GESTORAS CULTURALES VIII MMM
Adriana Pazos Ottón
Gestora cultural. Artista Visual. Especialista en pedagogía artística y creatividad. Videoartista, performer. Dirección y gestión del proyecto de Arte Contemporáneo OLALAB Acción Cultural, del proyecto educativo AULADEIDEAS: Educación y Creatividad, y artista visual creadora e integrante de las compañías de artes escénicas Voltage Opposites Project, Acción Camándula.
Colaboradora en gestión y creación de contenidos en Plataforma de Arte Contemporáneo Arte a un Click. Subdirección en Mujeres Mirando Mujeres. Responsable del área de incidencia social de la Federación Autismo Galicia. Estudios: Bellas Artes, Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo. Licenciada en Historia del Arte, Universidad de Santiago de Compostela. Estudios de Educación e Innovación en arte y cultura digital, UOC. Estudios de psicología y pedagogía.
Técnicas artísticas aplicadas al trabajo de grupo y como vehículo aplicadas a la didáctica y la creatividad. Live Video aplicado a Artes Escénicas. Marketing digital, especialista en comunicación y web master.
Aidée Bañuelos
México, 1981. Artivista transdisciplinar, gestora y madre autónoma transfeminista de tres. Políticamente lesbiana. Graduada de la licenciatura de Artes Plásticas de la Universidad de las Américas Puebla. Cuenta con diplomados en Prácticas de Investigación Artísticas y Cultura de Paz A Través de las Artes. Creadora del primer encuentro de videoarte en Puebla en 2003. Ha fungido como jurado en la Muestra Estatal “Valor Arte” en 2016. Es profesora de arte desde 2006. Desde 2013 desarrolla prácticas de activismo feminista; lo que la lleva en 2018, durante una residencia a desarrollar el proyecto Descarte, plataforma para artistas madres y artistas disidentes al mercado artístico. En 2021 se une a la colectiva El Taller.
Alicia Elizabeth Dalterio
Alicia Elizabeth Dalterio es docente, artista visual y sonora, escritora en divulgación científica y salud. Indaga a través de las artes ejes asociados a la conciencia, la educación, la espiritualidad, la ecología, el bienestar y el futuro hacia una sociedad global mejor. Colabora en revistas internacionales. Entrevista a artistas que han transformado su vida y la de otros con su mirada, concepto y acción.
“Los indios americanos se referían a «caminar en la belleza» cuando nuestra presencia en la tierra está conectada a todo lo que nos rodea, porque todo tiene vida. Compartimos un único hogar, la naturaleza en su expresión es la mayor artista. Las penas de las mujeres y los niños son las de la tierra y viceversa. La pandemia expone emergentes innegables y una gran oportunidad de colaborar en trascenderlos al unir capacidades en acción, trabajando desde donde estemos”.
Ana Gabriela Ballate Benavides
(La Habana, 1990). Comisaria independiente, gestora cultural y crítica de arte. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de La Habana (2013) y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca (2019). Con una importante trayectoria en la gestión de galería y dirección de proyectos, fue fundadora y directora asistente de ‘Arte Continua’, sede en la Habana de la primera galería extranjera de arte contemporáneo internacional en Cuba “Galleria Continua”, gestionando y produciendo -desde 2014 hasta 2018- numerosas exposiciones individuales y colectivas de artistas como Anish Kapoor, Jannis Kounellis, Michelangelo Pistoletto, entre otros. Ha colaborado, asimismo, con diversas instituciones en la gestión de proyectos curatoriales como el Museo Nacional de Bellas Artes (Cuba), el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam (Cuba), la Fototeca de Cuba, la Bienal de La Habana, el Domus Artium 2002 de Salamanca (España) y en su trayectoria académica e investigativa ha impartido ponencias en congresos y eventos internacionales. Forma parte del Colectivo Curatorial Ballate Armas con el cual desarrolla un trabajo enfocado hacia las dinámicas del arte contemporáneo internacional desde el comisariado, la producción de exposiciones y proyectos culturales, así como la gestión cultural. Cursa el programa de Doctorado en Historia y Artes de la Universidad de Granada, dando continuidad a su labor investigativa en relación con el mercado del arte y las prácticas artísticas contemporáneas.
Anna Roig
Anna Roig (Barcelona, 1986) desarrolla su trayectoria profesional a través de una doble vertiente. En primer lugar posee una larga trayectoria como artista bajo el pseudónimo de annitaklimt, creando sus obras mediante la técnica gráfica del collage, donde se percibe una fuerte influencia de la fragmentación fílmica de la Nouvelle Vague.
Como diseñadora fusiona su estética artística con el entorno normativo de la producción gráfica. Anna Roig ha trabajado en comunicación y creación de imagen para redes sociales de los eventos “La máquina del tiempo”, proyecto de Crowdfunding de Furia Teatro con Aitor Sarabia, en el festival multicultural Fusión Culturas en Matadero (2015), en el festival de arte multidisciplinar SANfest (2017), en el festival de arte Ctrl Art Supr (2019) y , recientemente, en el festival de diseño independiente Supergráfico (2020). Además es la responsable de la imagen gráfica de la iniciativa internacional de Mujeres que Cortan y Pegan.
Por otro lado la comunicación en plataformas virtuales ha sido vital dentro de su experiencia como diseñadora siendo editora de contenidos audiovisuales en revistas online como Anormalmag Chile, Salitre Revista Cultural y, desde el 2017, en su Blog personal godArt Lab.
Arianna Esposito
Arianna Esposito (Roma, 1993) es comisaria de arte contemporáneo y digital, residente en Barcelona. Su investigación aborda la relación entre ser humano y máquina desde un enfoque feminista. Es cofundadora del colectivo Matripictoska con el que ha comisariado diversas exposiciones en Roma. Se ha graduado en el Máster Oficial en Comisariado de Arte Digital de ESDi y Universidad Ramon Llull con la tesis Antropocentrismo y Máquinas. Ha colaborado con el colectivo BeAnotherLab en Hangar.org y Espronceda. Desde el 2020 forma parte del colectivo Alterdúo con el que ha comisariado la exposición #internetflags de Irma Marco en la galería Espai Souvenir; Dissonants, Cicle de performance i tecnologia participando como comisaria invitada con la performance Radiorator de Agustina Palazzo en L’Estruch de Sabadell; Carne de mi carne: Entraña de María Alcaide en La Capella dentro del Programa 1+1+1.. del Loop Festival 2021; en horas bajas de Juan Antonio Cerezuela en Espronceda dentro del Programa de comisariado 2021.
Audrey García
Audrey García es francesa y vive en Barcelona desde 2005. Estudió Historia del Arte, Filología y Comunicación y está especializada en comunicación cultural, principalmente para proyectos de arte urbano, muralismo y graffiti. Ha colaborado con múltiples artistas nacionales e internacionales, festivales y entidades culturales e intenta formar parte lo más posible de proyectos en relación a las luchas sociales y la Memoria Histórica. Es vegana ética, activista, feminista, atea (¡orgullosamente apostata!), antifascista y antinatalista. Su frase favorita sería esta de Cioran que lleva tatuada: «La esperanza es una virtud de esclavo». No podemos esperar para los cambios, les tenemos que provocar nosotras. Es una fanática de pelis raras, de humor de nivel dudoso, de música despierta muertos, de tattoos, de arte bizarro y de mil otras cosas. Y tiene alergia a las personas racistas y homo/transfóbicas.
Bárbara Velasco Ghisleri
Investigadora, antropóloga, artista, fotógrafa, gestora y docente.
Doctora en Sociología y Antropología, por la facultad de Ciencias Políticas (Universidad Complutense de Madrid). Comprometida en el estudio, práctica y visibilización de la figura de la mujer desde el plano cultural y el académico. Compatibiliza su profesión como fotógrafa profesional, docente e investigadora, con la gestión de iniciativas culturales mediante colaboraciones en gestión cultural a través de proyectos expositivos desde el 2016. Como investigadora académica, se centra en la realización de artículos de investigación centrados en el estudio de la mujer dentro del campo de la Antropología Cultural y el Arte. A la par, desarrolla una carrera como artista multidisciplinar (2013-2021), centrando su obra en el estudio de la mujer y habiendo expuesto en diferentes espacios y ferias a lo largo del territorio español, y habiendo recibido así mismo varios premios y diversas becas de producción artística.
Web
Beatriz López Jerez
Nace en Madrid pero desde hace 15 años reside en Galicia, es gestora cultural, poeta ( con dos poemarios publicados hasta la fecha y otras tantas colaboraciones en revistas, radio y medios dedicados a la poesía) desde el mes de Julio de 2020 directora de MujerArt Magazine, revista dedicada a las mujeres, el arte y la historia, que nace con el deseo de visibilizar a nuestras contemporáneas en el mundo del arte y traer de vuelta a las #grandesolvidadas. Revista publicada en castellano, gallego, francés e inglés. Próximamente se imprimirá el primer anuario MujerArt en gallego y castellano con el apoyo del Concello de Santiago de Compostela que se presentará en el mes de diciembre en la ciudad, junto a Territorio das Mulleres.
Beatriz Pereira
Formada en Historia del Arte por la Universidad de Extremadura y máster en Experto Tasador de Obras de Arte por la Universidad de Nebrija, Beatriz Pereira comenzó su especialización en arte contemporáneo tras realizar las prácticas en la Fundación Helga de Alvear, actual Museo de Arte Contemporáneo en Cáceres, en 2018. Desde entonces, su trabajo se ha basado en el contacto mano a mano con numerosos artistas desarrollando proyectos, algunos de ellos beneficiarios de las Ayudas a Artistas Visuales de la Junta de Extremadura.
Como comisaria independiente, ha realizado exposiciones como De forma estándar de Lara Ruiz en el Centro de arte contemporáneo Domus Artium 2002 (DA2) de Salamanca o Pattern Reveal de Isabel Flores, con la Junta de Extremadura en la Sala Santa Clara de Mérida en 2020. En 2021 ha participado como miembro del jurado en los XXIV Premios de Artes Plásticas Sala El Brocense de Cáceres, junto a la directora del Bombas Gens Centre d’Art, Sandra Guimarães y como ponente en el ForoMAV 2021 celebrado en el CCCC Centro del Carmen de Cultura Contemporánea y en la Jornada de Emprendimiento y Buenas Prácticas en Arte y Humanidades dirigida al Máster Universitario en Estudios Avanzados en Historia del Arte: Investigación y Gestión de la Universidad de Oviedo.
Moviéndose en un ámbito más periodístico, también ha escrito artículos y entrevistas a diferentes artistas en medios como Plataforma de Arte Contemporáneo o en su propia página y ha participado de forma activa en proyectos para dar visibilidad a las creadoras contemporáneas de este sector. Ahora, como directora de su propia galería de arte, Beatriz Pereira tiene el objetivo de representar e impulsar la creación contemporánea centrándose, sobre todo, en la presencia de artistas femeninas y un espacio de unión entre estas, las obras de arte y el coleccionismo, para fomentar esta práctica en lo profesional y lo emergente.
Blanca Mora Sánchez
Blanca Mora Sánchez se dedica a la gestión cultural y producción de actividades artísticas desde 1990.
Está especializada en la producción y comisariado de actividades relacionadas con las artes visuales, ha producido numerosas exposiciones de arte contemporáneo y ciclos de cine principalmente con el objetivo de acercar el arte contemporáneo a públicos que por lo general tienen difícil acceso, como la I Bienal Arte Contemporáneo de Fundación ONCE en el Círculo de BB.AA de Madrid, la Feria de arte contemporáneo ARTENAVAS que llevó a un pequeño pueblo de la sierra de Ávila las últimas tendencias artísticas, la exposición itinerante Érase Una Vez, arte contemporáneo para el público infantil presentada en la Real Academia de BB.AA. de Madrid o el proyecto de arte y ciencia NANO: Poética para un Mundo Nuevo, CSIC- Fundación Canal Isabel II que aunaba arte y ciencia.
Pionera en la difusión y promoción de las artes digitales. Entre sus actividades realizadas es de destacar la producción y comisariado de El Salón Digital de Nueva York, exposición de arte digital con carácter itinerante producida en colaboración con la School of Visual Arts de N.Y que cada año de 1997 a 2003 mostraba los últimos trabajos de artistas nacionales e internacionales que utilizaban las nuevas tecnologías como soporte artístico y supuso un importante impulso para la creación y para la accesibilidad a las tecnologías tanto para el público como para los artistas. El Salón digital de Nueva York se inauguraba anualmente en Nueva York y Madrid para después recorrer diversas ciudades españolas y europeas.
En la actualidad dirige la galería online Qué Pintamos en el Mundo plataforma de difusión y comercialización de artistas visuales españoles.
Cassandra Nolasco
Cassandra Nolasco (Cd. de México, 1995), es egresada de la Licenciatura en Artes Plásticas por la UDLAP . Su producción toma como punto de partida el nomadismo en el que ha vivido a consecuencia de ser derechohabiente de un militar. Mediante su producción artística busca reflexionar en torno al paisaje y lo cotidiano, intrínsecamente ligados a conceptos como identidad, memoria y territorio, a través de distintos tipos de cartografías desde una mirada antropológica en función de los espacios que habita o que ha habitado. Hace uso de su propia imagen e historia para generar diversas narrativas y reflexiones, en una búsqueda constante por explorar los procesos identitarios, tomando en cuenta los sucesos históricos, contexto social y material de archivo familiar, entendiendo su imagen misma como el recurso más honesto que posee.
Su trabajo ha sido expuesto de forma individual y colectiva en distintos estados del país, entre ellos Aguascalientes, Jalisco, Oaxaca, Puebla y Yucatán. También ha participado en muestras colectivas fuera del país de las que destacan: 4ta. Edición. EFICE: Eneagrama Festival Internacional de Cine Experimental en Córdoba Arg. y Proyecto Enajenar / En Casa Ajena 2da. Edición en el CCE Juan de Salazar en Asunción, Paraguay.
Desde 2019, en compañía de la artista Ana Cervantes explora la curaduría y museografía desde -InterTropical- laboratoria y espacia autogestiva. Como mujeres artistas, les interesa crear puentes y generar encuentros con otras investigadoras/artistas/creadoras a partir de sus intereses y prácticas vinculadas al arte contemporáneo. Actualmente radica en Zapopan Jalisco.
Cecilia Medina
Cecilia Medina es curadora independiente formada en Historia del Arte en Buenos Aires, Tasación de Obras de Arte y Artes Decorativas en la Universidad de Nueva York y curaduría en NODE Center for Curatorial Studies de Berlín.
Trabaja en proyectos para el posicionamiento de artistas nóveles, el desarrollo de espacios independientes, la difusión de problemáticas sociales y ambientales desde una visión de construcción de cultura interdisciplinaria e integradora social.
Llevó a cabo la curaduría de exhibiciones en Argentina en Buenos Aires, Necochea, Junín, Lincoln, Mar del Plata, Rosario y Santa Fe; e internacionalmente en Praga, Barcelona, Nueva York, Syracuse, Tokio, Berlín, Madrid y Formentera.
Es socia en Glamart, fundadora de Acción Cultural ONG, Directora Artística del museo de arquitectura MORAR y creadora de Arte Postal en Pandemia.
Chrislie Pérez Pérez
Máster en Historia del Arte por la Universidad de La Habana. Ha trabajado como curadora en varias galerias de La Habana. Ha curado exposiciones personales y colectivas tanto en Cuba como en el extranjero. Ha escrito textos sobre arte cubano para revistas especializadas nacionales e internacionales. Forma parte del consejo editorial de la revista Artecubano. Ha sido jurado de diferentes eventos de arte; tribunal de trabajos de diploma en la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de La Habana y tutora y consultante de tesis de estudiantes de la Universidad de las Artes (ISA). Recibió mención en el premio Guy Pérez Cisneros de Crítica de Arte (2013). Sus líneas investigativas incluyen el libro-arte y la producción artística de creadoras mujeres.
Clara Fuster
Clara Fuster (Murcia, 1992) realizó los estudios de Historia del Arte en la Universidad de Salamanca, y posteriormente cursó el máster en Conservación y Exhibición de Arte Contemporáneo en la Universidad del País Vasco. Como comisaria, está claramente ligada a las exposiciones de temática social, sobre todo en el aspecto feminista y del colectivo LGTB.
Esto lo reflejan sus exposiciones, como pueden ser la muestra colectiva Políticamente (in)correcto (2019), donde se trataba de visibilizar el arte que utiliza el cuerpo como un arma de lucha política, tratando temas de importancia social como lo son las mujeres o el colectivo LGTB. Se pretendía así buscar la visibilidad de estos colectivos, realizar un reconocimiento y buscar la empatía hacia estos grupos sociales que en muchas ocasiones son, desgraciadamente, marginados.
Otro ejemplo es la muestra Redes Abiertas (2020), en la que se realiza una revisión sobre la apertura que pueden dar las redes sociales al colectivo LGTBIQ+ pero al mismo tiempo el ataque o censura que se da en las mismas. En la exposición también se revisa la historia activista del colectivo.
También cabe destacar la convocatoria para exposiciones fotográficas que se realizó durante el año 2020 en la fachada de la sala Espazioa de Vitoria Gasteiz, donde el principal interés era exponer a artistas jóvenes, mujeres y de colectivos minoritarios para poder darles el espacio. Algunos ejemplos de los artistas que participaron en esta convocatoria son Diego Maeso o Lara Kaminsky. No sólo se ve en sus exposiciones sino también en las artistas con las que trabaja, como Noelia Muriana, para la cual realizó los proyectos En pie de lucha volúmen I y II, donde recalca la visibilidad de la lucha colectiva de las mujeres y a los cuidados íntimos y mutuos, Álvaro Bochert, realizando la muestra Mameha Volúmen I (2019), o Ritha Thende Mingomba, con la cual realizó la muestra Esperpentos (2020), pretendiendo mostrar el estigma de las enfermedades mentales tanto en la gente joven como en el contexto racializado de la artista. Su interés no es únicamente otorgarle la importancia a la temática social, sino también al arte underground, como puede ser el graffiti o la ilustración. Esto lo refleja la exposición realizada en el año 2021 para el artista graffitero Kapone Remanentes Repudiados.
Clara Martín Grau
Licenciada en Filosofía por la Universidad Autònoma de Barcelona i Máster Europeo en Gestión Cultural por la Universitat Oberta de Catalunya, ha ejercido como comisaria, gestora cultural, productora, dinamizadora y redactora para diversas instituciones tales como el Instituto Cervantes de París, la sede de la UNESCO en París, Embajada de la República Txeca en Madrid, Pati Llimona, Idensitat o la Fundació Festa Major de Gràcia. Paralelamente, ha gestado y colaborado en diferentes proyectos alternativos en torno a la investigación y la producción de las artes visuales y las artes escénicas.
Actualmente, combina su faceta de gestora cultural y productora junto con su faceta de escritora.
Claudia Isabel Montes Curto
Graduada en Cine y Televisión por la Universidad Ramon Llull y con un máster en Critical Media and Cultural Studies por SOAS de Londres y un máster en Negocios y Cultura en Asia Oriental de la UB, estudió japonés en Senshu University. Cubrió el festival Kinotayo, de París y el Filmex y el TIFF para Cine Asia y ha escrito para la revista Eikyo.
Consuelo Chacón Alonso
Es licenciada en Geografía e Historia (Rama de Arte) por la Universidad Complutense de Madrid. , licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y ha realizado el doctorado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid.
Es directora y fundadora del taller «25 artistas» en Madrid desde el 2003. Ha dirigido los siguientes seminarios experimentales de arte contemporáneo desde 2003 a 2020: CUENCA: ARTE ABSTRACTO 2013, GRANADA : ARTE CONCEPTUAL2014 encuentro con Victor Borrego, SANTIAGO DE COMPOSTELA: EL PAISAJE CONTEMPORANEO 2015 Arte en el camino encuentro con Vari Carames e Ignacio Basallo, CUENCA 2016 : LA OBRA EN EL ESPACIO, INSTALACCION obra en el espacio: encuentro con los artistas Nicolas Combarro y Laura Torrado, LISBOA( Portugal)2017: ARTE Y REUTILIZARON encuentro con los artistas Nuno Sousa, José loureiro, Carlos Calapez y Joao Mauro, SEVILLA 2018 :IDENTIDAD Y TERRITORIO Encuentro con los artistas Arturo Comas, Javier Parrilla,Concha Ibarra y Fernando Guerrero, VALENCIA2019: EL PROCESO EN LA OBRA DE ARTE Encuentro con las artistas Marusella Granell y Maria Aranguren, MADRID 2020 : CONSTRUYENDO EL ESPACIO Encuentro con los artistas Isidro Blasco y FOD.
Es presidenta del Museo de Arte Contemporáneo Florencio de la Fuente desde 2015, ejerciendo labores de coordinación, comisariado, programación, creación de talleres, seminarios y proyectos de mediación.
Dido Carrero
A pesar de haber cursado estudios de ciencias, concretamente dentro del campo de la Biología Molecular, Dido Carrero, nacida en Oviedo en 1994, se percató en el transcurso de su tesis doctoral que su vida era demasiado mecánica y excesivamente alejada del arte, de la belleza, y de la realidad social. Por ello, comenzó a desarrollar otros intereses más humanísticos, y a compaginar su doctorado con unos estudios en Historia del Arte que le proporcionaron una visión mucho más amplia de la dimensión artística de la sociedad. Actualmente, a punto de finalizar ambos, pretende dar un vuelco a su vida profesional y dedicarse por completo al mundo del arte. En este contexto, ha desarrollado diversos proyectos de gestión cultural en los últimos dos años. El más reciente, C E R Ú L E O, se centra en la promoción de artistas jóvenes, con una trayectoria breve, cuya obra no es aún aceptada en galerías y otros espacios artísticos convencionales. La intención es proporcionar las herramientas necesarias para facilitar la creación artística y la difusión de su arte, así como generar espacios de exposición más distendidos, donde la relación entre el artista y el público sea más cercana y bidireccional. Las últimas exposiciones organizadas por C E R Ú L E O han sido «Paraíso Ciguapa» y «Demasiado», de Elise Florentino, y «Zozobra», de Fernando Matías Herrera.
Dora Román
Es Licenciada en Bellas Artes y en Geografía e Historia y Diplomada en Fotografía contemporánea, vive y trabaja en El Escorial (Madrid).
Su trabajo trata sobre memoria e invisibilidad, incidiendo especialmente la falta de libertad que sufren tantas personas, sobre todo las mujeres, relatando cuestiones que se camuflaron bajo otras circunstancias o se escondieron tras el nombre de otros personajes.
Sus últimas exposiciones individuales han sido en Centro Cultural Barco de Ávila; en el Centro Joan Miró, Móstoles (Madrid); en el CC Torrelodones (Madrid); en Galerías VIII La Cárcel de Segovia; en la Biblioteca de El Escorial (Madrid), en la Fundación Aisge y la Escuela Julián Besteiro, Madrid y el Museo Florencio de la Fuente, Huete (Cuenca).
Y ha sido seleccionada en la convocatoria ‘La Divina Comdia. Inspiración y Razón’ del Centro de Arte Complutense, de Madrid; VI Convocatoria Libro de Artista de Móstoles (Madrid); VIII Edición de Mujeres Mirando Mujeres con el proyecto ‘Yo soy Sofonisba y quiero una calle en San Lorenzo de El Escorial’; VIII Edición de Galerías La Cárcel, Segovia; segundo premio en la categoría de arte textil en el V Certamen Artístico AskatasunArte, Irún (Guipúzcoa); finalista en el VI Concurso de Fotografía ArteSoslidario, Abla (Almería). Premio de fotografía y mención de honor en la convocatoria ‘We are people’, Museo Oiasso (Guipúzcoa). Seleccionada para el taller Desarrollo y Montaje de ‘La clemenza de Tito’, Teatro Real, Madrid.
Elena Bangueses Buceta
Es Historiadora del Arte por la Universidade de Santiago y tiene un Máster en Gestión Cultural por la City University of London. También ha cursado estudios en la Universidad de Roma, La Sapienza.
Elena trabajó durante siete años como gerente en la Saatchi Gallery de Londres, desarrollando numerosos proyectos expositivos y de venta de arte en dicha institución. Actualmente trabaja mayoritariamente como comisaria y gestora cultural independiente, aunque se encarga de la coordinación y comisariado del Espacio de Arte Contemporáneo para Culturgal Feira das Industrias Culturais desde 2020. Otra de sus colaboraciones más reciente ha sido el comisariado de «Metáforas:pegadas dun percorrido» para Reb/veladas na Paixase III, en la Fundación Cidade da Cultura de Galicia.
Durante su carrera profesional ha ido complementando su labor en la Saatchi con numerosos proyectos como comisaria y gestora cultural independiente, organizando diversas exposiciones y proyectos en España y el Reino Unido, entre los que destacan: “In&Out Board Project, an artistic process on a neighborhood” (Le Sorelle River Barge, Londres), “O Froito prohibido, María Xosé Dominguez” (Auditorio de Cangas do Morrazo), “Abstracción Irreversible, Nuria Lago” (Apo’strophe Arte, Vigo), “Cromostesia, Ana Fervenza” (Apo’strophe Arte, Vigo), “Espazo de Arte Contemporánea, Culturgal 2018” (comisaria invitada por Apo’strophe Arte), “Polo Vigo” (3 Bienal de Arte de Gaia, Vilanova de Gaia, Portugal), “In no meaningful way, Thomas Apostolou” (AC Palacio del Carmen, Santiago de Compostela y Apo’strophe Arte, Vigo), “Arte no Foro” (Culturgal 2020). Como experta en arte contemporáneo y gestión de arte, participa con regularidad como conferenciante invitada en la City University of London, Universidad de Santiago de Compostela y Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, Universidad de Vigo.
También ha participado como jurado en certámenes de arte como «XVII Certame de Arte Isaac Díaz Pardo» 2021 de la Deputación de A Coruña, “Plastika” en 2017, 2018 y 2019, así como en los “Premios Culturales 2018 Deputación de A Coruña”. Elena también cuenta con experiencia en prensa y radio, trabajó para Alter Musica Radio y ALIA Magazine en París, una organización especializada en eventos culturales en la ciudad de París. Como colaboradora para Radio Voz con el programa cultural “Cien Campanas”, siendo componente del colectivo Sabor a Menta, obtuvo en 2007 el Primer Premio de periodismo “Compostela Monumental – La Caixa”.
Elina Norandi
Elina Norandi es historiadora, crítica de arte y comisaria de exposiciones. Doctora cum laude en Historia del Arte por la Universitat de Barcelona. Profesora titular de Historia del Arte en la Escuela Superior de Diseño y Arte Llotja (Generalitat de Catalunya) de Barcelona. Profesora del Master en Comunicación y Género de la Universitat Autònoma de Barcelona, donde imparte la asignatura “Crítica de Arte feminista”.
Ha publicado un gran número de artículos, ensayos y capítulos de libros relacionados con su principal línea de investigación: la iconografía producida por mujeres en el arte moderno y contemporáneo, así como con la elaboración de discursos artísticos actuales relativos a las cuestiones de género, sexualidades diversas y teoría queer. Es autora del libro Olga Sacharoff (Al- Mudayna, Madrid, 2006) y coordinadora del libro Ellas y Nosotras. Estudios lesbianos sobre literatura escrita en castellano (Egales, Madrid-Barcelona, 2009.
El año 2017 fue nombrada por el Departamento de Cultura de la Generalitat de Cataluña, comisaria del Año Sacharoff, para dirigir la programación de la conmemoración de los cincuenta años de la muerte de la pintora Olga Sacharoff; ocupándose de comisariar todas las exposiciones realizadas y de organizar todos los eventos llevados a cabo durante el año conmemorativo, además de escribir todos los textos de las muestras y catálogos editados. Ha dirigido las ediciones catalanas del Festival estatal Miradas de Mujeres y ha comisariado numerosas exposiciones de varios artistas actuales (Sandra March, Verónica Coulter, Yuko Yamada, Antonio J., Magdalena Duran, Clarisa Cestari, Stefanie Herr, etc.).
Es miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), de la Asociación de Críticos de Arte de Cataluña (ACCA) y de MAV (Mujeres en las Artes Visuales).
Elisa Encinas
Licenciada en Psicología por la Universidad de Salamanca. Máster en Neuropsicología por la Universidad Pablo de Olavide y Especialista Universitaria en Gestión Cultural por la Universidad Europea Miguel de Cervantes en colaboración con la Fundación Iberoamericana de las Industrias Culturales y Creativas.
Formación específica en Igualdad de Género por el Instituto de la Mujer (Ministerio de Igualdad) y miembro del programa de Gestión y Creación Contemporánea de La Casa Encendida (Fundación Montemadrid) en 2019.
Ha trabajado en diferentes entidades públicas, privadas y del tercer sector como coordinadora de área dentro del ámbito de la intervención social y clínica, con especial dedicación a colectivos vulnerables, promoción de la autonomía personal y evaluación y rehabilitación neuropsicológica.
Desde 2016 compagina su labor profesional dentro de la intervención social con la gestión cultural, diseñando y coordinando jornadas, festivales, talleres y conciertos, así como acciones de visibilización activa y participativa de la mujer en el arte, siendo parte del equipo de @mubazafem del colectivo @creaturas.art y socia de la @asociacionmim en los que la igualdad de género es objetivo fundamental y transversal en todos sus proyectos y programaciones.
Desde el año 2004 forma parte de diferentes proyectos musicales como instrumentista, vocalista y compositora obteniendo el I Premio de Jóvenes Creadores del Ayuntamiento de Madrid, II Premio de Creación Joven del Ayuntamiento de Salamanca así como reconocimientos de convocatorias artísticas de la Xunta de Galicia, Junta de Castilla y León y del Programa Mastercamp impulsado por la Unión Europea.
Elvira Rilova
Es gestora cultura y comisaria independiente. Estudió Historia del Arte en las Universidades de Valladolid y Roma III y es master de Organización de Eventos y Protocolo por la UCM. Ha trabajado como gestora cultural en organizaciones como la Fundación Residencia de Estudiantes, la Sociedad de Artistas, la Asociación de Revistas Culturales de España o el Reina Sofía. Actualmente es directora de la consultoría Acelerador de artistas. Desde esta plataforma realiza diferentes actividades, como la dirección en 2015 y en 2019 del Foro de Mujeres en las Artes Visuales, la coordinación del Ciclo Museos + Feministas en 2019 para MAV, la coordinación de la Residencia Art BNB desde 2017, la de las Residencias Artísticas Ras de Terra en Cáceres desde 2021 y la dirección desde 2015 de la Feria del Libro de Artista de Castilla y León, Librarte.
Ha comisariado diferentes muestras en espacios e instituciones de España, Portugal y México e imparte cursos sobre Comisariado, Gestión Cultural e Historia del arte a través de las mujeres artistas en la Universidad de Burgos. Desde 2020 es miembro de la Junta Directiva de MAV, Mujeres en las Artes Visuales y es la representante territorial de la Asociación en Madrid y en la Mesa Sectorial del Arte Contemporáneo de la CM.
Emma Trinidad
Write | Curate | Love Art | Herstory of Art
Licenciada en Historia del Arte y Máster en Museología por la Universidad Complutense de Madrid. Especializada en arte contemporáneo, con vocación por la investigación y la comunicación, con interés en las prácticas artísticas contemporáneas desde la crítica feminista. He trabajado en los departamentos de Colecciones del Museo Reina Sofía y del Museo de Bellas Artes de Bilbao, en el ámbito del estudio de las colecciones, su catalogación, difusión y estrategias de exposición. Como redactora y crítica de arte contemporáneo he colaborado en PAC Plataforma de Arte Contemporáneo y otros medios especializados. Comprometida con las prácticas artísticas feministas participo desde 2016 en Mujeres Mirando Mujeres. También soy autora y curadora de contenidos del blog Contemporaneidades donde reúno la mayor parte de mis publicaciones, artículos, entrevistas y ensayos críticos sobre las prácticas artísticas contemporáneas y sobre la teoría y práctica del comisariado. En 2017 inicié junto a Sara Torres el proyecto Woman Art House, un espacio para la escritura de una Historia del Arte Contemporáneo en femenino. Woman Art House participó en la Bienal MAV de 2020 produciendo y comisariando la performance de Isabel León, «Doce pasos en blanco y negro. Un acercamiento a la obra de Helena Almeida por Isabel León», en el Museo Vostell de Malpartida.
Como proyectos de comisariado he participado en la exposición y publicación comisariada por el DIDDCC, «Colección XIV: Pública en el CA2M». En 2019 he sido comisaria de la exposición «Relato abierto. Miradas contemporáneas al arte del pasado en las Colecciones del CA2M», y en 2022 «Lo indecible. Obras de las Colecciones del CA2M y la Fundación ARCO», para la Red Itiner de la Comunidad de Madrid.
Gema Albornoz
Licenciada en Filología Inglesa por la Universidad de Córdoba.
Ha colaborado, entre otras, con las revistas Prisma a la vista o con la comunidad poética La poesía no muerde. Escribe en su blog Emociones encadenadas y en la comunidad artística Salto al reverso. Algunos de sus poemas han sido publicados en las revistas culturales, así como en la antología, editada por Liberoamérica, «Liberoamericanas. 140 poetas contemporáneas» o en la «Antología de Poesía Viejoven. Casting de poetas sin foto»,Versátiles editorial (2020). También ha participado en El arte de la palabra, Eutopía o el Quejío cordobés. (Festival Internacional Grito de Mujer en Córdoba) Su poema «La realidad en este lado del lienzo» forma parte de la publicación «Montu» de Wolfgang Hunecke en «Bild und Texte», acompañando a la obra del artista alemán Montu, donde también ha sido traducido al alemán.
Su primera incursión en el teatro ha sido como guionista y codirectora, en homenaje a Las Sinsombrero, con el teatro «Las mujeres del 27».
Colabora en Salto al reverso, Mundiario o en Diario Digital Luz Cultural. Es directora de la sección de «La mirada de Helios» en Odisea Cultural. Actualmente, es corresponsal de Diario Córdoba. Recientemente, ha comenzado a colaborar con su suplemento cultural, Cuadernos del Sur de Diario Córdoba y en el Suplemento Cultural del Centro, El Corredor Mediterráneo, de Argentina. Ha obtenido el XII Premio «Saigón» de Poesía (2018) de la Asociación Cultural Naufragio. Participante en la I exposición online de Mujeres Mirando Mujeres. Las resilientes. MEMORIAS IMBORRABLES, como gestora al entrevistar a Elvira Martos. Su primer poemario «Cielo de hojalata»(2021) ha sido publicado por Versátiles Editorial.
Grisel Rebeca Árveláez Palacios
Gris Arveláez, P. es historiadora, crítica, marchante y curadora de arte venezolana. Reside en México desde 2005.
Se especializó en historia del arte con enfoque de género en la Universidad Central de Venezuela (UCV). Ella cree que el mundo visual y estético no es solo contemplativo, sino que es inmensamente político, disruptivo y removedor.
Es Magister Scientiarum en Estudios de la Mujer (UCV). En su tesis titulada, Entre lo “queer” y la pospornografía: representaciones transgresoras de sexualidad femenina en tres casos del arte contemporáneo venezolano”, analizó discursos sobre sexualidad y cuerpos abyectos desde la teoría queer, la pospornografía y el Análisis Crítico del Discurso (ACD). Este trabajo lo sigue llevando adelante a través del activismo pedagógico buscando sensibilizar sobre problemáticas de género.
Sus primeros pasos en el mundo de la curaduría fueron como asistente de investigación en el Museo Nacional de Arte (MUNAL, CDMX), como coordinadora y curadora en la galería guatemalteca Die Augen, Ciudad de Guatemala. Además, fue coordinadora editorial del suplemento cultural Papel Literario en el periódico venezolano El Nacional, en el cual ejerció también la crítica de artes. En los años siguientes, curó exposiciones para la Feria Iberoamericana de Artes en Caracas, así como para Oficina#1, galería de arte caraqueña y para “Aramauca”, Plataforma de Arte Contemporáneo (Chiapas, México).
Ha ejercido la docencia e impartido seminarios en la Escuela de Artes (UCV), en el Centro de las Artes de Guanajuato (México) y en el Instituto Cultural de León.
Colabora con las revistas “Art Nexus” (Bogotá), “Habitat Plus” (Caracas) y con instituciones como la Fundación Cisneros (Caracas).
Actualmente es directora de “Una galería propia”, galería de arte con enfoque de géneros. Reside en Querétaro, México.
Inés García-Albi Gil de Biedma
Inés García-Albi Gil de Biedma (Bilbao, 1966) es periodista, historiadora, documentalista, escritora y gestora cultural. Su trayectoria profesional avala su interés por la cultura y sus diferentes facetas.
Ha sido comisaria de varias exposiciones entre las que destaca ‘Fang en femení’, colectiva de cerámica contemporánea dentro del circuito oficial del 47º Congreso de la Academia Internacional de Cerámica (AIC).
Autora de varios libros de divulgación y ensayo como, ‘Nosotras que contamos. Mujeres periodistas en España’ (Plaza & Janés, 2007), un repaso histórico del papel de las periodistas en nuestro país. Desde que en 1901 Carmen de Burgos fue admitida en la redacción del Diario Universal hasta nuestros días, las mujeres se han ido abriendo camino no sin dificultades en los medios de comunicación, aunque su acceso a los cargos directivos sigue siendo una asignatura pendiente. Este libro cuenta con los testimonios directos de las protagonistas, mujeres que pelearon por practicar su vocación con libertad y sin condiciones.
‘El papel de las mujeres en los medios de comunicación’ (Santillana 2019). El libro es una historia de la incorporación de la mujer a los medios de comunicación. Un relato colectivo, desde la información de «cosas de mujeres» a la de política y economía. De soldado raso a jefa de redacción. De escribir la página femenina a corresponsal o enviada especial. De información a opinión. De redactora jefa a directora (pocas, muy pocas).
Directora y guionista de ‘Nosotras que contamos. Josefina Carabias y las pioneras del periodismo español’, una de las primeras mujeres periodistas, documental realizado para el programa IMPRESCINDIBLES de RTVE.
Ha trabajado y colaborado en diferentes medios de comunicación como Canal Plus, El País, Marie Claire, Qué leer, El Ciervo y Cadena Ser, y Editorial Alfaguara. Es fundadora de la Factoría Cultural Martínez donde gestiona y organiza teatros, exposiciones, seminarios, etc.
Irene Ruiz Planella
Gestora cultural y comisaria, centro mi actividad en la promoción de las prácticas artísticas contemporáneas, con especial interés en aquellas feministas y de la diáspora. He trabajado como asistente en la galería H2O, en la galería Sabrina Amrani y en la Fundación Foto Colectania ayudando tanto en la organización de exposiciones como en actividades culturales. Asimismo y paralelamente, he aprendido a desarrollarme en el ámbito de la comunicación en el departamento de Medios Digitales del MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. En junio de 2021 comisarié junto a tres compañeras la exposición ‘Nammu: Aguas Primordiales’. Soy graduada en Humanidades por la Universidad Pompeu Fabra y en el Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas por la Universidad Nebrija.
Iris Lam Chen
Máster en Gerencia Estratégica. Gestora cultural y curadora del Centro Cultural de España en Costa Rica, directora de la organización de gestión cultural Global Metro Art, profesora en la Universidad de Costa Rica, investigadora de la Red Académica Latinoamericanista de Estudios Sinológicos. Se desempeña en las artes visuales, la experimentación y los nuevos medios, en torno a feminismos, LGTBIQ, derechos humanos, migración, sinología, mercado artístico y estrategia.
Gran parte de su trabajo se concentra en generar alianzas y proyectos interinstitucionales de carácter público-privado, nacionales e internacionales, por ejemplo, con el Museo La Neomudéjar (España), espacio/C, La Revuelta (Guatemala), Quorum Laboratorio Cultural (Panamá), Ensayo y Error (El Salvador), Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Galería Nacional (Costa Rica), entre otros.
Recientemente curó y gestionó la participación costarricense en la I Bienal de Arte Contemporáneo SACO (Chile), el IX Festival Internacional de Videoarte de Camagüey (Cuba), el VII Festival de Arte Latinoamericano y del Caribe en China, la residencia artística del Hanwei International Arts Center en Beijing y la Emisión Oficial de Sobres y Sellos Conmemorativos del 70 Aniversario de la República de China del China Post (2019), y la Bienal de Beijing (2017).
De manera independiente, exportó a Madrid (2021) y a China (2019) su más reciente proyecto curatorial Traje Humano de la artista Man Yu, declarado de interés cultural nacional, del cual uno de los videoartes producido fue ganador el premio al mejor cortometraje en el European International Film Festival en Rusia.
Recientemente colaboró con un dossier editorial para Hypermedia Magazine y como capacitadora del Programa de Actualización de Profesionales en Artes 2021 del Instituto Sonorense de Cultura en México. Colabora con la prensa cultural de la Revista Íkaro.
Isabel Lázaro
Isabel Lázaro, Historiadora del Arte y Gestora Cultural, es codirectora y fundadora Alalimón Galería, en Montjuïc. Actualmente uno de sus principales proyectos, además de la programación de su sala es la activación del circuito fotográfico en Barcelona mediante la creación y dirección del festival Art Photo Bcn que celebró su octava edición en 2021. Colabora como crítica artística de Cataluña en la publicación Cultural del periódico ABC desde septiembre de 2018 hasta la actualidad.
J. René Guerra
Caribeña captada por la Sudestada. Exiliada en pie de lucha. Creadora de creer y crear.
Escribe, inventa y explora con el teatro y el cine desde hace 12 años; también con la poesía y el cuento. Es licenciada en Artes de la Universidad Central de Venezuela y Guionista del Laboratorio de Guión de Buenos Aires. Cree fielmente en el arte como un campo de batalla poético, de cuestionamiento, de construcción de sentido. Actualmente se encuentra en la preproducción de su primer largometraje y en proceso de construcción de su próxima obra de teatro documental: «CARACAS, un resumen parcial», con migrantes venezolanos en el exilio. Dirige «C.R.I.S.T.A.L.E.S», una experiencia performática que reúne en vivo a mujeres y personas de la comunidad lgbtqia+, de distintos territorios de Latinoamérica, con la que apoya espacios de contención de víctimas de violencia de género.
Julia Cabrera
Julia Cabrera (@juliavcabrera) es graduada en Historia del Arte y Máster en Educación Artística en Instituciones Sociales y Culturales por la Universidad Complutense de Madrid. Especialista en Arte Contemporáneo, Gestión y Periodismo Cultural, trabaja la accesibilidad a la cultura, la diversidad en el arte, las influencias de la cultura audiovisual en la sociedad y el poder de las imágenes. Realizó sus prácticas en el plan estatal Museo + Sociales del Museo Nacional de Artes Decorativas, ha colaborado en el Programa MUS-E de la Fundación Yehudi Menuhin y con Médicos del Mundo. Ha trabajado a través de la Beca FormArte 2020 – 2021, en la modalidad de Museología, del Ministerio de Cultura y Deporte en el Museo Nacional de Antropología, donde, entre otras cuestiones, ha desarrollado actividades arteducativas, material didáctico; coordinado el programa cultural de la institución, desde una narrativa decolonial. En la actualidad, investiga en el Grupo de Investigación en Didáctica de las Humanidades Multimodales de la Universidad de Málaga, dirigido por la Dra. Laura Triviño. Comisarió la exposición Healing en el Espacio de Arte RARA Residencia de Málaga junto a la artista María Bueno que fue premiada en la Bienal MAV de 2020. Escribe en la plataforma digital Afroféminas, para el cuál tiene una serie “¿Conoces a…?” dedicada a visibilizar a personalidades de la Historia del Arte de origen afrodescendiente, desde una perspectiva de género e inclusiva en cuanto a la comunidad LGTB+. Tiene un proyecto de divulgación cultural en Instagram: @blackartandartists que se ha materializado en entrevistas concedidas para diferentes medios, ponencias en conferencias como «Cozinhando imagens, tejiendo feminismos: Latin American Feminist Film and Visual Art Collectives» (19 y 20 de abril de 2021) y congresos como “Nuevas plataformas para hacer historia” (16, 17 y 18 de marzo de 2021).
Es educadora en el proyecto «Ángulos Cardinales» del Museo Nacional del Prado.
Karen Yosajandy
Artista visual, egresada del Instituto por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, México. Actualmente es fundadora y coordinadora de la proyecta independiente De Venus al Arte.
Su línea de producción e investigación reflexiona principalmente en torno a temas sobre violencia de género, vulnerabilidad y afectos. Dentro de su multidisciplinaria producción, trabajada medios como fotografía , instalación, medios audiovisuales, pintura y arte sonoro.
“El arte no es una categoría aparte de la vida, al contrario, lo percibo siempre siendo un espejo de ésta. Comparto la idea de que lo personal es político. Me reconozco parte de una sociedad y de un todo: lo que hiere a otrxs, me hiere a mí; y lo que le duele a otrxs, me duele también a mí. Me parece imposible cerrar los ojos ante la realidad que nos rodea cotidianamente como mujeres y como seres humanxs, es por ello, que el rumbo de mis intereses personales, profesionales y artísticos están atravesados por una visión con perspectiva de género y feminismos”.
Karla Guerrero
Fotógrafa y gestora cultural. Estudia fotografía en la Fundación Pedro Meyer (2016) y en AAVI (2013-2014). Obtiene su Máster en Desarrollos Sociales de la Cultura Artística, por la Universidad de Málaga, España (2019-2020). Cuenta con diversos reconocimientos como el Sony World Photography Award, el POY Latam, y mención de honor consecutiva en los IPA Awards. Recientemente fue nombrada por Artpil dentro de las “30 fotógrafas menores de 30”.
En 2020 Guerrero forma parte del directorio de artistas contemporáneos PICS por Centro de la Imagen, México. Su obra ha sido expuesta y publicada, a través de Europa, El Reino Unido, Estados Unidos y México.
Desde 2017 participa activamente en un escenario internacional de mayor representación para la fotografía contemporánea, desempeñando roles como: revisora de portafolios, curadora y escritora. En 2019 crea Femgrafía, plataforma de fotógrafas en Latinoamérica y España.
Kristine Guzmán
Kristine Guzmán (Manila, 1974) es Coordinadora General del MUSAC desde 2003. Licenciada en Arquitectura por la Universidad de Santo Tomás de Manila con un Máster en Restauración Arquitectónica por la Universidad Politécnica de Madrid. Ha trabajado en el campo de la gestión cultural desde 1999, realizando labores de coordinación, programación, comisariado y docencia. Es comisaria de exposiciones como las individuales de Pamen Pereira, herman de vries o Enrique Marty, y varias colectivas sobre la Colección MUSAC. Dirige y comisaría también la serie editorial y expositiva AA Arte y Arquitectura del MUSAC con la que realizó las monografías sobre TYIN Tegnestue (2015), Susana Velasco (2017), Recetas Urbanas (2018) y Valcárcel Medina (2021) además del proyecto online Ciudades pospandemia.
Laritza Suárez del Villar
Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de La Habana (2020) y profesora de Arte del Caribe y Arte Universal por el Departamento de Estudios Teóricos de la Universidad de las Artes (ISA) en Cuba. Ha impartido curso de estética en la Facultad de Artes y Letras en la Universidad de La Habana. Sus investigaciones se dirigen al campo de la estética, arte cubano y caribeño, migraciones y a temas enmarcados en el análisis del hecho expositivo en el arte contemporáneo. Ha publicado distintos artículos en los sitios web Looks from inside y la Cámara del Arte, en la plataforma digital La Jeringa, en el periódico cultural Concepto y en la revista ecuatoriana de arte contemporáneo Index.
Laura C. Vela
Laura C. Vela (Madrid, 1993) es una fotógrafa, editora e impulsora cultural. Es puro nervio y siempre anda juntando imágenes con palabras o buscando señoras con las que charlar. Formada en Filosofía (UCM), Fotografía Artística (Arte10), Estudios Chinos (ICEI) y Máster en Desarrollo de Proyectos Fotográficos (Blank Paper), ha publicado cuatro libros, entre los que destacan ‘Vorhandenheit’ (2014) y ‘Como la casa mía’ (2019), finalista a Mejor Libro de Fotografía del Año en la categoría nacional por PhotoEspaña y ‘Siempre van solos, los bichos’ (2021). Fue artista seleccionada en Plat(t)form – Fotomuseum Winterthur en 2018. En 2021 fundó junto a Carlota Visier y Carol Caicedo la revista de fotografía y literatura Esto es un cuerpo, la cual dirige.
Laura Pinillos Villanueva
Licenciada en Historia del Arte (UCM) y Máster en Conservación y Exhibición de Arte Contemporáneo (UPV/EHU). Becada por la Peggy Guggenheim Collection en 2018. Trabaja en el campo del comisariado y la gestión cultural y la educación en museos. Comprometida con la difusión del arte contemporáneo con perspectiva de género. Forma parte del equipo de Mujeres Mirando Mujeres, proyecto de arte y género, orientado a difundir el trabajo de las mujeres en el ámbito de las artes visuales. Desde 2015 ha realizado labores de asistencia de artistas y comisariados de exposiciones para entidades como el Azkuna Zentroa, el festival de arte urbano Mulafest o la Junta de Extremadura. De 2016 a 2019 codirigió el festival de arte Cohete Toledo en dicha ciudad, orientado a la visibilización de proyectos artísticos en el espacio urbano.
Ha publicado artículos y textos en diferentes revistas de investigación como Caterma. Revista do programa de pós-graduação em artes visuais UFPE-UFPB, Revista BNM, o SOBRE. Prácticas artísticas y políticas de la edición de la Universidad de Granada; y textos comisariales en catálogos y libros como «Artistas descrito» o «El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella».
Lucía Carballeda Suárez
Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela, está especializada en arte contemporáneo. Completa su formación con un Máster en Edición Periodística y un Posgrado en Gestión y dirección de Industrias Culturales.
Además de desarrollar su faceta profesional en diferentes instituciones culturales (Fundación Granell, Museo Nacional de Ciencia y Tecnología o A Cidade da Cultura) ha trabajado en informativos de televisión y colabora con diferentes medios y revistas especializadas.
Tras la apertura de su propia galería de arte en Santiago de Compostela (Federica No Era Tonta) ha llevado la sede madrileña de Delimbo Gallery, trabajado con La Fábrica en el Círculo de Bellas Artes, en Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, el Festival Photoespaña y otras entidades como la Fundación Juan March.
En el plano académico forma parte del equipo docente del Instituto de Gestión Cultural y Artística, de la Universidad Europea Miguel de Cervantes.
Lucía Dueñas
Lucía Dueñas (1982, Mieres, Asturias). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo, además de Máster en Museología y Museos por la Universidad de Alcalá de Henares, también cuenta con cursos de Educador de Museos e Iniciación al Patrimonio como Recurso Didáctico por la Universidad de Alcalá de Henares, desde que finaliza sus estudios su carrera profesional ha estado vinculada al mundo del arte.
Trabaja en varias galerías de arte: Dasto, Formato Cómodo y Van Dyck, colabora en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial y posteriormente en varias ferias de arte contemporáneo.
Actualmente trabaja y dirige su propia galería de arte en el centro de Oviedo (C/ Cervantes, 22). Pintura, escultura, fotografía o grabado están presentes en una variada programación de exposiciones individuales o colectivas que parten de una cuidada selección de artistas consolidados o emergentes.
Desde su apertura el 6 de marzo de 2018 la Galería ha participado en varias ferias de arte contemporáneo contando siempre con uno o varios artistas asturianos en su stand. De esta forma Lucía Dueñas mantiene su compromiso y apoyo en promocionar y fomentar el trabajo de los artistas de su región dándolos a conocer en otros territorios.
Por otra parte, Lucía Dueñas está muy comprometida en mantener paridad entre los artistas, mujeres y hombres que presenta en su galería.
María Lightowler
María Lightowler (Bs As, Argentina, 1979 – Vive actualmente en Madrid, España).
Comisaria, investigadora y museóloga egresada de la Universidad del Museo Social Argentino como Licenciada en Museología. Simultáneamente cursó el Profesorado en Bellas Artes en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de Argentina, donde obtuvo el título de Profesora Nacional con especialización en Pintura. Completó el Diplomado en Montaje de espacios expositivos en la Universidad Nacional de Arte de Argentina.
Partiendo del trabajo de archivo, catalogación e inventario de la obra del artista Blas Castagna y su posterior paso por el Área de Registro y Documentación del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires – MALBA-, se especializó en la investigación, catalogación y puesta en valor de la obra de artistas que quedaron fuera de la circulación histórica, como fue el caso de Santiago García Sáenz, cuyo Archivo coordinó entre 2013 y 2021, y de artistas vivos contemporáneos que utilizan la documentación y el acervo como herramienta de pensamiento y discusión.
Trabajó en varios museos como Malba – Fundación Costantini, en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires y fue curadora de la exposición inaugural del Museo de Arte Marino de Ushuaia, Tierra del Fuego, Argentina.
Fue Profesora Titular en la UMSA, Profesora Adjunta en UADE y del CIC entre 2009 y 2021.
Trabajó en varias galerías de arte y entre 2009 y 2013, fundó y dirigió Central de Proyectos, una galería de arte y productora de contenido cultural. Luego, en 2013, fundó Lluvia Oficina de Museología y Curaduría de Lluvia, su actual base de operaciones para proyectos culturales.
En 2020 fue Comisaria General de la 3a edición de la Bienal BIT – Arte, Ciencia y Tecnología.
María Ortega
María Ortega es una artista multidisciplinar, gestora cultural y comisaria de exposiciones. Su trayectoria artística y profesional están vinculadas al Arte Textil Contemporáneo o Arte de la Fibra (Fiber Art), dedicado sus esfuerzos a promocionar y difundir este movimiento a nivel nacional e internacional.
Atendiendo a su compromiso feminista, comisaría y difunde la obra de mujeres artistas, concretamente a través del arte textil contemporáneo, y forma actualmente parte de la junta directiva de Mujeres en las Artes Visuales (MAV).
Actualmente se dedica a la gestión cultural, comisariado de exposiciones, dirigiendo las siguientes exposiciones y Bienal: La VIII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo WTA (Ciudad Sostenible) 14 sedes; FIBER FUTURES: Pioneros del Arte Textil Japonés (400 años de intercambio cultural entre España Japón) Centro de Arte Complutense C arte C; » Arte Contemporáneo Japonés, Miniaturas «, Centro Cultural Hispano-Japonés y «The Nature Spirit «Arte Textil Japonés Contemporáneo, Centro Cultural Hispano-Japonés y Centro de Arte Complutense C arte C.
Comisariando las exposiciones: “Tradición y modernidad, arte textil de Letonia” (100 años de relaciones exteriores entre España y Letonia) Museo de Artes Decorativas, Madrid; “The Essence” Fiber Art, Artistas invitados Nacionales e Internacionales, VIII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo WTA (Ciudad Sostenible) Centro Cultural Galileo, Madrid; “Rostros del Olvido” VIII Centenario de la Universidad de Salamanca Plaza Mayor, Casa de las Conchas y Hospedería Fonseca; “Doble Ancho, tejiendo con arte” Centro Cultural de España Uruguay; Galería Libro de artista Arcimboldo, Argentina; “Punto Quebrado, las huellas del éxodo, Museo Jorge Rando y Casa de Vacas ; “Hilo a Hilo”, Arte Textil Contemporáneo Español, Galería Parada; “FIBRAS 08 y 09”, Arte Textil Contemporáneo, Museo del Traje y Espacios para el Arte Caja Madrid.
Paralelamente a las exposiciones organizo los siguientes Encuentros Culturales.
Marina Avia Estrada
Marina Avia Estrada (Madrid, 1991). Investigación, comisariado y gestión cultural. Feminismos.
Graduada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid (2013), Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultural Visual del Museo Reina Sofía (2016), Máster en Modern and Contemporary Art: Critical and Curatorial Studies de Columbia University (2021), gracias a la obtención de una beca Fulbright. Sus líneas de investigación se centran en estudio de prácticas artísticas y activistas feministas desde los años 70 a la contemporaneidad, fundamentalmente en aquellas relacionadas con el medio performativo en América Latina.
Actualmente trabaja como Assistant Curator en la fundación Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (Madrid). Previamente ha trabajado y colaborado con numerosas instituciones culturales como en el International Print Center de Nueva York (IPCNY), The Wallach Art Gallery (New York), Tabacalera-Promoción del Arte, en el departamento de artes visuales de la AECID, y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Marina escribe para la revista Exit Express y publica habitualmente en otros medios online.
Marisa Aldeguer
Marisa Aldeguer es artista, ilustradora, diseñadora y Licenciada en Historia del Arte.
Formada en varias Escuelas de arte y en diferentes técnicas, la curiosidad le llevó desde pequeños estudios de pintura locales donde se inició con artistas de gran prestigio internacional, como Joaquín Torrens Lladó y Tomás Horrach Bibiloni, a Escuelas internacionales, desde la San Jordi de Barcelona, la Grande Chaumière en París (Academie Charpentier), la Scuola Internazionale di Gráfica en Urbino y Venezia para recalar de nuevo en la isla donde participa de numerosas exposiciones colectivas e individuales.
La licenciatura en Historia del Arte la conduce a explorar nuevas formas de abarcar este mundo tan complejo que es el arte contemporáneo y materializar su pensamiento en un espacio expositivo donde poco a poco mostrar su visión, siempre aproximada y posiblemente, siempre inacabada, pero ajena a los postulados mercantilistas; defiende todo lo que le parece válido y verdadero, siempre de la mano de la LIBERTAD como acompañante en este apasionante viaje que es el arte.
Desde 2016 dirige MA arte contemporáneo, galería de arte ubicada en Palma de Mallorca. Se trata de un proyecto de galería en el cual se plantea la visión estética y cultural de la directora.
El espacio presenta entre seis u ocho exposiciones anuales entre las cuales dos son colectivas y el resto individuales. La calidad artística es una de las premisas principales, no contemplando edad, sexo ni religión.
MA es muy consciente de la sensibilidad y necesidad que desde hace décadas defiende la igualdad de género. Como Galerista tiene la convicción de que es muy importante impulsar la obra de la mujer artista, poniéndola en el lugar que le corresponde. Consciente también de la necesidad de dar visibilidad al problema de género, incluye en su calendario expositivo, propuestas que abordan el tema; siempre bajo el prisma de lo bello y lo estético.
Marta Mantecón
Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense y Diplomada en Turismo por la Escuela Superior de Turismo de Madrid, inicia su actividad profesional en 1999 como comisaria de exposiciones, coordinadora de proyectos culturales, investigadora, docente, y escritora de arte contemporáneo y cultura visual desde la perspectiva feminista.
En la actualidad es directora de la Sala Robayera de Miengo, miembro del cuerpo docente de los Grados de Diseño en el Centro Universitario CESINE e imparte los seminarios de Historia del Arte Contemporáneo en UNATE (Cantabria). Colabora con distintas asociaciones e instituciones y forma parte del consejo editorial de la revista Atlántica del CAAM y del equipo de redacción de la revista M-Arte y Cultura Visual.
Ha conducido y comisariado las tres últimas ediciones del Festival de Fotografía y Vídeo Foconorte (2006-2010), así como los ciclos de conferencias del Festival de Arte Público Desvelarte (2009-2020) y el programa “Interferencias” en la Galería JosédelaFuente de Santander (2011-2013).
Marta Soul
Marta Soul es fotógrafa y comisaria. En el año 2005 crea el colectivo NOPHOTO junto a otros trece fotógrafos y dirige diversas exposiciones y actividades culturales relacionadas con la plataforma. En 2012 comisaría el proyecto internacional de residencias de artistas: “Lugares de Tránsito”. Durante 2013 y 2014 trabaja como curadora en el espacio cultural Centro Centro Cibeles del Ayuntamiento de Madrid. En 2015 crea el programa de residencias internacionales Transvisiones para el Centro de Arte Alcobendas, la exposición de este proyecto se presentó en Madrid dentro del marco del festival Photoespaña 2015. Sus proyectos curatoriales se caracterizan por la muestra del trabajo artístico desde una base cultural cooperativa y el interés sobre el proceso creativo por encima de los resultados obtenidos. Como artista, ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, obtenido reconocimiento con premios y becas nacionales e internacionales.
Micaela Fernández Darriba
Micaela Fernández Darriba, Buenos Aires, 1976. Es licenciada en Ciencias de la Comunicación (UBA). Cursó la Maestría en Historia del Arte (UNSAM) y la Maestría en Crítica de Arte en la UNA. Es especialista en Comunicación Cultural y Género. Ha publicado artículos en Argentina, Bélgica, Brasil, Costa Rica, España, México, Venezuela, Chile y Ecuador. Participó como ponente en numerosos congresos nacionales e internacionales.
Participó de Gazpacho (Revista del Centro Cultural de España en Buenos Aires) y diversas publicaciones como Leedor, Tribuna Feminista y SERMOS (Galicia). También realizó catálogos y textos críticos sobre obras de diferentes autorxs.
Ha participado en la publicación de tres libros en coautoría: Educación artística: sentido y representación en el escenario contemporáneo,¡Ahora que estamos juntas! ¡Ahora que sí nos ven!: Luchas Feministas en América Latina y Nuevo diccionario de estudios de género y feminismos.
Es creadora del proyecto El anhelo de una habitación propia, un trabajo interdisciplinario y colaborativo que gira en torno a la producción artística de las escritoras latinoamericanas y de Wiki. Mujeres migrantes + comunicación ciudadana.
Es organizadora de exposiciones y proyectos de comisariado y gestión cultural en la Argentina y en distintas partes del mundo.
Colabora con el Museo de las Mujeres de Costa Rica, es integrante de Red Musa Palabra y de la organización La Igualdad en Juego.
Administra y gestiona el grupo Feministas debatiendo sobre arte feminista en diferentes espacios en las redes sociales.
Mila Abadía Ruber
Derecho. Universidad de Zaragoza. Formada en Diseño y gestión de exposiciones. Técnico en marketing de contenidos. Content Marketing y Blogging por la Universidad Europea Miguel de Cervantes.
En 2013 crea, junto a Jose Luis Calleja, Arte a un Click, plataforma de arte contemporáneo que dirige desde entonces. Ha participado como media partner en más de 60 ferias, festivales y eventos de arte, actividad que sigue desarrollando.
Ha comisariado distintos proyectos expositivos en ferias de arte, «Natura» en jäälphoto (2015), «E-volución Re-volución» en ArtNitCampos (2015), «Sentires oblicuos» en MARTE Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellón (2015), «Sensaciones Sanadas» en Room Art Fair (2016) «Esencias reveladas» en Art & Breakfast (2016), «Encuentros» en Art Photo Bcn (2016), Mujeres Mirando Mujeres en Cultur3 Club (2016).
En 2015 funda Mujeres Mirando Mujeres, iniciativa de arte, género y feminismo que dirige y que en 2021 está celebrando su VII edición. Como parte del equipo ha comisariado las exposiciones «El poder de la presencia» (Est_Art Space, Madrid 2018), II El poder de la presencia. «Eliminando los límites autoimpuestos.» (Sala Pazo de San Marcos. Diputación de Lugo, 2019, en extensión a La Rede Museística Provincial de Lugo) y la I exposición online de la plataforma «Las residentes. Memorias imborrables».
Mónica Galván
Mónica Galván (Ciudad de México, 1987) Investigadora, docente y comisaria. Su ejercicio profesional relaciona la práctica curatorial con la producción, mediación e investigación artística. Cursa el Doctorado en Historia y Teoría de las Artes en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad de Barcelona. Maestra en Investigación Artística egresada del Posgrado en Artes y Diseño de la Universidad Autónoma de México.
Pertenecer al grupo de investigación AGI (Arte, Globalización, Interculturalidad-Universidad de Barcelona). Ha colaborado en la revista científica de la Universidad de Barcelona: BR::AC (Barcelona Research Art Creation), como revisora mediante el sistema de pares. En 2014 fue Investigadora invitada del Programa de Apoyo a la Investigación del Centro de Estudios y Documentación MACBA. Durante el 2018 formó parte del Grupo de trabajo sobre la Colección MACBA coordinado por Julia Ramírez Blanco. Asistió a la fase teórica y práctica de la quinta edición del Seminario ON MEDIATION. Platform on curatorship and research, dirigido por Anna Maria Guasch y Martí Peran. En 2020 fue seleccionada en la convocatoria de becas BKFMACBA, para elaborar un proyecto de investigación artística con la Colección. En la práctica docente ha dirigido cursos y talleres enfocados a la investigación, crítica y búsqueda de metodologías artísticas.
Ha comisariado más de una decena de exposiciones, las más recientes: Expuestas pero invisibles. Afectos y alianzas en torno al arte Las Kellys/Laura Marte, Casal Solleric, Palma de Mallorca, septiembre 2021. Lo común y lo mutable. Superposiciones del presente, Galería Arteztu, Donostia, San Sebastián, julio 2021. Disecciones en cuerpos disolutos, obra de Nizaac Vallejo en la Galería ArtSpace México, Ciudad de México, febrero 2018. y Chalmiñoco de Gorka Larrañaga en el Museo de Acuarela y Dibujo Muñoz Mariño de Quito, Ecuador en 2017.
Montaña Hurtado
Licenciada en Historia del Arte (Universidad de Extremadura) y posgrado en Museografía Interactiva y Didáctica (Universitat de Barcelona). Ha trabajado con la Junta de Extremadura, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Museo de Cáceres, Foro Arte Cáceres, o la Asociación de Amigos del Museo Helga de Alvear. Como ponente ha participado en jornadas y eventos celebrados en ARCO 2013, MUSAC, CAC Málaga, Universidad Complutense de Madrid o Universidad de Extremadura. Como comisaria independiente ha trabajado con artistas como Felipe Ortega – Regalado, Alberto Marcos Barbado, Paco Nadie, Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto o Isabel María. Desde 2018 forma parte de la plataforma digital de reivindicación de mujeres artistas contemporáneas en la historia del arte Woman Art House, centrando sus publicaciones en la performance feminista como denuncia de la violencia machista y el feminicidio. Compagina su labor de gestión cultural y comisariado con la redacción de artículos y textos que se han publicado en revistas especializadas y medios digitales como 967 Arte, Revista de Museología, Virtual Gallery, Mujeres mirando mujeres, PAC (Plataforma de Arte Contemporáneo) o M Arte y cultura visual.
Mottainai.ZGZ: Mercy Rojas Arias e Indira Vega
Mottainai.ZGZ nace en 2016 en Zaragoza y reúne a gestoras culturales y artistas textiles. Es un colectivo de impulso al arte textil que tiene como principio motor el cuidado a la vida en todas sus manifestaciones. Busca a través del fomento del arte textil, con un enfoque eco-feminista, aportar en la construcción de una sociedad basada en el respeto a la vida como opción ética, relacional y económica.
Sus objetivos son:
1. Generar procesos de cultura comunitaria desde la acción participativa sustentada en pedagogías textiles eco-feministas.
2. Propiciar el flujo de conocimientos y experiencias desde lo comunitario a lo artístico. Y desde la práctica artística a lo comunitario. Haciendo de la cultura un bien accesible a nivel de disfrute y de creación.
Sus campos de intervención comprenden acciones socio-culturales, investigación, recuperación, transmisión de técnicas textiles, arte textil comunitario, y cooperación transfronteriza.
Anualmente organiza HILAKU: Encuentro de Arte textil en Zaragoza, evento internacional cuya finalidad es difundir y potenciar las prácticas artísticas que utilizan lo textil como soporte de expresión creativa y posicionar a Zaragoza en la escena mundial del Arte textil. El grupo coordinador de la edición 2021 ha sido: Mercy Rojas Arias, Indira Vega, Eliana Sotelo, Rosa Serrano y Álvaro Castillo.
Aparte del Encuentro de Arte Textil, Mottainai.ZGZ desarrolla las siguientes actividades de forma permanente:
• Aracnología Social: Laboratorio de Arte Textil. Proyecto residente en el Centro
de Creación Comunitaria Harinera.ZGZ. Indaga sobre los cuerpo y los diferentes discursos sociales que se les impone.
• Aprendizaje Colaborativo: Reuniones de co-educación y recuperación de técnicas textiles.
• Formación en técnicas y pedagogías textiles: Desde el aprendizaje participativo y basado en los cuidados. Hacemos especial hincapié en la narrativa y la gráfica textil.
• Acciones de conexión y cooperación internacional: Intercambio artístico y metodológico con colectivos, investigadoras y artistas del ámbito iberoamericano y europeo.
Natalia Alonso Arduengo
Vive en Gijón y trabaja entre su ciudad de residencia y Madrid. Es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo. Su formación se orienta al arte contemporáneo desarrollando su actividad profesional en estrecha vinculación con el ámbito de las galerías. Ha sido becaria de ATM Contemporary (Gijón) y ha trabajado tres temporadas con Espacio Líquido (Gijón). Posteriormente, ha sido asistente de dirección en Aurora Vigil-Escalera Galería de Arte (Gijón).
Forma parte del equipo de coordinación de “AlNorte, Semana de Arte Contemporáneo de Asturias” dirigida por Ángel Antonio Rodríguez y desarrolla una intensa labor en la crítica de arte y la curaduría independiente. Dentro de sus últimos trabajos comisariados destacan “La fuga de Perséfone” de Cristina Ferrández, “El Síndrome de Norma Desmond” de Cristina Toledo y “Lo invisible” de Rosell Meseguer en el Museo Barjola. En el 2020 fue la comisaria invitada de ArtMadrid con el proyecto “El arte de habitar” y ha realizado exposiciones como “El Rincón Feliz”, que debe su título a un relato homónimo de Henry James, y otras como “Homo Faber”, llamada así por la novela de Max Frisch. La influencia de la literatura tiene un peso importante en gran parte de sus muestras.
Desde hace años colabora con Mujeres Mirando Mujeres (ha entrevistado a Cristina Toledo y a Sandra Paula Fernández y ha presentado a María Moldes, Breza Cecchini y a Noemí Iglesias) y forma parte del proyecto Wom@rts (Creative Europe Programme of the European Union) en colaboración con la Factoría Cultural de Avilés.
Ha trabajado para medios de comunicación como la revista Tendencias del Mercado del Arte y, en la actualidad, ejerce como Liaison Manager para ARTEINFORMADO y es directora de ArteOviedo, una feria de arte contemporáneo realizada en la capital del Principado de Asturias que reúne una selección de galerías de la región.
Nayr López García
Nayr López García (La Habana, 1996) Licenciada en Historia del Arte en la Universidad de La Habana, Cuba. Crítica de arte. Profesora de Arte Universal del Departamento de Historia del Arte de la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de La Habana. Colaboradora de la revista de arte cubano y regional Artcrónica. Se encuentra realizando un master en Marketing, Comunicación y Medios Digitales en la ciudad de Valencia, España.
Nerea Ubieto
Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, trabaja como comisaria independiente, gestora y redactora en diversas publicaciones de arte. Es crítica colaboradora en el ABC Cultural. Actualmente prepara el comisariado de la exposición de Vari Caramés para el Canal de Isabel II; coordina el Foro de MAV (Mujeres en las Artes Visuales) en Madrid; realiza un estudio del movimiento cultural en el barrio de Carabanchel (Madrid); es docente en el “Curso de Género y prácticas artísticas contemporáneas” de Factoría de Arte y Desarrollo, en la Universidad de Zaragoza y en la plataforma Cómo ser fotógrafa. En su último proyecto, “Devenir cuerpx” ha combinado la tutorización artística dirigida a diferentes colectivos e identidades disidentes en Paraguay con el comisariado de una exposición de los resultados del proceso en el Centro Juan de Salazar en Asunción. Ha dirigido el ciclo de talleres “A ver si nos aclaramos” (Performance, Feminismos y Compromiso animal) en Tabacalera Madrid y colabora con el programa cultural de televisión Metrópolis para quien ha realizado los títulos “Arte en Estonia”, “1+1=1” y “Arte Entrometido”. Entre sus últimas exposiciones destacan: “Tensiones escópicas” en Etopía Centro de Arte y Tecnología de Zaragoza; “Mystery Magnet” en el Museo Domus Artium de Salamanca, “Paisajes especulativos” en el Museo de Teruel, “One Project” de Art Madrid o “Artfulness” en el Centre del Carme, Valencia.
Nuria Menargues Bolaño
Después de haber pasado por distintos medios convencionales (radio, televisión), sigo, ahora más centrada, en el apasionante mundo de las nuevas tecnologías y todo lo que éstas pueden ofrecer al arte. Desde GiC Art y sus distintas redes sociales (Twitter, Facebook, Instagram, Ecency, PeakD, 3Speak, Lbry,…) doy cobertura a distintos eventos y noticias del mundo del arte, dando prioridad a la producción de nuestra tierra. De hecho, Inés Villeparisis y su obra, ya forman parte de la tecnología blockchain.
Oliva Cachafeiro Bernal
Me considero a mi misma gestora cultural, educadora, historiadora y vecina.
Soy Licenciada de Grado en Geografía e Historia (especialidad Historia del Arte) por la Universidad de Valladolid, además de Especialista en Teoría y Estética de la Cinematografía por la misma.
Mi primer contacto con el mundo laboral fue a través de la Fundación Municipal de Cultura de Valladolid, como becaria en el Departamento de Producción de Actividades. Aquí aprendí a ser gestora cultural.
Casi de forma paralela empecé a trabajar como educadora de museos, ámbito en el que se ha desarrollado mi trabajo durante años, tanto en salas municipales como en el Museo Patio Herreriano).
En 2007 comienzo a trabajar como Coordinadora de la Fundación Alberto Jiménez-Arellano Alonso, encargada de gestionar el Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la UVa, donde desempeño labores de gestión, organización de actividades culturales, comisariado de exposiciones y gestión de RRSS. En noviembre de 2019 soy nombrada directora de la misma, cargo que desempeño en la actualidad.
Paralelamente, durante todos estos años he colaborado con el movimiento vecinal de la ciudad, en concreto con la Asociación Vecinal Rondilla y la Federación Vecinal Antonio Machado, dedicándome a los temas culturales, interesándome además todo lo relacionado con el feminismo. El principal resultado de ello fue la organización durante 5 años, en la Fundación Arellano Alonso junto a Marta Alvarez, de «Occupy Gender, foro de iniciativas feministas de Valladolid», que llegó a ser premiado por MAV en 2016 por su carácter innovador.
Desde el Museo continúo trabajando la perspectiva de género dando conocer la obra de artistas contemporáneas (africanas o no). Además, como museo que forma parte del proyecto Museos Sociales del Ministerio de Cultura y Deporte, trabajamos especialmente en la línea de facilitar el acceso a las mujeres a los espacios museísticos.
Pamela Pazmiño
Artista visual y educadora. Nació en 1984, vive y trabaja en Quito. Doctora en Artes, Humanidades y Educación por la Universidad de Castilla La Mancha, Cuenca, España. Máster en Investigación en Prácticas Artísticas y Visuales en la UCLM. Magíster en Investigación de la Educación por la Universidad Andina Simón Bolívar. Especialista Superior en Educación y NTIC por la UASB. Licenciada en Artes Plásticas de la Universidad Central del Ecuador. Tecnóloga en Diseño en el Instituto de Artes Visuales de Quito. Entre sus líneas de investigación se encuentran las artes audiovisuales, la educación y los feminismos. Gestora de la plataforma expositiva Lo personal es educativo. Es co-fundadora de la colectiva La Emancipada y cogestora del Encuentro de Arte Mujeres Ecuador. Ha exhibido su obra en galerías y museos del Ecuador, Italia, Cuba y Estados Unidos. Obtuvo el primer premio del Salón de Arte Contemporáneo Mariano Aguilera en el año 2006. Ha realizado exposiciones individuales entre las que se destaca: “Amorfosis” (2014), “El Bello Sexo” (2017), y numerosas exposiciones.
Paola Correa
Paola Correa nace en Bogotá, Colombia en 1981. Es artista interdisciplinar, gestora cultural e investigadora dedicada a la creación performativa. Magíster interdisciplinar en teatro y artes vivas y abogada de la Universidad Nacional de Colombia, especializada en derecho ambiental e instructora de yoga. Desde el año 2010 es creadora y codirectora del Laboratorio Experimental de Performance y coordinadora del área de proyectos de la Fundación Cultural Waja con diversas poblaciones en Colombia.
Interesada en los procesos de creación corporal, la experimentación, el pensamiento como materia plástica, el cruce de lenguajes y modos de hacer artísticos. La resistencia, el camuflaje, la memoria, el poder y la violencia son fenómenos que investiga en tanto problemas plásticos, a través del lenguaje de la performance y sus múltiples formas. Actualmente desarrolla proyectos artísticos multidisciplinares que incluyen el video, el rap, la poesía y la fotografía performática.
Ha presentado sus creaciones en galerías, salas, espacios alternativos y centros culturales en Colombia, Argentina, Bolivia, Chile, Estados Unidos, Francia, Suecia, España, Finlandia y México.
Patricia Quintana Lantigua
Varadero, Cuba, 1989.
Investigadora y crítica literaria. Licenciada en Letras por la Universidad de La Habana en 2012. Se desempeñó como investigadora literaria en el Instituto de Literatura y Lingüística de La Habana, donde integró proyectos como el Diccionario Cubano de Ensayo y Crítica, y Cuba: 1959-2008. Contextos de la literatura. Entidades paraliterarias. Sus trabajos en este centro se enfocaron en el comportamiento del panorama literario cubano desde 1959 y en la construcción literaria del cuerpo femenino en el siglo XIX para el turismo.
Posteriormente, pasó a vivir en México, donde cursó estudios de Maestría en Historia con una investigación sobre los relatos de viaje escritos por mujeres en el siglo XIX. Actualmente cursa un doctorado en Literatura Hispánica en El Colegio de San Luis, en la ciudad homónima, con un estudio sobre revistas literarias mexicanas de finales de la década de 1920.
Su rol de estudiante de posgrado lo vincula con la docencia, es profesora de Comunicación y Lenguaje y además, imparte Español como Lengua Extranjera. Ha publicado artículos y reseñas en revistas cubanas, mexicanas, estadounidenses, y ha participado en congresos literarios y de estudios culturales en varios países.
Es fotógrafa amateur. Se ha vinculado al trabajo de mujeres fotógrafas desde su época de estudiante universitaria y le interesa estudiar la teoría de los afectos en la literatura y la fotografía.
Patricia Simón
Patricia Simón (Estepona, 1983) es una periodista, escritora y profesora especializada en Relaciones Internacionales y enfocada en los derechos humanos y la perspectiva de género. Ha realizado coberturas en más de veinticinco países. Desde que comenzase la pandemia de COVID-19 en 2020 ha documentado para la revista La Marea las protestas de Irak y Cuba, el incendio del campo de personas refugiadas de Lesbos, las elecciones presidenciales de Estados Unidos, el auge del yihadismo en Mozambique y la deforestación ilegal en Sierra Leona, entre otras cuestiones. Imparte conferencias y cursos sobre periodismo, derechos humanos, feminismo, trata con fines de explotación sexual, migraciones y búsqueda de refugio. En 2013 recibió el Premio de la Asociación Española de Mujeres de los Medios de Comunicación y fue finalista del premio Colombine en 2018.
Paula Cabaleiro
Comisaria y gestora cultural. Actualmente, directora de Cultura de Diputación de Pontevedra. Licenciada en Bellas Artes por la UVigo (2009), con un máster en Arte, Museología y Crítica Contemporáneas por la USC (2010) y máster en Educación por la UVigo (2010).
Es comisaria del programa «Mulleres en Acción: Violencia Zero» de Diputación de Pontevedra desde 2015 (6 ediciones) y fue directora de exposiciones del MAC Florencio de la Fuente (Huete, Cuenca), entre 2015 y 2020. Entre sus últimos comisariados, destacan las presentes “In Landscape Mode” de Christian Villamide (sept 2019-febrero 2020, CGAC) y “Deposita aquí tus miedos” de Alicia Framis (sept 2019-enero 2020, Cidade da Cultura de Galicia) y las recientes “Nación S.A.” de Iago Eireos (agosto, 2019, Sala Exposiciones Diputación de Lugo), “I Residencia Artística” (julio, 2019, MAC Florencio de la Fuente, Huete, Cuenca), “Boscosa” de Cristina Gardumi y «Icon. Mutant identities» de Lara Bobbio (abril-maio 2019, MAC Florencio de la Fuente, Huete, Cuenca, en colaboración con Associazione Culturale Radar), “Son aquela! (espazo de desarraigamento” de Paula Noya (Sala Alterarte, UVigo, 2018), «Metría2» de Rubén Fernández Castón (MAC Florencio de la Fuente, Huete-Cuenca 2017), «Nación S.A.» Centro Marcos Valcarcel de Diputación de Ourense, 2017), «Pegadas na Terra» (Culturgal 2016, Pontevedra), «Compañías Convenientes» (Fundación Camilo José Cela, 2016 y Afundación Santiago 2016-2017), «Experimenta 10+1» (Centro Marcos Valcarcel de Deputación de Ourense, 2016), «Somos Espazo» (Culturgal 2015, Pontevedra), «Do papel ao xesto» (Culturgal 2014, Pontevedra), “Mulleres en acción: violencia zero” (2016, Museo de Pontevedra y Casa das Artes de Vigo) y la muestra multisede «En (re)torno ao paisaxe» (Museo de Pontevedra e Iglesia de la USC en Santiago de Compostela).
Desde 2014, forma parte del equipo organizativo de la feria Culturgal (Pontevedra), siendo comisaria del Espazo de Arte y desde 2019, es miembro de la sección de artes plásticas del Consello da Cultura Galega. Coordinadora y comisaria de programas artísticos en espacio público como “Somos rúa, facemos arte” del Ayuntamiento de Carballo (2019, 2018, 2017), #CreaVigo del Ayuntamiento de Vigo (2018 y 2019), del programa “Do camiño vivido” de Diputación da Coruña (2018 e 2019) y del “Huete Photowalk” (2016, 2017, 2018, 2019) en el Museo de Fotografía de la Fundación Antonio Pérez, con Diputación de Cuenca. En 2019, pone en marcha el Programa de Residencias Artísticas MAC Florencio de la Fuente, financiado por Diputación de Cuenca. Fue codirectora de la feria de arte contemporáneo Cuarto Público (Santiago de Compostela, 2013-2016), coordinadora del programa de residencias artísticas «Estudio Aberto» de Rede Museística de Lugo y Diputación de Lugo (2013-2015), directora en Galicia del Festival estatal Miradas de Mujeres 2014.
Ha intervenido como ponente en numerosas jornadas y congresos en espacios y museo como MediaLab Prado, Universidad Complutense de Madrid, Museu Romántico de Porto, Museo Reina Sofía de Madrid, Centro Ágora de Coruña, Fundación G. Torrente Ballester de Compostela, UVigo, USC, Consello da Cultura Galega, etc.
Participa en proyectos de acción social implicados con el tejido asociativo y con personas con capacidades diferentes, destacando «Nos+otras en Red» en Museo Thyssen-Bornemizsa de Madrid, entre 2015 y 2017, culminando con la exposición «El espacio de la memoria» (febrero 2017, Museo Thyssen-Bornemizsa).
Pilar Sánchez Monje
Licenciada en Geografía e Historia con la especialidad de Historia del Arte (UVA), Postgrado en Historia y Estética de la Cinematografía (UVA) y Máster de Servicios Culturales (USC). Es también investigadora en género y sus ejes de trabajo principales son la interpretación y la didáctica en museos y en el patrimonio cultural.
De 1997 a 2011, centró su trayectoria profesional en la difusión y creación de artes escénicas, tanto desde lo privado como desde lo público, trabajando con compañías de todos los formatos y lenguajes, además de producir para diversos festivales del territorio estatal y europeo y así como conocer de cerca los mercados y espacios de exhibición.
Desde 2011 está vinculada a programas de investigación, museología social y mediación cultural en las artes plásticas y el patrimonio, con el foco puesto sobre la dimensión social de la cultura, fundamentalmente con entidades como la Red Museística Provincial de Lugo, donde trabaja en la actualidad como Auxiliar de Sala, el Centro de Estudios del Románico – Fundación Santa María la Real o con la Asociación patrimonial O Sorriso de Daniel.
Comprometida con la visibilización de la diversidad de género en el arte, ha sido una de las responsables de difusión en redes de la Bienal MAV en 2016, gestora para la Red Museística de los proyectos Mujeres en/para/por/desde/ante el Museo y del audiovisual Mujeres de Aquí e Dacolá. Desde 2013 a 2017, se ocupó de la secretaría técnica/coordinación del Congreso Géneros, Museos, Arte y Educación, formó parte del movimiento La Caja de Pandora y participó en el proyecto Mujeres Mirando Mujeres en la edición de 2018 con la entrevista a Luz Darriba.
Rebeka Elizegi
Rebeka Elizegi es collagista, directora de arte y diseñadora gráfica titulada por la Escola Massana de Barcelona.
Desarrolla su trabajo artístico a través de la técnica del collage clásico manual,desarrollando piezas de pequeño, medio y gran formato.
La reivindicación de la figura de la mujer ocupa un lugar importante en su obra, aunque también se centra en temas como la diversidad de género y en denunciar/visibilizar otros temas de índole social.
Paralelamente a las exposiciones, que tienen un carácter más artístico y personal, sus collages han ilustrado también cubiertas de libros y revistas internacionales, artículos de prensa, portadas de discos o carteles.
Ha publicado varios libros ilustrados utilizando la técnica del collage y es autora de los libros
Collage Terapia, Collage firmado por Mujeres (Ed. Promopress) y Collage Creativo (Ed. Alma.)
Su obra se ha expuesto en espacios de Barcelona, Madrid, Los Ángeles, Varsovia o Berlín y su trabajo se ha mostrado en numerosas publicaciones internacionales especializadas en arte y collage.
Algunas de sus piezas forman parte de colecciones privadas como Retroavangarda Gallery (Varsovia), Doug + Laurie Kanyer Art Collection (EEUU), Mario Vaquerizo (España) o Coupee Collage Colective (Bélgica).
Sana López Abellán
– Galeria Trashumante –
La trashumancia es un tipo de pastoreo en movimiento continuo. Buscando zonas nutritivas y adaptándose en el espacio y el tiempo. Sin espacio fijo esta ‘galería’, fundada en 2021, busca proyectos, obras y entornos nutritivos y merecedores de ser cuidados para colaboraciones temporales.
La línea curatorial está en constante desarrollo. Afinando según cada contexto, público, contenido, para ver qué camino escoger.
La Galería Trashumante es una iniciativa curatorial de Sana López Abellán, Amsterdam, 1981. Antropóloga, artista, joyera y curadora independiente. Su trabajo oscila entre disciplinas, teoría y práctica, lo real y lo simbólico. Su interés está en tejer un puente entre la disciplina artística y la antropológica. La base teórica de la antropología cultural y sus métodos de trabajo se entrelazan con la praxis artística en muchos sentidos.
Sana estudió Antropología en la Universidad de Leiden en cultura material de los Puruwas, Ecuador, la relación entre el cuerpo y los tejidos, MA en 2006, Joyería artística & artes visuales en la academia Ben van Helden, Utrecht, 2008 y un Posgrado en curaduría y exposiciones en EINA, Barcelona, 2021.
Tiene estudio/taller en La Bisbal d´Empordà y es fundadora de la Galeria Trashumante.
Sara Pérez Bello
Sara Pérez Bello, es directora y gestora de Apo’strophe.arte en Vigo. Es comisaria de muchos de los proyectos allí expuestos y organiza los eventos, conferencias, mesas redondas, conciertos, firmas de libros….
Directora y coordinadora de los espacios anexos a Apo’strophe: “Espacio Cero” para proyectos de instalativos, “L21” para proyectos fotográficos, “MercaArte” ferias de arte y proyectos expositivos. En la actualidad todos estos espacios se han reconvertido en uno “Espazo Anexo” que funciona según el proyecto que se presente.
Coordina, comisaría y selecciona a los artistas que configuran la exposición que presenta Apo’strophe.arte en CULTURGAL feria de industrias culturales de Galicia.
Creadora del certamen de arte PLASTIKA, co-directora gestora y comisaria de la exposición resultante de la selección del jurado del Certamen Internacional de Arte PLASTIKA.
Diplomada en magisterio en la especialidad de Ciencias Humanas (Historia del Arte y Geografía), Especialista en Pedagogía Terapéutica.
El contacto directo y constante con el mundo artístico le lleva a realizar diversos cursos:
Curso de tasación y catalogación de obras de arte en la UNED
Cursos de gestión y comisariado en la UNED y en Taller Abierto, Pontevedra.
Además de la asistencia a congresos, conferencias, mesas redondas…
La docencia y la inclusión siempre han formado parte de su trabajo, ya sea en centros educativos o en talleres específicos, a través de los cuales puede desarrollar sus inquietudes artísticas y pedagógicas desde hace más de 25 años.
Sara Torres Sifón
Editora de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, crítica de arte y comisaria de exposiciones. Es licenciada en Historia del Arte, especializada en Museografía y montaje de exposiciones por la UCM. Su trabajo está comprometido con el feminismo y la difusión del trabajo de las mujeres en el ámbito cultural.
Ha trabajado como crítica de arte en distintas revistas artísticas. En el año 2010 empieza su relación con la revista digital PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, colaborando primero como crítica de arte y redactora de contenidos; a lo que se sumaría, desde el año 2013, su trabajo como editora y coordinadora de la programación de la publicación. Además, participa activamente en todas las labores de gestión cultural en las que se embarca la plataforma.
Entre las exposiciones que ha comisariado recientemente destacan Nadie hablará de nosotras cuando estemos muertas de Julia Martínez en Espacio Visión Ultravioleta (Madrid – Marzo/Mayo 2021) que posteriormente viajó al Centro de Arte Bernardo Quintana de la Universidad Autónoma de Querétaro (México – Mayo/Julio 2021) y TERROR FASHION WEEK con los artistas Omar Jerez y Julia Martínez en el Museo de la Ciudad de Querétaro (México – Julio/Agosto 2021).
Durante los últimos años, ha estado involucrada en proyectos comprometidos con el feminismo y con la difusión del trabajo de las mujeres en el ámbito cultural. Así, es cofundadora de Woman Art House, un proyecto curatorial que se creó en 2017 en el que se pone en valor el trabajo de mujeres artistas contemporáneas. Igualmente, en su iniciativa Contemporary Art By Women realiza visionados del trabajo de mujeres artistas jóvenes y favorece la difusión de su trabajo.
Sara Zaldívar
Esta madrileña es arquitecto, asesora de arte y gestora cultural, además de madre de dos niños.
Su vida laboral ha estado siempre relacionada con el mundo del arte. Desde hace siete años que fundó Huntress of Art, una empresa de asesoría de arte a coleccionistas y de gestión cultural.
Amante del aprendizaje, está cursando actualmente su doctorado.
Es la Directora del curso “Claves para la Profesionalización de la Carrera del Artista” creado y desarrollado en colaboración con la Fundación Pons y Mohari Hospitality.
Entre otros proyectos, es la Directora de la Residencia de Artistas “El Núcleo”, un proyecto de la Fundación SZ de la que es Patrono. Una residencia creada para la promoción de las artes visuales en España. Anualmente, su comité selecciona tres artistas para que desarrollen algún aspecto de su carrera en un entorno privilegiado en la sierra de Segovia durante un mes.
Sara es apasionada del arte, de los viajes y de un estilo de vida saludable.
Silvana Retamal
Silvana Retamal, directora de la Galería de Arte A Ciegas. El proyecto de la Galería de Arte A Ciegas nace a comienzos de 2017, con la idea de dar espacio a artistas emergentes y cercanos al entorno de su galerista Silvana Retamal, la cual ha seguido el recorrido de los artistas durante años. La galería abre sus puertas en abril de 2018 con el objetivo de dar a conocer el trabajo de sus artistas, valorando la relación existente entre galerista, artista y coleccionista.
Sofía Martínez Hernández
Docente en el curso 2018-2019 en el Máster de Gestión Cultural de la Universidad de Murcia. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Murcia. Ha cursado el Máster en Gestión y Dirección de Museos y el Máster en Grafística y Autentificación de Obras de Arte además de obtener el certificado de Perito Judicial en Grafística y Documentoscopia. Posee más de 40 titulaciones, como el Certificado de Mediación y Educación en Museos y otros Centros Patrimoniales y Culturales por la Universidad Complutense de Madrid o el Curso de Especialización Universitaria en Conservación Y Gestión De Museos a través de la Universidad Europea Miguel de Cervantes de Madrid entre otros. Doctoranda en Historia del Arte por la Universidad de Valencia. Ha comisariado más de 150 exposiciones y ha trabajado con en torno a 1000 artistas en Galerías de Arte y salas expositivas de Murcia, Madrid, y Málaga. Ha sido seleccionada con Galería Léucade en ferias de Arte internacionales como Art Madrid, Barcú (Bogotá) o Just LX (Lisboa). Ha coordinado la programación cultural de la Copa del Rey a través de la ACB en Málaga 2020 y Granada 2022. Dirige Galería Léucade (desde 2013) y Galería El Punto Rojo (desde 2018). Creó Keyhole Art Fair en el 2018, la 1ª Feria Internacional de Arte que se celebraba en Murcia; feria itinerante que trasladó a Málaga en su 2ª edición. Creó una 3ª edición con realidad virtual, convirtiéndose en la primera feria de Arte internacional de este tipo. La 4ª edición se volvió a celebrar en Murcia. Dirigió y coordinó las cuatro ediciones de la feria con unos 170 artistas seleccionados en las cuatro ediciones. Ha creado y organizado más de 200 eventos que incluyen -entre otras actividades culturales- conciertos, teatro, workshops, o espectáculos como un ciclo con los bailarines solistas del Ballet Nacional de España entre otros. Asimismo ha coordinado eventos en el Centre Pompidou de Málaga y en la Casa Natal de Picasso. Ha participado en mesas redondas y conferencias en diversos centros e instituciones, como en el Museo Ramón Gaya. Ha ejercido como jurado de concursos de pintura y fotografía. Crítica de Arte desde 2010, sus críticas artísticas han sido publicadas en revistas, periódicos y diversos catálogos de artistas, además de haber editado sus propios catálogos. Los eventos que ha organizado, exposiciones que ha comisariado, y ferias de arte en las que ha participado o gestionado han aparecido en prensa digital o escrita en más de 300 publicaciones. Como docente, se encarga de la formación práctica de los alumnos de la asignatura «Practicum» del Grado en Historia del Arte, de los alumnos del Máster en investigación y gestión del Patrimonio Histórico-Artístico y Cultural, y de las prácticas extracurriculares de alumnos del grado de Comunicación Audiovisual, todo ello de la Universidad de Murcia, además de la formación práctica de alumnos de la facultad de «Visual Arts and Design» de «The George Enescu National University of Arts» en Iaşi, Rumanía, de alumnos de la licenciatura de «Information-Communication» en la «Université Savoie Mont Blanc» en Chambéry, Francia, y de alumnos del Máster en Conservación del Patrimonio Cultural de la Universidad Complutense de Madrid.
Sonia Cabrera González
Mi Breve Bio podemos concretarla en aspectos formativos(Licenciada en Historia del Arte, Máster en Mercado de Arte y Gestión de Empresas Relacionadas, Doctorando en Arte y Humanidades… y otros cursos de interés); mi trayectoria profesional empezando con prácticas en el Museo Thyssen-Bornemisza (2007), Feria ARCO (2008) y Galería Guillermo de Osma (Madrid,2008); la producción de eventos culturales (MACC 2009, Tenerife Design Week 2010 – 2017, entre otros), Departamento de Educación de TEA (2016 – 2017),comisariado de exposiciones (Hábitat para el Espacio Profundo, 2020) , docencia y divulgación artística (tanto en textos para catálogos y otras publicaciones, como en charlas y debates) y por último y com un elemento vital que envuelve teoría y práctica, una atracción incontrolable por el arte como nodo de conexión y catarsis de las pasiones y pulsiones de los seres humanos.
Susana Pozo Miralles
Graduada en Historia del Arte por la UNED y comisaria independiente de Arte Actual. Exposiciones comisariadas en 2021 en ARTEINFORMADO: Like del artista Javier Aldarias y Remake Apocalíptico de Pulp Anto.
Soy una apasionada de los discursos expositivos en relación con los textos (fuentes) para generar espacios dialogados museográficos y museológicos. Me gusta interpretar las obras en clave historiográfica y hacer uso de la semiótica que atiende al contenido temático de las piezas, con la finalidad de descifrar los significados simbólicos que esconden. Además, resulta cautivador reflejar la relación dialéctica existente entre la Estética y la Poética de las Artes Visuales. Todo ello, partiendo de una base hermenéutica a fin de extraer el significado del relato o discurso artístico sustentado por una exégesis heteróclita y en la écfrasis.
En definitiva, describir, interpretar y exponer relatos que conformen una estética de la recepción reflexiva.
Talía Barredo García
Artista visual, gestora cultural y curadora.
Diseñadora gráfica por la Universidad Autónoma de Coahuila (México). Sus estudios artísticos los realizó en L’École européenne supérieure de l’image (Angulema, Francia) donde obtuvo el Diploma nacional superior de expresión plástica (DNSEP – Master 1 en 2008. Ha cursado diplomados de Gestión Cultural), Prácticas artísticas contemporáneas y Arte y Feminismo, Mercados del arte.
Como artista cuenta con 6 exposiciones individuales y ha participado en más de 40 colectivas en México, 3 en Francia y 2 en España. Ha sido becaria del PECDA Coahuila en 2 ocasiones (2008-2009 / 2011-2012); seleccionada por la Fundación Santander para el Taller de proyectos de Antoni Muntadas (2008); beneficiaria del programa Arte Resiliente para el desarrollo de exposiciones virtuales en 2020. Sus proyectos parten de la fotografía, hacia el objeto y la instalación. Habla de memorias y relaciones familiares, paisajes y naturaleza. Busca analogías entre los conceptos de vida-muerte, vida-trascendencia, vida-energía.
Como promotora ha gestionado y curado más de 35 exposiciones con artistas regionales, nacionales. Fue coordinadora de exposiciones de la Alianza Francesa (Saltillo 2009-2010), directora del Centro Cultural Casa Purcell (Saltillo 2014-2017), Coordinadora de logística de exposiciones para la Secretaría de Cultura el Estado de Coahuila (2018).
En 2019 funda Liquen agencia de arte, la cual procura la promoción y difusión de obras de arte, realiza exposiciones presenciales y virtuales de artistas principalmente del noreste de México. En mayo 2020 crea el proyecto colaborativo Diario de un encierro, plataforma de visibilidad de mujeres artistas de diversas ciudades, viviendo en diferentes partes del mundo, en el cual, hasta el día de hoy han participado 67 artistas.
Úrsula Ochoa
Vive y trabaja en Medellín.
Candidata a Magíster en Estética de la Universidad Nacional de Colombia donde obtuvo la Beca de Facultad y Maestra en Artes Plásticas de la Fundación Universitaria Bellas Artes donde recibió consecutivamente en el año 2006 y 2007 dos menciones honoríficas a la excelencia académica y ética profesional, y en el año 2008 se hizo merecedora de la Beca de Honor; ese mismo año recibió la Mención Honorífica en el Salón de Estudiantes. Ha realizado estudios en Historia y Teoría del arte del siglo XVIII con la Universidad de Cádiz; Periodismo Cultural y Crítica de Arte con la Universidad de Antioquia, y Análisis de la imagen a partir del pensamiento Estético en Friedrich Nietzsche y Aby Warburg con la Universidad Nacional de Colombia.
Actualmente, escribe para la Revista Internacional de arte Artishock y colabora con la sesión de cultura de El Espectador. Fue curadora y asesora editorial para el libro sobre Arte contemporáneo PUNTO de la revista EXCLAMA donde se desempeña como pluma en temas de arte contemporáneo. Es curadora y cofundadora de la plataforma para mujeres artistas Korai Art, y trabaja como asesora de monografías y proyectos de grado. Fue crítica de arte en la sección Palabra y Obra del periódico El Mundo y colaboradora en la revista ARCADIA.
Sus textos se han publicado en la plataforma de crítica cultural Esfera Pública, en la Revista Colombiana de Pensamiento Estético e Historia del Arte de la Universidad Nacional de Colombia, en la Revista de Arte y Humanidades de los estudiantes de la Universidad de los Andes, entre otras publicaciones académicas y culturales.
Verónica Guerrero Molina
Sevilla, España, 1996
Vive y trabaja en Ciudad de México, México.
Verónica Guerrero es curadora y escritora cuyas prácticas se centran en el arte contemporáneo. Es licenciada en Filosofía con excelencia académica por la Universidad de Granada, posee Maestría en Estudios de Género por la Universidad Nacional de Educación a Distancia y Diplomado en Curaduría por el Centro de Cultura Casa Lamm. Ha realizado estancias internacionales en Turquía, Israel y México. Comenzó su carrera laboral como investigadora asociada al Departamento I de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Granada y, posteriormente, se desarrolló en el arte contemporáneo.
Hoy en día vive y trabaja en Ciudad de México donde trabaja en Galería Karen Huber. Entre sus proyectos curatoriales destacan la curaduría de la exposición How to Play in the Park de la artista nipona Kanako Namura; y la asistencia curatorial de las exposición Otrxs Mundxs y más Allá de los Árboles en el Museo Tamayo de Arte Contemporáneo. Entre su producción escrita más reciente destacan los textos de sala para: Common Ground del español Keke Vilabelda en sus exposiciones de Perú (Not a Galley) y México (Galería Karen Huber); Talk to me softly when the world is fading away de la estonia Merike Esta y Paisajes de los mexicanos Ana Segovia y Diego Vega Solorza. Además, escribe para la revista de arte contemporáneo Onda Mx y es miembro de la Asociación Mujeres Mirando a Mujeres -en la cual se promueve el trabajo de las mujeres en el sector de la gestión y creación de las artes-.
Yadira de Armas
Yadira de Armas (La Habana, 1990) es comisaria independiente y gestora cultural. Licenciada en Historia del Arte en la Universidad de La Habana (2013) y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte en la Universidad de Salamanca (2019). Actualmente, cursa el programa de Doctorado en Historia y Artes de la Universidad de Granada. Su trabajo ha estado enfocado hacia las dinámicas del arte contemporáneo, desde la gestión, el comisariado y la producción de exposiciones. Como parte del colectivo curatorial «Ballate-Armas» su trabajo se enfoca hacia la investigación en torno a las nuevas prácticas del arte contemporáneo, potenciando el arte emergente, el enfoque de género, y la colaboración con otros proyectos artísticos. Posee en su haber una importante trayectoria en la gestión galerística, la dirección de proyectos y el comisariado, además de su labor académica que incluye conferencias en eventos internacionales como congresos, simposios y cursos en diferentes universidades.