Gestoras del Arte V MMM

Gestoras culturales, protagonistas de MMM

Aquí encontraréis a  las gestoras del arte que participarán en esta edición.

Mujeres que cada día apuestan por dar lugar y valor a las artistas con las que trabajan. Son comisarias, galeristas, directoras de museo o de iniciativas relacionadas con cuestiones de género. Todas ponen su inteligencia y buen hacer al servicio del arte, como mujeres y como profesionales, por eso es imprescindible poner de relieve el trabajo de todas ellas.

Las participantes hablarán DE. Es decir, presentarán a artistas-mujeres, desde su perspectiva como profesional del arte y como mujeres, nos hablarán de la artista y de su obra mediante un pequeño texto curatorial que nos permitirá conocer a la artista desde su mirada.

Algunas de ellas presentarán alguno de los proyectos que han llevado a cabo recientemente en nuestros «Proyectos Invitados»

Adriana Pazos Ottón

Directora del Espacio de Arte Contemporáneo OLALAB Acción Cultural (www.olalab.net). Directora del proyecto educativo AULADEIDEAS: Educación y Creatividad . Artista Visual integrante de las compañías de artes escénicas Voltage Opposites Project, Acción Camándula y La Mirona. Prensa, comunicación y creación de contenidos en Plataforma de Arte Contemporáneo Arte a un Click. Prensa y comunicación en Mujeres Mirando Mujeres.

Todas mis actividades están relacionadas con el arte en sus distintas facetas, el día a día trascurre entre el trabajo como gestora cultural, la docencia y creación de proyectos en didáctica y mediación artística, y mi faceta más ligada al arte como artista visual, en la que trabajo con vídeo, performance y fotografía investigando y creando espectáculos escénicos inmersivos en los que se relaciona el cuerpo físico con el cuerpo digital.

Bellas Artes, Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo. Licenciada en Historia del Arte, Universidad de Santiago de Compostela. Estudios de Educación e Innovación en arte y cultura digital, UOC. Estudios de Vídeo, Fotografía y Live Video aplicado a Artes Escénicas. Técnicas artísticas aplicadas al trabajo de grupo y como vehículo aplicadas a la didáctica y la creatividad.

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Aina Ferrero-Horrach

Palma, 1985. Historiadora del arte, divulgadora y gestora cultural. Directora del Museu del Calçat de Inca. Investigadora en Mutus S.L. Crítica de arte en Diario de Mallorca. Premi Ciutat de Palma 2015 de Investigación en Humanidades.

Licenciada en Historia del Arte (Premio extraordinario de Fin de Carrera) en 2011, habiendo cursado los estudios en la Universidad de las Islas Baleares, la Sapienza, Universidad de Roma y la Universidad Complutense de Madrid. Doctoranda en gestión cultural y estudios de público en museos en la UIB. Máster en Mercado y

Tasación de Arte en el Instituto Superior de Arte de Madrid (IART) en 2012 y Máster Oficial en Investigación en Gestión Cultural (UOC) en 2014.

Ha sido comisaria de Artes Plásticas del Certamen de Gent Gran del Consell de Mallorca (2018). Docente de la asignatura “La crítica de arte y su ejercicio” en el Master en Estudio y Gestión de Arte Contemporáneo (MPCMEGAC) de enseñanza virtual, dependiente del Centro de Formación de la Cámara Oficial de Comercio de Toledo, así como de la Fundación ILAM. Comisaria del proyecto BetArt 2016 de arte urbano del Ayuntamiento de Calvià, así como de la exposición “Virulències” en el Centro de Cultura Sa Nostra y en Sa Riera. Beca “Culturex 2015” en instituciones culturales de excelencia otorgada por el Ministerio de Cultura. Ha trabajado en el Departamento de Proyectos Artísticos y Acción Cultural del Museo Jeu de Paume de París (2015). Fundadora de la plataforma de proyectos y servicios freelance de gestión cultural “Ciceró dArt. Investigación, comunicación y gestión cultural creativa”.

Tiene varias publicaciones y ponencias sobre percepción social del arte, estudios de público, turismo cultural y financiación y gestión cultural. Últimamente ha ampliado sus líneas de investigación con algunos trabajos sobre las prisiones en la época de la Guerra Civil, y sobre el patrimonio industrial vinculado al calzado.

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Ana Maria Pereirinha

Lisboa, 1965. En la década de los 80 y 90, hizo teatro y animación socio-cultural en una compañía de teatro independiente llamada ContraRegra, donde aprendió diversos métodos de construcción teatral. Es coautora y editora de Manual de Teatro (1999), libro que sigue siendo una referencia para los estudiantes de teatro en Portugal.

Estudió historia y literatura e hizo una Maestría en Literatura y Cultura Portuguesa Contemporánea en la Facultad de Ciencias Sociales y Humanas, Universidad Nueva de Lisboa. La tesis la llevó a cabo sobre la escritora María Gabriela Llansol (1993).

Trabajó como investigadora y comisaria de exposiciones en el Instituto Portugués del Libro y Bibliotecas (1996-1999) y luego como editora durante 20 años en sellos de dos grandes grupos multinacionales (Bertelsmann y Planeta).

Trabaja desde 2015 en la Galería Monumental, una de las galerías más antiguas de arte contemporáneo y emergente de Lisboa, con actividad permanente desde 1986. Es, desde mediados de 2017, directora de Monumental – Centro de Artes, Lda.

Desde 2016 es estudiante de doctorado en Teoría de la Literatura Programa de la Universidad de Lisboa, con un proyecto sobre la construcción del canon modernista.

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Andrea Martín

Palencia, 1988. Es gestora cultural y comunicadora audiovisual​; Licenciada en Comunicación Audiovisual, Máster en Gestión Cultural y actualmente está cursando el Postgrado de Estudios de Género de la Universidad de Valladolid. En continuo aprendizaje y formación, tiene experiencia en gestión cultural, comunicación, cooperación cultural, distribución, ilustración, fotografía y vídeo.

Ha trabajado en producción y gestión de invitados de L ́Alternativa Festival de Cinema Independent de Barcelona; en producción, programación y jurado de selección de festivales de cine (MCIP_Muestra de Cine Internacional de Palencia); Gestora Cultural en la Embajada de España y Centro Cultural de España – Casa del Soldado (Panamá); producción-realización de vídeo e imagen en UnveilArts (Londres); comunicación y selección proyectos en Fabriques de Creació Fabra i Coats; distribución en Artes Escénicas; forma parte de Gesculcyl-Asociación de Profesionales de la Gestión Cultural de Castilla y León.

Actualmente centrada en la vinculación entre el mundo del arte, el género y el feminismo; curso de Creación Ciberfeminista en Ágora Espacio de Formación Feminista; creadora y coordinadora de Las que Habitan, plataforma para la visibilización, conocimiento y reconocimiento de las mujeres que habitan la cultura de Castilla y León; comisariado y coordinación del proyecto Versionadas (premio de creación contemporánea que tiene como objetivo la reinterpretación y reflexión de la violencia de género en el cine). Desarrolla sus proyectos profesionales y personales entendiendo la cultura y el arte como motor de reflexión y transformación social. 

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Anna Roig

Barcelona, 1986. Es Diplomada en Cinematografía y Artes Audiovisuales en la especialidad de Dirección de Cine.Desarrolla su pasión por la comunicación y la edición de contenidos colaborando con distintos medios online (entre los que se encuentran Anormalmag, Salitre Revista Cultural Cóctel Demente o Arte a un click) y ha trabajado como Community Manager en diferentes proyectos artísticos y culturales.

En la actualidad, compagina su actividad artística como collagista con la dirección del blog godArt Lab, iniciativas derivadas y la comunidad virtual de Mujeres que cortan y pegan.

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Ana Manuela Bañares Palacio

Logroño 1992. Estudia Bachillerato Artístico. Al finalizarlo, elige como destino Salamanca, donde se gradúa en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca.

Finalizados los estudios de Grado decide completar su formación en la misma universidad, enfocando su formación hacia la crítica y la teoría artística. Así, realiza durante el curso 2014/2015, el Máster Universitario en Estudios Avanzados de Filosofía en la especialidad de Estética y Teoría de las Artes.

Durante el transcurso del máster desarrolla su proyecto de investigación en torno al videoarte y sus relaciones con otras disciplinas artísticas durante los años 80, lo cual la lleva inevitablemente a encontrarse más de cerca con temas cruciales en su entendimiento de la vida como el cuerpo, la identidad y temáticas de género. Finalizada la maestría, realiza prácticas formativas dentro del Departamento de Educación del Museo Würth La Rioja. Allí forma parte del equipo de educadoras que llevan a cabo “Espacio Arte 2015”, un proyecto educativo pensado para niños de edades comprendidas entre los 5 y los 12 años en el que se utiliza el arte como herramienta y vehículo de aprendizaje y donde el museo es un punto de encuentro e intercambio.

En 2015 se traslada a Edimburgo, donde continúa formándose con cursos de gestión cultural de forma online como presencial a través de galerías de arte privadas y el programa de aprendizaje abierto de la Universidad de Edimburgo. En junio de 2018 vuelve a Logroño a desarrollar su vida profesional en torno al arte y la cultura, donde alterna trabajos como educadora impartiendo talleres de artes plásticas en la escuela de teatro Dinámica Teatral, y como gestora cultural trabajando con Susana Baldor (directora de proyectos expositivos, artísticos y culturales) con quien participa en exposiciones y proyectos artísticos y de comisariado

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Asunta Rodríguez

Licenciada y doctorada en Historia del Arte. Ha realizado colaboraciones en calidad de crítica de arte para La Voz de Galicia. En 1993 se convierte en propietaria de la Galería Trinta que dirige desde entonces. En Arco 1995 es premiada como Mejor Galería Española. Asunta ha sido Premio Gallega del Mes de Enero de 2010 Premio Mulleres 21 a Asunta Rodríguez en 2010. Fundación Iniciativas 21. Premio da Cultura Galega 2014 a Galería Trinta. Xunta de Galicia .Elegida  miembro de número de la REAL ACADEMIA GALEGA DE BELAS ARTES en Diciembre de 2015. y miembro de la Sección de Creación y Artes Visuales del CONSELLO DA CULTURA GALEGA en Octubre de 2016.

Ha comisariado exposiciones diversas exposiciones entre las que se cuentan: Pamen Pereira “Un solo sabor” Centro Torrente Ballester, Ferrol. 2003. Vari Caramés “Miraxes”  Centro Torrente Ballester, Ferrol. 2003 y “Ventanas a lo insólito”. Sede Fundación Abanca, Ferrol. 2016. Teo Soriano “Codo manchado de azul turquesa”. Kiosko Alfonso, A Coruña. 2012. Art Show. Instalaciones artistas contemporáneos. Art Madrid, 2011.

Ha formado parte del comité de selección de ARCO 2000. Madrid ESPACIO ATLÁNTICO 2011. Vigo. ART MADRID 2010. Madrid. Ha sido presidenta del comité de selección de ART MADRID 2011. Madrid, así como de la Asociación de Galerías de Arte de Galicia entre 2006 y 2009.

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Bruna Costa

Río de Janeiro, 1993. Historiadora del arte brasileña (grado en la Universidade Federal do Rio de Janeiro y postgrado en Curadoría de Arte Moderno y Contemporáneo en la Universidade Cândido Mendes) y curadora independiente. Actuó como educadora en instituciones culturales en Río de Janeiro y como productora cultural en la empresa Ruth&Pedrina.

Curó y co-curó exposiciones de arte contemporáneo. Autora del blog quaseescrita.

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Carmen Dalmau Bejarano

Licenciada en Historia del arte e Historia moderna y contemporánea. Directora de la Galería Cero, especializada en fotografía actual. Profesora de Historia del arte y estética en el Master de fotografía EFTI.

Comisaria independiente de exposiciones. Crítica de arte. Autora del blog de fotografía antevuestrosojos. Colaboradora de la revista de fotografía Clavoardiendo.

Fotografía © Roberto Villalón Vara

Carmen Dalmau. Web

Carmen Navarrete

Artista, profesora y doctora por la Facultad de BBAA de Valencia. Sus investigaciones enfocan las tecnologías del género y las artes visuales.

Ha publicado varios artículos, entre otros: “Mujeres en lucha. Anotaciones para una cartografía del feminismo valenciano” (Tirant Humanidades, 2015); “Transitar entre límites” (EUPV, 2013); “La ciudad como campo de batalla” (Tirant, 2013); “Miradas transnacionales, migraciones y género” en J. Larrañaga (ed.) (UCM, 2010); “Trastornos para devenir: entre artes y políticas feministas y queer en el Estado español” junto a Fefa Vila y María Ruido, en Desacuerdos (MACBA, 2005); “Identidades en crisis, expandidas, situadas y deslocalizadas” (Universitat de Vàlencia, 2005); “Mujeres y práctica artística: algunas notas sobre nuevas y viejas estrategias de representación y resistencia” (Consejería de Cultura de Madrid, 2000).

Como artista, ha participado entre otros proyectos: No hay persona mas ciega que la que no quiere ver (UPV, 2015); La violencia invisible produce efectos reales sobre las personas, (UPV, 2014); Genealogías feministas (MUSAC, 2012); In-out_House (UPV, 2012); Face to face (CCCE de Miami, 2008); Kiss kiss Bang bang (Museo de Bellas Artes de Bilbao, 2007); Para todos los públicos (Sala Rekalde, 2006); Fugas subversivas. Reflexiones híbridas sobre las identidades (La Nau, 2005); The Gendered City. Urban Space and Gender Construction (Fundación Antonio Saura/ Metropolitan University London, 2004).

Ha organizado varios proyectos, entre otros, el seminario Caos Global/Resistencias Culturales. Cartografías y ensayos visuales (Sala Parpalló, 2005); y coordinado el encuentro 30 años de lucha feminista contra violencia de género (Llibreria Sahiri, 2005), ambos junto a Ana Navarrete.
Ha co-editado: El sexo de la ciudad (Tirant Humanidades, 2013); Post-vigilancia y control de las subjetividades (EUPV, 2013); Sujetos Indómitos. Una cartografía disidente de la ciudad de Valencia (Tirant Humanidades, 2015) y Producción artística en tiempos de precariado laboral (Tierra de nadie, 2017).

Ha coordinado los números de la revista Zehar 43, Mujer, espacio y arquitectura y Zehar 44, Espacio, género y crítica (ambos en 2000).

Miembro del grupo de investigación Espacio urbano y Tecnologías de género, Facultad BBAA, UPV.

Catalina Bunge

Nace en Buenos Aires en 1985. En 2010 ingresa a la Fundación de Arte Contemporáneo (fac) y desarrolla paralelamente su práctica como artista y curadora. Desarrolla proyectos que han sido exhibidos en muestras como Ficciones 2011, en Fundación Atchugarry en Maldonado, Uruguay, Llamale H 2012, De cajón 2013, Bienal de Salto 2013 y Premio Paul Cezanne 2013.

Incursiona en la curaduría bajo la tutoría del artista y curador uruguayo Fernando López Lage, y participando de diversos talleres y workshops en varias instituciones de la región. Obtiene por concurso su primera curaduría para la muestra colectiva Hypersexy en el EAC. Realiza la co-curaduría de Perpetua (carne) en la Colección Engelman Ost (Damiani, Lockhart, Mascaró).

En el 2014 se instala en Inglaterra para continuar su formación curatorial en la Universidad de Essex con una Maestría en Curaduría de Arte Contemporáneo. Su tercera exhibición fue Abject Subject (2015) en Art Exchange, Essex, una co-curaduría parte de la maestría. Obtiene también la beca de Fondo de Estímulo a la Formación Eduardo Víctor Haedo FEFCA 2015 proporcionada por el Mec (Ministerio de Economía y Cultura) como apoyo para la Maestría. Septiembre 2016 participa de la exhibición Ibero-american Awards de la Embajada de Brasil en Londres con la obra Sociedad Chiclera. Ascendencia, Descendencia (2017) fue su cuarta curaduría exhibida en en Londres, París y Montevideo y producida por la Colectiva Co.

En Enero del 2018 organiza The Things We Leave Behind una exhibición co-curada con Clara Rocha en Londres. Actualmente vive en Madrid donde continúa su formación académica en la Universidad Complutense de Madrid con un Master de la Internalización de la Gestión del Sector Cultural y Creativo (2017/18).

Catalina Bunge. Web

Celia Moreno Huete

Madrid, 1993. Gestora cultural. Graduada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid y especializada en gestión cultural, trabajó en una distribuidora de cine de Madrid para a continuación formarse en instituciones artísticas con el Máster en Cultura Contemporánea del Instituto Ortega y Gasset. Durante su estancia en la universidad ha dedicado su tiempo al estudio de la Teoría de Género y la figura de la mujer dentro del mundo del arte y la comunicación.

La crítica feminista hacia la Historia del Arte es el objeto de su trabajo. Tiene experiencia como Community Manager y ha colaborado en una revista nacional de ocio y cultura. Actualmente trabaja en la Galería Modus Operandi y compagina dicha actividad con sus estudios de Marketing Online.

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Clara Rodríguez Cordeiro

Ourense, 1983. Es socia fundadora y responsable del departamento de proyectos de 7H Cooperativa Cultural, empresa dedicada a la creación y a la mediación y acción cultura. Licenciada en Historia del arte (2006), especializada en arte contemporáneo y género (DEA 2009) y Máster en Arte, Museología y Crítica Contemporáneas (2009), defiende el arte y la cultura como un proceso de creación colectiva y ha compaginado sus proyectos más individuales con la coordinación del espacio de creación y experimentación contemporánea A Chocolataría (Santiago de Compostela, 2006) y la creación y dirección de la Asociación Cultural [sen marco] (2009-2015) 

En 7H es actualmente responsable del proyecto artístico MicroBios, espacio de arte (2015-actualidad), fue comisaria de la exposición work-in-progress Mujeres en Círculo, cabaña vermella (Igrexa da Universidade, 2016), del proyecto de creación colectiva Mutaciones Urbanas, laboratorio de creación para activar la ciudad de una manera inclusiva (Santiago, 2016 y Santiago-Teo, 2018) y del Programa del arte urbana desde una perspectiva de género Elas tamén Pintan (Santiago, 2017 y 2018)

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Colectivo Herstóricas

Mariela Maitane, Marta Casquero y Sara López forman el colectivo Herstóricas. Historia, Mujeres y Género.

Herstóricas es un proyectos de carácter cultural y educativo que visibiliza y valora la aportación histórica de las mujeres en la sociedad y reflexiona sobre la ausencia de éstas desde una perspectiva feminista.

Herstóricas nace con la idea de impulsar, difundir y promover los valores de igualdad de género real y efectiva en todos los ámbito fomentando la diversidad con un enfoque inclusivo.

El proyecto está formado por un equipo multidisciplinar proveniente del activismo feminista con interés por reivindicar la historia de las mujeres y hacerla visible y accesible mediante distintos proyectos que generen debate y pensamiento crítico.

A través de paseos, visitas guiadas, actividades en torno a la herstoria local y eventos temáticos se exponen de manera dinámica e interactiva referentes femeninos que ponen en tela de juicio los estereotipos de género y el papel asignado a las mujeres en el sistema patriarcal, promoviendo la participación, el debate y el pensamiento crítico.

Usando el arte como herramienta para el análisis de la historia de las mujeres ha estado presente en congresos y jornadas: Ha sido proyecto seleccionado por el Ministerio de Cultura de España para ser presentado en el IV Encuentro Cultura y Ciudadanía en la sesión “Relatos desde el feminismo y la diversidad”. Ha participado en el encuentro “Del empoderamiento a la sororidad”de la Asociación de Mujeres Politólogas de junio 2018 con la charla  “Representación femenina en el entorno local” y ha sido invitado a impartir la clase “Arte y violencias machistas” en la Universidad Pompeu Fabra en noviembre 2018.

Web Biografías individuales

Claudia Mera

Claudia Mera y C. Lenkiewicz a veces son la misma persona.

Tiene una Maestría en Crítica y Difusión de las Artes del Departamento de Crítica de la Universidad Nacional de Artes de Buenos Aires (UNA) y otra en Comunicación con énfasis en cultura por la Universidad Católica del Uruguay

Participó de la Fundación de Arte Contemporáneo desde 2007 hasta 2012.

Estudió Curaduría en Arte Contemporáneo en el Node Center of Curatorial Studies de Berlín y Ciencias de la Comunicación en la Universidad Católica del Uruguay.

Integra el colectivo La obra ya empezó con Fabricio Guaragna y Sergio Muñoz, y juntos hicieron TRANS: Juanito Profundo & La vagina de Laura Ingalls en el Espacio de Arte Contemporáneo en noviembre de 2013.

Junto a C. Lenkiewicz formó parte de la muestra ARTE DEGENERADO ACTO I que se presentó en la Colección Engelman Ost en 2015 y ACTO II en Casa Brandon de Buenos Aires en 2016.

Produjo Los Monólogos de la Vagina desde 2007 hasta 2011 para Vday.org Escribió HUMEDADES, una novela publicada por Editorial Estuario. 

Escritora, artista visual y productora de teatro, investiga acerca de la identidad y los procesos de creación de las obras contemporáneas transdisciplinarias, y lo registra en su proyecto/plataforma WANDERLAND.

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Elena Bangueses

Es Historiadora del Arte por la Universidade de Santiago y tiene un Máster en Gestión Cultural por la City University of London. También ha cursado estudios en la Universidad de Roma, La Sapienza. Elena ha trabajado durante los últimos siete años como gerente en la Saatchi Gallery de Londres, desarrollando numerosos proyectos expositivos y de venta de arte en dicha institución.

Durante su carrera profesional ha ido complementando su labor en la Saatchi con numerosos proyectos como comisaria y gestora cultural independiente, organizando diversas exposiciones y proyectos en España y el Reino Unido, entre los que destacan: “In&Out Board Project, an artistic process on a neighborhood” (Le Sorelle River Barge, Londres), “O Froito prohibido, María Xosé Dominguez” (Auditorio de Cangas do Morrazo), “Abstracción Irreversible, Nuria Lago” (Apo’strophe Sala de Arte, Vigo), “Cromostesia, Ana Fervenza” (Apo’strophe Sala de Arte, Vigo), “Espazo de Arte Contemporánea, Culturgal 2018” (comisaria invitada por Apo’strophe Sala de Arte). Como experta en arte contemporáneo y gestión de arte, participó como ponente invitada por la Universidad de Santiago de Compostela y la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, Universidad de Vigo.

También ha participado como jurado en certámenes de arte como “Plastika17 Certame de Arte” (Vigo) o “Plastika18 Certame de Arte” (Vigo), así como en los “Premios Culturales 2018 Deputación de A Coruña”.

Elena también cuenta con experiencia en prensa y radio, trabajó para Alter Musica Radio y ALIA Magazine en París, una organización especializada en eventos culturales en la ciudad de París. Como colaboradora para Radio Voz con el programa cultural “Cien Campanas”, siendo componente del colectivo Sabor a Menta, obtuvo en 2007 el Primer Premio de periodismo “Compostela Monumental – La Caixa”.

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Elina Norandi

Es historiadora y crítica de arte. Doctora en Historia del Arte por la Universitat de Barcelona y profesora titular de Historia del Arte en la Escuela Superior de Diseño y Arte Llotja (Generalitat de Catalunya) de Barcelona.

Es también  profesora en el Máster en Estudios de las Mujeres en Duoda, Centro de Investigación de Mujeres de la Universitat de Barcelona, con la asignatura “Imágenes y vivencias de mujeres en la Historia del Arte”, asimismo es investigadora de este Centro desde el año1997. También ha impartido, durante varios años, clases como profesora invitada en el programa de diplomatura «El feminismo en América Latina: Aportaciones teóricas y vindicaciones políticas» en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

En 2017 fue nombrada por el Departamento de Cultura de la Generalitat de Cataluña, comisaria del Año Sacharoff, para dirigir la programación de la conmemoración de los cincuenta años de la muerte de la pintora (de la que ha realizado el catálogo razonado de su obra). Dentro de esta programación –entre muchas otras actividades-  comisarió la exposición “Olga Sacharoff. Pintura, poesía y emancipación” en el Museo de Arte de Girona.

Como comisaria ha trabajado con diversos artistas actuales como Verónica Coulter, Sandra March, Antonio J., Yuko Yamada, Clarissa Cestari, Magdalena Duran, Stefanie Herr, etc. Además fue la curadora de la muestra antológica de la pintora Núria Llimona (Barcelona, 2004) y directora de la edición catalana del Festival Miradas de Mujeres (2013), organizado por MAV (Mujeres en las Artes Visuales), donde participaron treinta y cinco espacios y más de cien artistas.

Ha publicado un gran número de artículos, ensayos y capítulos de libros relacionados con la su principal línea de investigación: la iconografía producida por mujeres en el arte moderno y contemporáneo, así como con la elaboración de discursos artísticos actuales relativos a la deconstrucción de géneros y la teoría queer. Es autora del libro Olga Sacharoff, Al-Mudayna, Madrid, 2006. Así como del Catálogo razonado de Olga Sacharoff 

Web del Año Sacharoff cuya dirección y contenidos estuvieron a su cargo.

Forma parte del Consejo editorial de la revista Duoda. Estudios de la Diferencia sexual, publicación semestral de la Universitat de Barcelona.

Es miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), de la Asociación de Críticos de Arte de Cataluña (ACCA) y de Mujeres en las Artes Visuales (MAV).

Encarna Lago González

Barcelona,1962. Gerente de la Rede Museística de Deputación de Lugo. Diecinueve años de experiencia en la dirección, programación y gestión de museos dentro de las líneas del “Movemento Internacional para unha nova Museoloxía (MINOM)”. Autora de diversas publicaciones, coordinadora y comisaria de variados proyectos y exposiciones, destacando la visibilización de 269 mujeres artistas. Ha sido ponente en diferentes foros, sobre gestión,redes, responsabilidad social, capacidades diversas, accesibilidad, inclusión, géneros, igualdad, innovación didáctica y culturas en dialogo. Promovió la creación del Departamento de Capacidades Diferentes y la propia RMP.

Ha coordinado cinco ediciones del Congreso de Géneros, Museos, Arte e Igualdad. Forma parte del Comité de honor de la Bienal de Arte Contemporánea de la Fundación Once 2018. Esta en el Consello Consultivo de la Facultad de Humanidades, docente del Curso de Experto Universitario en Xestión Cultural (USC). Vocal de la Junta Directiva de MAV ( Mujeres por las Artes Visuales )Defensora del trabajo en Red forma parte de WILPF Liga Internacional de Mujeres por la Paz y la Libertad. Bajo su gestión, la Rede Museística fue reconocida, entre otros, con el Premio de la Crítica de Galicia 2004, Premio Mejor Experiencia didáctica en un Museo por la Fundación Rosalía 2009, Premio ONCE Solidaridad 2011, Premio Boa e Xenerosa Aventados 2016, Premio Galicia Inclusión Fundación Anade 2017 y Premio Internacional Ibermuseos-Conversaciones Guerrilla de Palabras Oficio de Palabrerxs, también en 2017 el Plan Inclusivo de RMP fue seleccionado y reconocido formando parte del Banco Gallego de Buenas Prácticas en Gestión Cultural.

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Encina Villanueva Lorenzana

Oviedo, 1976. Feminista apasionada por el arte y la educación. Estudié Geografía e Historia, especialidad Historia del Arte, en la Universidad de Oviedo y realicé un máster en Género y Desarrollo por la Universidad Complutense de Madrid.

Tras trabajar varios años en organizaciones sociales, ámbito al que continúo vinculada,  me dedico de forma prioritaria a la formación sobre mujeres artistas y feminismo en diversos espacios educativos y culturales. Soy co-creadora del proyecto OtrasNosotras, espacio de pensamiento y formación sobre arte y feminismo, porque encuentro en rescatar, conocer y difundir las creaciones de las mujeres una necesidad vital y un profundo sentido político. Con esta misma motivación, disfruto comisariando exposiciones en el espacio Entredós de Madrid, ciudad en la que vivo.

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Guiomar Sánchez Pallarès

Tarragona, 1989. Historia del arte, Universidad Rovira i Virgili, Tarragona (2007-2012), Master en Gestión del Patrimonio Cultural y Museología, Universidad Barcelona (2012-2014), Curso de comisariado, Universidad Rovira i Virgili (2015-2016). Prácticas curriculares en el Museo de Arte Moderno de la Diputación de Tarragona (2010) y en la Fundación Vilacasas de Barcelona (2014). Profesionalmente he trabajado sobre todo de cara al público en la Fundació Miró y La Pedrera de Barcelona.

Por otro lado llevo escribiendo crítica cultural desde 2013, momento en el que creé un blog junto con otros compañeros de la carrera: Cultius Culturals.  También he escrito para otros medios digitales como Núvol, Culturamas, Emblecat, Projecte ella, Ab Origine, etc. Participé en la redacción y locución de una parte de la instalación Pantone -500 +2007 de la artista Cristina Lucas para ‘All about color’, una exposición dentro del ciclo ‘Trets enmig del concert’ comisariada por Cèlia del Diego en el Arts Santa Mónica de Barcelona en 2015. En 2014 creé, junto a unos compañeros, la asociación cultural BAQRA, desde donde hacemos exposiciones –sobre todo de carácter humanitario y social- y actividades culturales.

Con la asociación hemos realizado #MurSàhara. Una terra sense arrels en 2015 y AQUELLES. Bombes sobre Kobane en 2016, a través de las que se han realizado actividades paralelas como ponencias y hemos gestionado la itinerancia por diversos centros cívicos y espacios culturales. Actualmente también gestiono las actividades culturales y sala de exposición de la Acadèmia Acròstic, en Tarragona.

Ines Villeparis. Paco Esteve

Inician su segundo proyecto conjunto “Memorobilia Dona Alacant Art”, en cierta manera, como una continuación de su anterior proyecto “Memorobilia of Vampirya” –un libro de retratos en blanco y negro de creativos, artistas y gente noctámbula de Alicante-, pero cambiando de rumbo. Esta vez han querido mostrar y abordar la creatividad femenina de la ciudad de Alicante. Para la ocasión, también se ha contado con algunas artistas invitadas, como un gesto atávico de acogida de esta tierra de multiculturalidad milenaria. El proyecto de “Memorobilia Dona Alacant Art” constaba de un documental donde intervenían treinta artistas que, desde material propio, edición mixta o ajena- nos van mostrando su universo creativo. Por otra parte, constaba de una autoedición de un libro de retratos, en blanco y negro, de treinta artistas alicantinas, realizadas por Ines Villeparisis, y acompañado de una breve biografía o reseña de cada una de ellas.

Por otro lado, han realizado conjuntamente varios cortometrajes, donde se aborda temática de género. Paco Esteve suele centrarse en la labor de dirección, cámara edición y guion, en tanto que Ines Villeparisis ejerce la labor de dirección artística y actoral, maquillaje y vestuario. Recientemente, uno de sus cortometrajes “Liquid Lydia” –a medio camino entre el videoarte, el documental y el diario confesional, se aborda la reasignación de género- ha sido nominado en la 14 edición del Festival Internacional de cine LGBTI de Andalucia,(Andalesgai), en la sección: Mirada Trans: 30 de noviembre de 2018

Web Biografías individuales

Isabel Lázaro

Directora y fundadora de la agencia de proyectos comisariados y galería de arte Art Deal project (Barcelona). Actualmente uno de sus principales proyectos, además de la programación de su sala es la activación del circuito fotográfico en Barcelona mediante la creación y dirección del festival Art Photo Bcn que cumplirá su quinta edición en 2018.

Historiadora del Arte Contemporáneo y Gestora Cultural de formación, cuenta con experiencia en sectores diversos del mundo artístico tanto en el circuito de galerías, del que actualmente participa, como en la investigación, Museos públicos y privados y gestión de colecciones. Actualmente su interés se ha ido centrando en la fotografía más actual, aunque no deja de lado otros medios artísticos, desde los más novedosos a los más tradicionales.

Art Deal project, con sede en Barcelona, quiere acercar al público proyectos artísticos de creadores emergentes unidos por su interés hacia el trabajo artístico más allá de la belleza. Su interés se centra en el Arte que haga pensar y no deje indiferente. Sus propuestas pretenden remover las conciencias y conectar el Arte y su contexto actual.

Además de exposiciones, cuentan con una sección de tienda donde se puede ver sus fondos, objetos de diseño y librería especializada en cultura visual como fotografía e ilustración. También realizan actividades como talleres, presentaciones de libros y ciclos de conferencias que acercan la creación más actual al público. Actualmente ofrecen el servicio de coaching para artistas, ayudando a iniciar su carrera a los nuevos creadores para dar sus primeros pasos en el circuito artístico.

Art Deal project son los organizadores del Festival de Fotografía Emergente Art Photo Bcn, que inició sus pasos en 2014 y que basa su actividad en una feria especializada en fotografía, visionados con importantes premios y sesiones de grandes profesionales del medio fotográfico. En la quinta edición el festival abre su actividad por toda la ciudad realizando un programa de exposiciones en diferentes centros expositivos durante el mes de Abril-Mayo de 2018.

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Johanna Pérez Daza

Investigadora. Curadora independiente especializada en la fotografía y las artes visuales. Se ha desempeñado fotógrafa y periodista.

Es Doctora en Ciencias Sociales y Magíster en Relaciones Internacionales. Investigadora-docente del Instituto de Investigaciones de la Comunicación (ININCO), de la Universidad Central de Venezuela (UCV), Coordinadora de la Maestría en Comunicación Social de esa casa de estudios. Profesora en las maestrías de Relaciones Internacionales, Comunicación Social, Gestión y Políticas Culturales y la Especialización para el uso creativo de la televisión, así como en las Escuelas de Artes y de Comunicación Social (UCV).

Además, es docente en Prada Escuela de Fotografía y colaboradora del blog de la ONG (Organización Nelson Garrido), del Archivo de Fotografía Urbana y de la plataforma latinoamericana Espacio GAF (Galería de Arte Fotográfico).

Coautora del libro “La Diversidad de la Mirada. Reflexiones sobre fotografía y cultura visual” (Prada Ediciones, 2016).

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Karen Campos McCormack

Dublín, 1979. Máster en Estudios de Género, Grado en Literatura Inglesa y Civilización Clásica, es experta en igualdad, gestora cultural e investigadora. Fue la primera Responsable de Igualdad en Trinity College Dublin de 2006 a 2014, donde contribuyó a que la universidad alcanzase una posición de liderazgo dentro del sector, reconocido por varios premios a la inclusión de la discapacidad, a la igualdad de género y la inclusión LGBT. Su interés por las artes y su potencial transformador ha ido siempre de la mano de su trabajo por la igualdad.

Entre otras iniciativas, fue coordinadora de la Semana de la Mujer en Trinity College Dublin (2007 -2014); fundó las jornadas sobre la mujer en las artes visuales, Shadows and Lights Symposium Series, (TCD, 2012-); e implantó la primera política de inclusión trans* en una universidad irlandesa (premio Diversity Champions).

En 2014 se traslada a Santiago de Compostela y colabora con diversas entidades como formadora de igualdad, gestora cultural, investigadora y traductora freelance (Curso de formación en prevención del acoso sexual, Universidad de Vigo, 2016-2017; Congreso Xénero, Museos, Arte e Educación, 2016). La pasión por el baile Lindy hop la lleva a fundar Compostela Swing y promover la difusión del swing en Galicia. Su trabajo de investigación se centra en la historia del swing y sus raíces afroamericanas.

En 2018 realiza una estancia de investigación en Nueva York becada por la Fundación Frankie Manning y presenta en los congresos Dance in the Age of Forgetfulness (Royal Society for Dance Research, Londres) y XV Congreso de la Sociedad Española de Etnomusicología SIBE (Universidad de Oviedo).  Escribe para LaCharca Revista Cultural y African American National Biography (Oxford University Press), y actualmente traduce las memorias de Norma Miller al español (La reina del swing se publica con Ediciones Carena en diciembre 2018).

Proyectos: Removing Pain performance  – International Women’s Week

Publicaciones: ”¿El arte tiene género?”,Nº 8 (mayo 2015), p7-11 – “Harlem on Parade”, Frankie Manning Foundation (2016)

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Laura Lucas

PhD, 2018. Es miembro desde 2016 del Departamento de Didáctica de las Ciencias Sociales de la Facultad de Educación del Campus de Palencia de la Universidad de Valladolid (UVA).

Es doctora en Didáctica de las Ciencias Sociales y su principal línea de investigación en este área se centra en el patrimonio femenino, desde una mirada de género, para la formación de una ciudadanía igualitaria.

Recientemente ha iniciado un segundo doctorado en Ha del Arte, relacionado con Estudios sobre mujeres y género en el arte contemporáneo, iniciando junto con la profesora Teresa Alario, una vía de investigación que analiza las pajeras de artistas de varones reconocidos en el arte contemporáneo de la dictadura franquista.

Forma parte del grupo de investigación de DESYM «Formación inicial y desarrollo profesional de docentes» que actualmente lleva a cabo el proyecto de investigación «Educación del patrimonio para la inteligencia territorial y emocional de los ciudadanos». (EPITEC). (MINECO / FEDER, con el código de referencia EDU2015-67953-P). Y es miembro de la Red 14 (Red de Docencia e Investigación en la enseñanza de las Ciencias Sociales, http://www.red14.net/es/inicio/). También participó en otros proyectos de investigación: Educación Patrimonial en España: Consolidación, Evaluación de Programas e Internacionalización del Observatorio de Educación del Patrimonio en España (OEPE) (I + D + I, con código de referencia: EDU2012-37212); o el proyecto de investigación Mujeres Ilustradoras en la colección del museo ABC, financiado por el museo ABC.

Es educadora de museos, ha completado el curso de experto en educadora de museos en 2014 por la universidad a distancia de Madrid y este año (2018) acaba de recibir el título universitario de postgrado en Especialista en Estudios de Género y Gestión en políticas de Igualdad en La Universidad de Valladolid.

Entre otras estancias de investigación destacan la realizada este verano en el Dipartimento di Scienze dell’Educazione «Giovanni Maria Bertin» dell’Alma Mater Studiorum – Università di Bologna.

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Laura Pinillos Villanueva

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense. Cursó un Máster en Conservación y Exhibición de Arte Contemporáneo en la Universidad del País Vasco. Trabaja en el campo del comisariado y la gestión cultural. Ha recibido una beca de colaboración como asistente en el Peggy Guggenheim Collection de Venecia (Dic’18 – Feb’19). Desde 2016 codirige el festival de arte Cohete Toledo en dicha ciudad, orientado a la visibilización de proyectos artísticos en el espacio urbano. En 2018 comisarió el proyecto expositivo “Head, Hand and Heart” de la artista Isabel Flores para el festival Mulafest, dentro del programa “En Femenino”. En 2015 realizó labores de asistencia en la investigación y producción del proyecto “321 maneras de decir 3,2,1” de la artista Elssie Ansareo para el Azkuna Zentroa de Bilbao.

Entre sus publicaciones se encuentran La multiplicidad de las formas para el catálogo de la exposición “Artistas Descrito” (Oct’18); colaboró en el libro colectivo El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella, homenaje al escultor Alberto Sánchez (2017); y La utilización de un medio subversivo por parte de la institución: el libro de artista y Seth Siegelaub publicado en la revista “SOBRE: prácticas artísticas y políticas de la edición” de la Universidad de Granada.

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Laura Salvadó

Barcelona 1981. Formada en comunicación audiovisual e ingeniera informática. En 2015 funda, junto a Daniel García Sarabia, Fifty Dots Gallery, galería de arte  ubicada en Barcelona y especializada en fotografía contemporánea.

Su misión es asentar la fotografía como disciplina artística en España y difundir la obra de los artistas que representa tanto a nivel nacional como internacional. A tal efecto, ha participado como comisaria en varios festivales y eventos especializados como Fotofever Paris, Art Madrid, MIA Photo Fair, Revela-t, 48 Hours Neukölln y Art Photo BCN. Ha participado en el festival SCAN como Follower y como ponente en las Jornadas de Arte y Galerismo de Barcelona.

Laura es miembro de la junta del Gremi de Galeries de Catalunya desde 2016.

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Laura Tabarés

León, 1991. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo. Master en Fotografía Conceptual y Artística por la escuela EFTI en Madrid en 2014. Máster en Investigación en Arte y Creación por la Universidad Complutense de Madrid en 2015. 

En la actualidad combina la docencia no formal de fotografía y arte con proyectos artísticos, de comisariado e investigación que atraviesan el humor, lo postinternet y la crítica visual.  Co-coordinó Espacio PROA de 2015 a 2017.

Comisaria con Daniel Mayrit de «UPLOAD/DOWNLOAD: Fotografía e Internet» en PHotoESPAÑA. Presenta conferencias y ensayos audiovisuales en la UCM, el INJUVE, Sala Amadís, DONE (Fotocolectania. Bcn), Festival Hybrid, etc.

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Lívia Filoso de Freitas

Soy brasileña, tengo 27 años y actualmente hago un doctorado sobre género y arte en la Universidad de Salamanca. Mi proyecto de investigación es sobre la representación de las mujeres en el Arte. El objetivo es analizar de qué manera las instituciones y colectivos artísticos ten contribuido en las últimas décadas para cambiar y deconstruir los discursos de género.

Soy graduada en la Facultad de Historia de la Universidade de São Paulo (Brasil) y tengo un master en Médiation ​Cultural, patrimoine et numérique en la Université Paris Ouest (París X) (Francia). Mi tesis de fin de carrera fue sobre la nuevas formas de usos de las iglesias y las consecuencias de este proceso en el impacto simbólico. Con el fin de continuar mi educación, yo hice un Máster en Historia y Patrimonio en la Universidad Sophia Antipolis (Francia).

Mi proyecto de tesis fue sobre el graffiti como lenguaje de protesto y su relación con el espacio y el patrimonio. Además, tuve la oportunidad de trabajar en grandes museos y instituciones del mundo del arte, como la revista Perspective en París, el museo Palais Lascaris en Nice y en el museo Picasso a Antibes, uno de los museos nacionales de Francia.

Lucía Dueñas Seca

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo, además de Máster en Museología y Museos por la Universidad de Alcalá de Henares. Asimismo, cuenta con cursos de educador de museos e iniciación al patrimonio como recurso didáctico.

Desde que finalizó sus estudios, su carrera profesional ha estado muy vinculada al mundo del arte. Trabajó en varias galerías de arte: Dasto, Formato Cómodo y Van Dyck, colaboró en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial y posteriormente trabajó en ferias de arte contemporáneo: GIAF y SuiteArtGijón como subdirectora en ambas.

Actualmente trabaja y dirige su propia galería de arte en Oviedo.

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Luisa Pita

Desde la pequeña galería que lleva su nombre en el casco histórico de Santiago de Compostela ha logrado en pocos años posicionarse con solidez en el circuito artístico. La cercanía y la capacidad comunicadora de Luisa Pita representan el propio espíritu de la galería, que trata de ofrecer un oferta artística muy perfilada.

Su programa incluye artistas emergentes y consolidados, con una clara voluntad de acompañarlos a largo plazo, apoyándolos para que puedan desarrollar sus proyectos.

La gestión cultural, asesoramiento en adquisición de obra a jóvenes coleccionistas y comisariado, forman parte del día a día en la actividad que se desenvuelve en torno a su espacio expositivo.

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María Jesús Aragoneses

Abades (Segovia) Artista visual multidisciplinar y Comisaria independiente. Cofundadora de Generando Arte, socia de MAV y de EmPoderArte-AIMA. Presidenta de la Asociación OCEÁNIDA. Doctoranda en la UCM, Bellas Artes.

Su obra artística abarca diferentes disciplinas, pintura, grabado, fotografía, escultura, video-arte, instalaciones, herramientas al servicio de ideas y conceptos de contenido social y feminista.

Ha participado en múltiples exposiciones  colectivas e individuales. Presentó en 2014 su proyecto Líneas Divisorias en Fundación AISGE; en 2015 y 2017 se exhibió su muestra Bultos sospechosos en salas de Madrid y Pozuelo.  En 2016 participó en la exposición Las Moradas, del V Centenario de Sta. Teresa en Ávila.

Como comisaria comenzó en 2014 con la Exposición Permitido indagar, homenaje de 50 artistas a 50 pioneras del arte de género, en la Sala Caracciolos de la UAH. En 2016 realizó las exposiciónes Ortego mínima: reflejos de interior y en 2017 Cartografías de la emoción, en el CC Galileo, ambas sobre la artista Esther Ortego. Recientemente ha realizado la Exposición site specific Mercado Canalla en Alcalá de Henares, una reflexión sobre la prostitución y la pornografía en la construcción de las masculinidades.

Como miembro de EmPoderArte AIMA, participa con obra en sus proyectos, el último de ellos ha sido Traficadas. Viajes a la esclavitud, exhibida en la Sala Okendo de Donosti. En breve participará en dos exposiciones programadas sobre temas controvertidos en el devenir del feminismo (Vientres de Alquiler y Memoria histórica de los bebés robados) 

En la actualidad simultanea sus proyectos personales con su trabajo de investigación de legados de artistas que merecen ser visibles en el sistema del arte, para lo cual ha fundado la Asociación Oceánida, a la vez que desarrolla su tesis sobre este tema en la UCM.

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María Ortega Gálvez

Gestión y dirección de exposiciones y encuentros culturales. (Arte Textil, Grabado, Escultura, Fotografía y Video arte).

Directora General para Europa de la Organización Internacional World Textile Art (WTA), Directora General de la VIII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo WTA Ciudad Sostenible, Madrid 2019; fundadora de la asociación ID arte, socia de la MAV y AVAM.

Sus obras han sido expuestas en países como Estados Unidos, Italia, Francia, Alemania, China, Polonia, Letonia, Lituania, Costa Rica, Argentina, México, Uruguay y Turquía, Bratislava y España. Participando en numerosas Bienales, Ferias y Exposiciones a nivel nacionales e internacionales como IV, V,VI y VII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo WTA; 5th y 6th Riga International Textile & Fiber Art Triennial; Contextile Biennial; 8th, 9th y 10th International Fiber Art Exhibition «From Lausanne to Beijing»; MINIARTEXTIL Cosmos, Eros e Invito a la tavola; International Antalya Fashion & Textil Design Biennial; International Istanbul Textil Design-Art Symposium; 1ª Encuentro de la Red Textilia, Costa Rica; 18th international exhibition of textile miniatures; XI, XVI, XVII Estampa Feria del Grabado; Festival Miradas de Mujer, Krunst in mi 50 años; 1ª, 2ª y 3º Feria del libro de artista, Masquelibros; Asia-Europe III; DIALOGOS I, España; “Travesías Textiles”. Siendo ganadora del 2º Premio de la V Bienal Internacional de Arte Textil WTA, Buenos Aires, Argentina entre otros concursos.

Actualmente se dedica a la gestión culturaL, comisariado y jurado de exposiciones dirigiendo las siguientes exposiciones FIBER FUTURES: Pioneros del Arte Textil Japonés, “The Nature Spirit” Arte Textil Contemporáneo Japonés, “Arte Contemporáneo Japonés, Miniaturas”, comisariando las exposiciones Rostros del Olvido, VIII Centenario e la USAL; Doble ancho, tejiendo con arte; Punto quebrado, las huellas del éxodo; Hilo a Hilo, Arte Textil Contemporáneo español; FIBERSPAIN; FIBRAS 08 y 09, Arte Textil Contemporáneo; y siendo jurado en la VII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo WTA (Convocatoria a diseñadores) Uruguay, Miniartextil Fronteras, Italia, “New Beat” Concurso Internacional, Hong Kong. 9th International Fiber Art Exhibition «From Lausanne to Beijing», China. “Art al Vent XI”, España.

Paralelamente a las exposiciones organiza los siguientes Encuentros Culturales como Programa Cultural “The Nature Spirit”: “Encuentro con Japón” y talleres infantiles, Programa Cultural “FIBER FUTURES”: “Descubre Japón” y talleres infantiles y Programa Cultural “Punto quebrado, las huellas del éxodo.

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Natalia Alonso Arduengo 

Madrid, 1984. Vive en Gijón y trabaja entre su ciudad de residencia y Madrid. Es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo.

Su formación se orienta al arte contemporáneo desarrollando su actividad profesional en estrecha vinculación con el ámbito de las galerías. Ha sido becaria de ATM Contemporary (Gijón) y trabajado tres temporadas en Espacio Líquido (Gijón). Posteriormente, entró a formar parte del staff de Galería Van Dyck (Gijón) y ha sido asistente de dirección en Aurora Vigil-Escalera Galería de Arte (Gijón). Ha realizado textos críticos y conferencias para otras galerías como Bea Villamarin (Gijón), Gema Llamazares (Gijón), Javier Silva (Valladolid) y Galería Lucía Dueñas (Oviedo).

Realiza proyectos de gestión cultural y comisariado de exposiciones. Entre sus muestras destacan las curadas a Colectivo DV en La Barba Blanca (Gijón) y un proyecto site-specific para el Centro Niemeyer (Avilés), así como Homo Faber. Soledad en la ciudad genérica con los artistas César Lacalle y Federico Granell en Galería Theredoom de Madrid, La fuga de Perséfone de Cristina Ferrández en la Sala 1 del Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón y El rincón feliz en el Museo Barjola. También ha desarrollado proyectos site-specific para el Museo Jovellanos y las Termas Romanas de Campo Valdés dentro del contexto de la Noche Blanca Gijón 2017.

En la actualidad está al frente de Bcollector, una asociación que busca la puesta en valor del coleccionismo privado y escribe en varias revistas y portales culturales web (Mincho Illustration and Graphic Arts Magazine, El Cuaderno, LaEscena, blogURBS de Estudios Urbanos y Ciencias Sociales…). Asimismo, forma parte del equipo de coordinación de “AlNorte, Semana de Arte Contemporáneo de Asturias” dirigida por Ángel Antonio Rodríguez y, como freelance, trabaja para el portal de arte contemporáneo iberoamericano Arteinformado.

Nekane Aramburu

Gestora cultural y comisaria. Desde 2013 es directora de Es Baluard, museo de arte moderno y contemporáneo de Palma, una de las primeras mujeres al frente de un museo del Estado español seleccionada por concurso siendo asímismo directora general, artística y comisaria de sus principales exposiciones.

Licenciada en Historia del Arte y máster en Museología con una amplia trayectoria internacional vinculada a la creación contemporánea, especializada en el análisis y construcción de políticas culturales y producción visual.
Desde sus inicios en paralelo a trabajar en la gestión museística e institucional ha estado interesada en la cultura como laboratorio de exploración, comprensión y mediación de los contextos y el patrimonio material e inmaterial, a partir de proyectos tentaculares entre espacios no convencionales y el museo.

Experta en dinamizar colecciones de arte, entiende la construcción del pasado y el futuro desde líneas transversales y de mediación con los contextos.

Ha realizado extensas investigaciones sobre la evolución de los colectivos y espacios independientes, museología o historia del video arte. Como comisaria ha trabajado tanto en retrospectivas como exposiciones de investigación y temáticas. Editora y autora de mas de sesenta libros, ha sido asesora de diversas instituciones y entidades, y jurado en eventos internacionales.

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Nerea Ubieto

Zaragoza, 1984. Vive y trabaja en Madrid. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, trabaja como comisaria independiente, gestora y crítica en diversas publicaciones de arte. Actualmente es comisaria de los One Projects de Art Madrid, docente en el Máster de Fotografía y Gestión de Proyectos de Efti y directora del ciclo de talleres A ver si nos aclaramos (Performance, Feminismos y Compromiso animal) para el Ministerio de Cultura y colabora con el programa cultural de televisión Metrópolis. Entre sus últimas exposiciones destacan: “Return Flight Tickects” en la galería Max Estrella (Madrid); “La amenaza invisible” en Sala Amadis (Madrid); “El lugar donde vivo” en Galería Ponce Robles (Madrid) o “Keep calm and carry on”, inaugurada en Tabacalera Madrid e itinerante por la Red de Centros Culturales del AECID en Latinoamérica.

Recientemente ha sido seleccionada en la convocatoria 2017 V.O. de comisariado de Valencia con su proyecto “Artfulness”, inaugurada el pasado 16 de noviembre. Entre los premios y ayudas recibidas destacan: la Beca de Residencia en el extranjero de la Comunidad de Madrid, desarrollada en HIAP (Helsinki International Artist Programme) a finales del 2016; el Exhibition Internacional Award del CPR otorgado por el artista Rirkrit Tiravanija (2016): la beca para la residencia internacional Curatorial Program of Research en Estonia y Finlandia (2015) o una de las Ayudas para la Creación Joven del Injuve con su proyecto de comisariado El barco de Teseo (2014).

Selección de exposiciones: “Empoderadas” en la Casa de la Mujer, Zaragoza; “Space Nihilista” de Raisa Maudit, Swinton and Grant; “La gota consume la piedra” de Olalla Gómez en Astarté; “Kathatlón” de David Crespo, galería Cero; “El barco de Teseo” en la Sala Amadis; “Hide and Seek” en la galería Silvestre; “In&out/Up&down” en Salón; “Fronteras blandas” en Fundación Telefónica; “Uneasy Pleasure” en Matadero Madrid.

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Oliva Cachafeiro Bernal

Gestora cultural y Coordinadora del Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la UVa.

Licenciada en Geografía e Historia, especialidad Historia del Arte por la Universidad de Valladolid. En la misma Universidad, realicé la formación que me capacita como Especialista en Teoría y Estética de la Cinematografía.

Desde muy temprano comencé con tareas de investigación que han culminado con la edición de varias publicaciones y, actualmente, se plasman en mi blog, dedicado al mundo de la cultura, el arte y el feminismo, “ArribaYabajo [a veces]”

Desde el punto de vista laboral, durante mucho tiempo mi trabajo se centró en la educación en museos (como el Museo Patio Herreriano) y salas de exposición (de la Junta de Castila y León y del Ayuntamiento de Valladolid). Paralelamente, y desde el principio, me he dedicado a tareas de gestión cultural, primero como becaria y en calidad de voluntaria. Actualmente es mi trabajo. Desde hace un montón de años soy la Coordinadora de Actividades culturales del Museo de Arte Africano Arellano Alonso de la Universidad de Valladolid.

Nunca he dejado de lado tampoco mi vinculación al movimiento vecinal, una vocación y una devoción, centrada tanto en el ámbito cultural como en la reivindicación social en general.

En los últimos años he descubierto el mundo digital y de las RRSS. Ahora incluso soy la Vocal de comunicación de GESCULCYL (Asociación profesional de Gestores Culturales de Castilla y León), de cuya junta directiva soy, además, miembro.

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Olga Isla

Madrid (1959). Artista visual freelance y comisaria independiente. Licenciada en Ciencias Económicas [UAM] y en Bellas Artes [UCM]. Actualmente forma parte de los proyectos artísticos OPEN STREET ART (arte urbano), YOEXPONGO (visibilidad de las mujeres en el arte) y TAKE AWAY PROCESS (arte contemporáneo expandido).

Directora y coordinadora de la revista bimestral digital de arte contemporáneo #TAP magazine. Esta revista es de participación colectiva tanto en la portada como en el contenido dirigida a cualquier disciplina artística.

Directora de los encuentros mensuales de videoarte ZUMO DE VÍDEO*. Directora y coordinadora de las JORNADAS DE VIDEOARTE EL ESCORIAL. Videoartista seleccionada en muestras de videoarte de carácter nacional e internacional. Ha participado en exposiciones de Instituciones Públicas y Galerías de arte de ámbito nacional e internacional.

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Paula Cabaleiro

Pontevedra, 1986. Licenciada en Bellas Artes por la UVigo y máster en Arte, Museología y Crítica Contemporáneas por la USC, actualmente es directora de exposiciones en la Fundación Florencio de la Fuente (Huete, Cuenca), comisaria del programa “Mulleres en Acción: Violencia Zero” de Deputación de Pontevedra y comisaria del Espacio de Arte Contemporáneo de la Feria Culturgal (Pontevedra).

Fue coordinadora del programa de residencias artísticas “Estudio Aberto” de Red Museística de Lugo y Deputación de Lugo (2013-2016), codirectora de la feria de arte contemporáneo Cuarto Público (Santiago de Compostela, 2013-2016) y directora en Galicia del Festival estatal Miradas de Mujeres 2014. Fundadora y directora de la galería A.dFuga (Santiago de Compostela, 2011-2013) también coordina desde 2016 el “Huete Photowalk” en el MAC Florencio de la Fuente (con Diputación de Cuenca) y ha sido promotora de las 3 ediciones del “Encuentro ArtistasEnRed” (Museo Arqueológico de Cacabelos, 2013, 2014, 2015) y del I “Encuentro GestoresEnRed” (Uva de Valladolid, 2016). Forma parte de la Junta Directiva de los Premios de la Crítica de Galicia desde 2016 y del comité científico y organizador del “Congreso género, Museos y Arte” en todas sus ediciones desde 2013, con Red Museística Provincial y Deputación de Lugo. Es coordinadora es promotora y comisaria de los festivales “Somos rúa, facemos arte” del Ayuntamiento de Carballo (2017, 2018) y «CreaVigo» del Ayuntamiento de Vigo (2018), además del comisariar el programa «Do Camiño Vivido» de Deputación de Coruña (2018). Ha intervenido como ponente en numerosas jornadas en espacios e instituciones como el MNCARS (Madrid), MediaLab Prado (Madrid), USC, UVa, Uvigo, Universidad Complutense de Madrid, Ciudad Laboral de Gijón, Museu Romántico (Oporto-Portugal), Centro Ágora de Coruña, Rede Museística de Lugo, Museo de Pontevedra, Fundación G. Torrente Ballester de Santiago de Compostela o Consello da Cultura Galega.

Entre sus últimos comisariados, destacan «Soy Aquella! (espacio de desarraigo)» de Paula Noya (Sala AlterArte UVigo, 2018), “Metría2” de Rubén Fernández Castón (MAC Florencio de la Fuente, Huete-Cuenca 2017), “Nación S.A.” de Iago Eireos (Centro Marcos Valcarcel de Deputación de Ourense, 2017), “Pegadas na Terra” (Culturgal 2016, Pontevedra), “Compañías Convenientes” (Fundación Camilo José Cela, 2016 y Afundación Santiago 2016-2017) y “Experimenta 16” (Centro Marcos Valcarcel de Deputación de Ourense, 2016), “Somos Espazo” (Culturgal 2015, Pontevedra), “Do papel ao xesto” (Culturgal 2014, Pontevedra), la muestra multisede “En (re)torno ao paisaxe” (Museo de Pontevedra e Iglesia de la USC en Compostela). Participa en proyectos de acción social implicados con el tejido asociativo y con personas con capacidades diferentes, destacando “Nos+otras en Red” en Museo Thyssen-Bornemizsa de Madrid (2015-2017).

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Paulina León Crespo

Quito, 1978. Artista y comisaria comprometida con el desarrollo crítico de la escena artística de la región, teniendo como línea transversal de reflexión y acción las teorías de género y de la diversidad funcional.
Actualmente realiza su doctorado en Investigación Artística en la Universidad Castilla de la Mancha (España). Obtuvo su Master en Artes Libres en la Escuela Superior de Artes de Berlín (KHB). Ha sido acreedora de varios reconocimientos como el Premio Paris (Quito 2000), Premio DAAD (Berlín 2004), beca NaFöG (Berlín 2007), beca DAAD (Barcelona 2008), residencia Casa de Velázquez (Madrid 2009), beca del Consejo Nacional de Cine de Ecuador (2012), beca Nuevo Mariano Aguilera (Quito 2012), Fondos Concursables del Ministerio de Cultura (2010, 2016), Mención de Honor al Premio “Manuela Sáenz” de investigación científica en temas de género (Quito, 2017), entre otros.

Para la profesionalización de los actores del arte ha impulsado, entre otros proyectos: las cinco ediciones del Encuentro Iberoamericano de Arte, Trabajo y Economía / FLACSO (Ecuador); la elaboración del Manual de Buenas Prácticas para las Artes Visuales en el Ecuador; la red iberoamericana para el intercambio y la profesionalización Lablatino; la plataforma El Coro del Silencio para la investigación, producción y difusión cultural en lengua de señas; y diversos programas pedagógicos con énfasis en la investigación artística.

Su más reciente curaduría es “Cuerpos que (se) miran. Nuevas representaciones de la discapacidad” (2017) realizada en Arte Actual FLACSO (Quito). Durante el 2015 se desempeñó como coordinadora del Centro de Arte Contemporáneo de Quito (CAC). Actualmente es docente de  la Facultad de Artes de la Universidad Central. Ha participado en exposiciones, festivales, simposios y encuentros en América, Europa y Asia.

El proyecto que presenta en esta edición Doméstika, arte, trabajo, feminismos 5to Encuentro Iberoamericano de Arte, Trabajo y Economía (5EIATE) ha sido co-curado junto a Gabriela Montalvo y María Fernanda Troya, cuyas biografías individuales se pueden consultar aquí. 

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Rebeka Elizegi 

1968, Donostia. Residencia actual: Barcelona – Madrid,  Rebeka Elizegi es collagista, directora de arte y diseñadora gráfica. Paralelamente a las exposiciones, que tienen un carácter más artístico y personal, sus collages han ilustrado también cubiertas de libros y revistas, así como discos y carteles, y han formado parte de proyectos de decoración. Ha publicado varios libros ilustrados utilizando la técnica del collage y es autora de los Libros Collage Therapy y Collage by Women (primavera 2019), editados por Promopress Editions. Su obra se ha expuesto en Barcelona, Madrid, Los Ángeles o Berlín, y su trabajo se ha mostrado en publicaciones como Sample Magazine, Kolaj MagazineBLNC Magazine y muchas otras. 

La figura femenina ocupa un lugar importante en su obra, aunque también se centra en temas como la diversidad de género y las personas que sienten y viven más allá de la norma establecida. Las imágenes de cuerpos son asimismo una constante en su trabajo; el cuerpo entendido como espacio que oprime, que marca y estigmatiza por color, edad o género, que tantas veces es motivo de sometimiento, y que intenta liberar a partir de sus composiciones.

En esta edición de MMM presenta como proyecto invitado su último proyecto editorial, Collage by Women – Collage firmado por mujeres. Un libro internacional que recoge el trabajo  de 50 mujeres collagistas contemporáneas y que ha comisariado, dirigido y diseñado. 

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Rocío Abellán

Cartagena, 1983. Artista, investigadora y docente independiente. Licenciada en Bellas Artes y doctora en Historia del Arte por la Universidad de Murcia (España), ha complementado dicha formación con estudios de especialización en diseño gráfico, fotografía y educación, así como en diferentes cursos y seminarios que han servido para ampliar sus conocimientos en el terreno de la teoría, el pensamiento y las artes contemporáneas.

Como artista, ha participado en exposiciones colectivas de ámbito regional. Desde 2010 ha publicado diferentes artículos de investigación en revistas y congresos, y ofrecido conferencias relacionadas con el cine, el feminismo y la producción artística contemporánea. Asimismo, como docente, ha impartido seminarios especializados en feminismo, cultura visual y pensamiento contemporáneo.

Sus trabajos de investigación giran en torno a la autorrepresentación, la autobiografía, lo monstruoso, lo doméstico, las dicotomías entre lo público y lo privado y el estudio de los diferentes formatos de exposición contemporáneos. En la actualidad se encuentra inmersa en la preparación de su primer ensayo acerca del canibalismo en las artes visuales.

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Sara Pérez Bello

Directora y gestora de Apo’strophe Sala de Arte en Vigo. Comisariando prácticamente todos los proyectos allí expuestos, además de organizar los eventos, conferencias, mesas redondas, conciertos, firmas de libros….

Directora y coordinadora de los espacios anexos a Apo’strophe: “Espacio Cero” para proyectos de instalativos,  “L21” para proyectos fotográficos,  “MercaArte” ferias de arte y proyectos expositivos.

Certamen de Arte PLASTIKA. En los dos últimos años lo ha organizado, siendo la creadora, directora gestora y comisaria de la exposición resultante de la selección del jurado del Certamen Internacional de Arte PLASTIKA.

Diplomada en magisterio en la especialidad de Ciencias Humanas (Historia del Arte y Geografía), Especialista en Pedagogía Terapéutica.

El contacto directo y constante con el mundo artístico le lleva a realizar diversos cursos:  Curso de tasación y catalogacíón de obras de arte en la UNED. Cursos de gestión y comisariado en la UNED y en Taller Abierto, Pontevedra. Además de la asistencia a congresos, conferencias, mesas redondas…

La docencia y la inclusión siempre han formado parte de su trabajo, ya sea en centros educativos o en talleres específicos, a través de los cuales puede desarrollar sus inquietudes artísticas y pedagógicas desde hace más de 25 años.

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Silvia Blanco

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de León, Doctora en Historia del Arte por la UNED, Máster de Educación Unileon y Master en Industrias Culturales.

Comisaria, gestora cultural, especialista en didáctica creativa y docente del Grado de Historia del Arte.

Como comisaria, destacar la exposiciones colectivas e individuales: Ahora, Nosotras (Festival Miradas de Mujer 2014), Bernardo Doral, Viaja con Nosotros, Antonio Guerra La fórmula del éxito, Poli_Zontes, En todas las casas cuecen habas, Esto si es lo que parece, Animalaya, Volver, Menudo Bierzo, Cavernarios, Memorias de un Tipi, Delicious,….
Creadora del Programa Didáctico EDUCAMARCA en el Museo Arqueológico de cacabelos donde se llevan diferentes programas didácticos para diferentes públicos. Con talleres de arqueología creativa y desarrollo de la creatividad, programas especiales para escolares y adultos basados en la historia del arte de forma práctica y creativa.

Ha impulsado y diseñado proyectos de importancia con la Feria de Arte Contemporáneo MAF en Cacabelos, o la reciente MSAP (Marca Street Art Project) Residencia Artística, o coordinación de ciclos de Presentaciones de libros,

Como docente imparte diferentes asignaturas del Grado de Historia del Arte en UNED Ponferrada de forma presencial y por videoconferencia para el Campus del Noroeste y centros de América.
Ha trabajado como técnica de Patrimonio como coordinadora de catalogación e Inventario de Bienes Culturales.

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Susana Carro Fernández

Licenciada en Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universidad de Oviedo y doctora en Filosofía con la tesis Del arte feminista al arte femenino. Tiene en su haber cuatro obras publicadas: Educación para la igualdad de oportunidades (Ediciones FMB, 2001), Tras las huellas de El segundo sexo en el pensamiento feminista contemporáneo (KRK Ediciones, 2002), Mujeres de ojos rojos (Editorial Trea, 2010), Más de un metro cuadrado de cielo propio. Mujeres en la escena musical asturiana (Ediciones Trabe, 2015) y ha coordinado la edición del volumen Salud sexual y reproductiva y opciones de maternidad (Ediciones Trabe, 2014).

En la actualidad, participa en tareas de investigación relacionadas con la construcción simbólica y jurídica de la maternidad y dispone de un Contrato de Artista en Residencia en Laboral Centro de Arte y Creación Industrial junto al colectivo OffMothers. Como coordinadora de dicho Colectivo ha gestionado la presentación del proyecto Pájaros en la cabeza (presentado en las lavandrías de Laboral Ciudad de la cultura en el año 2016) ha coordinado la exposición Animales domésticos (exhibida en el Centro de Cultura Antiguo Instittuto de Gijón en septiembre del 2017) y la actualmente en curso, Casa Tomada (Laboral centro de Arte y Creación industrial del 16 de febrero al 13 de mayo 2018)

Colabora con con la Revista Internacional de Culturas y Literaturas y las revistas Koré de Historia y Pensamiento de Género, GenerandoArte, Blanco, Negro, Magenta y con magazine digital de  cultura El Cuaderno. También ha participado con sus publicaciones en los diarios Asturias24, La Voz de Asturias y La Nueva España.

En el ámbito de la Universidad de Oviedo ha participado en el Proyecto de Investigación para Equipos Emergentes Salud reproductiva y consentimiento prestado por mujeres adolescentes y coopera en el proyecto Des/amor. Deconstrucción del amor romántico en el que participan distintas investigadoras de la Universidad de Oviedo. Antes de finalizar el año 2018 ha salido a la luz su publicación, Cuando éramos diosas (Editorial Trea) y continúa desarrollando su actividad profesional como docente en el Instituto de Enseñanza Secundaria Mata Jove de Gijón (Asturias).

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Vanessa H. Sánchez

Licenciada en Historia del Arte y Máster en Análisis y Gestión de Arte Actual, compagina la dirección de la Galería silvestre, galería especializada en pintura contemporánea con sedes en Madrid y Tarragona con la docencia como profesora de Teoría del Arte Contemporáneo y Historia del Arte y con la crianza de tres hijos.

Programadora, gestora cultural, regidora de espectáculos, dirección de teatro, comisária, artista …siempre se ha definido como una buscavidas cultural. Vive y trabaja entre Tarragona y Madrid.

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