez Seguer es Doctora en Bellas Artes en la especialidad de Imagen por la Universitat de Barcelona. Desde 1998 es profesora titular de Fotografía en la Escuela Superior de Arte Serra i Abella del Departamento de Educación de la Generalitat de Cataluña.

    Desde 1993 realiza proyectos de creación en el campo audiovisual y fotográfico. Ha llevado a cabo numerosas exposiciones individuales y colectivas entre las que destacan: Todo el Espacio (Barcelona, 1993), Diálogos extremos (Barcelona, 1994), Spongia (Barcelona, 1994), Percepciones marginales (1996), El silencio del boxeo (Barcelona, 2006), La queue qui mange li poisson (Barcelona, 2010), Nommer Femme belle de jour (Zaragoza, 2010), 3 miradas (Barcelona, 2011), Soul Round (Barcelona, 2012), éphémère (Barcelona, 2013), Città (Barcelona, 2017 y Santa Coloma de Gramenet, 2019) y 11 Fotoconnectades (Barcelona, 2020).

    Está representada por la Galería h2o de Barcelona. Ha sido seleccionada entre los finalistas de reconocidos certámenes como son Injuve Vídeo Creación (Madrid, 1998), Jóvenes Creadores (Madrid, 2002), Descubrimientos PHE02 femeninos (Madrid, 2002), Euro Press Photo Awards (Roma, 2004), Art Mix (Barcelona, 2009), Fem (Valencia, 2010), Génesis BAC (Barcelona, 2011), Festival Miradas de Mujeres FMM13 (Barcelona, 2013), Screen Festival 2013 LOOP_ HFM#18 (Barcelona, 2013), Arts Libris (Barcelona, 2013), Gracs © Tangible Magazine (Barcelona, 2013), Sobre la fotografía (4) La Virreina Centre de la Imatge (Barcelona, 2017) y Territorios de papel (Barcelona, 2018).

    El 2004 obtuvo el Primer Premio Nacional en la Euro Press Photo Awards, en la categoría de Deporte, expuesto en el Palazzo Venezia de Roma. Entre sus publicaciones cabe señalar Khaya (Primavera Fotogràfica, Barcelona, 1998), Nommer Femme belle de jour (Colección Cuarto Oscuro 09, Zaragoza, 2010), Soul Round (galeria h2o Barcelona, 2012), Sports as seen from Art_Artium (Vitoria-Gasteiz, 2016) y Fotógrafas (Barcelona, 2019).

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    Ritha Thende Mingomba

    Ritha Thende Mingomba (Kinshasa, República Democrática del Congo) es una modelo y artista multidisciplinar que vive en Bilbao desde 2008, entre sus medios podemos encontrar la fotografía, la pintura, la poesía y la performance.

    Con respecto a la fotografía, su acercamiento a ella viene dado por el interés y el amor a los cuerpos fuera de norma, sobre todo cuerpos negros y de mujeres.

    En cuanto a la pintura y la performance, realiza estas disciplinas como una necesidad personal y a modo de terapia para poder sacar lo que lleva dentro, realizando así cuadros impulsivos cargados de sentimientos. Pinta sin planear lo que va a realizar, simplemente dejándose llevar por las pinceladas. Esto se puede ver, por ejemplo, en la exposición Esperpentos, donde realiza cuadros desbordados de dramatismo, ya sea en figuración o abstracción. Habitualmente, todas sus pinturas van acompañadas de un poema que ilustra lo que quiere mostrar y cómo se siente con respecto al tema escogido en su creación. Ritha nos deja ver su parte más oscura, lo que la atormenta, pero también lo que la inquieta. Asimismo, muestra las desigualdades sociales que le indignan, las cuales conoce doblemente de primera mano, tanto por ser mujer, como por ser racializada.

    Por lo tanto, las obras de la artista giran en torno a dos conceptos principales, su propia vida, pero también las desigualdades sociales. En cada cuadro hace una dura carta de presentación, haciendo que se la conozca por los aspectos más cruentos de su vida. Pero al mismo tiempo no lo hace desde el papel de víctima, sino desde el papel de dar visibilidad a problemas reales sobre los que hay que debatir y replantear. Lo que pretende transmitir no es un sentimiento de tristeza, sino de fuerza imbatible, un instinto de lucha que se hace visible en cada obra que muestra.

    En su temprana carrera, ha participado en diversas exposiciones, tanto individuales como colectivas, algunos ejemplos son, con respecto a las colectivas, Politicamente (in)correcto, 2019, Bilbao Urban; Analogue Production, 2019, o Goddess, 2018. En cuanto a las muestras individuales, algunos ejemplos son, Espertentos, 2020, o Múltiples Faces, 2019.

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    Romina Rivero

    Graduada BBAA por la ULL en Arte Contemporáneo Multidisciplinar, 2014. En su trayectoria más reciente figuran exposiciones individuales como En Fuga actualmente en curso en SAC _Tenerife, y Resistencias durante el 2019 en Hybrid Art Fair_Madrid.

    En 2018 protagonizó El espíritu no es un hueso en TEA _Tenerife Espacio de Las Artes, y en 2017 presentaba en el Centro de Arte La Regenta Ad Intus, el espacio que habitamos. Recientemente, ha participado además en diversas exposiciones colectivas de ámbito nacional e internacional como: Scattergories, Lista 4 desarrollada virtualmente este año 2020, Alégrame esas Pascuas inaugurada en “Factoría de Arte y Desarrollo“ y SeAlquila Futuro (8ª edición) ambas en Madrid en 2019. Es también en 2019 que participa en la “III Biennale di Genova“ _Italia, y en la muestra on line Mujeres, acogida por la plataforma Arteinformado.

    La Galería de Arte Artizar la presenta en NOW´15 como joven artista emergente contemporánea en el panorama de las Artes en Canarias, y ese mismo año gana el Concurso Benches for Europe para el exterior del Parlamento Europeo_Estrasburgo, donde actualmente se encuentra ubicada una de sus piezas.

    Se le han concedido otros premios como: el Premio de la crítica en la III Biennale di Genova en 2019, la Beca NOW´19 por la Galería Artizar_Tenerife, la Residencia Artística en TEA en 2018, o el Concurso de Escultura para el contemporáneo edificio de autor SEGAI de la Universidad de La Laguna en 2014, entre otros. Su trabajo está tanto en colecciones privadas como públicas nacionales e internacionales. Actualmente, se encuentra desarrollando sus dos próximos Proyectos Expositivos Individuales en las Islas para el CIC El Almacén de César Manrique y la Galería Artizar, ambos para 2021.

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    Rosell Meseguer

    Artista visual y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, donde es profesora actualmente de máster y grado. Desde el 2005 viene desarrollando su actividad profesional entre Europa y América latina a través de colaboraciones con museos, galerías y universidades.

    Ha sido becada por la Academia de España en Roma, la Beca Botín o la Fundació Miró Mallorca.

    Ha sido invitada y ha recibido encargos por parte de instituciones como el Ministerio de Cultura y Deportes, España; AC/E, Acción Cultural España; Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID); Manifesta, International Foundation Manifesta (IFM), Holanda (2010-2011), Plat(t)Form, Winthertur, Zurich; Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Chile; o el ArtCenter/South Florida, Miami. Su obra está presente en colecciones como la del C.A.2M. Centro de Arte Dos de Mayo Madrid; Fundación AENA; Real Academia de España en Roma; UNICAJA o el IVAM, Valencia así como en colecciones privadas en Estados Unidos (Board Whitney Museum, Nueva York), Latinoamérica (MAC Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile) y España (Seguros DKV).

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    Teresa Búa

    Teresa Búa (Muxía, A Coruña, 1991). Realiza el grado de Bellas artes entre las Universidades de Vigo, Kingston University (London) y la Universidade Politécnica de Valencia, y el Master de creación e investigación de arte contemporánea (UVIGO), posteriormente se gradúa en Diseño Textil en ESDEMGA. De 2007 a 2018 compagina academia con vida laboral en un estudio de fotografía dedicado a eventos sociales.

    Primer premio del XIII Certamen fotográfico Xosé Manuel Eirís en el año 2011 y 2019. También gana el primer premio en el 2015 en el XIII Certamen de artes plásticas de la Deputación de Ourense. Ha sido seleccionada en el X e XIII Premio internacional de arte gráfica Jesús Núñez. En 2016 le seleccionan un diseño para a colección Sargadelos textil que se comercializa con La Voz de Galicia. En 2017 realiza en colectivo el proyecto Verde Superverde y es primer premio en el Certamen de nóveles diseñadores de la XXVII Mostra do Encaixe de Camariñas.

    En 2019 es seleccionada en XI Premio do Auditorio de Galicia y en 2020 en el Certamen Novos Valores de Pontevedra.

    Desde 2011 participa en diversas exposiciones nacionales e internacionales como Miniatures en Europa y América, Degenero en la Fundación Antonio Saura en Cuenca. A partir de 2017 realiza performances en eventos como Violencia Zero de la Deputación de Pontevedra y Acción xm2 en La JUAN Gallery en Madrid. En 2018 empieza a formar parte del proyecto Wom@rts, liderado por el Auditorio de Galicia y cofundado por Creative Europe Programme de la Unión Europea, que tiene difusión por Europa hasta 2021.

    En 2019 colabora en la pieza Las plantas también miran a las estrellas del colectivo Uh513, encargado por Matadero Madrid para la exposición Jardín Cyborg. Y en 2020 colabora con la diseñadora interactiva Giulia Tomasello en el proyecto ALMA dentro de Re-fream Project, financiado por EU Horizon 2020 y Starts Lighthouse.

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    Teresa Margolles

    Teresa Margolles (Culiacán, Sinaloa, 1963) estudió Arte en la Dirección de Fomento a la Cultura Regional del Estado de Sinaloa (DIFOCUR), se diplomó en Medicina Forense en el Servicio Mexicano Forense y estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional Autónoma de México.

    Desde sus inicios con el grupo SEMEFO (Servicio Médico Forense) se ha fijado en las morgues y en las salas de disección. Más recientemente, en las calles de México y otras ciudades como Cúcuta, escenarios de muerte, pero al mismo tiempo, testimonios de la inquietud y la crisis social.

    Trabaja, más que con restos del cuerpo, con los rastros de vida que se plasman sobre sudarios, en entierros, en la memoria, así como en la forma en que un acto violento destruye y afecta a redes humanas en distintos niveles.

    Sus exposiciones individuales más recientes han tenido lugar en Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma, el Museo de Arte Moderno de Bogotá y en la Kunsthalle Krems en Austria (2019), en el centro Witte de With de Rotterdam (2018) y en el Musée d’art contemporain de Montréal (2017), entre otros muchos.

    Ha participado en dos ediciones de la Bienal de Venecia (2019, 2009) y en otras bienales internacionales (Göteborg, 2003; Kwangju, 2004; Baltic Triennal, Vilinius, 2005; Liverpool, 2006) además de otras iniciativas colectivas de relevancia como ECO – Arte Contemporáneo Mexicano, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2005); Indelible Images (trafficking between Life and Death), Museum of Fine Arts, Houston (2005); Mexico City: An Exhibition about the Exchange Rates of Bodies and Values, P.S.1 Contemporary Art Center, Nueva York (2002).

    Imagen: Teresa Margolles, Carretillera sobre el Puente Internacional Simón Bolívar, Colombia-Venezuela, 2018. Impresión digital sobre papel de algodón, 180 x 140 cm. Edición: 5 + 2 P.A. Cortesía de la artista. © de la obra, Gabinete TM, 2020