Artistas IV MMM


AITZIBERT

Aitziber Urtason Pineda. Dirige el Departamento de Didáctica del Museo Oteiza desde el año 2003. Su labor abarca desde el diseño de los programas y actividades educativas, la formación de educadores y profesorado, hasta la colaboración en el diseño de las exposiciones. Su labor en el ámbito educativo representa una intensa apuesta por el arte como herramienta social ya que sus proyectos tienen como objetivo descentralizar el ámbito de actuación de la institución para llevar el arte a espacios periféricos como centros penitenciarios, hospitales, asociaciones culturales o espacios públicos de calle.

En paralelo, realiza comisariados de exposiciones: en el Museo Oteiza comisarió “Homo Ludens. El artista frente al juego”, y también ha comisariado para otras instituciones como el Musée Guetary de Francia, La Ciudadela y Centros culturales de Pamplona y Bilbao.

Su labor educativa se complementa con una apuesta personal por la creación artística desde el ámbito de la fotografía o la performance. Su labor artística tiene como objetivo ampliar su mirada hacia nuevos horizontes que le permitan mejorar como educadora artística.

 

alice geirinhas

Alice Geirinhas (Évora, 1964) Desde mediados de los años 80, ha venido desarrollando un cuerpo de trabajo ligado al diseño y narratividad traducido en sus múltiples formas: libro de artista, video, instalación y performance.

Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas en Lisboa, Oporto, Oslo, Río de Janeiro, Vigo, Madrid y Londres. La parte de su obra gráfica está publicada en el libro Alice (1999), y de los libros que publicó destaca Isto de Estar Vivo, de Luiz Pacheco (Contraponto, 2000) y los libros de artista, A Nossa Necessidade de Consolo é Impossível de Satisfazer # 2 (2003 ), Alice's Guest Book (2010), The Cabinet of Dr Alice (2014) y Manifesto Visual (2016).

Formó parte del colectivo artístico Sparring Partners (con João Fonte Santa y Pedro Amaral) y actualmente es una de las Girlschool (con Susana Mendes Silva), proyecto de clases performativas sobre temas ligados al arte y a la sexualidad. Tiene un Doctorado en Arte Contemporáneo por el Colegio de las Artes de la Universidad de Coimbra, es profesora auxiliar del Departamento de Arquitectura en la Facultad de Ciencias y Tecnología de la Universidad de Coimbra.

Alice Geirinhas (Fotografía: Autoretrato en risografía de la exposición “Take me now Baby Here as I Am” Galeria Monumental, 2017)

Ana Fernandez
 

Ana Fernández (Quito, 1963). Artista cuya práctica oscila entre el dibujo, la pintura, la escritura de textos poéticos y críticos, las prácticas sociales y educacionales basadas en el arte. Se graduó en el San Francisco Art Institute en EEUU y recibió su Maestría MFA en Dibujo y Pintura de California College of the Arts. Actualmente estudia un PHD por el Institute for Doctoral Studies in the Visual Arts IDSVA. Ha sido Artista en Residencia del Women’s Studio Workshop en New York en 2004 y ha ganado varios premios entre ellos el Pollock Krasner Foundation Grant en 2005. Durante el 2014 se desempeñó como directora del Centro Cultural Metropolitano de Quito. Actualmente es docente en Foothill College en San Francisco.
 
Ana Fernandez. Web
 

Claudia Casarino

Claudia Casarino (Asunción, Paraguay, 1974) Estudió en el ISA de la Universidad Nacional de Asunción y cursó estudios en las ciudades de Nueva York y Londres.

En su obra trabaja desde lo conceptual reflexionando sobre cuestiones de género y la
conciencia del cuerpo —puesto en tensión por fronteras y tránsitos forzados—. Su trabajo se ocupa de interpretar el universo de la mujer como sujeto de transformación social.

Expone desde el año 1998 y lo ha hecho en 5 versiones de la Bienal del MERCOSUR, la Bienal de la Habana, de Tijuana, de Busán, de Cuenca, de Curitiba, Argelia y de Venecia, así como las trienales de Santiago y Puerto Rico, y en diversas muestras en galerías, museos y centros culturales de Asunción, Santiago, San Pablo, Buenos Aires, Bogotá, Madrid, Barcelona, Milán, Amman y Londres, entre otros.
Su trabajo está incluido en las colecciones del Museo del Barro, Victoria & Albert de Londres, BID de Washington DC, Spencer Museum de Lawrence y Casa de las Américas de la Habana. Es directora de la Fundación Migliorisi.

Claudia Casarino | Web

Crstina del campo
 
Cristina del Campo (Riosapero, Cantabria, 1981) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Diploma de Estudios Avanzados por la UCM. Ha vivido y trabajado en Madrid, Nueva York, Berlín, y en la actualidad reside y trabaja en Cantabria.
Ha expuesto individual y colectivamente en instituciones y galerías tanto nacionales como internacionales, como la Galería Juan Silió, que la representa en Cantabria, o Black & White Gallery en Nueva York, con las que expone regularmente.

Ha participado en exposiciones en el Centro Valey de Asturias, el Centro CASYC y la Biblioteca Central de Cantabria en Santander, el Museo Da2 de Salamanca, el Centre del Carme en Valencia, Arthub (filial online de Black & White Gallery) y Mulherin+Pollard Gallery en Nueva York, Galeria 3+1 Arte Contemporânea de Lisboa, Colegio de España en París, Institutos Cervantes de Bruselas, Varsovia y Nueva York, o Embajada Española en Washington. Asimismo ha asistido a ferias como Art Southampton, PULSE NY o Affordable Art Fair en Nueva York, Est Art Fair en Estoril, ARCO, JustMad, SUMMA y Estampa en Madrid, o ArteSantander.

También ha obtenido premios como el Premio Summer Calling ́13 en Lisboa, el Premio Art<30 en Barcelona, el Premio y la Beca de Artes Plásticas Gobierno de Cantabria, el Premio Fundación Gaceta de Salamanca, el Premio Ibercaja de Logroño, o el Premio Pancho Cossío en Santander. Su obra está en colecciones como la Colección ACB, Black & White Art Fund, Colección Fundació Banc Sabadell, Colección HdT, o Colección Norte de Arte Contemporáneo. Además de en catálogos de exposiciones individuales y colectivas, aparece representada en SCAN. Spanish Contemporary Art Network, así como en publicaciones de la Dirección General de la Mujer en Cantabria como Damas ilustres y mujeres dignas: algunas mujeres extraordinarias del siglo XX en Cantabria, o la Revista Mujer de Cantabria.   Cristina del Campo. Web
 

Cristina Jaen
Cristina Jaén nace en Plasencia (Cáceres) en 1982, cursó estudios de Biología Molecular en España y Ciencias Biomédicas en el Reino Unido. Actualmente se dedica al ámbito de la investigación clínica y reside en Madrid-España. Para esta artista el arte es un proceso revolucionario para el crecimiento, la transformación y el desarrollo de la sociedad. Su obra pictórica deriva en gran parte de la fascinación que siente por la ciencia, su estética y la belleza expresada en cada una de esas moléculas que observa a diario bajo la mira del microscopio.

Entre sus mas recientes exposiciones se encuentran: “La Transferencia del sentido: un dialogo entre ciencia y arte” Rizoma Galería. “XVII Muestra de pintura UNED” 17 Octubre -17 Noviembre 2017 (Plasencia (Cáceres) “Exposición Fotográfica Menstrual” – Rizoma Galería. 11-18 Mayo 2017 (Madrid) “Bomarzo” Video Arte – Teatro Real. Marzo 2017 (Madrid) “Fanzine Lampedusa” (Fotografía- Ilustración) Vol. I 2015 (Plasencia (Cáceres) “Fanzine Lampedusa” (Ilustración) Vol. 0 2013 (Plasencia (Cáceres) “Caravana de los artistas” Junio- Agosto 2002 (Berlín). Ha participado en la Hybrid Air Fair, en el marco de las actividades paralelas a ARCO Madrid de la mano de Rizoma Galería. Y realizara su primera individual en Marzo en la Galería Espacio Blomberg en Plasencia, con la serie pictórica inmortales.

Cristina Jaen. Web
 
Diana Larrea
 
Diana Larrea (Madrid, 1972) es una artista visual que en sus trabajos utiliza varias disciplinas plásticas, como la instalación, el vídeo, la fotografía o el dibujo. Es conocida, sobre todo, por las intervenciones y performances que ha realizado en espacios públicos. Con sus propuestas de arte público, la artista siempre ha dirigido su interés hacia la mirada del ciudadano común, para provocar leves interrupciones en nuestra vida cotidiana. Con ello, trata de desplegar preguntas vinculadas a la ocupación del espacio público y la intrusión de ciertos desórdenes en nuestra realidad diaria.

Actualmente, su línea de trabajo principal es la visibilización de las mujeres artistas, sobre todo a través de su proyecto Tal día como hoy, que consiste en pasar un año entero publicando en Facebook cada día la biografía y el trabajo de una mujer artista, coincidiendo con la efeméride de su nacimiento o su muerte.

Diana Larrea. Web

dora Roman

Dora Román (Madrid) En 2014, al terminar la licenciatura en Bellas Artes, se trasladó a El Escorial, donde vive y trabaja actualmente. Interesada desde siempre por el arte, realizó primero estudios de Geografía e Historia y posteriormente un DEA. Decidida a hacer de su pasión una profesión, comisaría exposiciones, forma parte del grupo de comunicación de MAV (Mujeres en las Artes Visuales) y de la asociación Imagina Escorial, y colabora con las revistas digitales Tap Magazine y Mito Revista Cultural, trabajando actualmente en proyectos fotográficos con los que reescribe historias clásicas y míticas que tratadas con intención crítica traslada a la época actual.

Entre las últimas exposiciones en las que ha participado se encuentran, en 2016: Ventanas al Arte (San Lorenzo y El Escorial); Proyecto Imagina Escorial, en Galería Edurne (El Escorial), Sobredosis, en Espacio Despliegue (Madrid) y I Jornadas El cuerpo como medida, en la Universidad Rey Juan Carlos, Campus de Fuenlabrada (Madrid). En 2015: doArte, en el IES San Clemente de Santiago (La Coruña), Historias de Zapatos, en el Centro Exposiciones Castilla de El Escorial (Madrid), Epon@rte, en el Museo de Arte Ibérico El Cigarralejo de Mula (Murcia ) y Penélope y las doce criadas en la Sala Isabel de Farnesio, de Aranjuez (Madrid). En 2014 fue seleccionada para el primer happening Faceless de Madrid y en 2012 para el Taller de Desarrollo y Montaje de la ópera La Clemenza di Tito en el Teatro Real de Madrid.

Dora Román. Web

Ginebra Siddal
 
 

Ginebra Siddal (1990, Granada, España) es el nombre artístico de Guiomar Sánchez Ramírez, una artista multidisciplinar con estudios de Historia del Arte, fotografía y grafología. Es una amante de la conceptualidad y su trabajo se inspira en el movimiento fotográfico pictorialista de finales del siglo XIX y primeros años del XX. Los fotógrafos del pictorialismo siguen de cerca las teorías del romanticismo y colocan en un primer plano las emociones y la sensibilidad. Ha participado en diversas exposiciones y festivales, tanto en su Andalucía natal, como a nivel estatal e internacional. Se incluyen nombres como Photofestival 2015, Ismailia Film Festival (Egipto) en 2016…entre otras. ”

Ginebra Siddal. Web
 
 

Helene Pavlopulo

Helene Pavlopoulou (1972,Larissa. Grecia) estudia pintura con Dimitris Mytaras y grabado en la Escuela de Bellas Artes de Atenas con una beca de la Fundación del Estado (1992-97 ) Máster en Artes en la Escuela de Bellas Artes de Atenas con una beca de posgrado de la Fundación del Estado ( 2003-04 ) bajo la supervisión de Tassos Christakis.

Helene ha realizado numerosas exposiciones individuales entre las que destacan las comisariadas en Atenas por Manos Stefanidis, Dora Iliopoulou-Rogan y Eleni Gatsa, en París por Syrago Tsiara y Thalia Vrachopoulos, y en Constantinopla y Bruselas, bajo los auspicios de la Presidencia griega del Consejo de la E.U. comisariadas por el helenista español Pedro Olalla. También ha participado en distintas ferias internacionales: Art London, Art Athina o Art Instanbul y en exposiciones colectivas en museos de Grecia, Europa, EE. UU. Y China , entre ellos, Museo de Arte Contemporáneo de Tesalónica, Museo Frissiras de Atenas, Museo Catsigras, Larissa, Creece, la Galería Nacional de Atenas, el Museo Nacional de Arte, Beijing, etc.

Recientemente inaugura su primera exposición en Nueva York: “Woman, Mother, Daughter, Wife, Friend…” invitada por la historiadora del arte y comisaria internacional Thalia Vrachopoulos en la Galería del Presidente del Jay College de Nueva York. En septiembre de 2017 participó en la Bienal de Pekín invitada por el Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Tesalónica con la exposición ‘’The Body, The Soul, The Place’’, comisariada por Maria Tsantsanoglou y Syrago Tsiara.

Las obras de Helene Pavlopoulou se encuentran en colecciones privadas y públicas, entre otras, la Colección de Arte del Banco Nacional de Grecia, el Grupo Bank of Piraeus, el Museo de la Familia Copelouzos, el Museo Frissiras, el Museo Estatal Thessaloniki de Arte Contemporáneo y otras colecciones privadas en Europa y Estados Unidos.

Helene Pavlopoulou. Web
 
Iris G. Merás
 
Iris G. Merás (Oviedo, 1979) es licenciada en Psicología con un máster en marketing y comunicación (UAM) y otro en psico-oncología (UCM).

Se inicia en la fotografía en la infancia a través de los álbumes familiares. A los 8 años recibe su primera cámara fotográfica y pronto descubre la magia del laboratorio donde pasará largas jornadas en su adolescencia. Será su padre, periodista, quien publique sus primeros encargos fotográficos. En su juventud se sumerge en el mundo de la música en vivo. Algo que dará como resultado la exposición ‘Corazón de rock’n’roll’ y una estrecha colaboración con las revistas Mondo Sonoro y G’77.

En 2008 le premian en los seminarios de La Fundación Santa María de Albarracín que dirige Gervasio Sánchez con una beca por la serie “Casa Sabina” sobre las tareas de cuidado de las mujeres en la tercera edad. En 2009 presentará el cuento “Papi” en el que aborda el rol masculino en las labores de crianza. En 2015 obtiene la beca profesional de estos encuentros en su XV edición por la serie “Puerperio” donde de manera poética se autorretrata en los primeros años de la maternidad. Ese mismo año es seleccionada para el taller “construyendo nuestra realidad” del Ministerio de Cultura y organizado por Juan Manuel Castro Prieto y Chema Conesa que culminaría con una exposición en La Tabacalera de Madrid. En 2016 también es seleccionada para Descubrimientos PhotoEspaña y le es otorgada la beca “Nuevos Talentos” de los Encuentros Fotográficos de Gijón que culminaría con una exposición individual en el Museo Barjola. En 2017 Editions Enigmatiques de París presentó el libro “Puerperio” en Les Rencontres de la photographie de Arlés.

Actualmente investiga la utilización de la fotografía en el tratamiento de la depresión y el impacto de las imágenes en la memoria autobiográfica. Sobre esta materia, Iris alimenta su blog.

En sus imágenes hay amor, dolor, una especial atención a los valores humanos considerados “tradicionalmente femeninos” así como a la incorporación de la fotografía dentro de la fotografía.

Iris G. Merás. Web
 
Lourdes Chesa
 
Lourdes Chesa [Dori and Grey] (España, 1970). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia.

Binomio de artistas que enmarcan sus trabajos dentro del cine experimental, el documental, la instalación, el videoarte, el videoclip, las fronteras del vídeo ensayo y su vinculación con el sonido. Destacando entre otros, los proyectos realizados para el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC): “La Guinea” (2005, proyecto de vídeo documental y fotografía comisariado por Juan de Nieves​) y “Gaiata Peregrina” (2007, interferencias del espacio público en colaboración con Antoni Miralda y Alicia Ríos​); el proyecto colaborativo multidisciplinar “La Película Descacharrada”, junto al músico Joaquín Pascual (2013, SEFF, Seville European Film Festival​); el set de video en directo para la gira de conciertos de la formación musical Mercromina (2014-2015); los videoclips “La Perspectiva” (2013, Xcèntric. Festival “Collage exquisito” en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona CCCB), “Le vent doit se taire” (2015, TIAF London​) y “Flores sobre el estiércol” realizado para la formación musical Chucho del artista Fernando Alfaro (2017, Festival Cara•B​); la vídeo-instalación “Campo continuo de tensiones binarias” (2014, Feria Internacional de Arte Contemporáneo ArteSantander​); el proyecto audiovisual “Bruit en images” junto a los músicos Gastmans & Morgan (2017, MaF – Centro Pompidou ​de Málaga); y la participación en la exposición colectiva celebrada en Tabacalera Madrid​, con motivo de la celebración del décimo aniversario del Festival Internacional de Videoarte Proyector 2017 junto a obras de Santiago Sierra y Eugenio Ampudia​.

Así mismo, cabe destacar el comisariado de videoarte para el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC) ​iniciado durante el año 2017 (en activo actualmente), con la intervención de las artistas María Cañas ​y Andrés Duque​, entre otras.

Dori and Grey. Web
 

Luz Darriba
 
Luz Darriba, feminista, artista multidisciplinar, escritora, ha realizado más de 300 exposiciones colectivas, 50 individuales, 40 macrointervenciones enemblemáticos espacios públicos internacionales. Entre ellas Cumulum, muralla de Libros (Lugo 2000); Libres avec des livres (Maison de l´UNESCO, París 2000); Alcalá, una puerta a la cultura (Madrid 2001); LibroLIBRE (MUPEGA, Sgo. de Compostela 2008); Libook (Palau Moja, Barcelona 2005); Bibliotecas
de Babel (Lugo 2006); Laberinto (Lugo 2007); Cortar por lo sano (Argentina 2008); Ágora-Libros (Plazas de Galicia 2010); Follas Novas (Lugo 2007, Buenos Aires 2010); Flecha amarilla (Sgo. de Compostela 2013), Una Mano a las aves migratorias (Lugo 2013); Marelle des Livres (Bruselas 2014); Der_hechos humanos (Lugo 2015). Acciones de género: Patchwork (Sgo de Compostela, 2004); Guante negro, guante blanco (Lugo, 2005); Las mujeres tomamos las calles (Lugo, 2005); Señales (Lugo 2006, Buenos Aires, 2009, Costa Rica 2010); Palabras + (Sgo. de Compostela 2006); Arakne (San Sebastián, 2007); Cuestión de género (Buenos Aires, 2008); Antropofagia
(Buenos Aires, 2008); Sare (Vitoria, 2009); Nonetrivial (Lugo, 2009); Piedras (Lugo, 2013); El vuelo de las mariposas (Lugo, Coronel Suárez, Argentina, 2014); El rayo que no cesa (Lugo 2016); Yo soy mi obra (Lugo 2016).

Algunas de las distinciones recibidas: Premio Brindisi, (Italia 1997); Premio Plástica Latina (Francia, 1998); Premio Academia Internazionale D´Arte Moderna (Italia, 1997); Mención Centenari d´Els 4 Gats (España, 1996); Premio Cittá ´Avellino, (Italia, 1994); Beca Ivonne Jean Haffen (Francia, 1995), Beca Xunta de Galicia
(1993), Gran Premio Fondo Nacional de las Artes (Argentina 1983), Beca Fondo Nacional de las Artes (Argentina, 1985); Premio a Extranjeros Salón Nacional (Argentina 1986). Escribió en la revista Foeminas, colabora con diferentes periódicos. Publica Toda la gente errante (2010); Juguetes para niños ciegos (2015); Lo que el viento no se llevó (2016). Recibe, entre otros, el Premio Ánxel Fole de Relato (2011).

Luz Darriba. Web
 
Maria Sanchez
 
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Finaliza sus estudios en L’ École de Beaux Arts de Bourdeaux (2000). Durante cinco años trabajó bajo la dirección de Javier Vallhonrat, en Lab. En 2009 recibe una beca del Ministerio de Cultura en Filmoteca Española para trabajar en el Archivo EOC (Escuela ONicial de Cine).

Entre los premios y selecciones destacan: Encontro Artistas Novos Argentina (2016), Premio a la producción de la Fundación Santander (2014), Beca Internacional Roberto Villagraz (2011), Convocatoria Internacional Jóvenes Artistas Luis Adelantado (2011). En 2014 publica “mieldeabeja” que pertenece a los cuadernos de la Kursala, (cur. Jesús Micó), y que fue seleccionado en PHE 15 entre los 100 mejores fotolibros de 2014.

Su práctica artística se desarrolla a través de intervenciones en la vida, que documenta “a veces” con fotograNía o vídeo en móvil. Confundir arte y vida, la fragilidad, la relaciones personales, son algunos de los temas que le interesan.

María Sánchez. Web
 
Marian Garrido
 

Marian Garrido. Licenciada en BBAA por la Universidad Complutense de Madrid y Mmáster de Historia del Arte contemporáneo y cultura visual en el MNCA Reina Sofía. Titulada en gráfica publicitaria por la Escuela de Arte de Oviedo ha ejercido durante años en el ámbito del diseño gráfico llegando a ganar el premio Motiva estudiantes en el 2005 y participando en la Bienal de diseño Experimenta Design Lisboa, actualmente ejerce la docencia de historia del diseño en el Instituto Europeo di Design Madrid.

Ha dirigido e impartido varios seminarios y lectures entre ellos “Postanarquismo; Nomadismos e interzonas” durante dos años en el programa CortoCircuitos de Extensión Universitaria Complutense o “En las ruinas del futuro; el fantasma de la máquina” desarrollado en RAMPA, “Arte y mutaciones en la cultura de consumo actual” en Medialab Prado, “Stop making sense” en La Casa Encendida o “Abandon all art now” en el MACBA.

Ha expuesto en la Sala de Arte Joven de la com. de Madrid, Centro Cultural Conde Duque, LBoral de Gijón, Fabra i Coats Barcelona. Ha sido ganadora del Premio Generaciones 2017 de La Casa Encendida y Circuitos de Arte Plásticas 2017.

Marian Garrido | Web
 
Mercedes Bellido
 
Esta artista nació en Zaragoza en 1991 y actualmente está afincada en Madrid, en un estudio con mucha luz junto al río manzanares. Antes estudió en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y, ya en la capital, realizó un Máster en Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid. Lleva varios años dedicada de forma completa y profesional al mundo de la ilustración y la creación artística. Ha realizado colaboraciones con distintas marcas internacionalmente conocidas como Zara, Dior o Reebok. Además, en la actualidad es directora de arte para Kling. Es una habitual de feria de edición artesanal y fanzines Libros Mutantes. Sus pinturas están llenas de influencias del imaginario místico.

Mercedes Bellido | Web
 
 
 
 
Monica Alonso
 

Mónica Alonso. Doctora en Bellas Artes, Universidad de Vigo con la Tesis titulada: “El espacio doméstico en la escultura contemporánea”. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca.

Recibe diferentes becas artísticas entre las que destacan, Beca de Creación Artística Unión Fenosa, viajando a Nueva York para investigar en el estudio de artista Vito Acconci. La Beca Endesa de Artes Plásticas. Beca Fundación Yaddo Nueva York. Beca Academia de España en Roma. Beca CAM. Realiza diferentes residencias de artistas entre las que destacan: Residencia Capacete, Río de Janeiro, The Townhousegallery, el Cairo.

En 1997 realiza una de sus exposiciones individuales más importante en Sala Montcada da Fundacion La Caixa. En 2002 expone de forma individual en el CGAC de Santiago de Compostela. En 2011 realiza una retrospectiva de su trabajo, “Mónica Alonso. Obras (1994-2011)” en el Museo Provincial de Lugo. Su relación con distintas disciplinas queda patente en su participación como artista colaborador en la 8 Mostra Internazionnale di Architectura, La Bienal de Venecia. Su interés por la fusión entre arte, arquitectura y psicología la lleva a crear en 2013 la ciencia del psicoespacio.

Mónica Alonso. Web
 

Monica Mayer
 
Mónica Mayer (México, 1954) ha desarrollado un enfoque integral en el que, además de performances, dibujos o intervenciones, considera como su producción artística escribir, enseñar y participar en la comunidad. De acuerdo a diversas publicaciones es pionera del arte feminista, el performance y la gráfica digital en México. En 1983 fundó el grupo de arte feminista Polvo de Gallina Negra con Maris Bustamante y, en 1989, con Víctor Lerma inició el Proyecto Pinto mi Raya cuyo eje central es un importante archivo hemerográfico especializado a partir del cual han desarrollado diversas propuestas artísticas.

Ha publicado varios libros, entre ellos Rosa chillante: mujeres y performance en México. Fue columnista de El Universal 20 años y sus textos han sido publicados en diversas revistas nacionales e internacionales. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores con un proyecto sobre arte y archivos.

Mónica Mayer. Web
 
Nekane Jimenez
 
Nekane Jiménez Fernández nace en 1992 en Ablitas, Navarra. Estudia Bachillerato Artístico en la Escuela de Arte y Oficios de Corella y, al finalizar, va a vivir a Salamancadonde en 2014 se gradúa en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, destacandoy orientando su trabajo en la rama de pintura. Allí su obra es seleccionada en la convocatoria Premio San Marcos 2014, entre otros logros. Tras su etapa universitaria vive un año en Alemania, donde nace y se desarrolla su proyecto “La Libreta de Neka”, un cuaderno de apuntes y dibujos diarios que publica durante un año a través de redes sociales. Con este proyecto y otras creaciones participa en Open Mercado 2015, una iniciativa del Museo Würth La Rioja que apuesta por el encuentro de nuevas propuestas y la promoción de artistas, diseñadores, emprendedores etc. De nuevo cambia de ciudad en 2016, eligiendo esta vez como destino Barcelona.

Allí realiza un Posgrado de Ilustración aplicada al Diseño en la IDEP, compaginando sus estudios y sus investigaciones artísticas con trabajos como profesora de dibujo y pintura. Complementa su formación realizando cursos online impartidos por galerías dentro del territorio nacional, así como mediante la participación en iniciativas como MID_Emprendedores
(Programa de Itinerarios para el Emprendimiento Juvenil de la fundación INCYDE) en
Barcelona. Durante el transcurso de este periodo es seleccionada con su libro de artista
en la convocatoria Afán-Afán 2016.

Durante su recorrido ha participado en numerosas exposiciones colectivas entre las quedestacan “Arte 50” (2014, Museo de la Casa Pía, Lisboa), “The Human Body: Reflections” (2015, Sala La Paloma, Madrid), y “Esto no se come” (2017, Las Cosas de Martínez, Barcelona). Individualmente, ha expuesto “Camelia” (2015, Casa de Cultura de Fontellas, Navarra).

Nekane Jimenez. Web
 
Nuria Lago

Nuria Lago (Vigo, 1979) recibe su formación académica en pintura en la Escuela de Artes y Oficios de Vigo (EMAO). Desarrolla su actividad artística desde los noventa.

Tras años de pintura figurativa, actualmente su trabajo y su labor investigadora se centran en el ámbito de la pintura de abstracción, concretamente en el expresionismo abstracto, el cual le posibilita la síntesis de ideas, así coma una relación más directa y profunda con su obra. Nuria vive el arte como un proceso de investigación permanente, lo que implica receptividad, permeabilidad y plena atención a su entorno, a sus emociones y sensaciones, lo que al mismo tiempo, le lleva a la búsqueda de nuevos lugares y situaciones…Un viaje continuo.

Sus mundos emocional y sensorial constituyen la esencia de su obra, produciéndose una interacción constante entre ésta y ellos, lo que le otorga a cada obra, por un lado, su carácter lírico e intimista y por otro, su enorme fuerza, que contrasta con la fragilidad de su soporte, el papel. Estos aspectos, se reflejan en enérgicos trazos y colores, en gran medida, agrisados.

Entre sus exposiciones más recientes se encuentran: “Abstracción irreversible” (exposición individual en “Sala Apo ́strophe”, Vigo, 2018); “I Certame de Arte Plástika17” (organizado por “Sala Apo ́strophe”, Vigo, 2017); “XVI Premio Internacional de Pintura Miquel Viladrich” (Torrelameu, Lleida, 2017); “Certamen de Cerámica, Pintura y Fotografía 2017”, (Ministerio de Agricultura MAPAMA, Madrid, 2017); Exposición colectiva Sala “Afundación” (Vigo, 2017); “29 Concurso Nacional de Pintura”, (Lora del Río, Sevilla, 2017).

Nuria Lago. Web
 
Nuria Rion

Núria Rion (La Canonja, 1976) es una artista multidisciplinar nacida en La Canonja; actualmente vive en Montblanc (Tarragona). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (1999) con una Beca Erasmus a la Leeds Metropolitan University, Reino Unido (1999) y Curso de gráfica Internacional en Bilbao-Arte (2000). Desde entonces compagina la creación con la docencia en la Escola d’Art i Disseny de Tarragona.

Trabajó en un refugio de montaña y esa es una de las cosas que más la influyó a la hora de trabajar con materiales naturales: la mirada puesta en la naturaleza y en su influjo en nosotros. Su obra, así, se mueve alrededor de los conceptos de memoria y construcción de la identidad, individual y colectiva. En contacto directo con el medio, creando una experiencia de transformación junto al proceso creativo.

Ha realizado un gran número de exposiciones, performances y acciones individuales y colectivas. Recientemente ha presentado sus trabajos en la Galeria L&B contemporary art de Barcelona, entre otros espacios. Ha recibido el Premio/beca Carles Mani del Ayuntamiento de Tarragona que se presentó a SCAN 2012 –Festival Internacional de Fotografía de Tarragona, y una beca de formación de la Fundació Miró de Palma de Mallorca a raíz de la obra presentada en el espacio Tentaciones de la Feria Estampa de Madrid (2010), así como una beca de creación (2008) de la Generalitat de Catalunya para el proyecto Encara raja?

Núria Rion. Web
 

Paloma Navares-retrato

Paloma Navares (Burgos, 1947) es la artista multidisciplinar pionera en España, una mujer con una tremenda inquietud por investigar y recorrer nuevas disciplinas, generando un lenguaje propio, innovador, analítico e inquietante.

Aunque comienza pintando, no tardará en abandonar el lienzo, soporte que reemplazará desde sus inicios en 1977 por las nuevas tecnologías: el vídeo, la instalación, la performance pasarán a ser las disciplinas que sustentan su trabajo. Fotografía, imagen en movimiento, sonido, luz se fusionan para narrar temáticas que se reiteran a lo largo de su carrera: la mujer, la crítica social, los materiales cotidianos, … un compendio de análisis que hacen plantearse al espectador dudas y reflexiones que traspasan la obra.

Fue directora de las primeras ediciones de festivales de vídeo que se celebraron en el Círculo de BBAA trayendo artistas de la talla de Bill Viola, Name June Paik y Marie-Jo Lafontaine, ha organizado festivales, trabajado en varios proyectos de escenografía, y realizado más de un centenar de exposiciones en todo el mundo, estando presente en ferias y bienales. Su obra puede encontrarse en numerosos museos, instituciones, colecciones públicas y privadas.

Paloma Navares. Web

 
Paula Noya

Paula Noya (Lugo, 1969) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, Máster en Estética y Teoría de las Artes por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha impartido cursos, talleres y seminarios de arte en instituciones como el CMAGEC, Centro Murciano de Arte Gráfico (Murcia), ECAM, Escuela de cinematografía y audiovisuales de Madrid (Madrid) y en el Museo Thyssen-Bornemizsa (Madrid). Su trayectoria artística se desarrolla dentro del campo de la pintura, la fotografía y el vídeoarte participando en diferentes exposiciones individuales y colectivas como: “Serie Santa Teresa y las Metamorfosis en “Las Formas del alma”, Instituto Cervantes, Madrid, 2017, “El hilo de Cloto”, La Factoría de Papel, Madrid, 2016, “La distancia incómoda”, Centro Valey, Piedrasblancas, Asturias, 2016, “Nazarenos”, ArteLaguna ArtPrice”, Venecia, 2015, “Gabinete de sombras”, La Factoría de Papel, Madrid, 2015, “Identidades y Latidos”, Museo Provincial de Lugo, 2014, “Cegueras e Imposturas”, Festival Miradas de Mujeres, Sala La Bacía, Madrid, 2013, “Watching”, The 8th Annual Carnival of E-Creativity, India, 2013 o la participación de su video “El Pliegue”, presentado en el Festival Int. de Documental OPENCITY, Londres y en la DocumentaMadrid’10, Sala Palafox, Madrid, 2010, entre otras. Su obra ha sido publicada en diferentes publicaciones y catálogos como; “Las formas del alma” (2017), “Secuencias de la experiencia. Estadios de lo visible. (Aproximaciones al videoarte español)” Ed. Brumaria (2017) Libro de artista“Cuaderno inacabado” (2016) Catálogo“Identidades y Latidos” (2015), Libro de fotografía “Gabinete de Sombras” (2015), Catálogo “El bosque interior” (2015), Catálogo “ArteLaguna ArtPrize” (2015), Catálogo “Festival Miradas de Mujeres” (2014), Catálogo “Mulier Mulieris” (2009). Catálogo Fotonoviembre VI (2005), Catálogo Focale (2001), Catálogo Circuitos (2001).

Paula Noya. Web
 

Rebecca Horn

Rebecca Horn (Michelstadt, Alemania, 1944) Vive y trabaja en Berlín y París. Estudia en la Hochschule für bildende Künste de Hamburgo y en el Saint Martins College of Art de Londres. Después de vivir en Nueva York entre 1972 y 1981 regresa a Berlín, donde se dedica a la enseñanza desde 1989.

A raíz de una afección pulmonar contraída en 1968, Horn pasa por un largo período de convalecencia durante el cual adapta su trabajo y obra a su delicado estado: sustituye los materiales escultóricos por otros más ligeros. Se inspira en la soledad, la fragilidad e incorpora sus «esculturas corporales» en sus performances, algunas de las cuales fueron recogidas en sus trabajos cinematográficos, medio en el cual trabaja desde 1970.
A partir de 1980 abandona progresivamente el cuerpo como objeto y sujeto de su obra en favor de esculturas mecanizadas creadas a partir de elementos cotidianos, todos ellos bajo un nuevo significado poético, cargados de sensualidad o incluso evocando cierta violencia o ansiedad. En esa misma década comienza a desarrollar instalaciones específicas en lugares con un importante pasado histórico y político. Las alusiones al sexo, el deseo, el misticismo o la literatura y a conceptos como lo intuitivo y lo científico, la corporeidad y la filosofía, están muy presentes desde sus inicios.

Ha sido galardonada en numerosas ocasiones: Documenta Preis, Kassel (1986), Carnegie Prize, Carnegie International, Pittsburgh (1988), Barnett and Annalee Newman Foundation Award, Nueva York (2004), Praemium Imperiale Prize de escultura, Japan Art Association, Japón (2010), y Grande Médaille des Arts Plastiques de la Académie d’Architecture de Paris (2011). Su prolífica trayectoria incluye exposiciones en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York (1993), la Neue Nationalgalerie de Berlín y la Tate Gallery de Londres (ambas en 1994), la iglesia del Convento de Santo Domingo de Pollença, Mallorca (2003), Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, (2004), la Fundação Centro Cultural de Belém, Lisboa (2005), Martin-Gropius-Bau, Berlín (2006), o el Museum of Contemporary Art, Tokio (2009). Su obra forma parte de las colecciones de destacados museos como el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Irish Museum of Modern Art de Dublín, la Tate Collection de Londres, Los Angeles County Museum of Art y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona.
 
REBEKA ELIZEGI copia
 
Rebeka Elizegi (Donostia, 1968) realiza collage como actividad artística y de expresión personal.
Trabaja exclusivamente de forma manual: le interesan las tijeras, el pegamento, y la exploración de materiales diversos. Trabaja sus piezas en pequeño, medio y gran formato, pero siempre aplicando la técnica del collage manual clásico sin redimensiones ni retoques digitales, silueteándolas sobre soporte rígido, de forma que se convierten en figuras volumétricas, pequeñas esculturas de papel, cartón o madera.

La figura femenina es en gran parte el eje central de su obra, aunque también trabaja sobre la idea de la diversidad de género y otras cuestiones de ámbito social. Formalmente navega entre el surrealismo y el dadaísmo utilizando lenguajes poliédricos que ofrecen múltiples lecturas.

Sus obras han sido expuestas tanto de forma individual como colectiva en galerías como La Isla (Madrid), Antidote Art Gallery (Bayonne), Arteuparte Gallery (Donostia), Galería Espai Cavallers (Lérida), Espai [B] Galeria (Barcelona) Artevistas Gallery (Barcelona), Mutuo centro de arte (Barcelona) Linus Art Galleries (Los Angeles – Obra seleccionada como “Juried Exhibition Winner”), o Pop-Up Art Gallery (Berlín) y ha participado en festivales y exposiciones colectivas como Fieber Festival (Berlín), Muerte a los grandes relatos (Casa de la Mujer – Zaragoza – Colectivo Quién coño es), o Encarceladas (Lecrác – Palencia – Asociación BNM ).

Sus trabajos han sido publicados en revistas internacionales especializadas en arte y diseño como Kolaj Magazine, BLNC Magazine, The Lighting Mind, Empty Mirror, Oneric Magazine, Revista Visual, Cults of life, o Sample Magazine, entre otras.

Algunas de sus piezas de collage se han aplicado también en portadas de libros, discos, carteles y en algunas aplicaciones de moda textil o proyectos de decoración. En el sector editorial, ha ilustrado varios libros utilizando la técnica del collage, entre ellos Collage Terapia, un libro de actividades que acerca la práctica del collage al gran público desde una perspectiva “terapeútica”. Fotografía: © Malena Ibarz

Rebeka Elizegi. Web
Reme Remedios
 
 
Reme Remedios (Romiña, Ourense 1972) Artista y terapeuta, sus obras son herramientas para fomentar y compartir el desarrollo del potencial humano. La unión activa entre el arte y la vida le permite realizar piezas personales o colaborativas como forma de investigación constructiva de los espacios de autoconciencia. Actualmente lleva a cabo un proyecto global en el espacio Dosmilvacas de Ponferrada dedicado a los encuentros, las terapias y las exposiciones.

Reme Remedios. Web
 
 
 
Ruth Montiel Arias
Ruth Montiel Arias. Palmeira – Ribeira, A Coruña. 1 977. Graduada en Artes aplicadas por la Escuela Superior de Artes Pablo Picasso en A Coruña. Realizó el Máster de Fotografía Concepto y Creación. EFTI, Madrid y el Máster de Identidad Corporativa en la Escuela Superior de diseño Elisava, Barcelona.

Su obra ha sido expuesta en instituciones culturales como el Kulturmodell en Passau, Alemania, Museo de la Memoria en Argentina, Calcografía Nacional, La Casa Encendida, Matadero y Centro Hispano Colombiano en Madrid, Fundación Cristina Enea en Donostia, Antigua Capilla de la Beneficencia en Logroño, MAC en A Coruña, Cidade da Cultura en Santiago de Compostela, Museo de Pontevedra, Iglesia de la Universidad de Santiago de Compostela, Centro Municipal de las Artes de Alcorcón. Galerías nacionales como Galería Cero, Galería Liebre, La New Gallery o Noestudio en Mad ri d, y la galería Moproo en Shangai, China.

Sus fotografías se han visto en medios de prensa y televisión española como La Marea, El Abe, El País, El Diario.es, Vice, Rtve 24 horas y Rtve 2.

Su trabajo ha sido seleccionado en distintos certámenes de arte, así como en becas y residencias artísticas nacionales e internacionales como la Propuestas Vegap 2017,Beca de Creación Artística en el Extranjero de Gas Natural Fenosa 2016, 20º Fotopres La Caixa 201 5 (finalista), Residencia Artística MAC 201 5, Ku lturmodell 201 3, Estudio abierto 201 3, Movic, Beca de Movilidad Reaj 201 2, Defest Matadero 201 1 y 1 Encentro de Artistas Noves 2011 .

Ha realizado talleres y conferencias a nivel nacional e internacional sobre su obra en universidades y museos en relación al arte y el activismo.

Ruth Montiel Arias. Web
 

Sandra Paula Fernandez

Sandra Paula Fernández (Oviedo,1972): Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en la especialidad de pintura y Máster en Edición de Vídeo + Motion Graphics. En la actualidad reside y desarrolla su trabajo en Madrid.

Su proceso creativo comprende varias líneas de investigación que abarcan desde la aplicación de nuevas tecnologías y el uso que puede derivar de ellas, hasta trabajos donde prima lo manual y lo artesano. Muchas de sus obras ofrecen una visión caótica y apocalíptica cargada de humor e ironía sobre los tópicos de una sociedad de consumo hipersexualizada, cada vez más adormecida y adicta a la comida ráp ida.

Ha realizado numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas y participado en diversas ferias nacionales e internacionales tales como Estampa, JustMad, Context Art Miami o CIRCA Puerto Rico Internacional Art Fair. En el 2016 formó parte del Encontro de Artistas Novos dirigido por Rafa Doctor en Santiago de Compostela y ha participado también en dos ediciones de Open Studio Madrid (2015 y 2018).

Ha recibido numerosos premios y becas entre las que sobresalen la Beca Generación AlNorte 2016 y la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias. Ha sido finalista en la 1º Convocatoria de Arte Electrónico de Outsiders Arts Foundation y Premio de adquisición en la Biennal Miquel Navarro (Mislata, 2017).

Actualmente está representada por la galería Gema Llamazares de Gijón Su obra se localiza en destacadas colecciones como la Colección Liberbank en Asturias, la Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura y la Nueva Colección Pilar Citoler.

Sandra Paula Fernández. Web
 

Silvia Noire

Silvia Noire (Silvia L:Cano, 1988, Jaén) se licenció en Historia del Arte por la UJA, ha dibujado de siempre y con el tiempo lo que era un simple hobby ha ido profesionalizándose.

Ha realizado algunos fanzines (Orivle o ACAB) publicado en numerosos otros (bombas para desayunar, revista La Madeja, periódico Diagonal, revista Argelaga nº6 portada), ha publicado en el primer tomos de el libro autoeditado (Lugares Míticos de Jaén”) ha realizado diversas exposiciones grupales (Open gallery Mengíbar, Jaén), en algunos locales de copas, Ritual (Valencia, comisariada por Marygarlic) y una en solitario en la galería FB69 de Colonia (Alemania), siendo una de sus artistas emergentes, y donde también trabajó de empleada en 2015 como ayudanta de galerista.

Actualmente se encuentra preparando un libro ilustrado y tiene algunos proyectos más entre las manos para este 2018 y los años venideros, trasladando su lugar de residencia a Valencia. Sus materiales de trabajo más habituales son la tinta y el grafito a lápiz y portaminas, aunque se confiesa seguidora de todo lo artesanal, variando sus técnicas según va experimentando (grabado, pirograbado sobre madera, cuero, modelaje..). Interesada en la figura de la mujer desde una perspectiva feminista, trabaja en su extensa producción de ilustraciones. Su estilo abarca diversos otros, desde el surrealismo hasta el arte oriental.

Silvia Noire. Web

Virginia Rota

Simona Rota (Rumanía, 1979) ha estudiado Ciencias Politicas en la Universidad de Bucarest y la Universidad Autonoma de Barcelona (2001) y Fotografía en la Escuela de Fotografía EFTI de Madrid (2010).

Tras ganar uno de los Premios de Fotografía del Museo de Arquitectura de Viena – AzW, recibe el encargo para una amplia documentación fotográfica de la arquitectura moderna en las republicas ex-sovieticas, un encargo en el que trabajo de forma intensa durante más de dos años. Fotografías de este reportaje han sido incluidas en la exposición Soviet Modernism 1955 – 1991. Unknown Stories y el libro que la acompaño así como en el archivo on-line puesto a disposición de manera gratuita por el AzW. En esta misión fotográfica radica también Ostalgia, su serie más conocida hasta la fecha.

Simona Rota ha expuesto en el Deutsches Architekturmuseum de Frankfurt – Alemania, el Centro de Arte Contemporáneo de Quito – Ecuador, en la Pinakothek der Moderne de Munich – Alemania, en Fotocolectania de Barcelona, la Kursala de Cádiz, Sevastopol Art Museum – Ucrania, Stadtmuseum Graz – Austria, Architektur Zentrum Wien – Austria, en el Museo de Arte Moderno de Medellin – Colombia, el Museo Reina Sofia de Madrid y en numerosos festivales y ferias como Fotofever Paris’17, PhotoEspaña’14, Vienna Art Week 12, SCAN Tarragona’12, Fotonoviembre etc. Destacan las exposiciónes personales en el Instituto Cultural Rumano de Madrid en PhotoEspaña 2014, en Fotonoviembre en 2013 y en la Kursala en 2013. También son notables la participación en las colectivas “Zoom. Picturing Architecture and the City” en la Pinakothek der Moderne Münich, 2015, donde expuso junto a Wolfgang Tillmans, Roman Bezjak, Livia Corona et al., en la colectiva “Fotolibros. Aqui y Ahora” de Fotocolectania Barcelona, 2014 donde ha expuesto como integrante del “nuevo fenómeno del fotolibro español” así como la participación en la colectiva “Eyes on the City” en el Stadtmuseum de Graz, 2012, donde expuso junto a Lee Friedlander, Aglaia Konrad, Peter Bialobrzeski et al.

Obras de Simona Rota han sido incluidas en las colecciones Fotocolectania (ES), Carl Aignier – Eikon (AT), StadtMuseum Graz (AT), Kursala (ES), Addaya Art (ES).

Simona Rota. Web

Yolanda Dorda

Yolanda Dorda (Barcelona) creció en A Coruña. Desde siempre ha estado vinculada, de una forma u otra, con el arte, lo que la llevó a iniciar sus estudios artísticos en la Escuela de Arte Pablo Picasso, optando por la escultura como especialización.

Fue en Londres donde la pintura se convirtió en su principal medio de expresión. Allí tomó contacto con los pintores ingleses y el expresionismo, y su influencia quedó marcada en sus obras.

En sus lienzos se aprecia cierto cosmopolitismo que proviene de su experiencia inglesa, pero también de sus estancias en Nueva York, Barcelona y Eslovenia, tomando contacto con el ambiente artístico de estas ciudades.

Desde sus inicios, además de sus residencias artísticas, Yolanda Dorda ha participado en numerosos encuentros de artistas, siendo seleccionada para los talleres organizados por el MACUF, y también por la Fundación CIEC. Además, ha sido premiada en múltiples certámenes de arte, y su trabajo está presente en importantes colecciones e instituciones. Durante la última década sus obras han protagonizado exposiciones individuales y colectivas por toda la geografía nacional.

La fuerza expresiva de su pincelada y la valiente temática de su trabajo la convirtieron en una de las artistas más destacadas de la pasada edición de Art Madrid 2017, abriéndose una nueva etapa en su trayectoria artística donde la mujer y la reivindicación de su feminidad seguirán siendo el tema central.