Artistas V MMM

Las artistas, las grandes protagonistas de MMM

Desde el primer momento quisimos que la selección de artistas y disciplinas fuera exclusivamente de las participantes. Así, todas ellas, blogueras, comunicadoras, periodistas, gestoras de espacios de arte, comisarias, museólogas, teóricas, historiadoras, coleccionistas, críticas, galeristas…han llevado a cabo su elección de forma completamente libre.

El resultado es, año tras año, la prueba de que no nos equivocamos en el planteamiento.

En esta V edición contamos con 51 artistas, comprometidas y empoderadas.

Adriana Berges

Madrid (1992). Artista Plástica, desde joven mostró una predilección especial por el lienzo y la pintura. Estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y cursó su tercer año en la HAWK, Hildesheim, Alemania 2012-2013 con la beca Erasmus. A su regreso a Madrid, finalizó los estudios en Bellas Artes en 2014 y seguidamente fue seleccionada para el Máster en Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, para el cual realizó su trabajo de fin de Máster sobre «El espacio y el lugar en la obra de Antonio López”.

En ese mismo año cursó la VII Cátedra Extraordinaria de pintura por Antonio López “Ciudad de Albacete” y empezó a trabajar en el espacio de coworking creativo Quinta del Sordo como gestora cultural. 

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Alejandra Atarés

Zaragoza, 1987. Estudió Bellas Artes en la Universitat de Barcelona y completó su formación en la University of West England de Bristol y en el Massachussets College of Art and Design de Boston. Establecida actualmente en Barcelona, Atarés ha centrado su producción artística en la pintura, con la que ha consolidado su carrera; en su haber tiene diversos solo shows en la Galería Balaguer de Barcelona (2013), en la Galería A del Arte de Zaragoza (2017) o la Galería Victor Lope en Barcelona en (2018), así como participaciones en múltiples exposiciones colectivas y ferias como la Scope Miami 2017, la Art Karlsruhe de 2016 en Alemania o SWAB Barcelona y Art Madrid en España.

La obra de Alejandra Atarés se compone de una superposición de capas de representación interconectadas que revelan de manera simultánea porciones de realidades que, en su yuxtaposición, devienen irreales. Tanto en las series pictóricas de retratos de espaldas como en sus escenas selváticas o desérticas, Atarés combina, siempre con una técnica depurada y una paleta muy contrastada, elementos como los cactus y las baldosas, Rihanna o Katy Perry y entornos selváticos o puramente fantasiosos en acordes disonantes. La sensación que éstos producen contrapone la vivencia de lo conocido y bello – casi extraído de un post de redes sociales – y lo que no debería estar ahí. Es en la vivencia estética que esta contraposición provoca donde recae la habilidad pictórica de Alejandra Atarés: un juego de tensiones placenteras que ponen en efervescencia la mente del espectador.

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Alejandra Carles-Tolrá

Fotógrafa española de Barcelona que vive en Londres. Su trabajo examina la relación entre la identidad individual y grupal, y cómo una moldea la otra. Tiene un MFA en Fotografía de la Massachusetts College of Art and Design y una Licenciatura en Sociología de la Universidad de Barcelona.

Su trabajo ha sido publicado y expuesto internacionalmente, incluyendo The Guardian, The British Journal of Photography, CNN, Vice, The Huffington Post, Revista T Magazine del NYTimes, L’Oeil de la Photographie, Circulation (s) Festival en París, Jerwood Space en Londres y Wuhan Art Museum en China. En el 2017 fue galardonada con el Premio Jerwood Visual Arts / Photoworks en Reino Unido,  y en el 2018 ha sido seleccionada por PhotoEspaña como una de los cinco artistas escogidos para unirse a Futures Photography, así como para exponer en el National Portrait Gallery.

En los últimos años, ha impartido clases de fotografía en la Universidad de New Hampshire y en MassArt, entre otras instituciones. Actualmente, Alejandra trabaja con organizaciones sin fines de lucro como facilitadora de talleres de arte utilizando arte y educación para empoderar a las comunidades vulnerables.

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Alejandra González Soca

Maldonado -Uruguay,1973. Artista visual, docente y psicóloga. Licenciada en Artes Visuales por la Universidad de la República y Psicóloga por la Universidad Católica.

Ha exhibido sus proyectos tanto en Uruguay como en el exterior, incluyendo: el Museo Nacional de Artes Visuales, Espacio de Arte Contemporáneo, Centro de Exposiciones SUBTE, Montevideo, Museo Histórico Cabildo de Montevideo, Centro Cultural de la República el Cabildo, Asunción, Espacio de Arte, Universidad de Lanús, Buenos Aires, Museo Casa del Risco, ciudad de México, Museo Qorikancha, Cusco, Perú, Casa Memorial Salvador Allende, La Habana, entre otros.

Recibe reconocimientos como: Premio Programa de Intercambio de Residencias Artísticas, Beca para la Creación Justino Zavala Muniz, Premio Fondo Concursable para la Cultura del Ministerio de Educación y Cultura, Premio Patrocinio Comisión Bicentenario, Premio Festival Videoarte INMEDITERRANEUM11 y primer premio Encuentro de Intervenciones urbanas, Casablanca, Paysandú.

Artista invitada en la VII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo.

Seleccionada para: el 48° Premio Montevideo de Artes Visuales, II Bienal Internacional de Asunción, 55°y 56° Premio Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay. Realiza residencias en: Curadora, Santa Fé, Argentina, Centro de Estudios en Arqueología, Artes y Ciencia del Patrimonio, Universidad de Coimbra, Portugal, Bomeroom, Ciudad de las Artes, Córdoba, Argentina.

Profesora en la Licenciatura en Artes Visuales y Licenciatura en Educación de la Universidad Católica del Uruguay. Desde 1999 cuenta con su estudio taller Casa B. Actualmente vive y trabaja en Montevideo.

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Alessia Rollo

Italia.1982. Esta fotógrafa italiana esta en un momento dulce de su carrera. Este año he sido seleccionada por Photoespaña como una de las artistas emergente 2018 por el circuito Futures Photography y con su ultimo proyecto Fata Morgana ha demostrado una gran madurez tanto estética, como narrativa. Fata Morgana ha sido seleccionado este 2018 por Fotocanal, por Bitume Photofest, LensCulture , Exposure Award 2018, Addis Photo Fest 2018, ha sido exhibido en Photo London 2018, Voice Off y Cosmos en Arles , y será publicado por la editorial Ediciones Anómalas en 2018.

En los últimos años ha sido seleccionada por residencias internacionales como Default – Masterclass in residence in 2011, MO.ta in Ljubljana in 2013, Biennale of Young Artists of the Mediterranean in 2015, “Bitume Photofest” in 2016 (Malaga, Thessaloniki, Lecce).

Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en España, Italia y Brasil .
Su trabajo ha sido expuesto en ferias y galerías como Mia Photo Fair Milano, Urban Layers Triennale Milan; Set up Bologna, Galleria Bluorg Bari; Bitume Photofest Malaga, Salonicco y Lecce: Milan, Biennale of Young Mediterranean artists Milan; ARTcore Gallery Bari: Museum of history of Lecce; “Si fest off” Savignano: Galeria Mascate, Porto Alegre; Galeria Cero Madrid; “Shangai Photofestival”, Shangai.

Alessia Rollo se graduó en la Universidad de Perugia (Italia) en Comunicación Visual y actualmente está cursando un BA en Editorial en la Universidad Estatal de Milán.

En 2009 estudió en Efti el Master en Fotografía creación y concepto y ha completado continuamente su formación con los talleres de Javier Vallhonrat, Peter Funch, Mauricio Alejo, Danis Darzacq, Jill Greenberg, Matt Siber, James Casebere o Mary Hellen Mark.

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Ana Frechilla ​

Palencia, 1983. Creadora fotográfica y gestora cultural; Técnico superior en Fotografía Artística, Graduada en Historia del Arte, Postgrado en Patrimonio Virtual y Máster en Economía de la cultura y Gestión Cultural. Debido a su inquietud por el aprendizaje, como formación complementaria ha realizado el Taller La Alegoría en el Arte. Arteleku, Karen Knorr/ Ramón Esparza (Donostia), Gestión y retoque del archivo fotográfico de la artista Andrea Sunder Plassman (Berlín), Edición de fotolibros en Blankpaper o Conservación de archivos fotográficos en IEFC.

En su vertiente creativa, en 2018 ha ganado la Beca de Creación Artística de la Fundación Villalar por su proyecto ‘Niebla’ en el que a través de la auto referenciación y la metaficción, indagará en el pasado y el presente de la capital palentina, a través de la fábrica de armas de la ciudad y del universo generado en torno a la misma. A si mismo, ha formado parte de la Sección oficial Itinerarios. PA-TA-TA. Patata festival de fotografía, Descubrimientos Photoespaña y ha ganado el Premio FIART de ArtPhotoBCN.

Entre sus exposiciones, nombrar algunas como; Exposición Animalista en C​asa Encendida; Galería Nacional en SanJosé(Costa Rica); Galería Mediadvanced (Gijón: Muestra artistas independientes en el Museo Barjola o ‘Nuevos valores de la fotografía’ de Efti, Madrid. En cuanto a la gestión cultural, actualmente colabora con el proyecto Las que Habitan en cuanto a la gestión de proyectos offline.

Entre sus proyectos cabe destacar ‘F-22 Raptor’ en el que analiza el concepto de competición, tan arraigado en nuestro imaginario colectivo y asociado a la masculinidad y el poder, a través del deporte. En este caso, el entrenamiento de la gimnasia deportiva es vinculado al entrenamiento militar donde las niñas pasan a ser objetos dirigidos a un fin concreto, el poder y prestigio nacional.

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Ana Matey

Con una trayectoria de más de 18 años, Ana Matey, artista madrileña realiza una obra que transita entre el campo de las artes visuales, la performance, la acción, la danza butoh y en los últimos años explora el mundo sonoro en sus piezas, buscando a través del movimiento corporal y el objeto generar un diálogo o conversación. En los últimos años la conversación gira entorno a la relación humano-naturaleza, cuestionándose la posibilidad de una nueva simbiosis, así como otra vía de conocimiento y manera de estar en el mundo.

Su obra se ha mostrado en museos, galerías, teatros y espacios independientes por España, por Europa en Italia, Portugal, Francia, Inglaterra, Irlanda, Alemania, Polonia, Hungría, Holanda, Bosnia, Croacia, Noruega y Finlandia; fuera de Europa en México, República Dominicana, Canadá, Marruecos, Indonesia y Japón. En lugares como el Museo Guggenheim en Bilbao, Centro de Arte FADO en Canadá, Museo Vostell en Cáceres, Museo Reina Sofía en Madrid, Galería Sesama en Yogyakarta, Iglesia San Marcos en Venecia, Cine Coliseum en Berlin, Museo de Arte Moderno en Tetuán, Teatro Universum en Helsinki, Museo de la Imagen en México D.F., Galería Dzialan en Varsovia, Galería Catalist Art en Belfast, etc. Algunos de los festivales en los que ha participado son Acción! MAD, MEM, La Muga Caula, Abierto de Acción, Preavis de desorden urban, Interajcke, Mother´s Tongue, entre otros.

Desde el 2006 se dedica de manera paralela a la creación al ámbito de la dinamización, investigación y formación. Cofundadora de ElCarromato (2006/10) colectivo de fotógrafos y espacio multidisciplinar donde se gesta ARTóN un encuentro mensual dedicado a la práctica, documentación y reflexión de el arte de acción, junto a Paco Nogales (2009/14) y los actuales EXCHANGE Live Art junto a Isabel León (2012) proyecto de investigación y creación colectiva y MATSUcreación(2012) con Igor Sousa espacio donde se aúna Arte y Naturaleza.

Participa periódicamente en mesas redondas, conferencias y presentaciones. Ha recibido varios premios y becas de residencia, a destacar la Fundación Kone en Finlandia, la EEA Grants de la Embajada de Noruega en España, Kulturpalast Wedding International en Berlin, entre otras. Su obra está publicada en revistas, periódicos, catálogos, tanto impresos como online.

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Anca Petrei

Hunedoara, Rumanía, 1993. Con 14 años viene a vivir a España, a la ciudad de Logroño. Allí estudia el Bachillerato de Artes Escénicas. En 2012 se traslada a Barcelona, donde empieza sus estudios de grado en Antropología Social y Cultural en la Universidad de Barcelona. Al darse cuenta de que quiere trabajar sus inquietudes respecto al ser humano y darles un enfoque desde el arte, abandona la universidad y en 2013 se inscribe en el Ciclo Formativo de Grado Superior de Arte Textil impartido por la Escola Massana de Barcelona.

Al finalizar, guiada a través de su paso por la escuela por la aplicación del diseño a la producción de indumentaria y de producto, realiza un seminario con el diseñador japonés Shingo Sato, con quien aprende técnicas de deconstrucción y transformación de patrones, lo cual aplica más tarde en la producción de sus piezas artísticas y de vestuario.

En 2014 funda junto con su compañera Silvia Losada el colectivo Piel de Luna. El proyecto gira en torno a la idea de la concienciación sobre el ciclo menstrual, y trabaja por la aplicación de un enfoque consciente y responsable con el medio ambiente a través de la fabricación manual de productos de cuidados íntimos femeninos, como compresas de algodón. Este proyecto las ha llevado a dar talleres y charlas en festivales feministas como el Riot Grrl 2016 de Segovia o el Ladyfest Barcelona 2016. Paralelamente trabaja en proyectos personales varios, partiendo de conceptos e ideales como moda sostenible, slow fashion y upcycling, y basando su trabajo en la utilización de tejidos ecológicos y de tintes naturales. Además, desde 2017 diseña y cose por encargo para compañías de teatro y espectáculo de La Rioja, realizando vestuarios para obras de teatro, espectáculos infantiles, etc.

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Bárbara G. F. Muriel

Madrid, 1981. Artista e investigadora. Participa en distintas convocatorias y exposiciones en España, Reino Unido y México. Desde 2013 está vinculada al Museo Centro de Arte Reina Sofía como miembro de la plataforma de investigación/producción Somateca.

Premio al mejor expediente académico de la Licenciatura en Humanidades 2004 de la UAH y Diploma de Estudios Avanzados de Doctorado, ha cursado dos másteres y diversos programas de posgrado y seminarios especializándose en teoría de la literatura y literatura comparada, arte, moda, estudios feministas, teoría queer y corporalidad. Asimismo ha formado parte de proyectos de investigación en la UC3M y la UAH, donde ha contribuido con sesiones docentes. En los últimos años ha colaborado también con el Instituto de la Mujer (Ministerio de Igualdad) y diferentes medios escritos como Tiger Magazine, Píkara Magazine y GQ (Editorial Condé Nast).

En la actualidad trabaja en el desarrollo de proyectos artísticos y finaliza la investigación de su tesis doctoral en el estudio crítico e interdisciplinar de la performatividad y las codificaciones visuales de los cuerpos.

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Berta Caccamo

Vigo, 1963 – 2018. Inicia sus estudios en Barcelona, en la Facultad de Bellas Artes de San Jordi. Tras recibir influencia del movimiento primitivista-expresionista durante los años 80, se licencia en 1986, y poco después, se integra en el Grupo Atántica. En su obra de estas décadas, mapas y signos se sostienen mediante telas desgarradas. Esta poética del vacío la aleja de la tradición plástica que impera en Galicia en estos años.

En la década de los noventa, después de participar en la Bienal de Artistas Galegas, obtener la beca Manuel Colmeiro e intervenir en la muestra de arte joven del INJUVE en Madrid, su obra comienza a exponerse en toda España. Posteriormente recibe la III Beca de Creación Banesto y se traslada a París. Allí, se interesa por las civilizaciones clásicas y orientales.

Influenciada por los signos y símbolos de Tápies y el rechazo de todo lo superfluo en Miró, la obra de Cáccamo evoluciona a lo que podríamos llamar un posminimalismo pictórico. Mientras en sus primeros trabajos la materia y las formas poseen una presencia muy sólida, en los años 80 y 90, las figuras y los signos se diluyen progresivamente y amenazan con huir de la tela. El soporte gana importancia y su pintura se torna silenciosa y metafísica.

La artista ejerce la docencia en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra hasta su muerte.

Su obra se encuentra en los fondos de la Colección Caixa de Pensións (Barcelona), Centro Galego de Arte Contemporáneo (Santiago de Compostela), Museo de Arte Contemporáneo. MAC (A Coruña), Museo Provincial (Pontevedra), Academia Española de Bellas Artes (Roma), Comunidad Autónoma de la Rioja (Logroño), Concello de Carballo (A Coruña), Deputación da Coruña (A Coruña), Colección Banco de España (Madrid), Colección Grupo Argentaria (Madrid), Colección Interarte (Valencia), Colección Arte Galega (Xunta de Galicia), Colección de arte Afundación (Vigo), Colección Hércules de Ediciones (A Coruña), Colección Salvador Riera (Barcelona), entre otras.

Carmen Imbach

Mercedes, Uruguay, naturalizada Argentina.  Licenciatura en Artes Visuales. UNA, Profesora Universitaria de Artes Visuales. Egresada U.N.A., Profesora Nacional de Pintura. Escuela Nacional “Prilidiano Pueyrredón”

Profesora Nacional de Dibujo, Escuela Nacional de Bellas Artes “Manuel Belgrano»  Investigadora categorizada por el CONEAU. Codirectora del proyecto de investigacion de Lenguajes Artísticos Combinados y del Participación en diferentes Simposios, Congresos y Seminarios, Maestría y especialización en Lenguajes Artísticos Combinados.

Consejera Superior de la Universidad Nacional del Arte. U.N.A y continua Integrante del proyectos de Investigación de – Centro de Investigación y Producción Cultura, Arte y Genero de la Universidad Nacional del Arte U.N.A. Lugar en el que se desempeña como docente en la Cátedra de Oficio y Técnica de la Pintura desde el año 1996 y continua.

Entre sus exposiciones y galardones destaca en 2018-Muestra Colectiva, “IV Premio Libro de Artista Ciudad de Móstoles”, Madrid, España. Vestuario, Obra de Teatro “Retratos de lo que dejaba la noche”, C.C. Borges, CABA, Argentina. Muestra Colectiva, “25°Salon Arte Textil, Bienal Tapiz 2016 – 2017”, CAAT, CABA, Argentina. Artista Extranjera Seleccionada, “The 10th International Fiber Art Biennale”, Beijing, China. Muestra Colectiva, “Arte de Fibra en Narrativa”, Curaduría de Kai (Kelly) Liang, Universidad de Tsinghua, Beijing, China.
En 2017 Segundo premio, “VII Bienal WTA World Textile Art”, Montevideo, Uruguay. Muestra Colectiva, “XI Triennale Internationale Musée Jean Lurcat”, Angers, Francia. Muestra Colectiva, Libro de artista, “Historia de Mujeres II” Mostoles, Madrid, España.
En 2016 Muestra Individual “Mapas femeninos”, Museo de Santa fe, Santa Fe, Argentina. Muestra Colectiva, “El ardid del tiempo”, Museo Nacional Salta, Salta, Argentina. Muestra Colectiva, Juegos “Art al Vent Gata de Gorgos”, Valencia, España.

En 2015 Primer Premio, Salón Nacional “Fundacruz”, Santa Cruz, Argentina. Mención, Salón Nacional Mini Textil CAAT, CABA, Argentina. Primer Premio, “Joan Wall”, Bienal de Arte Textil Museo Sívori, CABA, Argentina. Muestra Colectiva, “Galeria WWW.Ko21”, Museo de “Jacquard en Roubaix”, Paris, Francia.En 2014  es Primer Premio, Bolsa de Comercio, CABA, Argentina. Premio Tercero, Museo Provincial “Rómulo Raggio”, Vte. López, Bs. As., Argentina.
De 2013 a 2011 Muestra Individual. Museo Provincal de Bellas Artes “Timoteo Navarro”, Tucumán, Argentina. Muestra Individual. Estudio Fotográfico “Cristian Fernandez”, España. Y Muestra Individual. “Espacio ESEADE”, CABA, Argentina.

Chie Lily

Kanagawa, Japón, 1992, actualmente reside en Alemania. Como parte de su labor de ir expandiendo su trabajo por todo el mundo. Japón es un país que se ha desarrollado superando sucesivos desastres naturales. Por ello, siente que la mayoría de la vida actual en Japón está para y suministrada por los japoneses: sus recursos son proporcionados mayormente por el propio país nipón y por poca mano de obra extranjera en comparación con otros países desarrollados.

Chie viaja a otros países con su identidad japonesa en la mente. Hay muchas cosas que piensa y siente sobre su proceso de investigación en países extranjeros y sus perspectivas se han visto dadas la vuelta muchas veces. A través de su trabajo, libera la información que televisión e internet no pueden decir en su medio a la gente que, como ella, vive en el mundo actual.

A pesar de su juventud, ha participado en diversas residencias en Eslovenia, España, Alemania, además de su Japón natal y ha participado en diversos proyectos sociales y de revitalización urbana en Japón.

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Coco Escribano

Cuenca, 1984. Artista e ilustradora. Estudió Bachillerato artístico y Bellas Artes en la Universidad de Cuenca.

Su trabajo artístico está protagonizado por mujeres, a las que presenta como personajes poderosos, fuertes, que miran al espectador de frente, retándolo con sus miradas penetrantes y profundas.

Una parte de su trabajo se basa en plasmar en su obra a mujeres que fueron pioneras, heroínas…reivindicando la figura y el trabajo de mujeres que cumplieron un papel importante en la sociedad, pero su figura no ha sido perpetuada en la historia como lo ha podido ser la figura de muchos hombres.

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Concha Mayordomo

Madrid. Licenciada en Bellas Artes (UCM) y Graduada en Artes Aplicadas y con formación en el Comisariado y la Gestión Cultural. De claro compromiso por la igualdad, la violencia de género y la visibilidad de la mujer artista, ha participado en muchas exposiciones tanto nacionales como internaciones y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas. Ha comisariado más de treinta exposiciones entre ellas cabe citar El Museo del Traje de Madrid, el Ministerio de Cultura y el Ayuntamiento de Madrid, mantiene además y la dirección académica de cursos sobre arte.

Ha sido directora ejecutiva del 2º Festival Miradas de Mujeres y miembro de la Junta Directiva del MAV (Mujeres en las Artes Visuales) y también ha sido presidenta de la Asociación de Generando Arte. Actualmente es presidenta de la asociación de mujeres artistas BLANCO, NEGRO Y MAGENTA, codirige la publicación especializada en arte y género BLANCO, NEGRO Y MAGENTA – LA REVISTA – anteriormente lo fue de CERCA y Generando Arte – La Revista. Colabora en la edición digital de EL PAIS y en TRIBUNA FEMINISTA, paralelamente mantiene el blog MUJERES EN EL ARTE con pequeñas biografías que, o bien por su actualidad, o bien para rescatarlas del olvido, trata de despertar el interés del lector sobre la actividad de las mujeres en varios estamentos del mundo del arte.

Desde hace 10 años trabaja en el proyecto de investigación social y artístico sobre el vestido de novia UN VESTIDO, DOS VIVENCIAS que comprende diferentes disciplinas artísticas desde el collage, el video arte y la performance, hasta el dibujo y la pintura al óleo tradicional. Recientemente ha iniciado el proyecto LAS VÍSCERAS DE LAS DIOSAS que abarca el terreno de las emociones desde la obra gráfica.

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Diana Larrea

Madrid, 1972. Arrtista visual que en sus trabajos utiliza varias disciplinas plásticas, como la instalación, el vídeo, la fotografía o el dibujo. Es conocida, sobre todo, por las intervenciones y performances que ha realizado en espacios públicos. Con sus propuestas de arte público, la artista siempre ha dirigido su interés hacia la mirada del ciudadano común, para provocar leves interrupciones en nuestra vida cotidiana. Con ello, trata de desplegar preguntas vinculadas a la ocupación del espacio público y la intrusión de ciertos desórdenes en nuestra realidad diaria.

Actualmente, su línea de trabajo principal es la visibilización de las mujeres artistas, sobre todo a través de su proyecto Tal día como hoy, que consiste en pasar un año entero publicando en Facebook cada día la biografía y el trabajo de una mujer artista, coincidiendo con la efeméride de su nacimiento o su muerte.

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Eloisa Alquati

Cremona, Italia. 1979. Me llamo Eloisa Marzia Emilia Elea, llevo más personalidades en un solo cuerpo.

Creativa, multifacética, desde pequeña soy amante del Arte y de la Naturaleza, y cultivo mi temperamento artístico fusionándolo con el método científico y la experimentación.

Soy artista pluridisciplinar y de amplia formación ecléctica, desde la Ingeniería hasta el mimo corporal y la danza butoh.

Me aburro facilmente. Desde siempre he necesitado crear a través de cualquier medio, para sobrevivir. Ilustradora, actriz y performer pero sobretodo me siento soñadora.

Soy un alma curiosa, deseosa de conocer y experimentar, y de espíritu anticonformista. Me gusta hacerme preguntas acerca de lo que ya no se vuelve a discutir y se toma por hecho.

En 2013 empecé a dibujar ilustraciones eróticas usando mi mano izquierda, aunque yo no sea zurda. Así nació el proyecto ‘Bees and Butterflies’, ilustraciones que exploran la sexualidad con una mirada fresca, abierta y respetuosa. El Amor (o el Sexo?) simplemente se vuelve un juego de niños mayores. Con la misma mirada también creo en directo durante los eventos del Prostíbulo Poético y de Labios de Papel, recién nacido colectivo de artistas en femenino que he creado en Marzo 2018.

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Florencia Kettner

Argentina. Artista visual. Formada como Profesora de Pintura y Escultura en Buenos Aires, completó sus estudios en el Boston Museum of Fine Arts. En 2000 se trasladó a Madrid donde cursó talleres de cerámica, grabado, pintura y videoarte.

Actualmente compagina su trabajo como artista con la docencia de artes plásticas. Expuso individualmente en Espacio B, Madrid, Casa de América de Lisboa y en Espacio Caja Madrid de Ciudad Real, Centro Cultural Sines, Portugal, en la Galería Victoria Hidalgo en Madrid, y en espacios de la Red de Arte Joven. En el Banco Crédito del Uruguay y Sociedad de Fomento de Buenos Aires.

Colectivamente se presentó en Espacio ECCO de Cádiz, Galerías Abierto Theredoom y Rizoma, las dos en Madrid, en La Invisible de Málaga y Festival SANFEST Nuevo Baztán, Certamen Pintura Pozuelo de Alarcón, Vidas Trans y 100 artistas en Casa de Vacas en Madrid y en Welcome Donostia, Hernani. En Portugal expuso en el Centro de Artes de Sines y en la VII Bienal Salão das Artes en Vidigueira. Participó en Supermercado de Arte y en American Prints, ambas en Madrid. Estuvo presente en las Casas de la Cultura El Campello y San Juan de Alicante, Galería El túnel de Villena, La Madrassa en Elda y Xiri en Monóvar.

En Buenos Aires presentó su trabajo en el Colegio Marín, la Alianza Francesa, Círculo Inmobiliario, Boutique del Arte y Banco Provincia de Belgrano. Fue premiada en el Concurso Boutique del Arte de Buenos Aires y becada con estudios de Escultura por la Escuela Superior de Bellas Artes Pueyrredón. Su obra está presente en colecciones de Buenos Aires, Madrid, Alicante, EEUU y en instituciones como el Banco Crédito del Uruguay, Centros Culturales de El Campello y San Juan de Alicante, Caja Madrid, y en la Sociedad de Fomento de Buenos Aires que alberga seis murales de gran formato.

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Gabriela Bettini

Madrid, 1977. Artista visual hispano-argentina.

En 2018 ha participado en el programa Gestionar Desplazamientos desde la Geografía, invitada por el Centro Cultural de España en Santiago (Chile). En 2017 obtuvo el 1º Premio Internacional de Artes Plásticas Obra Abierta de la Caja de Extremadura y las Ayudas a la Creación de Artes Visuales de la Comunidad de Madrid. En 2016 disfrutó de la Beca de Pintura MAEC-AECID en la Real Academia de España en Roma. Otros reconocimientos anteriores incluyen la Residencia Internacional URRA en Buenos Aires (2010); el Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid (2007); la Muestra de Arte INJUVE (2005) o la Beca de la Fundación ”la Caixa” y British Council para Estudios de Posgrado en el Reino Unido (2003).

En 2018 ha mostrado su trabajo en la Galería silvestre de Madrid (individual Primavera silenciosa); TEA Tenerife Espacio de las Artes; ARCO Madrid; OTR Espacio de Arte, Madrid; JustMad y la I Bienal Internacional de Arquitectura de San Sebastián.

Ha expuesto de forma individual en el CC Borges y en la Casa Museo Evita de Buenos Aires, en la Casa de América Latina de Lisboa, el Teatro Auditorium de Mar del Plata (Argentina) y en la Fondation Argentine de París. También ha participado en exposiciones colectivas en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (ex-ESMA) y en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires; el Centro Cultural Tlatelolco de Ciudad de México y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.

Vive en Madrid y está representada por la Galería silvestre.

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Inma Fierro 

Sevilla. Esta joven artista ganadora del primer Premio Art Nalón 2013, galardonada con la mención de honor en el XVI Premio de Pintura Joven de Granada 2014 y el premio arte joven por la Junta de Andalucía entre otros, es una persona reflexiva con su entorno, con los objetos que la rodean, obsesiva con el tiempo y lo efímero de la vida.

Formada en Bellas Artes y Máster de Creación Artística por la Universidad de Barcelona, amplía posteriormente su formación en ciudades como Berlín, Florencia o Bruselas y ha participado en diferentes becas artísticas en ciudades como Lisboa (colectivo Tempus de Vista) y Eslovenia (Art Cicle Club).

Su discurso creativo se desarrolla en la línea del expresionismo abstracto enfocado desde un carácter de búsqueda personal.

El color, la frescura, la espontaneidad, el simbolismo, la intimidad y actualmente el acercamiento a lo geométrico son algunos de los adjetivos que definen el trabajo de Inma, siempre reflejo de su ser más profundo y arraigado.

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Irene González

Málaga, 1988. Vive y trabaja en Madrid. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada en 2011 y Máster en Dibujo: Creación, Producción y Difusión en 2012.

Recientemente galardonada con el 1er Premio Novo Talento Desenho – Drawing Room Lisboa & Viarco, y con dos residencias este 2018, Addaya Centre D’Art Contemporani. Residencia artística (Mallorca) y Creadores 2018. Residencia artística en La Térmica (Málaga), la obra de Irene González se ha mostrado en diferentes exposiciones individuales como [des]encuentros, Galería silvestre (Madrid, 2017); Espacios afectivos, zonas de ruina, Galería silvestre (Tarragona, 2016); Sueños de infinito. Galería Punto Rojo (Granada, 2014); Galería Benot (Cádiz, 2014) o En la caverna de la infancia seguimos aterrados. Galería silvestre (Tarragona, 2014).

También ha participado en diversas exposiciones colectivas, entre otras, El proceso. Muestra de antiguos alumnos para FACBA’16, Feria de Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes de Granada (2016); Hide and seek para A3Bandas, comisariada por Nerea Ubieto, Galería silvestre (Madrid, 2015); Una mirada a Japón. Galería Ceferino Navarro, (Granada, 2014); Galería José Manzanares (Linares, 2013) y Ferias de Arte como Drawing Room, Feria de dibujo contemporáneo, 2017 y 2018 en Madrid y Lisboa; MARTE, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, 3a edición, con Galería silvestre (Castellón, 2016); Art Marbella, Feria de Arte Moderno y Contemporáneo, 2a edición, con Galería silvestre (Málaga, 2016); Please, ART, Feria de Arte Contemporáneo y Joven, con Galería silvestre (Salamanca, 2015).

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Isabel Richarte

1995. Crecí en Arcos de la Frontera donde actualmente resido. Siempre quise tener una cámara y cuando conseguí una comprendí que mi mundo estaba apunto de cambiar.

Me considero introspectiva. Normalmente me cuesta trabajo hablar en público o tener que contar acerca de mi. Los autorretratos me han ayudado a verme con otros ojos, hasta sentirme a gusto conmigo. Con la fotografía puedo hablar sin necesidad de palabra, transmitir sentimientos con imágenes y llegar ha hacer que otra persona sienta y vea lo que yo veo.

Antes de estudiar formalmente fotografía realicé varios cursos impartidos en mi localidad. Estos me ayudaron a entender técnicamente una cámara, pero no a expresar. Al entrar en la Escuela de Arte de Jerez mi mundo cambia a pesar de los comentarios negativos respecto al concepto fotográfico. Allí descubrí el sentimiento trascendental de una fotografía. Con la ayuda de profesores y de compañeras comencé a derribar barreras y empezar enseñar mi mundo introspectivo.

El cuerpo y las personas son arte, por ello el ser humano es mi mayor inspiración, sobre todo el femenino, porque al ser mujer me reflejo en éste. Me gusta fotografiar las manos porque hablan más de lo que creemos. Son importantes para mi y en ocasiones es mi fuente de inspiración. El cine independiente, la música antigua y clásica forman parte de esa inspiración. El aura de calidez de mi habitación me mantiene la mayor parte del tiempo inspirada.

Me gusta narrar, contar historias en forma de fotografías, por ello realizo trípticos en clave alta. Mi piel es de un tono muy claro y eso encaja con mis fotos. En el interior me considero una persona compleja pero simple, sentimental y delicada e intento que eso se refleje en mis tomas.

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Laura Carvalho

São Paulo, Brasil. Con 15 años decidió hacer una temporada de estudios en Irlanda, experiencia que tuve mucha importancia para desarrollar sus primeras reflexiones artísticas. Después, mas madura, ingresó en la Faculdade de Belas Artes, donde se graduó como artista plástica.

En 2014, Laura hice un semestre de estudios en la Universidade do Porto, en Portugal. Cuando regresó al Brasil, trabajó en diversos proyectos que dialogaban con la cuestión del cuerpo y de la definición de locura en nuestra sociedad.

En los últimos años, Laura Carvalho participó de residências artísticas na Coreia do Sul, Inglaterra y Servia. Actualmente la artista vive en Berlin, Alemania.

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Laura Serradilla Cava

Barcelona, 1978. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y Grado Superior en Arte y Diseño por la Escola Massana. Durante más de quince años ha trabajado en diseño, colaborando con agencias de comunicación y trabajando como freelance. Sus proyectos artísticos siempre estuvieron presentes de forma paralela e íntima hasta 2014, que es cuando decide dar un giro a su carrera profesional, dedicándose por completo a la creación artística.

Laura se define como una artista multidisciplinar, sus proyectos abarcan diversos formatos y  materiales: el tejido y el bordado, la pintura y la ilustración están presentes de forma poética y siempre manifestándose en una gama cromática cálida. El color lo utiliza como metáfora del cuerpo femenino y sus procesos biológicos. Su trabajo se centra en la investigación y producción de proyectos que impliquen en mayor medida a las personas, invitándolas a participar de forma colaborativa o creando imágenes que cuestionen estereotipos e inviten a la reflexión. Su mirada poética elabora un discurso metafórico de la propia experiencia vital.

Algunos proyectos destacados suyos son: “Tejiendo la Vida” seleccionado en el III festival Miradas de Mujeres de 2014 y en el festival Internacional de Artes de Castilla y León (Facyl) del mismo año; y más recientemente “VulvaLove”.

Es autora del libro de ilustraciones ”El placer es mío” publicado en 2017 por Bridge Editorial y ha colaborado en Feria MARTE comisariando a artistas como Yolanda Dominguez, Miss Beige, Miguel Andrés o Violeta Nicolás, entre otros.

Actualmente reside en Altea (Alicante) donde tiene su estudio-taller y compagina la producción artística y la investigación, con la crianza de su hija y su hijo.

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Liliana Luis Sogues

Valencia, 1994. Joven artista interdisciplinar, interesada principalmente en la performance y el vídeo arte. Graduada de honor en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos en la Universitat Politècnica de València en 2017.
Su trabajo aborda cuestiones de género e identidad sexual, mediante un proceso de deconstruc- ción y ruptura con la tradición heredada.

Defiende, tanto en el día a día como en su obra, el cuerpo como herramienta poderosa que causa gran impacto político-social y cultural y mediante el cual crear nuevas realidades que acaben con las “supuestas naturalezas” (heteronormativas, heteropatriarcales, capitalistas y religiosas) que se reproducen una y otra vez dentro de los binomios hombre/mujer, femenino/ masculino o público/privado y que patologizan todo lo que no se clasifica dentro de ese etiquetado.

Espacio, cuerpo y objeto como extensión o elemento transformador del cuerpo, son elementos fundamentales en la obra que desarrolla.

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Lola Eiffel (Mar Espinilla García)

Esta bailarina, coreógrafa y performer vallisoletana es además Promotora y Directora, desde el 2018, del 1er Certamen de Danza Contemporánea La Cistérniga-Valladolid. También es Técnica Superior y Juez nacional de Gimnasia Rítmica.

Su formación coreográfica estuvo a caballo entre España y Paris donde vivió más de una década. Pero según ella en este trabajo hay que seguir aprendiendo y arriesgando para evolucionar. Desde su vuelta en el 2014 ha estrenado más de 10 espectáculos, dos de ellos en el TAC: “ECDISIS” (2013, producción franco- española) y “La boîte” (2014). En 2019 volverá al festival con una nueva producción junto a RAIO (su compañero en casi todas sus aventuras artísticas) donde su principal papel será el de Directora Artística.

Lola es alguien muy comprometida con la igualdad de género y eso se ve reflejado en sus espectáculos. Entre ellos destacan “Libertad y suicidio” (basado en las figuras de Virginia Woolf, Alejandra Pizarnik y Silvia Plath) o “Annabel Lee”. En 2018 se estrenaron “La loca” y “El poder de ser Thelma y Louise”. En sus obras hay una clara denuncia de la violencia de género, pero otras veces pretende recuperar la memoria de mujeres que se convierten en protagonistas o inspiradoras de las mismas.

Este 18 de Enero la veremos bailando en La Gala de Coreógrafxs en el Teatro Calderón de Valladolid y para el 7 de Abril como coreógrafa, con la creación “LE SACRE” de Alain Platel. Proyecto promovido por el Teatro Calderón dentro del marco del Festival Meet you y dirigido por Lisi Estarás.

No hay que olvidar su compromiso con la Educación, de forma que en 2019 inicia un arriesgado proyecto pedagógico (en coordinación con Pro Música y CFIE Valladolid) para introducir la danza en las aulas de 17 colegios de Castilla y León. 

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Lucila Bodelón 

Buenos Aires, Argentina. Estudió cine y fotografía en la Escuela Nacional de Fotografía, el Instituto de Arte Cinematográfico Municipal de Avellaneda (IDAC), y el Centro de Investigación y Experimentación en Video y Cine (CIEVYC). De forma paralela se formó en Estética e Historia de Arte con la Dra. Marta Zátonyi, y ha ido ampliado dichos conocimientos con numerosos cursos y talleres relacionados con la curaduría, la poesía, la fotografía y el desarrollo de proyectos artísticos.

Desde 1998 ha participado en numerosas exposiciones colectivas que se han alternado con muestras individuales como GUALOK, en El Museo Histórico Regional de Córdoba, Argentina, en 2018, El Olvido El deseo el Amor. Construcción unívoca, Espacio La Puerta Tucumán, Argentina, en 2011, Proyecto LOMO en Centro Cultural Recoleta, Casona Municipal y otros espacio, 2004 – 2008. Ese mismo año (1998) comienza a dedicarse a la enseñanza no formal, lo que la lleva, en 2000, a inaugurar Estudio Bodelón, un espacio de creación, aprendizaje, intercambio, y exhibición dedicado, principalmente, a la fotografía.

Con su trabajo ha participado en diversos festivales como Fotoseptiembre (México) y Fotograma (Uruguay), ha obtenido diferentes becas de residencia como las ofrecidas por Espacio La Punta o el Museo Castagnino Macro, lo que la motiva e impulsa a gestionar las propias a las que denominó Montaña Mágica. Su obra ha sido reseñada en publicaciones como la Revista Chakota (México). Actualmente se dedica a investigar y desarrollar su obra personal en el pequeño pueblo de Luyaba, Códoba.

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Lucia Espinós Bermejo

Madrid, 1983. Artista Plástica. Arquitecta por la Universidad Politécnica de Madrid.  Directora y Coordinadora de la Escuela – Taller Lucía Espinós

En el año 2007 viaja a Chile donde realiza Orgánico, una amplia serie de acuarelas de pequeño formato. En 2008 se instala en México para desarrollar un Ensayo Ilustrado: Los seis sentidos de una mujer, que será el origen de su investigación en el campo de la percepción y la creatividad.

Su trabajo continúa en Brasil, España y Portugal, hasta el año 2013 donde comienza en Chile el proyecto Miralma, un conjunto de obras que buscan desnudar la identidad de las personas a través de la acuarela. En el mismo año tiene lugar su primera exposición individual realizada en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Chile.

En 2013  realiza Mirárabe, obra Mural de grandes dimensiones para el acceso del nuevo Centro de Estudios Árabes de la Universidad de Chile. En el año 2015 regresa a Madrid, abriendo la Escuela – Taller que dirige actualmente, siendo a la vez el espacio donde se desarrollan sus proyectos artísticos.

Durante los años 2017 y 2018 se desarrollan dos obras relevantes en su recorrido como la serie de Cuerpo y Cuerpo, obra autobiográfica de diez piezas que tratan lo delicado de la existencia,  y Cabeza dentro de Cabeza, serie de ocho piezas que hace honor a la feminidad, al discurso complejo que nos define, al arte de la supervivencia. Todo su trabajo ha sido expuesto en el C.C Pilar Miró, C.C Paco Rabal , siendo Humana la última exposición realizada en la sala del CC Galileo.

Su trabajo responde a una forma de sentir, de componer el tiempo. Su trazo es un juego de líneas que van transformándose al mismo paso que lo hace su consciencia. La necesidad de dilatar el tiempo del dibujo, para dialogar con las formas sin necesidad de definirlas previamente, permite que su trabajo sea detallado y flexible. El método de trabajo es la obra en si misma, la forma de acceder al espacio creativo conectando con dos parámetros fundamentales en su hacer: la honestidad y la belleza.

Actualmente trabaja diariamente en la docencia y en su próxima Serie Dentro.

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Luísa Ferreira

Fotógrafa independiente, vive y trabaja en Lisboa. Maestría en Diseño y Cultura Visual – Estudios de Fotografía por la Escuela Superior de Diseño (IADE), donde también es profesora.

Comenzó a fotografiar profesionamente a mediados de los ochenta. Como reportera profesional integró el equipo de fotoperiodistas fundadores del periódico Público y trabajó para la agencia de noticias norteamericana mAssociated Press.  

Desde 1989 expone con regularidad individualmente, desarrollando proyectos personales que, a menudo, incluyen la edición de libros.

Partició en la exposición  Au Féminin. Women Photographing Women 1849-2009,  en el  Centro Cultural Calouste Gulbenkian, Paris, 2009.  Expuso en los  Encontros de Imagem de Braga en  1994, 1995 e¡y 1996 y en los Encontros de Fotografia de Coimbra en 1994. 

Fue Primera Elección en los Recorridos Fotográficos de ARCO98 (Madrid) con Éter.

En la Galería Monumental, expuso en 2018 el proyecto Branco -un trabajo desarrollado a partir del autorretrato para construir la noción de ficción identitaria-, que incluyó la edición de un catálogo / libro de artista con el mismo título. Con este mismo proyecto, es una de las artistas seleccionadas por la Galería para su representación en la JustMad de 2019.

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Luzia Ribeiro

Río de Janeiro, 1955. Artista visual y poeta, y su trabajo aborda cuestiones relacionadas con el cuerpo, el femenino, la ciudad, la memoria y el inconsciente. Su trabajo se expresa en su mayoría en video-performances, poesías, fotografías, esculturas e instalaciones. Sus sueños muy vívidos, recuerdos de infancia, la espiritualidad y la observación de la sociedad son su material de trabajo, activando estos motores en poesías y acciones públicas.

Ha estudiado en importantes instituciones artísticas brasileñas como la Escuela de Cine Darcy Ribeiro y la Escuela de Artes Visuales del Parque Lage. Ha expuesto en Museo Bispo do Rosário, Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica y en la Escuela de Artes Visuales del Parque Lage, aunque sus obras se den mayoritariamente en el espacio público, sobre todo en las plazas. Ha realizado trabajos conjuntos con artistas como el brasileño Cabelo y el italiano Donato Sartori. Además, ha comisariado exposiciones con la productora Macaco Tudo – Work in Progress y actuado profesionalmente durante 30 años como una de las principales marchands del arte concreto y neoconcreto brasileños, contribuyendo para la difusión de estos movimientos entre colecionadores y artistas de las nuevas generaciones.

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Magda Bolumar Chertró

Caldes d´Estrach, 1936 – Actualidad. Constituye una singularidad en la generación de mujeres artistas en la etapa franquista (por su no marginación y por su éxito en determinados momentos). Formó parte de la vanguardia catalana y fue compañera y amiga de los grandes nombres masculinos reconocidos del momento (Brossa, Tápies, Miró o Moisés Villèlia). Fue conocida en los años 60 por sus Xarpelleres y sus dibujos- óleo, diseños en materiales diversos que sugieren de un modo muy personal y poético un mundo natural, que va del más pequeño insecto al cosmos. Un mundo que compartió con su marido, Moisés Villèlia –escultor informalista y teórico catalán de reconocido prestigio– y a quien, por ello, se atribuyen hallazgos que, tras los primeros contactos con la artista y el estudio comparativo de obra de ambos, al menos, han de ser considerados como logros conjuntos.

Magda tiene una formación muy temprana, pudiéndose considerar una “niña prodigio” – si su sexo le hubiera permitido calificarla como “genio”-. Estudió con el pintor Estrany, quien a su vez es discípulo de James Ensor. Más tarde se matricula en la escuela de oficios de Mataró -hecho inusual para una mujer-.

Entre sus exposiciones más destacadas cabe mencionar: 1960: Presentación por parte del Club 49 de Barcelona de las primeras apilleras en la Sala Gaspar de Barcelona. 1970: Exposición en la Sala Gaspar de Barcelona, del 6 al 25 de marzo. Presenta el catálogo el crítico de arte A. Cirici Pellicer. 1998 Exposición en la galería Espai Miquel Gaspar de Barcelona, junio y julio.

Tras la muerte de Villèlia en 1994, no vuelve a exponer, dedicándose a gestionar la obra de su marido. Sin embargo, su producción en estos años es intensa (más de 250 arpilleras y 3000 dibujos-óleo), alcanzando una calidad extraordinaria en la técnica (color, forma, composición, preparación del material) y adquiriendo un lenguaje propio difícil de clasificar.

Maite Ortega

Yecla, Murcia, 1989 vive y trabaja en Madrid. Collagista y bordadora, además de licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Pertenece a la ​Sociedad de Collage de Madrid y es ilustradora en ​Proyecto Kahlo. Ha colaborado con MELIÁ y SAMSUNG, y con las revistas VOGUE, VEIN y VANIDAD. Además, ha impartido varios talleres de bordado sobre fotografía y papel, y de collage, tanto a adultos como a niñas y niños.

Estuvo becada en Bélgica, seleccionada en el II Encontro de Artistas Novos en Santiago de Compostela, y en diversos proyectos de arte urbano en Madrid. Le interesa todo lo relacionado con el dibujo, collage, bordado, diseño de moda, ilustración… Todo lo que tenga que ver con el arte, papeles y textiles.

Su delicado trabajo parte de fotografías y papeles encontrados, de recuerdos con los que juega y transforma con hilos o recortes de otros papeles. Pretende darles otra vida a esos objetos, otro significado, algo más allá de lo físico y mostrar la sensibilidad a través de la sencillez. Y como amante de las cosas bien hechas y bonitas, intenta plasmarlo en sus obras. Sin olvidar a la música, siempre acompañante en todos sus procesos creativos.

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Marcia Schvartz​

Buenos Aires, 1955. Es una artista argentina que se expresa a través de la pintura, el dibujo, las instalaciones, la performance, la intervención de espacios públicos y audiovisuales. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y en los talleres de Ricardo Carreira, Aída Carballo, Jorge Demirjian y Luis Felipe Noé.

Fue militante de la Juventud Peronista, debió exiliarse en Barcelona en la época de la dictadura. Época de su vida (persecución, exilio y muerte de amigos) que marcó su obra.  De esta etapa son las series basadas en el recuerdo y homenaje a Liliana Maresca e Hilda Fernández, amigas, compañeras de trabajo y militancia.

Su pintura es crítica y expresiva. Su obra tiene por protagonistas a los marginados y alienados habitantes que recorren la ciudad, la pobreza, la prostitución y la soledad. Su pintura refleja el contexto social y político argentino. Cada uno de sus cuadros cuenta una historia que nunca es derrotista.

Ha recibido numeroso premios y reconocimientos, entre ellos: 1982 Mención Premio Bienal Fundación Arché, Argentina; 1983 Mención Premio Encotel, Argentina; 1987 Mención de Honor, Bienal de Pintura, Museo de Arte de Maldonado, Uruguay; 1989 2º Premio Movado, Asociación Argentina de Críticos de Arte, Argentina; Premio Mejor Artista Joven 1987/88, Asociación Argentina de Críticos de Arte, Argentina; 1992 1º Premio, XXXVII Salón Municipal de Artes Plásticas Manuel Belgrano, Argentina; 1996 1º Premio Salón Hugo del Carril, Museo de Arte Moderno, Argentina; 1997 Mención, Premio Fortabat, Museo Nacional de Bellas Artes, Argentina; 1998 1º Premio de Pintura Constantini; 1º Premio de Dibujo, Salón de Santa Fe, Argentina; Mención de Pintura en el Premio Fortabat, Argentina; Premio Leonardo, Artista del Año, otorgado por el Museo Nacional de Bellas Artes y Canal (á), Argentina; 2001 Mención en Cerámica, XC Salón Nacional de Artes Visuales, Argentina; 2002 KONEX de Platino Pintura, quinquenio 1997-2001, Argentina; 2007 Premio Roger Pla a la exhibición individual de artista nacional del año, Marcia Schvartz JP Joven Pintora, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, (AACA), Argentina.

María Eugenia Ulivi

Fotógrafa y Diseñadora de Interiores, preocupada por la estética.

En Roberto Mata taller de Fotografía cursó fotografía digital, documentalismo e iluminación. Con Claudio Napolitano: Iluminación (varios talleres) Mauricio Donelli: retrato. LEICA street photography. Violette Bule varios talleres (alrededor de un año).

Talleres y un viaje de photography de Organizaciones sin fines de lucro Andrea Santolaya documentalismo. Ha cursado los talleres de Investigación en Fotografía, Narrativa fotográfica y Discurso Visual en Prada Escuela de Fotografía.

“Me interesa el otro, el desposeído (no solo en lo material)”

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María Moldes

Pontevedra, 1974. Licenciada en Psicología por la Universidad de Santiago de Compostela,  ha canalizado sus inquietudes hacia la fotografía. Como ella misma afirma:

“Utilizo la fotografía como medio de expresión para mostrar mi punto de vista sobre la sociedad en la que me ha tocado vivir, o en muchas ocasiones, cómo me gustaría verla. Una época desde mi punto de vista claramente en decadencia y carente de cualquier atractivo estético.

Mi falta de esperanza en que el mundo mejore a corto plazo me empuja a utilizar mi imaginación, como huida. Parto siempre de escenas cotidianas reales que llevo a mi terreno, creando un mundo paralelo de ficción en el que el centro es lo surreal, la ironía y la melancolía.

Para esto experimento con la fotografía y el vídeo. No me preocupa el con qué los hago, sino el resultado que consigo. Estoy abierta a hacer fotos con cualquier artilugio que caiga en mis manos, en muchos casos el móvil, con el que además comparto mi visión a tiempo real con el resto del mundo.” 

Entre sus últimas exhibiciones, proyectos y premios cabe destacar su participación en la muestra “Un cierto panorama reciente. Fotografíba de autor en España”, comisariada por Jesús Micó en el Canal de Isabel II (Madrid, 2017); su presencia en festivales como el PA-TA-TA Festival (Granada, 2017), CIRCULATION(S) (París, 2018) y FFOCO, Festival de fotografía da Coruña (2018); además de haber formado parte de los VIII ENCONTROS DE ARTISTAS NOVOS (Ciudad de la Cultura, Santiago de Compostela) y ser ganadora de una de las becas de la XVII SEMANA DE ARTE CONTEMPORÁNEO ALNORTE exponiendo de manera individual en el Museo Barjola de Gijón.

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Marina Núñez

Representa en sus obras seres diferentes, aberrantes, monstruosos, los que existen al margen o en contra del canon. Los cuerpos anómalos que pueblan sus cuadros, infografías o vídeos nos hablan de una identidad metamórfica, híbrida, múltiple. Recrea una subjetividad desestabilizada e impura para la que la otredad no es algo ajeno, sino que constituye básicamente al ser humano.

Ha expuesto individualmente en centros públicos como el Espacio Uno del Reina Sofía (1997), La Gallera de la Comunidad Valenciana (1998), la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma de Mallorca (2000), la Iglesia de Verónicas en Murcia (2001), el DA2 de Salamanca (2002), la Casa de América en Madrid (2004), el Instituto Cervantes en París (2006), La Panera en Lleida (2008), el Musac en León (2009), el Centre del Carme en Valencia (2010), la Sala Rekalde en Bilbao (2011), el Patio Herreriano en Valladolid (2012), la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid (2015), Artium en Vitoria (2016), las Cortes de Castilla y León (2016), el Palacio de la Madraza en Granada (2016), Es Baluard en Palma de Mallorca (2017) o la Capilla del Museo Barjola (2017).

Es profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo.

Fotografía:  © Fernando Maselli

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Marina Vargas

Granada, 1980. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada, donde también realizó el máster en Lenguajes Visuales.

Su trabajo, que comprende formatos tales como la fotografía, la escultura, el dibujo, o la pintura, gira en torno a conceptos como la herencia cultural o la simbología y sus significados a lo largo de la historia.

Ha expuesto su obra en países como España, Italia, México, EEUU, Uruguay o Argentina, siendo las siguientes exposiciones individuales algunas de las más reseñables: La Estética del Vértigo (Constantini Art Gallery, Palermo,2018), Las líneas del destino (Museo ABC, Madrid, 2017), Ni animal ni tampoco ángel ( Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, 2015) o  Nadie es inmune  (Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria, 2013).

Son numerosos los premios y becas recibidos, así como las ferias en las que participa: Arco Madrid, Zona Maco (México DF), Cosmoscow Art Fair o ArtInternational Estambul  entre otras.

Su obra forma parte de numerosas colecciones de arte tanto públicas como privadas.

Es miembro de la Logia “Las Roldanas” cuya labor es la revalorización de las mujeres artistas tanto en España como en Latinoamérica.

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Marta Baceiredo Talavero

Tarragona, 1985. Artista que trabaja con volúmenes, collage, pintura, barro, objet trouvé, entre otros. Cada técnica le permite entender y adaptar la realidad que la rodea de una manera diferente, saliéndose de los márgenes porque para ella el arte no tiene límites.

Su obra se vertebra en variadas tesis de talante activista: consumismo, capitalismo, animalismo y especismo, anti-antropocentrismo, justicia social y ética. En ellas pretende dar un impacto buscado con el espectador, interpelarlo: una mirada de inocencia, una textura, una sensación agradable o desagradable, un color, un recuerdo.

Estudió Educación Social (2004-2007) en la Universitat Rovira i Virgili de Tarragona, actualmente trabaja de ello pero siempre con una mirada artística. Hizo un postgrado de ArteTerapia en la Universitat de Girona (2014-2016), un Ciclo Superior de Artes Aplicadas a Muros en (EADT) l’Escola d’Art i Disseny de Tarragona (2014-2016) y actualmente cursa el Ciclo de Joyería Artística (EADT).

Su visión como educadora la ha llevado a realizar proyectos didácticos y artísticos en escuelas, como La Pau és la Clau (2015), L’artista va a l’escola (2015) y Jo pinto (2015), todo ello junto a Laboratori Visual – Display Tarragona, el espacio de creación contemporánea del Ayuntamiento de Tarragona, en ellos se pretendía que los alumnos crearan arte a través de vivencias, lecturas o sensaciones mediante un tema. También participó como artista en la exposición Processos con la serie Animals en la Sala Àgora de Cambrils (2015), en el Museu d’Art Modern de Tarragona colaboró en Pell diluent con sus obras Hibridacions y Contextos (2016) y presentó su serie más aclamada Ghost Farms (2017), consistente en fotografías de performances realizadas en granjas, de carácter animalista y ecologista. En Torres de Segre, Lleida, expuso L’ésser i la bèstia (2017) dentro del montaje Iceberg y en We are fair! En Suspended2 – Capital Animal, Madrid, se seleccionó su obra Broilers (2018).

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Marta Pujades

Palma, 1990. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (2008 -2012) y graduada en el MásterFotografía y Diseño por la Universidad Pompeu Fabra y Elisava (2012 –2013).

Ha participado en diferentes exposiciones individuales y colectivas como: “The Appearance of Dubious Evidence”, Centrede Cultura de Felanitx (Felantix 2018); “A Stylized Repetitionof Acts”, Casal Solleric (Palma 2018); “Index. Señalar un punto indefinido”, Madrid XF Proyectos(Madrid 2017); “ContemporaneA. Artiste si raccontano”, Palazzo Ferrero & Palazzo La Marmora (Biella 2018); “Lo digerido”, Espacio Dörffi (Arrecife 2018), “Me and Us. Identity Explorations”, MIA Photo Fair (Milán 2018); “Winterhours”, Galería Xavier Fiol (Palma 2019) o “Present immediat”,Centre de Cultura Sa Nostra (Palma 2017).

Recientemente ha sido seleccionada enla Convocatoria de Producción de la Fundación Bancaria “la Caixa” para realizar el proyecto “Ways of Gesturing”(2018). Fuegalardonada con el Premio Ciudad de Palma de artes visuales (2016) y con el XXIII Premio Ciudad de Manacor de artes visuales (2016). Asimismo obtuvo el Premio Michael Horbach en el XXXV Certamen de artes visuales Vila de Binissalem consistente en una beca de residencia en Michael Horbach Stiftung, Colonia (2015).

Ha participado en la primera edición del programa de formación para artistas Les Clíniquesd’Es Baluard (2013-2014) así como en la edición 2014 de Intransit, plataforma impulsada por laUniversidad Complutense de Madrid. Ha asistido a los visionados de Descubrimientos PhotoEspaña (Madrid 2017) y el IV Encontro de Artistas Novos (Santiago de Compostela 2014)

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Mercedes Bautista

Artista visual, poeta y promotora cultural, así como profesora de arte de la C.A.M (comunidad autónoma de Madrid), profesora de arte en la UQROO (Universidad de Quintana Roo) México y tallerista de arte en comunidades indígenas mayas.

Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en España, México, Portugal, Francia y EEUU. Colectiva más relevante: “El arte de las mujeres. Resonancia en acción” Palacio de Bellas Artes CDMX.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su trabajo de carácter multidisciplinar incursiona en arte objeto, poesía visual, cerámica, pintura, fotografía y arte textil; desarrollando sus últimos proyectos de instalación desde una perspectiva eco- feminista.

Recibe la beca de la Secretaría de Relaciones Exteriores de México, para artistas visuales con residencia y asesoría de la UNAM, extensión Taxco de Alarcón. Guerrero. Durante esta residencia crea el proyecto Mujer-árbol, en el que incorpora textiles y bordados a su propuesta plástica, entendiendo estos como expresión de una cosmovisión y cosmogonía de las mujeres. A partir de esta beca reside en México. Actualmente en Playa del Carmen.

En tres ocasiones recibe la beca PECDA, para artistas con trayectoria; auspiciada por FONCA ( fondo para la cultura y las artes en México) y trabaja en la trilogía. “Bordar alma. Chuuy Pixán”; “Donde habita el corazón del cielo” y “Risa mágica y creadora”. Influenciada por el espíritu del lugar, es una artista nómada, que se cuestiona sobre: el género como construcción cultural. La invisibilidad de la mujer en el arte y la ciencia. La necesidad de revisar el lenguaje que nos construye quitando voz a la mujer. La similitud que hay entre la apropiación del cuerpo femenino y el cuerpo de nuestro planeta tierra.

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Monica Mura

Cagliari 1979. Artista interdisciplinar. Dottoressa magistrale in Discipline dell’Arte, della Musica e dello Spettacolo con la especialidad en Linguaggi Multimediali por la Università degli studi di Torino UNITO, Torino (IT). Ha realizado acciones y muestras individuales y colectivas entre España, Italia y Portugal (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, MAC de A Coruña, Museu José Malhoa de Caldas da Raiña. entre otras).

Ha participado en proyectos de lucha contra la violencia de género (Mulleres en acción, Museo de Pontevedra y Casa das Artes de Vigo (ES), Non máis sabas tinguidas, Ribadavia (ES), Non una di Meno (IT), etc.). Ha recibido reconocimientos y premios, y ha sido seleccionada gracias a su obra ‘Sas Diosas’ por el Museo Thyssen-Bornemisza para formar parte de Nos+Otras: en Red 2015-2017, un proyecto de EducaThyssen, Mención de Honor en el 8º Premio Iberoamericano de Educación y Museos. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como los fondos del Museo Provincial de Lugo. Forma parte de la asociación MAV Mujeres en las Artes Visuales y del Comité Científico del Congreso de Xéneros, Museos, Arte e Educación de RML. Ha sido seleccionada en el Concurso Intervenciones Artísticas de XX Bienal De Arte de Cerveira 2018 (PT) y formará parte de Biennale di Genova “Other Identity” 2019 (IT).

Acaba de concluir su última exposición individual ¿Y tú qué (de quién) eres? en la Iglesia de la Compañía de Santiago de Compostela, una reflexión sobre memorias, géneros e identidades desde el paradigma de la Interseccionalidad (Lucha/Opresión/Poder). Un proyecto amplio en el que ha diseñado un recorrido multi-sensorial (paisajes sonoros, vídeos, instalaciones de luz y sombras, performances delegadas presenciales y a distancia) para crear un diálogo con el espectador estimulando sus sentidos. Esta exposiciónha sido un espacio de experimentación, una obra viva que ha crecido durante todo un mes.

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Nathalia Heim (Natheim)

Bahía Blanca 1982. Estudió la Licenciatura en Comunicación Social en la Universidad de Buenos Aires, es Fotógrafa Profesional egresada de la Escuela de Fotografía Creativa Andy Goldstein, y Gestora Cultural certificada en Matadero Madrid. Adicionalmente, ha estudiado con Alfredo Willimburgh (Editorial Atlántida), Alberto Goldenstein, Daniel Tubío; ha realizado talleres en EFTI y a distancia con Brooke Shaden, Kelly Brown y Sue Bryce en CreativeLive.

En el año 2011 fue seleccionada como artista emergente para exponer en la Bienal de Fotografía de Córdoba y comenzó su carrera docente en FotoCreativaBA, escuela que actualmente preside. En el año 2013, la UBA seleccionó su obra «Pétalos» para ser expuesta. En el mismo año formó parte del grupo de Land Art del Festival Mudanzas y expuso su obra viva «Brotes» colectivamente. Al mismo tiempo, queda seleccionada como expositora en el Festival Internacional de Videodanza en el Museo Haroldo Conti y en el MACRO, Museo d`Arte Contemporánea di Roma, en la ocasión de la XII edición de Fotografía – Festival Internazionale di Roma.

En  2014 fue artista seleccionada para la intervención urbana «Pasa por mi cuerpo», en el Festival de la Luz (La Plata, Argentina). En el mismo año, «Para quién» se expuso en SEALQUILA, con el apoyo de CCEBA y Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación de España. Al año siguiente vuelve a exponer en Guayaquil y Madrid. 

En 2018 ha sido expuesta su obra «Haches» en Galería Theredoom (Madrid, España); en la Bienal Argentina de Foto Documental (Tucumán, Argentina); en la Noche de los Museos (Buenos Aires, Argentina) y en Casa América (Madrid, España). Y fue seleccionada para el Prix Mark Grosset de Promenades Photographiques (Vendôme, Francia). Actualmente, reside en Madrid, España, donde investiga y trabaja en proyectos artísticos con perspectiva de género. 

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Núria Farré Abejón

Barcelona en 1992. Ha realizado varias exposiciones individuales en galerías de ciudades como Barcelona, Lleida, Murcia, San Francisco y Taichung, así como exposiciones colectivas en ciudades como Barcelona, Madrid, Murcia, Kaohsiung,  Taipéi y San Francisco. Además, ha participado en ferias como Kölner Liste (Colonia, Alemania, 2014), Art Madrid (Madrid, España, 2017), Young Art Taipéi (Taipéi, Taiwán, 2017), Keyhole Art Fair (Murcia, España 2018) y Art Kaohsiung (Kaohsiung, Taiwán, 2018).

Su obra, en ocasiones hiperrealista, gira en torno a sus preocupaciones como mujer joven: la ansiedad, la melancolía, la familia, los recuerdos y la identidad. En un principio creaba atmosferas liquidas a través de las cuales se planteaba una dualidad entre la vida y la muerte.  Más tarde, exploró el autorretrato desde una visión melancólica, mientras que, en la actualidad, Núria trata de explorar su presente mediante fotografías del álbum familiar y bodegones con las que crea interesantes collages visuales al óleo.

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Olalla Gómez

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. En 2011 Realiza el Máster en Arte, Creación e Investigación por la misma Universidad.

Ha sido seleccionada con becas  como  Just Residence 2019 con Eugenio Ampudia, becas workshop impartidas por Valcárcel Medina, Antoni Muntadas «La metodología del proyecto»,  Manuel Segade «El cuerpo comisarial» o Luis Jacob «red de valores» en las Jornadas de estudio de la imagen, Centro de Arte Dos de Mayo.

Finalista en Premio Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Visuals 2018. Primer premio Muestra de arte joven de La Rioja, premio en los encuentros de arte contemporáneo EAC XIII o premio Circuitos de artes plásticas. Ha recibido la beca de ayudas a la creación VEGAP y en el Simposio Internacional Praxis y contexto del arte contemporáneo. Fórum Eugénio Almeida, Portugal. Sus obras se han podido ver en ferias como, Estampa, JustMad, fotofever Paris o Summa.

En 2015 realiza su primera individual «La gota consume la piedra» en la galería Astarté.  Destacan sus colectivas como, Artfulness, sentir, cuerpo, nosotros. Centre del Carme, Co. Nerea Ubieto,Valencia. Questionamento, Centro Vila de Flor, Co. Martim Dias, Guimaraes Portugal. Quién es ese hombre, TEA, Co. Adonay Bermudez, Tenerife. Artefactos, centro Dados Negros. La isla Utopía, Casa Velázquez, El Barco de Teseo. Sala Amadis,  Desapació ausencia como pretexto. Galeria Fran Reus, Co, Tolo Cañellas. ECUMENOPOLIS. Metamatic.taf Atenas, Grecia.

Está incluida en los archivos de creadores: Intransit  Is this spain? y Scan

Está incluida en diversas publicaciones como, Manifiesto. Contensión editorial. 2018. Secuencias de la experiencia, estadios de lo visible. Aproximaciones al videoarte español. Editorial/ Ediciones de Castilla-La Mancha – Brumaria. 2017 o Los Dictadores. Editorial Vortex. 2015.

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Pilar Albarracín

Sevilla, 1968. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Actualmente vive y trabaja entre Sevilla y Madrid.

El trabajo de Pilar Albarracín goza de una importante presencia nacional e internacional. Su obra se ha presentado en exposiciones personales en las Reales Atarazanas de Sevilla Pilar Albarracín 2004, La Maison Rouge París Mortal cadencia, 2008, Musée National Pablo Picasso, La Guerre et La Paix, Vallauri, Asnería, 2014, Théâtre National de Chaillot París Coreografías para la salvación, 2e Biennale d’Art Flamenco, 2015, el CAC Málaga Ritos de fiesta y sangre, 2016 o en el MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires Viva España, 2016.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en prestigiosas instituciones de todo el mundo entre las que cabe destacar el MOMA PS1 (NY) 2003, Brooklyn Museum (NY) 2008, Instituto Cultural Cabañas, México 2010, Museu Colecção Berardo 2010, American University Museum at the Katzen Arts Center Washington 2011, German Historical Museum 2012, Palazzo Reale, Milán, Kumu Art Museum, Tallin 2013, Schrin Kunsthalle Frankurt, Guggenheim Bilbao, Louisiana Museum, 2014, Moscow Museum of Modern Art 2015, Fondation Louis Vuitton París 2015, Maison Européenne de la Photographie París 2017, Musée National Picasso París 2018

Pilar Albarracín ha participado también en numerosas bienales como la de Sevilla 2004, Venecia 2005, Moscú 2005, Santo Tomé 2008, Busan-Corea 2014 o Quebec en 2017.

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Rocio Verdejo

Granada 1982. Se forma como fotógrafa en EFTI especializándose en moda y creación artística, aunque ya contaba con una formación previa en Comunicación Audiovisual en Málaga antes de trasladarse a Madrid, donde reside y trabaja actualmente como creativa en la agencia de publicidad La Despensa. Este bagaje y su actual trabajo aportan a sus proyectos un aspecto muy completo, ideando la imagen más allá de la misma y provocando las reacciones propias de otros ámbitos artísticos como la moda o el cine.

Ha realizado exposiciones individuales en espacios como Art Madrid, 2015; Art Deal Projects, 2015; Galería Marisa Miramón, 2014; Círculo del Arte de Barcelona, 2014; Addaya Centre D´art Contemporani, Alaró, Mallorca, 2013-2014; MUPAM, Málaga, 2012-13 o X Jornadas Fotográficas de Aracena, Huelva, 2009; entra las colectivas destacan Fotofever con Art Deal project, París, 2015; Drink me, DA2, Salamanca, 2015; JäälPhoto, Madrid, 2015; Espacio Iniciarte, Málaga, 2014; Galería Escalera de Incendios, Barcelona, 2013; Museo de Imagen, Braga, 2013; Proyecto OKUPART, Soho Málaga, 2013; Galería Central, Valencia, 2013; Casal Son Tugores, Alaró, Baleares, 2013; Alba Cabrera Art Contemporani, Valencia, 2013; Festival de fotografía Pa-ta-ta, Granada, 2013; XX aniversario, Galería Central, Málaga, 2013.

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Ruth Lodeiro

Estudia Filología Hispánica, compatibiliza esos estudios con Diseño de Moda. Empresaria de dos tiendas de tejidos, lo que la mantuvo ligada al ámbito de la costura. En esos años sigue vinculada al mundo universitario realizando varios estudios: grado Superior en galego; CAP; post-grado “Español para extranjeros” y toma contacto con el mundo cerámico en la Escola -Taller de Cerámica de Nigrán.

La obra de Ruth Lodeiro es un reflejo de su formación y de su contacto desde la infancia con el arte contemporáneo. Glosa la documentación existente de Xosé Lodeiro; colaboración periodística y de comisariado de la exposición “Puertas de Luz” en la Ciudadela de Pamplona, 2011  y “Lodeiro en Ferrol”, en la Fundación Exponav, 2016.

Ruth trabaja manualmente en series, muchas de ellas revisando mitos y roles femeninos que heredamos desde la antigüedad. Series como Eva-Sherezade, Puertas para Inanna o Penélope, en las que cose la cerámica con tules, alambres, hilos y mallas metálicas. Su obra es un todo formado por las poesías, los cosidos y el trabajo artesanal tan ligado al mundo femenino.

Realiza su primera exposición individual en 2015, Sala Apo`strophe de Vigo, “Materia de Barros”. En 2018 expone individualmente en Centro Cultural Marcos Valcárcel de Ourense, “Penélope: Tecedoras de Soños” y en el Museo Ramón Aller de Lalín “ A Viaxe (Des) Fiada”.

Fue seleccionada: “XII Bienal Arte no Morrazo”, 2017. “Comunidade epistémica #CLÍNICA COLECTIVA DE PROXECTOS” del MARCO, Vigo, con el proyecto “Penélope”, 2017 Certamen PLASTIKA17 y PLASTIKA18.

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Sandra Calvo

Ciudad de México, 1977. Artista visual.  Su trabajo emerge de un diálogo interdisciplinario entre el arte, la antropología, el urbanismo y la política. Trabaja con video, fotografía y escritura, esquemas conceptuales, talleres y archivos. Tiene interés en poner en crisis a las nociones de “espacio público” e “informalidad”, para mostrar la tensión entre lo político y lo poético.

Hizo su maestría en Liberal Arts en The New School for Social Research/Parsons, Nueva York. Estudió Ciencias Políticas en el Instituto Tecnológico Autónomo de México (ITAM), Ciudad de México y en la Universidad de La Habana, Cuba. Estudió Literatura en la Escuela Dinámica de Escritores (EDDE), y en la Sociedad General de Escritores Mexicanos (SOGEM). Tiene estudios en Historia del Arte en la Universidad de La Sorbonne, París.

Es autora del libro Monumentos menores. Mutaciones en el paisaje urbano (2008), proyecto que realizó entre los años 2004 y 2008 en distintas ciudades del mundo como Nueva Delhi, Bombay, Beijing, Chongqing, Shenzhen, Guangzhou, Shanghai y México D.F.

Obtuvo una beca del FONCA, de Parsons/NSFSR y de la SEP, y una del Gobierno Indio/Relaciones exteriores para realizar una investigación artística y antropológica en Bombay, India.

Es profesora de Arte y Política en el Posgrado del MUAC-UNAM. Es directora y fundadora de SEU “Sistema de Exploración Urbana”. Ha dado conferencias y talleres sobre prácticas y entornos en varias instituciones.

Su obra ha sido exhibida en México, Estados Unidos, Italia y España. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca. Ha realizado residencias artísticas en EE.UU., Colombia, Cuba, India y China.

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Sandra De Jaume

Palma, 1978. Ha vivido en Santa Maria del Camí, Mallorca, desde su infancia, una época en la que ya estaba fascinada por los lápices y las pinturas. Comenzó a formarse de forma autodidacta desde los primeros años, transformando su juego en una pasión y una vocación que le valió numerosos premios de dibujo y pintura en su localidad, durante los siete años consecutivos en los que participó. A los 10 años decidió dedicarse al arte y convertirse en pintora.

Continuó su búsqueda por cuenta propia, rodeada de libros de los grandes maestros de la historia del arte y, posteriormente, cursó estudios complementarios: diseño de interiores en la Escuela de Diseño IDEA (1997), diseño gráfico en el Escuela de Diseño IDEA (1999) y bachillerato artístico en la Escuela de Arte y Superior de Diseño de las Islas Baleares (2001), todas ellas en Palma de Mallorca.

En 2013, su trabajo se mostró en la feria de arte contemporáneo en Nueva York «Pool Art Fair New York» y, desde entonces, ha expuesto sus obras en varios lugares como Nueva York, Corea, Madrid, Monte Carlo, Taiwán, California, Braga, Ourense, Málaga y Melilla, a través de galerías y museos de arte, como el Museo Casa Ibáñez.

El programa “Artista”, en Canal 4, le dedicó un programa monográfico en 2015. Además, su obra ha sido objeto de numerosas publicaciones y artículos en prensa como Art in America, (agosto de 2016), Bonart (2017), Diario de Mallorca (2018), etc.

En 2017 fue elegida para exponer en la Exposición Internacional «Pensamiento Barroco» de Braga, ART-MAP, Portugal. Obtuvo el Premio del jurado en el The World of Frida 2018, Bedford Gallery, California. Recientemente ha sido galardonada con el premio

“International Artist Salon Art Revolution Taipei 2019”

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Sandra March 

La Seu d’Urgell, 1974. Licenciada en Magisterio (1995), Filosofía (2005) y Bellas Artes (2010) en Barcelona. Ha vivido en Miami y actualmente reside en París.

Su obra se concreta en proyectos artísticos interdisciplinares, que tienen como objetivo generar una experiencia de transformación, buscando una conexión con el espectador/a ya sea provocando la risa, una emoción o una reflexión. Sus temas giran alrededor del cuerpo, la biografía y el género.

Desarrolla una visión calidoscópica: dibujo, escultura, bordado, acción, pintura, libros, sonido, poesía, se mezclan y complementan. A menudo, mediante el uso de formatos y temas populares demuestra un interés por introducir el arte en otros contextos que no son los circuitos tradicionales.

Paralelamente crea Perdita METABUK (2011), un proyecto de auto edición con un catálogo diverso: libros de artista, libros-objeto, experimentos impresos y fanzines singulares.

Ha realizado más de quince exposiciones individuales en España y Estados Unidos, a destacar las desarrolladas en el Museo d’Art de la Pell (Vic, 2011), la galería Raíña Lupa (Barcelona, 2012), la galería La Place (Barcelona, 2017) y el Art Center (Miami, 2017).

Ha participado en más de cuarenta exposiciones colectivas en Estados Unidos, Italia, Alemania, México y España. Ha colaborado en exposiciones del artista Antoni Miralda, a destacar Museo Nacional Reina Sofía (2010) y MACBA (2016).

Sus obras forman parte de museos e instituciones, destacan NMWA (Washington DC), CBA (Nueva York), MACBA (Barcelona) y Universidades como la de Miami o Valencia.

Ha obtenido diferentes becas, premios y residencias, a subrayar IV Beca a la Creación Artística (Vic, 2010), Primer Premio Francisco Pino (Valladolid, 2013), CIEC (Betanzos, 2013) y Pyramid Art Center (Washington DC, 2015).

Ha trabajado como profesora de Educación Visual y Plástica en escuelas y en el ámbito universitario. También realiza talleres en centros de arte y de educación: Universidad de Barcelona, MUA Alicante, La Panera de Lleida, etc.

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Xisela Franco

Artista-cineasta e investigadora, con amplia trayectoria en documental y cine experimental. Siempre indagando nuevos caminos de la expresión audiovisual que cuestionen la identidad del cine para redefinirlo, su obra ha recibido premios y recorrido galerías y festivales internacionales. Actualmente está terminando su doctorado en la Facultad de Bellas Artes, Universidad de Vigo.

Es licenciada en Comunicación Audiovisual y en Humanidades por Filosofía en la UEM, Madrid, donde funda con Noé Rodríguez la productora Epojé Films, realizando documentales para TVE o Canal Historia, al tiempo que películas con vocación artística. En 2006 se traslada con una beca a Canadá donde cursa un Master of Fine Arts in Film en York University, supervisando su tesina el cineasta Phil Hoffman. A su vuelta a España dirige entre 2012 y 2013 trece documentales para la serie “As Raíces” para TVG.

Entre 2013 y 2015 participa en numerosas exposiciones con el Colectivo Intermitente en espacios como la galería Atlántica de A Coruña o el Museo Provincial de Lugo. En 2015 recibe el Premio a Mejor Guión en Curtocircuito y el Premio Distinción Verde en Cinemística. Ese mismo año participa en la exposición “Eclecticismos”, Casa das Artes de Vigo así como en la exposición “Lost& Found-Archivos recolectados”, Sala Normal de A Coruña. En 2016 realiza su primera exposición individual en el MARCO de Vigo fruto de la beca ArtistAs.

En 2016 dirige el proyecto “Cinema e Muller”, que aglutina a cineastas gallegas. Este proyecto recibe una mención especial en los Premios Crea 2017 por promocionar la igualdad de género y un homenaje en el III Certame Galego das artes pola igualdade.

Actualmente colabora con el Festival de Cine etnográfico de Santiago de Compostela organizando ciclos sobre cine experimental, mujer y etnografía. Ha vuelto a exponer en MARCO de Vigo en “Más allá de los géneros”, en el Auditorio de Galicia y en la Fundación Luis Seoane.

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Yolanda Santamaría Galerón

Burgos, 1992. Se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, ha finalizado los estudios del Máster de producción artística en la Universidad Politécnica de Valencia y ha sido becada en la Fundación CIEC en Betanzos, A Coruña. Ha realizado varias exposiciones colectivas como, En ascenso en el Patio de Escuelas de la Universidad de Salamanca, GD_22 en la Junta Municipal de Ruzafa, Valencia o aLfaRa StuDio 2016 en la Sala Pintores, Cáceres. Además de exposiciones individuales como (De)construcción del hogar en La Salchichería, Salamanca y en Galería Rizoma, Madrid. También ha recibido varios premios como la selección en pintura en San Marcos XIX, Selección en Premio Jesus Nuñez XII o Selección en la IV Edición del Open Portfolio . Así como ha colaborado en las ferias Art Libris, Masquelibros, Papel continuo, Liberarte o La NAU. Ahora continua sus practicas artísticas en Burgos, donde reside.

En su proyecto, “He aquí la esclava”, la artista reflexiona sobre el papel de la mujer en la sociedad, realizando una revisión a los conceptos que históricamente se han atribuido a cada sexo. Enlazando la función del género en la sociedad y la desigualdad que provoca, además de la contribución del hetero- patriarcado por parte de la Iglesia católica.

De ese modo revisa el rol de la mujer en la casa, mostrando un lugar asignado y prefijado como la función de cuidadora y servidumbre que desempeña (madre, esposa y ama de casa) con una mirada critica a su imposición. Por lo que en su practica artística se reflejan los distintos estereotipos preestablecidos a la función que supuestamente debe de cumplir, de esa manera se examinan los parámetros estipulados en nuestro colectivo.

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