Miriam Callejo. Precisión y definición en el detalle


Miriam Callejo MIRANDO a Cristina del Campo

 

 

Conozco el trabajo de Cristina desde hace tiempo; la rigurosidad, armonía y delicadeza que transmiten sus piezas provocan que quien las observa se quede con su nombre y su obra a primera vista, aunque no se recuerde el momento exacto.

Casualmente, ahora se da la circunstancia de habernos encontrado profesionalmente y, gracias a eso, he podido compartir con ella varios montajes expositivos, lo que me ha permitido conocer no solo la obra, sino a la artista y a la persona. Con esta entrevista se descubren nuevos matices de su proceso creativo y de su concepción del Arte y su contexto actual, compartido, creo, por muchas.

S/T (Serie Drapeados) | Óleo y grafito sobre tela | 50 x 70 cm | 2016

S/T (Serie Drapeados) | Óleo y grafito sobre tela | 50 x 70 cm | 2016

A caballo entre el dibujo y la pintura, la minuciosidad y detalle de tus piezas, dejando el fondo neutro, recuerdan a las ilustraciones de los estudios científicos de los siglos XVIII y XIX, ¿cuáles son tus referentes?

Los referentes de un artista pueden ser muchos y variados, la obra de otros artistas, todo tipo de imágenes que nos rodean o las que nos son lejanas y ajenas, así como otras disciplinas que no tienen que ver con la imagen (literatura, música…).

Si nos referimos a referentes artísticos, en mi caso creo que no son muy obvios, por lo que me suele resultar difícil hablar de ellos. Quiero decir que la obra de los artistas que me interesan, influencian e inspiran, no tiene especial parecido con mi propia producción, creo, como sí le sucede más claramente a otros artistas.

Me interesa la obra de muchos creadores, últimamente tengo inclinación por conocer más a fondo el trabajo que desarrolló María Blanchard, artista muy importante de mi tierra, a principios del siglo pasado. También me interesan mucho los trabajos sobre papel de algunos artistas cuya disciplina principal no es el dibujo, como pueden ser los bocetos-collages de Christo y Jeanne-Claude para sus instalaciones, las obras sobre papel de la escultora Rachel Whiteread o del pintor Franz Ackermann. También me interesa Cristina Iglesias o Louise Bourgeois. Pero la lista sería larga. Los estudios científicos de los siglos XVIII y XIX son referentes en mi trabajo de manera especial, sí. Es un tipo de imagen que siempre me ha atraído e interesado mucho, y sobre la que estoy investigando.

02- ST (Serie Drapeados) Óleo y grafito sobre tela 130 x 97 cm 2015

S/T (Serie Drapeados) | Óleo y grafito sobre tela | 130 x 97 cm | 2015

Incluir elementos arquitectónicos y geométricos, alusiones a la mineralogía, además de haber participado con el equipo de montaje de un gran artista para el que la geometría era también un elemento fundamental, Sol LeWitt, son una constante en tU obra, ¿a qué se debe? ¡Cualquiera diría que más que artista de formación, eres arquitecta, geóloga o, incluso, matemática!

¡Me han preguntado más de una vez si he cursado estudios de arquitectura! Pero no. Siempre me gustó mucho la asignatura de dibujo técnico en el instituto y en Bellas Artes, puede ser que algo de esa inclinación por la geometría o el tipo de dibujo (geométrico o no) que realizo en mi obra venga de ahí.

En cuanto al hecho de incluir elementos arquitectónicos, responde a un interés que he tenido siempre por la arquitectura, tanto por estructuras generales como por detalles arquitectónicos, pero además, porque los elementos que suelo elegir para incluir en mis obras son detalles concretos bastante relacionados con lo ornamental, que es un tema de trabajo que me interesa mucho.

S/T (Serie Mineraliensammlung) | Acuarela, grafito y rotulador sobre papel | Ø 12 cm | 2015

S/T (Serie Mineraliensammlung) | Acuarela, grafito y rotulador sobre papel | Ø 12 cm | 2015

Lo de la mineralogía me viene de mis visitas a los museos de Historia Natural de ciudades como Nueva York o Berlín. Siendo algo que siempre me había atraído estéticamente, en las visitas a esos museos creció mi interés por incorporar elementos y formas relacionadas con la mineralogía en mis obras, por lo que realicé muchas fotografías que luego he ido utilizando en algunos trabajos en los últimos años.

Mientras que en la serie Mineraliensammlung, de 2015, representaba directamente formas minerales sacadas de aquellos museos, también mi serie Leyes de Maclas, hace alusión a la mineralogía a través del título, pero represento en ella formas “geométricas” inventadas (entendiéndolo como estructuras, planos, volúmenes, en este caso irregulares), intentando hacer un guiño entre ambas disciplinas.

Respecto a Sol LeWitt, creo que me he adaptado bien al equipo de trabajo precisamente por eso, por ese gusto por la precisión y la geometría. Siendo ya una artista que trabajaba de forma minuciosa, precisa y detallada, esa tendencia se ha acrecentado, ya que el trabajo en la obra mural de LeWitt supone una rigurosidad miimétrica, y requiere de una técnica, manos y ojo que trabajen con mucha exactitud. Algo con lo que disfruto mucho.

S/T (Serie Leyes de Maclas) | Gouache, acuarela, grafito y lápices de color sobre papel | 27,5 x 22,5 x 4 cm | 2016

S/T (Serie Leyes de Maclas) | Gouache, acuarela, grafito y lápices de color sobre papel |
27,5 x 22,5 x 4 cm | 2016

En obras como las de la serie Drapeados, elementos arquitectónicos y tejidos se entremezclan; lo rígido y lo maleable; lo duro y lo delicado; ¿lo masculino y lo femenino?

Podría entenderse así, sí. Aunque mi intención no es de manera directa hablar de lo masculino y lo femenino, ni siento que lo masculino se identifique con un determinado tipo de forma y lo femenino con otra. Yo no utilizo esos elementos con esa intención conceptual, pero entiendo que el público pueda percibirlo así. Para mí es más la confrontación entre formas orgánicas y formas más “geométricas”, más estructurales. Aunque más que confrontación, creo que prefiero entenderlo como una interacción, como un baile, como elementos que al interactuar generan un movimiento.

S/T (Serie Drapeados) | Óleo y grafito sobre tela | 122 x 150 cm | 2016

S/T (Serie Drapeados) | Óleo y grafito sobre tela | 122 x 150 cm | 2016

Algunas de tus series se dilatan varios años en el tiempo, ¿cómo crees que ha evolucionado tu obra a lo largo de tu carrera?
Mi obra ha evolucionado mucho, como la de casi cualquier artista, porque todo lo que te rodea es susceptible de influir en ella. Nuevos conocimientos o nuevas inspiraciones van modelando el trabajo en una u otra dirección. El propio conjunto del trabajo también le hace evolucionar, a veces buscando un perfeccionamiento del mismo, en la misma dirección, y otras veces, buscando una contraposición y ruptura con la trayectoria plástica anterior.

Las series que continúan en el tiempo, las sigo ampliando porque todavía no están cerradas, aún están en evolución y pueden dar más de sí, por eso las mantengo. Cuando creo que ya no puedo sacar más de una serie, o deja de interesarme seguir investigando o profundizando en ella, la doy por finalizada.

Mi trabajo, desde que empecé mi trayectoria artística, ha evolucionado bastante. Partiendo de una especie de expresionismo muy frecuente en quienes hemos estudiado en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca, ha derivado hacia una limpieza, una definición y una figuración (aunque bastante abstracta, considero mi obra figurativa) mayor, así como hacia una precisión y definición en el detalle mucho mayor. Puede seguir evolucionando hacia una búsqueda de perfección en esos sentidos, o dar un giro hacia algo opuesto, eso el tiempo lo dará a ver.

S/T (Serie Drapeados) | Gouache, acuarela y grafito sobre papel | 50 x 33 cm | 2016

S/T (Serie Drapeados) | Gouache, acuarela y grafito sobre papel | 50 x 33 cm | 2016

Volviendo a Sol LeWitt, ¿qué te ha aportado participar en varias exposiciones suyas? ¿Cómo es la dinámica de trabajo en un equipo con unas directrices tan marcadas como las que dejó LeWitt para su obra?

Trabajar para Sol LeWitt me ha aportado muchas cosas. Como comentaba antes, un mayor gusto por la precisión y la perfección del que ya de por sí tenía, así como nuevas técnicas y maneras de entender una obra que, aunque no las aplique en mi propia producción directamente, sí influyen.

La dinámica de trabajo consiste en que Sol LeWitt dejó escrito de manera muy clara de qué forma debían efectuarse sus Wall Drawings, como él los llamó (hablo solo de esa parte de su creación porque es en la que yo trabajo) y esas directrices se siguen con exactitud y rigurosidad. Hay unos asistentes oficiales que son los que dirigen los equipos de trabajo, y que van controlando el proceso de principio (desde la preparación de las paredes para que tengan las condiciones exactas que se necesitan), hasta el resultado final de la pieza.

Me resulta muy interesante trabajar como asistente para otro artista. Es completamente diferente al trabajo en tu propia obra, claro. Como asistente de alguien que dejó todo tan pautado como LeWitt, el artista-asistente no ejerce como artista en el sentido de creador, de tomar decisiones a cada momento, de que el trabajo pueda ir evolucionando en una u otra dirección en función del propio desarrollo de la pieza. En este caso la obra se sabe cómo se empieza y cómo debe ser su resultado final, y no hay que pensar ni que decidir nada sobre ello. Eso me parece muy interesante. Es un trabajo más “mecánico”, podría decirse. Pero el contrapunto con esto, es que sigue siendo un trabajo manual, por lo que la mano del colectivo de artistas que ha realizado esos murales siempre aparece de algún modo, irremediablemente, aunque sea de manera muy sutil.

El hecho de trabajar con técnicas tradicionales, de dibujar sobre la pared con grafito, de pintar con tinta o acrílico diluido y aplicado con trapos, rodillos o brochas, hace que, para el artista que la está desarrollando, sea una obra más cálida de cómo puede advertirla en espectador, que la suele sentir fría y como realizada por una máquina. Ese contrapunto entre perfección y plasticidad me interesa mucho, y lo percibo, al contemplar los dibujos murales de LeWitt, mucho más intensamente desde que realizo sus obras.

Por otro lado, el hecho de realizar un trabajo repetitivo a la hora de trabajar en sus piezas, hace que uno viva ese proceso como una especie de mantra. Es una experiencia muy interesante.

S/T (Serie Leyes de Maclas) | Grafito y acrílico sobre escayola y pared | 43 x 53 x 8 cm | 2017

S/T (Serie Leyes de Maclas) | Grafito y acrílico sobre escayola y pared | 43 x 53 x 8 cm | 2017

Tú que has vivido y trabajado en Alemania o Estados Unidos, además de España, ¿qué diferencias encuentras en el mundo del arte entre estos países? ¿en cuál de ellos consideras que es más complicado ser artista y vivir de ello?
Creo que es más difícil vivir del arte en España. Creo que el mercado es bastante débil, y no hay demasiado apoyo institucional, por lo que el panorama no es bueno. Pienso que en Alemania o Estados Unidos hay más interés por el coleccionismo, o un interés más extendido, a nivel general, y mayor compromiso desde lo institucional por apoyar y difundir (tanto en el propio país como en el extranjero), la obra de “sus artistas”. Bajo mi punto de vista, entienden mejor que el arte es uno de los pilares fundamentales de la identidad de un país, y en ese pilar hay un lugar destacado para el arte contemporáneo, para el “quiénes somos nosotros ahora”. En España creo que se descuidan estos aspectos en favor de otros. Cuando ves que en las bienales o documentas apenas hay arte español, cuando en las listas de artistas de exposiciones organizadas por comisarios internacionales observas que apenas hay, o directamente no hay, artistas españoles, te das cuenta de que, no es que no se estén haciendo cosas interesantes en España, porque sin duda se están haciendo, sino que internacionalmente no se sabe qué se está haciendo en este país. Y esa creo que es una función que deben hacer las instituciones, mostrar el Arte Español fuera.

S/T (Serie Leyes de Maclas) | Óleo y grafito sobre tela | 50 x 70 cm | 2017

S/T (Serie Leyes de Maclas) | Óleo y grafito sobre tela | 50 x 70 cm | 2017

En esta misma línea, y teniendo en cuenta tu condición de artista joven y mujer, ¿cómo ves el panorama artístico nacional?
El panorama artístico nacional para una artista mujer no es precisamente bueno. Yo me considero bastante afortunada, dentro de lo que cabe, pero las cifras están ahí. De un 10 a un 13% de artistas mujeres con sus obras en museos y galerías. Según uno de los últimos informes MAV, el porcentaje de artistas mujeres españolas en la feria Arco fue del 5%, la pasada edición. Parece que en otros países las cifras son algo más altas.

Es bastante escandaloso, porque los que estamos dentro del mundo del arte sabemos quiénes somos las mujeres que estamos trabajando ahora, que los porcentajes son mucho más altos, y que la obra que estamos haciendo es de calidad, muy interesante y, por lo tanto, sabemos que esos porcentajes de exhibición no se corresponden con los porcentajes de artistas que están desarrollando su obra en su estudio ahora mismo.Yo trabajo con galerías en Santander y Nueva York, en ese sentido estoy contenta de
estar bien representada, pero conozco muchas artistas muy buenas que directamente no trabajan con ninguna galería, y a las que les está costando mostrar su obra.

¿Piensas, por tanto, que ser mujer es un condicionante en el mundo del arte?
Nunca he querido creer que esto pueda ser así en este sector, pero las cifras lo dicen todo.

S/T (Serie Leyes de Maclas) | Lápices de color y grafito sobre papel | 22,5 x 27 cm | 2016

S/T (Serie Leyes de Maclas) | Lápices de color y grafito sobre papel | 22,5 x 27 cm | 2016

Ahora parece que esto puede comenzar a cambiar, ¿qué opinas de los últimos movimientos feministas que se están dando en el ámbito artístico y cultural español? ¿Crees que marcarán un antes y un después en el papel de la mujer en el mundo de la cultura?
Creo que son fundamentales y me alegra mucho que se estén produciendo. Están moviéndose las cosas en muchos ámbitos y sentidos nacional e internacionalmente, y eso es bueno. Empezamos a ver que ciertas actitudes que hace pocos años las veían o las veíamos como normales, o al menos como inevitables, ahora nos parecen un disparate, eso indica un cambio de conciencia que ha evolucionado mucho en muy poco tiempo. Creo que estos movimientos están marcando un antes y un después fundamental y sin retorno, sí.

 A las que están llegando ahora, desde tu propia experiencia, ¿qué les dirías?
Que trabajen mucho. Que crean en sí mismas y en su obra, pero que también la cuestionen y evolucionen. Que sean persistentes. Que no pierdan la ilusión. Que es un trabajo duro pero que merece la pena dedicarse a la creación, funcione mejor o peor en el exterior del estudio (o aunque haya que dedicarse a algo más para poder afrontarlo, como por desgracia sucede muchas veces), debido al crecimiento y desarrollo personal que conlleva. Que no tengan miedo a intentar moverse fuera del país. Que no tengan miedo de esas cifras de las que hablábamos y sigan adelante, para intentar contribuir y ayudar a cambiarlas (en la medida de sus posibilidades), aportando trabajos de calidad y fuerza.

10- ST (Serie Drapeados) Óleo y grafito sobre tela 33,6 x 27 cm 2016

S/T (Serie Drapeados) | Óleo y grafito sobre tela | 33,6 x 27 cm | 2016

Para concluir, ¿cuáles serán tus próximos proyectos?
Tengo varias exposiciones colectivas en marcha. Algunas en mi región, Cantabria, como 100×27. Mujeres Sinsombrero, una recopilación de obras de 100 mujeres relacionadas con el mundo de la cultura en Cantabria (artistas plásticas, escritoras, comisarias…), que busca homenajear a las mujeres creadoras olvidadas de la generación del 27, y que se podrá ver en Santander a partir del 1 de marzo.

Así como SPOT. Estéticas audaces, una colectiva de artistas cántabros en el CN Foto de Torrelavega, desde finales de febrero.

En Madrid, participaré en el proyecto O*B+, una colectiva de 70 artistas en la galería 6más1, que se desarrollará en paralelo a Arco, con un concepto y ejecución expositiva especial e interesante.

También participo en la exposición Miscelánea II, colectiva en el Centro Valey de Castrillón, Asturias, junto a artistas de cuatro comunidades autónomas, y que se inaugurará a primeros de abril.
Y por último, desde primeros de enero y hasta el 18 de febrero estoy participando en una muestra colectiva en la galería con la que trabajo en Nueva York, Black & White Gallery, bajo el título Beyond the Brush.

Cristina del Campo. Web
Miriam Callejo. Web